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Mitologia poética de Daniil Kharms / Poetic mythology of Daniil KharmsDaniela Mountian 28 November 2016 (has links)
A pesquisa tem como objetivo analisar e relacionar as escritas de si do poeta e escritor russo Daniil Kharms (1905-1942): seus apontamentos em cadernetas, sua prosa quasebiográfica, como a novela A velha (1939), suas cartas e seus autorretratos, sobretudo na década de 1930, momento em que essas artes de si mesmo passam a interagir de forma mais pronunciada, quando o criador e sua obra se misturam de maneira muito peculiar. Como o estudo das cadernetas do escritor define ponto medular da pesquisa e este material ainda não foi publicado no Brasil, também será apresentada a tradução de parte de seus cadernos de anotações e do pequeno diário, que abarcam os anos de 1924 a 1940. Além disso, pelo próprio recorte do trabalho, foi delineada uma biografia cuidadosa do autor, um dos fundadores da Oberiu, o último grande grupo do vanguardismo russo, assim como foram definidos alguns diálogos (Krutchónykh, Khlébnikov, Bergson, Malévitch e tchinari) que marcaram o desenvolvimento artístico e filosófico de Daniil Kharms, um dos mais peculiares e talentosos artistas russos de vanguarda, hoje assemelhado a escritores como Franz Kafka, Eugène Ionesco e Samuel Beckett. / The objetive of this thesis is to analyse the self-writing of the Russian poet and writer Daniil Kharms (1905-1942): his notes in notepads, his almost-biographical prose, such as the novel Old Woman (1939), his letters and self-portraits, especially in the 1930s, a time when these arts about oneself start to interact in a more emphatic way, when the writer and his work mix up in a very particular way. As the study on his notepads defines the central element of this research and this material has not been previously published in Brazil, it will be also presented a translation of a part of his notepads and little diary, from 1924 to 1940. Furthermore, by the perspective taken in this study, a detailed biography of the author was conducted. Kharms was one of the founders of Oberiu, the last avant-garde Russian group. Hence, the study also debates the importance of the art and philosophy of Krutchónykh, Khlébnikov, Bergson, Malévitch e tchinari to the work of Kharms, who became one of the most singular and talented contemporary Russian authors, compared to Franz Kafka, Eugène Ionesco e Samuel Beckett.
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A poética multifacetada de Jerome Rothenberg / The multifaceted poetic of Jerome RothenbergAndrea Martins Lameirao Mateus 18 August 2014 (has links)
A Poética Multifacetada de Jerome Rothenberg investiga o modo operacional da poética de Jerome Rothenberg (1931). Nascido em Nova York, em 1931, Rothenberg fez parte de uma geração intermediária entre movimentos poéticos bastante conhecidos de público e crítica: a poesia beatnik dos anos 1950 e 1960 e a language poetry do início da década de 1970. Junto com o poeta Robert Kelly, Rothenberg concebe a deep image nos anos 1960, movimento de curta duração, mas essencial para seu desenvolvimento poético. Rothenberg é conhecido principalmente por ter criado o termo etnopoesia e por seus experimentos com o que chamou tradução total, ao traduzir a poesia indígena norteamericana. A tradução total foi um método inovador de considerar a musicalidade, a presença de distorções de palavras ou palavras sem sentido, e outros mecanismos poéticos das artes verbais indígenas como parte integrante da composição. Dessa forma, o resultado da tradução deveria necessariamente contemplar todos esses aspectos. A partir de seu dito o primitivo é complexo Rothenberg passa a considerar aspectos poéticos da produção oriunda de culturas orais, ditas primitivas, como a base de seu conceito de etnopoesia. Sua busca pelo primitivo também o conecta diretamente com outros autores lidos como experimentais na poesia, de William Blake e Walt Whitman a Allen Ginsberg, passando por uma tríade modernista: Ezra Pound, William Carlos Williams e Gertrude Stein. A hipótese desta tese é demonstrar que o impulso etnopoético, aparentemente restrito ao seu trabalho como antologista e suas traduções, na realidade é mais abrangente e inclui sua própria produção poética. A etnopoesia se torna o conceito pelo qual podemos ler o seu retorno à sua ancestralidade judaica e seus poemas que tratam de temas como a vida dos judeus na Polônia dos anos 1930, a tradição mística da cabala e o Holocausto. A tese aborda também questões como inserção no meio poético, autoria, influência e originalidade / The Multifaceted Poetry of Jerome Rothenberg deals with the methods applied by Jerome Rothenbergs poetics. Born in New York, in 1931, Rothenberg was part of a generation in between well known poetic movements: the beatnik poetry from the 1950s e 1960s and the language poetry of the 1970s. With fellow poet Robert Kelly, Rothenberg starts the deep image in the 1960, a short-lived movement, yet an essential one for his poetic development. Rothenberg is better known for having coined the term etnopoetry and for his experimentations with what he called total translation, while working with North-American Indian poetry. Total translation was an innovative method in considering musicality, the presence of word distortions or meaningless words and other poetic mechanisms of Indian poetry as an integral part of a poem or song, so that the resultant translation would necessarily contemplate all these aspects. From the perspective of his saying primitive is complex, Rothenberg starts considering the characteristics of poetry from oral culture, or those called primitive, as the basis for his concept of an etnopoetics. His search for the primitive also connects him with authors read as experimental in poetry, from William Blake and Walt Whitman to Allen Ginsberg, passing through the modernist triad Ezra Pound, William Carlos Williams and Gertrude Stein. The hypothesis of this thesis is to show how the etnopoetic impulse, apparently restricted to his work as anthologist and translator, is, in reality, much more broad in its spectrum and includes his own poetic production. Etnopoetry then becomes the concept we can use to read his return to his Jewish ancestrality and the poems dealing with topics such as the life of Jews in Poland in the 1930s, the mystical kabbalah and the Holocaust. This thesis also shows his insertion in the poetic scene, and debates questions like authorship, influence, and originality
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Entre a vanguarda e o modernismo: uma análise dos escritos de Ad Reinhardt / Among the avant-garde and modernism: an analysis of the writings of Ad ReinhardtTiago Machado de Jesus 03 November 2008 (has links)
Privilegiando os textos produzidos por Ad Reinhardt como fonte primária, o trabalho procurou apontar o desenvolvimento de seu pensamento e o lugar de seus escritos em relação aos debates da crítica de arte que nortearam a produção das vanguardas norteamericanas até a década de sessenta do século XX e analisou a influência de seus escritos em autores que escreveram nesta mesma década. Primeiramente, o trabalho investigou as apropriações que as idéias vinculadas às vanguardas artísticas européias sofreram em confronto com as necessidades peculiares ao ambiente cultural norte-americano dos anos trinta. Num segundo momento, analisou-se como este debate é atualizado a ponto de servir de base para a criação e produção de uma vanguarda artística norte-americana, que, por sua vez, é oficializada e institucionalizada nos anos do pós-guerra. Anos estes que, não por acaso, marcam a tentativa de imposição mundial, no pleno andamento da guerra fria, do american way of life através da consolidação da cultura de classe média. Nesse contexto, tendo em vista o posicionamento de Ad Reinhardt, o questionamento se encaminha em direção aos limites e possibilidades do viés crítico implícito em seus escritos em relação às sociedades articuladas em torno do consumo de mercadorias, tal como ficou configurado na experiência norte-americana do pós-guerra. Nesse sentido, a investigação se conduziu para a verificação das circunstâncias nas quais os textos de Reinhardt são lidos, especialmente por seus colegas, a partir de meados dos anos sessenta. Em suma, este itinerário, ao final de seu percurso, procurou demonstrar a importância, em meio ao debate do modernismo norte americano, do conceito central de Ad Reinahdrt: Art-as-Art e das idéias a ele relacionadas. / Considering the texts produced by Ad Reinhardt as a primary source, the study aimed to show the development of his thinking and the place of his writings in the domain of the discussions of art criticism that guided the production of North American avant-garde to the sixties of the twentieth century and examined the influence of his writings on authors who wrote in this same decade. Firstly, the work investigated the appropriations that the ideas linked to European artistic avant-garde suffered by comparison with the needs peculiar to the American cultural environment of the thirties. In a second moment, it analyzed how this debate is updated to serve as a basis for the creation and production of an artistic avant-garde of U.S., which, in turn, is made official and institutionalized in the post-war years. Years that, not by chance, marks the attempt to impose worldwide, in full progress of the cold war, the \"American way of life\" by consolidating the culture of middle class. In this context, considering the position of Ad Reinhardt, the question is shifted toward the limits and possibilities of the critic position implicit in his writings in contrast with the society articulated around the consumption of goods, as was set up in the post-war North American experience. In this sense, research is guided to verify the circumstances in which the Reinhardts texts are read, especially by his colleagues from the mid-sixties. In short, this route, at the end of its journey, sought to demonstrate the importance, in the midst of the debate on North American modernism, of the central concept of Ad Reinhardt: Art-as-Art, and the ideas related to it
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Elementos e processos da montagem na arte pernambucana: a obra de Montez MagnoAZEVEDO, Guilherme 23 October 2015 (has links)
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Previous issue date: 2015-10-23 / CNPq / O presente estudo de caso discute os reflexos da técnica da montagem vanguardista, tal como
Peter Bürger teorizou, e a sua aplicabilidade na produção artística de Montez Magno.
Segundo Bürger, principal teórico da vanguarda, a montagem teria sido a técnica por meio da
qual artistas do princípio do século XX intencionaram o fim da instituição arte e, por
conseguinte, o fim da autonomia da arte e seu retorno à práxis vital. Em Pernambuco, Montez
Magno, que iniciara seus trabalhos em 1957, posterior aos anos de maior influência da
vanguarda europeia, refletia, a seu modo, os preceitos defendidos pelos artistas europeus que
se propagavam pelo mundo inteiro. Esta dissertação utiliza como base para seu referencial
teórico o livro Teoria da Vanguarda, de Peter Bürger, e analisa cinco obras de Montez Magno,
selecionadas, a saber: Caixas (1967), Conservas (1972), a Série Mondrian (1994), Catedral
(2001) e a Série Buchas (2015). A pesquisa, de abordagem qualitativa, se propõe a investigar
as semelhanças e as diferenças da arte de Montez com a vanguarda europeia a partir do debate
sobre o grau de aderência da montagem realizada pelo artista àquela empregada e preconizada
pelos artistas da vanguarda na Europa. O trabalho sugere uma ambiguidade na obra do artista,
pois o mesmo apresenta características que ora o aproximam e ora o distanciam dos ideais
vanguardistas, e expõe as principais diferenças valendo-se do que foi chamado de
Contemplação Ativa, um objetivo do artista na produção de sua arte. Um traço marcante nas
obras analisadas que resultavam na tentativa de Montez Magno em atingir o interior daquele a
quem se destina a sua obra. / This case study discusses the technique of reflections of avant-garde assembly, as Peter
Bürger theorized, and its applicability in artistic production of Montez Magno. According to
Bürger, the main theorist of the avant-garde, the assembly would have been the technique
through which artists of the early twentieth century aimed the end of art as an institution and
therefore the end of the autonomy of art and his return to life praxis. In Pernambuco, Montez
Magno, which started his work in 1957, after the years of greatest influence of European
avant-garde, reflected in its own way, the precepts defended by European artists who
propagated worldwide. This work uses as a basis for their theoretical reference, the book
Theory of Avant-Garde, by Peter Bürger, and analyzes five works of Montez Magno, selected
from 588 observed, namely: Caixas (1967), Conservas (1972), Mondrian Series (1994 ),
Catedral (2001) and Buchas Series (2015). The research with a qualitative approach is
suposed to investigate the similarities and differences of Montez Magno Art with the
European avant-garde from the debate on the state of the appication degree of the assembly
made by Moontez Magno and that one helded and defended by the artists of the avant-garde
in Europe. The work suggests an ambiguity in the artist's work, because it has characteristics
that sometimes approaches and sometimes apart it from the ideal avant-garde, and outlines
main differences making use of what was called Active Contemplation, a goal of the artist in
his Art production. A striking feature in the analyzed works that resulted in an attempt of
Montez Magno to reach the interior of the one whom is his work to.
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Obra aberta : teoria da vanguarda literaria nas obras teorico-criticas de Umberto Eco / Open work: theory of literary avant-garde in the theoretical works of Umberto EcoBrito Junior, Antonio Barros de 02 October 2006 (has links)
Orientador: Marcio Seligmann-Silva / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-08-05T21:15:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2006 / Resumo: Esta dissertação lida com os conceitos de obra aberta, vanguarda e kitsch, nas obras teórico-críticas do semiólogo italiano Umberto Eco, com o objetivo de observar como o conceito de obra aberta esclarece e fundamenta uma dialética entre norma e invenção, em artes, e entre vanguarda e kistch, no cenário artístico contemporâneo. Na primeira parte, revisamos as bases epistemológicas de Eco, em particular os trabalhos de Luigi Pareyson e dos formalistas russos; em seguida, tratamos dos principais conceitos de sua teoria semiótica, a fim de compreender (a) o conceito de abertura, mediante a dicotomia entre mensagens estéticas e mensagens referenciais; (b) como a abertura promovida pelas mensagens estéticas desafiam os hábitos interpretativos impostos pelo uso repetitivo das mensagens referenciais; e (c) como é possível, a partir disso, construir uma ideologia contestadora. De posse de um modelo estrutural, buscamos compreender como se dá a dialética entre vanguarda e kitsch, analisando as suas respectivas implicações ideológicas face aos argumentos anteriores. Na segunda parte, propusemos uma discussão da poética do Pós-modernismo com base nas reflexões acima, evidenciando a sua possibilidade de difundir, mediante uma linguagem paródica, uma ideologia contestadora, na medida em que ela exibe um elevado grau de abertura. Finalizamos com um breve estudo dos romances de Eco, apontando para uma contradição entre o que ele postula como valor artístico no plano teórico e o que ele produz como ficcionista / Abstract: This dissertation deals with the concepts of open work, avant-garde and kitsch present in the theoretical and critical works of the Italian semiologist Umberto Eco, in order to observe how the concept of open work sheds light upon and founds a dialectic between norm and invention in the field of the arts, and between avant-garde and kitsch in the contemporary artistic scenery. In the first section, we review Eco¿s epistemological basis, in particular the works of Luigi Pareyson and the works of the Russian formalists; afterward, we deal with the main notions within Eco¿s semiotic theory, in order to grasp (a) the concept of openness, by means of the dichotomy between aesthetical messages and referential messages; (b) how the openness fostered by the aesthetical messages challenges the interpretative habits imposed by the repetitive use of the referential messages; and (c) how is it possible, since that, to build a controvert ideology. In possession of a structuralist model, we intend to comprehend how the dialectic between avant-garde and kitsch art sustain itself, by the analysis of their respective ideological implication in face of the preceding argumentation. In the second section of this dissertation, we propose a discussion of the poetics of postmodernism based on the ideas above, trying to evince its possibility to diffuse a controvert ideology by means of the parody, while it shows a high degree of openness. We finalize this dissertation with a short study of Eco¿s novels, when we point to a contradiction between what he postulates as the artistic value in the field of theory and what he actually produces as novel writer / Mestrado / Teoria e Critica Literaria / Mestre em Teoria e História Literária
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A fotografia eloquente : arte e politica em Aleksandr Rodchenko (1924-1930) / The eloquent photography : art and politics in Aleksandr Rodchenko (1924-1930)Zerwes, Erika Cazzonatto, 1980- 24 October 2008 (has links)
Orientador: Iara Lis Franco Schiavinatto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-11T21:48:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2008 / Resumo: Buscou-se com este estudo analisar as fotografias produzidas pelo construtivista russo Aleksandr Rodchenko, entre 1924 e 1930, a partir de suas tramas internas, e a relação entre as imagens e o engajamento político do artista. Em sua concepção, a arte possuía um papel efetivo na construção da sociedade. Isto se daria com o emprego de uma estética fotográfica revolucionária, que, demandando uma postura ativa de seu observador, engendraria um novo homem. Este ficou conhecido como Novo Homem Soviético, noção utópica partilhada pela vanguarda russa. A partir de sua ligação com o formalismo e o futurismo russos, bem como com o grupo LEF, fundado em 1923 pelo poeta Maiakovski, Rodchenko foi pioneiro na construção de uma nova visualidade, que julgava mais coerente com o mundo moderno. Nestes seis anos, ele empenhou-se na reinvenção do fazer e da linguagem fotográficos, explorando sua singularidade técnica. / Abstract: This study intents to analyze the photographs made by the Russian constructivist Aleksandr Rodchenko from 1924 to 1930, in its inner conformities and the relation between his images and his political engagement. To him, art had an important role in the construction of society. It would be done with a revolutionary photographic aesthetics which demanded from the observer an active posture that would create a new man. This new man became known as the New Soviet Man, a utopist notion that was shared by the Russian avant-garde. From his knowledge of formalist and futurist theories and the LEF group, founded by the poet Mayakovsky in 1923, Rodchenko pioneered in the construction of a new visuality which according to him was more coherent to the modern world. In these six years, he committed himself to the reinvention of photographic making and language, exploring its technical singularity. / Mestrado / Politica, Memoria e Cidade / Mestre em História
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O iniciado do movimento: a ficção de Aníbal Machado e o cinema / The initiate into the movement: Aníbal Machados fiction and the cinemaRosana Fumie Tokimatsu 06 March 2017 (has links)
Este trabalho pretende expor as maneiras pelas quais a ficção de Aníbal Machado dialoga com o cinema, procurando definir a ampla visão de sua poética a partir desse viés. A condição do autor de fã e conhecedor da chamada sétima arte faz com que ela se faça presente também em sua obra literária. Um dos aspectos nela observados é a tentativa de reproduzir técnicas e procedimentos da linguagem cinematográfica, o que tem origem em práticas das vanguardas europeias e do modernismo brasileiro. Tal tentativa se faz já em João Ternura, livro que começou a ser escrito por volta de 1926 e concluído às vésperas da morte do autor, em 1964, e é claramente marcado como um projeto modernista. A aproximação da linguagem fílmica nesse livro, entretanto, limita-se quase exclusivamente à montagem de segmentos narrativos descontínuos. Por outro lado, os recursos que buscam similaridade com a narrativa fílmica encontram-se disseminados nos contos do autor, sendo A morte da porta-estandarte o mais cinematográfico deles, já que mobiliza a maior parte desses recursos, como a focalização de um assunto de diversos ângulos e a montagem, realizando uma feliz conjunção entre imagem, movimento e som. Num segundo andamento a tese examina uma particularidade cinematográfica, a presença de Carlitos, de Charles Chaplin, na obra de Aníbal Machado, bem como do cinema burlesco de maneira geral. Assim é enfatizado que na ficção do autor existe uma galeria de personagens que se distingue pela inocência, pelo sonho ou pelo irracional, o que resulta de uma visão do universo de Carlitos influenciada pelas vanguardas europeias, principalmente pelo surrealismo, ao qual Aníbal Machado chegou a declarar publicamente a adesão. As referências aos filmes chaplinianos estão também no ponto de vista irônico do narrador, bem como na coexistência do cômico e do dramático. Na ficção do autor, a gestualidade está relacionada à inocência e ternura de personagens que, por esse motivo, são massacrados pelas rígidas regras e convenções sociais. Daí seu irracionalismo representado pelo burlesco - como recusa a se submeter a essas regras. A pesquisa se detém ainda em outras atividades de Aníbal Machado relacionadas ao cinema. Nesse particular, o foco se volta para o início dos anos 1950, quando o escritor foi convidado pela Companhia Vera Cruz a colaborar com roteiros de outros autores e a escrever adaptações para alguns contos de sua autoria. Assim, elaborou sinopses e roteiros para A morte da porta-estandarte, O telegrama de Ataxerxes e O piano, mas nenhum deles chegou a ser filmado. Nesse andamento, pretende-se caracterizar o contexto em que a produção ficcional se inscreve, situando-a também na história do cinema brasileiro. Tomando as adaptações de autoria de Aníbal, procura-se avaliar o motivo do interesse do mercado cinematográfico da época em adaptar seus contos. Com isso em vista, pretende-se fazer uma análise comparativa entre A morte da porta-estandarte e sua correspondente sinopse em duas versões, e de O telegrama de Ataxerxes e o roteiro nele baseado, procurando explicitar as soluções adotadas pelo autor para transpor suas histórias para uma linguagem cinematográfica, criando novos elementos para dar conta das diferentes artes e linguagens que se impõem nessas adaptações. / This work intends to discuss problems related to Anibal Machados literary works and the dialogues he established with the filmic art and in this way trying to define the large view of his poetics. The authors interest as fan and expert of the so called Seventh Art was fundamental to the assimilation he processed in his fictional works. So one of the aspects observed in this analyses includes the authors attempt to reproduce techniques and proceedings of the cinematographic language with keeping its roots in practices of the European Avant-garde and in the Brazilian Modernism. This mentioned attempt is firstly present in João Ternura, a book he started writing by 1926 and only finished in 1964 soon before his death, and in which he exposes the linking with the Brazilian modernist project. In this case the approach he established between his literary writing and the filmic proceedings was limited to the act of assembling discontinuous narrative sequences. But different approaches to the filmic narrative were explored in his short-stories being A morte da porta-estandarte the most relevant example of the various ways he tried to absorb the cinematographic language. So from different angles of viewing and discontinuous acts of assembling Aníbal Machado tried to explore the field of the images, movements and sonorities. As a second part this work examines a specific element, focusing the famous character created by Charles Chaplin, Charlie, but also trying to capture the general burlesque aspect of the cinema in the work of Aníbal Machado. So it is showed that in the authors fiction there is a gallery of characters distinguished by its innocence, by the dream and by irrational aspects that lead to Charlies universe and is also influenced by the European Avant-garde, mainly the Surrealism, that Aníbal Machado once declared its adoption. The references to Chaplins filmography will be also stressed by means of the ironical approach of the narrator as well as the comic and the dramatic aspects. In the authors fiction it is marked the presence of the corporal movement related to innocence and tenderness of some characters that due to this kind of acting are slaughtered by the rigidness of social rules and conventions. And so it results in irrationalism represented by the burlesque as a refusal to be submitted to the social rules. The research is still enlarged by other activities of Aníbal Machado related to the Seventh Art. In this case the focus was directed to the beginning of the 50s when the A. Machado was invited by the cinematographic Companhia Vera Cruz to help in the writing of scripts and also asked to adapt some of his own short-stories. Among them are A morte da porta-estandarte, O telegrama de Ataxerxes and O piano, though none of them was filmed. In this part the intention is to expose the context in which the Aníbals work of fiction is included trying to situate it in the history of the Brazilian cinema. Finally, we try to appreciate and discuss reasons way at that time the filmic industry was interested in adapting Aníbals short-stories. So it was developed a comparative approach between A morte da porta-estandarte and two versions of its respective summary. The same was developed between O telegrama de Ataxerxes and a script based on this short-story. In both cases it is tried to show ways the author used to translate his fictional stories to a filmic language thus creating new elements to adapt different arts and languages.
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Tenebrism in the paiting of Odd Nerdrum from 1983 to 2004Conradie, Johannes Hendrik 19 November 2007 (has links)
The hypothesis of this dissertation is that contemporary Norwegian painter, Odd Nerdrum (b 1944), uses tenebrism as a mode of beauty and a device to emphasise psychological states of being. Tenebrism is an effective kitsch device to create an impression of realism and so-called truthfulness while pointing to the deepest human sentiments and emotions. I argue that Nerdrum’s tenebrist art questions dark truths about modernity and its effect on the self. The darkness of his tenebrist style amplifies the emotional states of his human characters, and becomes a negative form of transcendence into absence and the power of its nothingness. Nerdrum’s paintings are a visual record of the human capacity to withstand selfdestruction and strive for restoration from the inane. His physical act of painting opens and refines consciousness by slowing down time, for insight and contemplation. / Dissertation (MA (Fine Arts))--University of Pretoria, 2008. / Visual Arts / MA / unrestricted
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De sistemas novos na arte de Kazimir Malievitch : da historiab da arte a analise da lingagem artisticaDunaeva, Cristina Antonioevna, 1975- 28 February 2005 (has links)
Orientador: Nelson Alfredo Aguilar / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-04T02:08:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2005 / Resumo: De Sistemas Novos na Arte (O nóvikh sistiémakh v isskûstvie), 1919, é o primeiro tratado teórico de Kazímir Sievierínovitch Maliévitch (1878, Kíiev ¿ 1935, Leningrado), um dos principais artistas da vanguarda russa, criador do suprematismo, teórico da arte, filósofo e pedagogo. No tratado Maliévitch apresenta e analisa os sistemas novos da arte: o impressionismo, o cubismo, o futurismo, a obra pictórica de Cézanne, Van Gogh e Gauguin, assim como a crítica da arte dita primitiva, a arte da Grécia clássica e a romana, o primitivismo moderno e o academismo. A crítica da arte está ligada à reflexão filosófica sobre o contexto histórico e cultural do surgimento da arte moderna e do suprematismo. O tratado está relacionado às atividades pedagógicas desenvolvidas por Maliévitch. Em 1918 ele é o professor dos Ateliês Artísticos Livres do Estado (SVOMAS ¿ Svobódnyie Khudójestviennyie Mastierskíie), em Petrogrado, e em 1919 ¿ o Mestre-Chefe dos I e II Ateliês Artísticos Livres do Estado em Moscou. Em Vítiebsk cria o grupo UNOVIS (Afirmadores da Arte Nova ¿ Utvierdítieli Nóvogo Isskûstva) e embasa o ensinamento na análise dos sistemas pictóricos. O pintor afirmava que o livro editado em Vítiebsk fora a transcrição de uma das palestras supostamente dadas em Moscou1 / Abstract: ¿On The New Systems of Art¿, 1919, it¿s a first theoretical work of Kazimir Severinovich Malevich. This Russian artist of avant-garde, philosopher and pedagogue was the creator of the suprematism. In this work Malevich introduce the new systems of modern art, such as the impressionism, the cubism, the futurism, the painting of Cézanne, Van Gogh and Gaugain; and also represent the critics on the primeval art, the classic art of Greece and Rome, the modern primitivism and academic art. This critic is connected to philosophical reflection about the historical and cultural context of the birth of modern art and suprematism. In this period of time (1919) Malevich was a professor of the State Free Artistic Workshops (SVOMAS) in Petrograd and master of the I and II State Free Artistic Workshops in Moscow. In Vitebsk he created the Affirmers of the New Art (UNOVIS) group and instructed the pupils on the new systems of the art / Mestrado / Historia da Arte / Mestre em História
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Forma e consciência : o desenvolvimento do pensamento artístico-filosófico na obra de Kazímir Maliévitch / Form and conscience : the development of the artistic-philosophical thought in Kazimir Malevich workNucci, Angela, 1980- 26 August 2018 (has links)
Orientador: Nelson Alfredo Aguilar / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-26T21:06:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2015 / Resumo: A presente tese tem por objetivo discutir quais seriam as ligações entre o pensamento artístico-filosófico de Kazímir Sievierínovitch Maliévitch (1879-1935) ao longo dos anos de 1920 em relação aos debates da intelligentsia russa do início do século XX, especialmente aqueles ligados à tradição filosófico-mística. A preocupação de estudar Maliévitch frente a alguns de seus contemporâneos ocorre para entender o "sentido e o espírito" de um determinado período histórico e, embora as escolhas bibliográficas revelem interesse pela Filosofia russa, não se trata de uma tese centrada no âmbito da Filosofia, mas sim da História da Arte e suas ligações com a História Intelectual e a História Cultural. Ao longo de sua trajetória, Maliévitch fez uso de conceitos relacionados à tradição filosófica como intuição, mística, não-objetividade, infinito e transfiguração. Houve, portanto, a intenção de apresentar e discutir estes termos dentro de uma coerência interna que integrasse aspectos históricos e artísticos. Desconfiando da razão iluminista e das abordagens cientificistas do conhecimento, muitos pensadores russos viam na intuição, na individualidade criativa e no espírito o caminho para um conhecimento transcendente; pensamento perseguido pelo regime soviético, que no início de 1920 determinou a prisão e a deportação para o Ocidente de uma série de intelectuais russos. Dentre este grupo é possível citar alguns dos mais destacados pensadores russos do início do século XX, como Nikolai A. Berdiáev, Nikolai O. Losski, Pável A. Floriênski e Sierguéi N. Bulgákov. Estes filósofos retomavam alguns dos debates eslavófilos do século XIX e buscavam gerar novas discussões no campo filosófico, social e cultural, frente aos contextos pré e pós-revolucionários. A partir desse panorama, buscou-se pensar em um quadro mais amplo sobre os significados de algumas das questões abordadas por Maliévitch em seus tratados e em suas obras. Em um primeiro momento, buscou-se refletir sobre a produção pictórica pós-suprematista de Maliévitch, tanto no que diz respeito a sua ligação com a tradição popular e religiosa, quanto aos problemas e significados no contexto ideológico e artístico do período soviético. Um segundo ponto discutido, refere-se aos desdobramentos dos debates místicos no projeto artístico de Maliévitch, especialmente no período em que o artista viveu na cidade de Vitebsk, a qual acolheu pela mesma época figuras da importância de Mikhail M. Bakhtin e Pável N. Miedvédiev; estudiosos que estavam ligados a discussões e associações religiosas. Em um terceiro nível, a redação concentra-se no problema da representação artística e da livre criação no quadro da reconstrução social e de um "novo homem" no período em que existia um forte enfrentamento ideológico entre as correntes produtivistas, defensoras do desenvolvimento de uma "cultura material" e as correntes não-figurativas, nomeadas como "místicas" ou "subjetivas" por defenderem valores espirituais. Por fim, buscou-se evidenciar como a questão da representação artística na obra de Maliévitch, ligada ao reconhecimento de uma verdade dissociada da concepção objetiva da realidade, estava inserida em um conjunto de ideias que ganhou proporção suficiente para se tornar uma ameaça e ser diretamente combatido pelo regime soviético / Abstract: The present thesis aims to discuss what would be the connections between the artistic and philosophical thought of Kazimir Severinovich Malevich (1879-1935) along the 1920s compared to the debates of the Russian intelligentsia of the early twentieth century, especially those related to philosophical and mystical tradition. The concern of studying Malevich before some of his contemporaries is to understand the "meaning and the spirit" of a particular historical period, and although the bibliographic choices show interest in the Russian philosophy, it is not a thesis centered within the philosophy, but on Art History and its links to Intellectual History and Cultural History. Throughout his career, Malevich made use of concepts related to the philosophical tradition, such as intuition, mysticism, non-objectivity, infinite and transfiguration. Therefore, the intention was to present and discuss these terms within an internal coherence that integrates historical and artistic aspects. Distrusting enlightenment reason and scientistic approaches to knowledge, many Russian thinkers saw on intuition, creative individuality and spirit, the way to a transcendent knowledge; idea pursued by the Soviet regime, which in the early 1920s led to the arrest and deportation to the West of a number of Russian intellectuals. Among this group we can mention some of the most prominent Russian thinkers of the early twentieth century, as Nicolai A. Berdyaev, Nicolai O. Lossky, Pavel A. Florensky and Sergei N. Bulgakov. These philosophers retook some of the Slavophiles debates of the nineteenth century and sought to generate new discussions on philosophical, social and cultural fields, compared to pre and post-revolutionary contexts. From this background, we tried to think of a broader picture of the meanings of some of the issues addressed by Malevich in his treatises and in his works. At first, we tried to reflect on the pictorial production post-Suprematist of Malevich, both with regard to their connection with the popular and religious tradition, the problems and meanings in the ideological and artistic context of the Soviet period. A second point discussed refers to the unfolding of the mystics debates in the artistic design of Malevich, especially in the period in which the artist lived in the city of Vitebsk, which hosted the same time figures of the importance of Mikhail M. Bakhtin and Pavel N. Medvedev; scholars who were linked to discussions and religious associations. On a third level, the essay focuses on the problem of artistic representation and free creation in the context of social reconstruction and a "new man" in the period in which there was a strong ideological confrontation between the productivist currents, advocates the development of a "material culture" and the current non-figurative, named "mystical" or "subjective" for defending spiritual values. Finally, we sought to show how the issue of artistic representation in the work of Malevich, linked to the recognition of a dissociated truth of the objective conception of reality, was inserted into a set of ideas that gained sufficient proportion to become a threat and be directly fought by the Soviet regime / Doutorado / Historia da Arte / Doutora em História
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