Esta investigación teórico-práctica desde las artes, hace un registro de la adaptación de la obra En el Jardín de Mónica de Sara Joffré a Teatro Físico, sin uso de la palabra, utilizando como herramienta los Viewpoints desarrollados por Bogart y Landau. La pregunta que se formula es: ¿Cómo es el proceso de adaptación de una obra de dramaturgia de texto a un lenguaje físico a través de Viewpoints? Por ello, se tiene como objetivo explorar, observar y registrar el proceso de adaptación y ver de qué forma los ejercicios de Viewpoints ayudaron a conseguir ese propósito. Se considera pertinente realizar esta investigación porque existe poco registro académico de procesos escénicos, por ello nos parece fundamental contribuir con material académico que pueda servir a posteriores investigaciones. Se colocó como hipótesis que es posible realizar una adaptación de una obra de texto a Teatro Físico mediante Viewpoints y que el cambio de lenguaje, de uno verbal a uno pre-verbal, es decir sin uso de la palabra y con predominancia del cuerpo, genera que el tema de la obra sea asimilado a un nivel más sensorial por el público. Para comprobarla se dividió la tesis en cuatro capítulos. El primer capítulo aborda los conceptos del Teatro Físico y llega a la conclusión de que todo Teatro es físico y por ende el entrenamiento corporal es importante para el actor. En el segundo, se hace una introducción del concepto de los Viewpoints, en qué consiste su entrenamiento y luego se describe cada uno de ellos. En el tercero se muestra la metodología del laboratorio, el cual fue dividido en cuatro módulos y una Muestra Final, que sirvió para comprobar la hipótesis. En el último capítulo se presentan los resultados y análisis del laboratorio. Por último, se concluye que el proceso de adaptación fue exitoso, además, el uso de la herramienta también fue eficiente para este proceso.

El sistema Stanislavski y la pedagogía de Lecoq son ramas actorales que han sido investigadas y trabajadas exhaustivamente por separado, pero no existen estudios que propongan el posible diálogo entre ellas dentro de la práctica actoral. En ese sentido, la presente investigación establece las bases del encuentro entre el proceso analítico que propone el sistema Stanislavski y el trabajo de entrenamiento físico de la pedagogía de Lecoq encontrando así un método de trabajo donde el actor abarca la práctica actoral con mayores herramientas y efectividad. Los pilares bibliográficos de esta investigación parten de los escritos de los mismos creadores – Konstantín Stanislavski y Jacques Lecoq – y se profundizará en la información con los estudios de quienes continuaron con sus investigaciones. A partir del diseño de un laboratorio, la investigación hace principal enfoque en el diálogo entre los conceptos de acciones físicas y las 7 preguntas transversales que se plantean dentro del sistema Stanislavski y la secuencia de los 20 movimientos y la trasposición de la pedagogía de Lecoq. Como resultado, el entrenamiento físico, la neutralidad, la escucha y la trasposición de los principios de los 20 movimientos generan estados internos que ayudan al actor a afianzar el compromiso psicofísico con las acciones físicas propuestas en el trabajo analítico y las circunstancias dadas en una obra.

El cuerpo desde siempre ha funcionado como instrumento principal del teatro y la danza. Asimismo, no podría existir el cuerpo sin movimiento, por lo que este se convierte en la base fundamental para ambas formaciones. Rudolf Von Laban (1879-1958, coreógrafo y filósofo eslovaco) investigó patrones de movimiento para desarrollar un método que permita experimentar, ver y describir este, posibilitando así la observación exhaustiva y extensión de la expresividad y funcionalidad en las artes escénicas. En este sentido, la presente investigación se desarrolla a través de un laboratorio de tres meses de creación colectiva, en el que tres actrices y dos actores utilizaron como herramienta creativa el concepto del “esfuerzo” que plantea Rudolf Laban en el Análisis de Movimiento. La metodología aplicada a este proceso fue en su mayoría práctica, pues como asegura Sánchez (2009), la investigación en artes no puede ser llevada de otra manera más que en el mismo hacer artístico. Por tal razón, las declaraciones de los actores y actrices, los apuntes como directora y los videos grabados de las sesiones son esenciales para los análisis y resultados de la investigación. Por último, al finalizar el laboratorio, se logró consolidar una partitura de movimiento de teatro danza en la que se comprueba el uso del esfuerzo como herramienta creativa en un proceso colectivo de teatro danza

El presente estudio se propone abordar el proceso creativo del actor a partir de su vínculo con los objetos en escena, en base a la metodología interpretativa de formación que propone el director Jorge Eines, para la construcción del personaje de Medea de la obra MEDEAS de Alejandro Alva. La investigación describe los hechos y descubrimientos más significativos encontrados durante el proceso de construcción del personaje en un laboratorio de investigación actoral que se desarrolló a lo largo de treinta y nueve sesiones. El objetivo principal de este estudio es dar a conocer el importante aporte que trae el planteamiento del trabajo de Eines con respecto a la propuesta de exploración con los objetos a través de un estudio de caso. Hacia el final de la investigación, las conclusiones apuntan a señalar los hallazgos más relevantes, que surgieron a partir de la exploración sensoperceptiva del actor en relación al uso de ciertos objetos que destacaron en el proceso exploratorio por generar importantes transformaciones a nivel físico, ideológico o simbólico para la construcción del personaje de Medea.

La presente investigación académica analiza de qué manera los juegos que Philippe Gaulier plantea en su libro La torturadora en el capítulo El juego potencian la presencia escénica en actores/actrices en formación de primer año a través de sus monólogos contemporáneos del examen de admisión a la Facultad de Artes Escénicas de la PUCP. Para ello, se realizó un laboratorio, en el que participaron siete estudiantes, que contó con dos etapas: La primera, basada en introducir a las intérpretes la dinámica lúdica; y la segunda, en fusionar los juegos de Gaulier en la transformación, creación e interpretación de sus textos para evidenciar la evolución de su presencia en la escena. A partir de ello, observamos que, mediante los ejercicios de Gaulier, las actrices en formación desarrollaron diferentes opciones para construir un personaje, aportar a la exploración escénica grupal y lograron un estado de apertura emocional sin juzgarse, controlar o bloquear su cuerpo y mente. Asimismo, el jugar les proporcionó un estado de imaginación constante, el cual generó que ellas estén presentes en escena con todos sus sentidos en el aquí y ahora, seguras de sí mismas, dispuestas a reaccionar y sentirse vivas. Aquello es relevante para el trabajo actoral, ya que lograron estar en conexión con sus sentidos, impulsos y con su entorno: estaban presentes en cuerpo, mente y emociones. Se entregaron a estar en apertura, confianza y disponibles a ser atravesadas por las circunstancias imaginarias en las que se encontraban en sus monólogos, dejándose llevar por su propio juego.

El presente documento es una propuesta de investigación con un enfoque cualitativo que se enmarca en las posibilidades que las herramientas teatrales pueden ofrecer a los estudiantes de teatro para el desarrollo del aprendizaje socio emocional, pudiendo de esta manera, conectarse con su cuerpo, voz, respiración y emociones. Esta propuesta tiene como principal interés que los estudiantes de teatro de una universidad de Lima, sean conscientes de que estas herramientas pueden ser valiosas para su desarrollo personal y no sólo para su trabajo en el escenario.

La presente investigación pretende analizar el empleo de la imagen fotográfica como estímulo que active y potencie la imaginación del actor durante el proceso de construcción de personaje a través de la técnica de Michael Chéjov. A partir de mi experiencia y formación actoral, considero que la imaginación es la herramienta principal con la que todo actor y actriz debe trabajar. Sin embargo, debido a su naturaleza abstracta y subjetiva, es complicado acceder a ella y desarrollarla de forma consciente, sin experimentar bloqueos. Por ello, se llevó a cabo un proceso laboratorial donde se trabajó con dos actrices y dos actores de la especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú. La sistematización que se propuso fue progresiva. Se parte de la imagen fotográfica, luego, con las sensaciones e imágenes que esta detona, se exploran posibilidades físicas y psicológicas del personaje por medio de la técnica de Michael Chéjov, la cual permite desarrollar la consciencia sobre el trabajo dejando de lado la frustración y los bloqueos. Como resultado, la imagen fotográfica activa y potencia la imaginación del actor y actriz al conectar con su subjetividad y detonar recuerdos, sensaciones e imágenes que luego incorpora en su proceso de construcción de personaje empleando la técnica de Michael Chéjov como puente que conecte ambos momentos.

Los principios de la danza libre, desarrollados por Isadora Duncan a inicios del siglo XX, tales como la observación de la naturaleza, la belleza y la forma, y el ritmo proponen un acercamiento personal al movimiento libre del cuerpo y al retorno de las formas naturales físicas que el ser humano dejó de utilizar producto de la búsqueda de un esteticismo en las danzas clásicas como el ballet durante los siglos anteriores. Estas danzas se caracterizaban por ser rígidas y cumplir patrones de movimiento inalterables que deformaban el cuerpo. Por ende, la investigación se propone recuperar la libertad de movimiento que propuso Duncan en su danza libre adaptándola al teatro y aplicándola al entrenamiento físico del actor en nuestro contexto actual con el fin de redescubrir y ampliar sus posibilidades físicas comunicacionales en escena. Así mismo propone desarrollar una conciencia plena del cuerpo, su uso y la relación con el otro en el espacio. El objetivo principal radica en validar que enfoque de trabajo de los principios adaptados funciona como medio para la construcción de códigos corporales extracotidianos que como consecuencia permiten adquirir mayor libertad creadora en escena. Por ende, el proceso del laboratorio intenta probar que el cuerpo posee gran capacidad comunicativa y expresiva que se encuentra dormida o poco desarrollada, pero que puede ser incrementada entrenando con los principios adaptados de la danza libre.

Esta investigación tiene como objeto de estudio al reality show Rupaul’s Drag Race, el cual es analizado a partir de la teoría de la performatividad de género de la filósofa estadounidense Judith Butler, donde la autora toma como ejemplo a la performance drag para mostrar que el género es se performa, es decir, que se construye y da la ilusión de ser una esencia a través de los actos performativos. Para Butler, las drag queens imitan y actúan el género para hacer su performance, por lo que evidencian esta performatividad. Mediante el análisis del discurso, analizaremos bajo una mirada cualitativa-deductiva siete capítulos del reality show para reconocer si se cumple o no la performatividad del género en ellos; además de identificar en qué segmento de la estructura narrativa del programa se muestran más y quiénes son los personajes dentro del reality que más se acercan a este concepto. Finalmente, como conclusión principal hallamos que la teoría de la performatividad se cumple, en su mayoría, en el reality show Rupaul’s Drag Race y que son las drag queens que se acercan más a este concepto a través de lo expresado verbalmente por ellas en la ejecución de los desafíos principales del programa y la presentación de sus personajes en la pasarela. Estos dos segmentos coinciden dentro de la estructura narrativa del programa, con el segundo acto de acuerdo al Paradigma de Syd Field, justo en donde se ubica la confrontación del relato y la toma de decisiones por parte de los personajes, siendo cada uno de ellos el primer y segundo nudo de la trama.

O presente estudo visou investigar a qualidade da execução instrumental por meio do excerto orquestral do Prélude à l´après-midi d´um faune, de Claude Debussy e sua relação com a ansiedade de performance musical de estudantes de flauta. O pressuposto teórico utilizado para a avaliação da qualidade da execução instrumental encontra-se baseado no Modelo de Processo de Avaliação da Execução Musical, de McPherson & Thompson (1998), enquanto que a ansiedade de performance musical está subsidiada pelo modelo tríplice, desenvolvido por Wilson & Roland (2002) e Valentine (2002), além da Teoria Cognitiva da Ansiedade, de Beck & Clark (1997). Para a metodologia, utilizou-se a abordagem mista de caráter semi experimental, cujos sujeitos são estudantes de flauta dos cursos de Bacharelado em Música de Instituições de Ensino Superior do Brasil. O procedimento semi experimental consistiu na realização de uma tarefa musical gravada em áudio, em situações de performance musical distintas, precedido pela coleta de dados por meio de instrumentos de autoavaliação psicológica e aferição de medidas fisiológicas, conforme protocolo de coleta de dados. Cinco flautistas profissionais avaliaram a qualidade da execução instrumental a partir das gravações e por meio de uma Escala de Avaliação para a Execução na Flauta, proposta no presente estudo. A análise de dados ocorreu em duas etapas: na qualitativa, analisou-se o conteúdo dos comentários dos avaliadores diante da execução dos estudantes de flauta; e na quantitativa, analisou-se, por estatística descritiva e não paramétrica, as associações entre a qualidade da execução instrumental, por intermédio das competências técnicas e interpretativas da flauta, e a ansiedade de performance musical. Os resultados apontaram uma relação direta e não proporcional, apresentando melhora da qualidade na execução instrumental no estudo individual e redução dos sintomas de ansiedade na audição. A afinação e o timbre foram as competências técnicas e interpretativas mais influenciadas negativamente pela ansiedade. No entanto, foi na acurácia rítmica que a maioria dos estudantes de flauta se mostrou menos proficiente. Por fim, a expertise musical e o conhecimento prévio do solo de flauta demonstraram relevância tanto na proficiência técnica e interpretativa no instrumento quanto na redução da ansiedade de performance musical. / This study aimed at investigating the quality of instrumental performance through the orchestral excerpt of Prélude à l´après-midi d´un faune by Claude Debussy and its relationship to music performance anxiety experienced by flute students. The theoretical premise employed in the assessment of the quality of instrumental performance is based on the Process Model of Assessing Music Performance by McPherson & Thompson (1998). For music performance anxiety, we used the triple model developed by Wilson & Roland (2002) and Valentine (2002), as well as Beck & Clark´s Cognitive Theory of Anxiety (1997). The methodology consisted of a mixed approach and semi-experimental in character directed at flute students enrolled in courses of Bachelor of Music at Brazilian universities. The semi-experimental procedure comprised in a musical task recorded in audio in different situations of musical performance preceded by data collection through the psychological instruments of self-evaluation and physiological measures according to the protocol of data collection. Five Brazilian professional flute players assessed the quality of instrumental performance from the recordings by means a Flute Performance Rating Scale, proposed for this study. Data analysis occurred in two steps. While the qualitative part analyzed the content of the assessors' comments to flute students, and the quantitative examined the correlation between the quality of musical performance through the technical and interpretative skills of flute playing and music performance anxiety by descriptive and non-parametric statistics. The results indicate a direct and non-proportional relationship, presenting an improvement in the quality of instrumental performance in the individual practicing session and a reduction of the music performance anxiety in the audition. Intonation and timbre were the technical and interpretative skills most negatively influenced by anxiety. However, most of the flute students were considered non-proficient in rhythmic accuracy by the judges. Finally, the level of musical expertise and previously knowledge of the orchestral excerpt were shown to be relevant both in the proficiency of flute playing and in the reduction of the experienced music performance anxiety. / El objetivo de este estudio fue investigar la calidad de la ejecución instrumental a través del extracto orquestal de Prélude à l'après-midi d'un faune de Claude Debussy y su relación con la ansiedad de actuación musical de los estudiantes de flauta. La presuposición teórica empleada en la evaluación de la calidad de la ejecución instrumental se basa en el Modelo de Proceso de Evaluación de la Ejecución Musical de McPherson y Thompson (1998), mientras que para la ansiedad de la actuación musical en el modelo triple desarrollado por Wilson & Roland (2002) y Valentine (2002), y la Teoría Cognitiva de la Ansiedad de Beck y Clark (1997). La metodología consistió en un enfoque mixto y de carácter semi-experimental, cuyos sujetos son estudiantes de flauta matriculados en cursos de Licenciatura en Música en universidades brasileñas. El procedimiento semi experimental consistió en la realización de una tarea musical grabada de audio bajo distintas situaciones de actuación musical, precedido por la recolección de datos a través de instrumentos de autoevaluación psicológica y evaluación de medidas fisiológicas cumpliendo con protocolo de recolección de datos. Cinco flautistas profesionales evaluaron la calidad de la ejecución instrumental de las grabaciones por medio de una Escala de Evaluación para la Ejecución en la Flauta, propuesto para este estudio. El análisis de datos se produjo en dos etapas: en la cualitativa analizó el contenido de los comentarios de los evaluadores a los estudiantes de flauta y en la cuantitativa se analizó por estadística descriptiva y no paramétrica la correlación entre la calidad de la ejecución instrumental por medio de las habilidades técnicas e interpretativas de la flauta y la ansiedad de la actuación musical. Los resultados revelan una relación directa y no proporcional, que presenta una mejora en la calidad de la ejecución instrumental en el estudio individual y la reducción de los síntomas de ansiedad en la audición. La entonación y el timbre fueron las habilidades técnicas e interpretativas más influenciadas negativamente por la ansiedad. La mayoría de los estudiantes de flauta fueron considerados no-competentes en precisión rítmica por los jueces. Por último, el nivel de la pericia musical y el conocimiento previo del extracto orquestal demostraron pertinencia en la habilidad técnica e interpretativa en el instrumento y para reducir la ansiedad en la actuación musical.