La communauté nationale constitue le sujet d’analyse de départ de nombreuses études historiques contemporaines. Depuis la Révolution française, la nation, acteur légitimateur de l’État souverain, est considérée comme l’incarnation et l’expression d’une identité collective, elle-même composée de celle de la multiplicité des citoyens qui la constituent. Aussi, dès cette époque, les historiens se sont-ils attachés à édifier des histoires « nationales », coïncidant bien souvent avec une quête des éléments fondateurs essentiels de la nation. La doctrine élitiste et la tradition stato-nationaliste se sont longtemps conjuguées pour privilégier l’image de nations homogènes, faisant de ces histoires « nationales » en réalité l’histoire de la nation symboliquement majoritaire de l’État-nation censé représenter la diversité de ses citoyens. Or, la démocratisation et la diversification des sociétés occidentales ont progressivement invalidé ces postulats. Depuis la Deuxième Guerre mondiale la nécessité se fait ressentir de redéfinir la nation sur la base de la reconnaissance de son assise populaire et de la diversité de sa composition. Ce besoin se traduit par un intérêt croissant accordé aux minorités nationales, tant dans le monde politique que dans la communauté scientifique. Toutes les minorités ne bénéficient toutefois pas de cet élan, si bien que certaines restent encore largement ignorées à l’heure actuelle. Notre étude se penche sur deux d’entre elles :les francophones de Flandre et les anglophones du Québec, grands laissés pour compte des historiographies respectivement belge et canadienne. L’évolution de ces anciennes minorités dominantes, autrefois « définisseurs de situation » en Belgique et au Canada, est pourtant fondamentale pour comprendre les conflits linguistiques qui ont occupé (et occupent encore) ces pays. Elle est déterminante pour la forme que prennent les identités flamande et québécoise et, partant, les nations belge et canadienne. La comparaison de ces deux minorités permet, quant à elle, de cerner la complexité et la spécificité des nationalismes flamand et québécois. Partant du postulat que les nations sont des constructions sociales imaginées, cette étude a pour ambition de retracer les étapes de la formation nationale en Flandre et au Québec, en se concentrant sur le rôle de l’altérité dans celle-ci. Elle se focalise sur l’analyse des discours des minorités et des majorités dans ces régions, conçus comme des actes de définition identitaire interactifs et interdépendants. Elle se penche sur les villes d’Anvers et de Montréal, lieux de cristallisation des débats communautaires respectivement en Flandre et au Québec. Enfin, elle considère les périodes charnières au cours desquelles les majorités en ces régions se lancèrent à la « reconquête » de « leur » société, sanctionnant par là même la minorisation effective des francophones de Flandre et des anglophones du Québec. Ouvrant la porte d’un domaine laissé en friche, nous espérons ainsi donner une impulsion nouvelle à la recherche historique en Belgique et au Canada, en faisant (re)découvrir l’histoire de ces sociétés sous un angle inédit. / Doctorat en Histoire, art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

L’actuelle reconfiguration de l’activité maritime et portuaire s’accompagne de mutations majeures qui appellent à un renouvellement de la gouvernance des villes portuaires. Trois des principales villes portuaires de la Rangée Nord-Ouest Européenne – à savoir Anvers, Le Havre et Rotterdam – expérimentent la diffusion du paradigme stratégique et la diversité de projets induits.Pour répondre aux enjeux théoriques et opérationnels issus d’un tel contexte, cette thèse est structurée autour de quatre volets – dont l’analyse de l’impact des instruments de planification stratégique sur les processus d’aménagement dans les villes portuaires. L’élaboration d’une méthodologie pertinente pour appréhender la complexité des enjeux d’aménagement des villes portuaires et le nouveau contexte de production des politiques d’aménagement constitue le deuxième volet. L’étude du lien entre planification stratégique et cohérence territoriale en est le troisième. Par ailleurs, il s’agit d’étudier la possibilité de modéliser les différents types de planification stratégique. Cette recherche est conduite selon une méthodologie pluridisciplinaire et une analyse systémique.Outre la méthode d’analyse des démarches stratégiques et de la complexité des villes portuaires, les travaux menés permettent, d’une part, de mieux appréhender la redéfinition actuelle des processus d’aménagement et, d’autre part, d’évaluer l’intégration de la cohérence territoriale dans les politiques d’aménagement des villes portuaires.Enfin, la formalisation théorique des projets stratégiques débouche sur une typologie originale des 3 modèles de planification stratégique mis en évidence à Anvers, au Havre et à Rotterdam. / Port and maritime activity are currently undergoing an important reorganisation. This phenomenon goes hand in hand with prominent evolutions triggering a renewal of port cities governance. Among the Northern Range, three major cities – namely Antwerp, Le Havre and Rotterdam – have been experiencing the spreading of the strategic paradigm followed by a diversity of strategic projects. In order to answer the theoretical and operational issues induced by this renewed context, the research is structured around four axes among which the analysis of strategic planning instruments and its impact on spatial planning processes in port cities. Conceiving a methodology that allows explaining the complexity of port cities constitutes an important challenge. As such, it is the second axis explored. The link between strategic planning and territorial coherence forms the third axis. Finally, the opportunity of modelling strategic planning of port cities is the fourth axis. The research follows a cross-disciplinary approach coupled with a systemic analysis. On top of providing a specific methodology to analyse strategic planning and port cities complexity, the doctoral study contributes to a better understanding of spatial planning processes and their current redefinition. It also produces an evaluation of the way territorial coherence is integrated to spatial planning policies in port cities. Last but not least, the research presents a theoretical formalisation of strategic processes leading to an original typology of the three strategic planning models identified in Antwerp, Le Havre and Rotterdam.

Thesis on subject of Paolo Fiammingo in Venice focuses on a personality of a Netherlandish painter, who lived in Venice the most important part of his productive life. Text of the thesis resumes knowledge on his origin, regarding existing literature it suggest, that there is not enough documentation of his staying or apprenticeship until he came to Venice. In this regards, it also concludes, that he was not famous until he took part in Tintoretto's workshop in Veneto. Thesis researches possible Tosca and Roma mannerism influences of his later works by an analysis his later work and in the light of existing literature. Main part of the thesis concerns on Paolo's sojourn in Venice, which started probably in Tintoretto's workshop. Within workshop daily praxis, he was contributing in finishing some specific commissions of his Master with his apprentice colleagues. Thesis brings some witnesses concerning workshop life and also way the completed work took from the workshop to commissioner. The other part of this work turns awareness to his independent production in Venice and its close connection to his transalpine commissions. The part concludes in suggestions concerning the case of Fiammingo and his concrete purchasers, the Augsburg merchandiser Hans Fugger and the Emperor Rudolf II. It also mentions a...

This thesis in two volumes is a study of the paintings of David ill Ryckaert (1612- 1661 ). Ryckaert grew up in a family of artists, and painted within a close community of fellow artists. According to several twentieth-century critics, Ryckaert was no more than a minor imitator of other Flemish painters. Underlying such relegation of Ryckaert is an uncritical and distinctly Modernist glorification of originality, or merely novelty. The chief argument of this thesis is that a careful reconstruction of the socio-cultural circumstances ofRyckaert's work calls into question the destructive employment of originality as a criterion of artistic greatness. Much of the vocabulary of Flemish art of the time was established. Artists thus proved their excellence both to fellow painters and a public fully conversant with the artistic traditions of subject and style, if such pictorial conventions were notably refmed or treated with a remarkable grace. Embracing the criteria of personal style and the beauty of the work, this environment is clearly averse to the blank veneration of new or original art. I argue that the term originality is itself dangerous therefore and that to neglect Ryckaert's work as that of a minor imitator is invalid and unhelpful. A careful examination of Ryckaert's known oeuvre reveals that his work is distinguished by a fine modelling, harmonious composition and a warm palette with colourful highlights. Although he relied on an established iconographic repertory, he maintained creative variation, thereby ensuring a steady demand. Ryckaert's imitation of other artists' work requires us to adjust twentieth-century criteria which tend to be pejorative of those who borrow from fellow artists. In fact Ryckaert could be said to have refmed his individuality as a painter through the testing creative encounter with and imitation of other artists. / Art / D.Litt. et Phil. (History of Art)

Alors que la parabole du Fils Prodigue fut un support aux vives controverses religieuses du XVIe siècle qui touchèrent Anvers, les productions artistiques (peintures, gravures, dessins) restituèrent une image plus consensuelle de cette histoire. Au lieu de matérialiser les nombreuses exégèses théologiques (contradictoires) sur le message du Christ, les artistes préférèrent puiser dans la culture profane (comme les pièces de théâtre) et mettre l’accent sur la scène de la dissipation avec les courtisanes ou insister sur des détails triviaux.Cette thèse étudie les nombreuses raisons qui les ont conduits à de tels choix (poids de la censure, recherche d’une vaste clientèle, flatterie du spectateur…) et analyse les choix de mise en scène, épisode par épisode. Elle démontre comment les ateliers d’artistes ont reproduit des formules répétitives ; comment les choix iconographiques favorisèrent tour à tour la méditation spirituelle, la délectation visuelle ou les pensées condescendantes envers autrui. / While the parable of the Prodigal Son was a support in the deep religious controversies which affected Antwerp during the 16th century, the artistic productions (paintings, prints and drawings) gave back a more consensual image of this history. Instead of representing the numerous contradictory theological exegeses about the message of Christ, the artists preferred to drawn their inspiration from profane culture (as plays) and to emphasize the scene of the waste with the courtesans or to insist on everyday and coarse details.This thesis studies the numerous reasons which led them to such choices (weight of censorship, search for a vast clientele, flattery of the spectator…) and analyses the choices of setting, episode by episode. It demonstrates how artist studios reproduced repetitive formulae and how the iconographic choices facilitated alternately the spiritual meditation, the visual enjoyment or the condescending thoughts to others.

This thesis in two volumes is a study of the paintings of David ill Ryckaert (1612- 1661 ). Ryckaert grew up in a family of artists, and painted within a close community of fellow artists. According to several twentieth-century critics, Ryckaert was no more than a minor imitator of other Flemish painters. Underlying such relegation of Ryckaert is an uncritical and distinctly Modernist glorification of originality, or merely novelty. The chief argument of this thesis is that a careful reconstruction of the socio-cultural circumstances ofRyckaert's work calls into question the destructive employment of originality as a criterion of artistic greatness. Much of the vocabulary of Flemish art of the time was established. Artists thus proved their excellence both to fellow painters and a public fully conversant with the artistic traditions of subject and style, if such pictorial conventions were notably refmed or treated with a remarkable grace. Embracing the criteria of personal style and the beauty of the work, this environment is clearly averse to the blank veneration of new or original art. I argue that the term originality is itself dangerous therefore and that to neglect Ryckaert's work as that of a minor imitator is invalid and unhelpful. A careful examination of Ryckaert's known oeuvre reveals that his work is distinguished by a fine modelling, harmonious composition and a warm palette with colourful highlights. Although he relied on an established iconographic repertory, he maintained creative variation, thereby ensuring a steady demand. Ryckaert's imitation of other artists' work requires us to adjust twentieth-century criteria which tend to be pejorative of those who borrow from fellow artists. In fact Ryckaert could be said to have refmed his individuality as a painter through the testing creative encounter with and imitation of other artists. / Art / D.Litt. et Phil. (History of Art)

Indiana University-Purdue University Indianapolis (IUPUI) / Between 1675 and 1698 more than 60 published works, ranging from ephemera – pamphlets, scurrilous libelli, dialogues, letters and articles – to multi-part volumes in-folio, were printed by the participants in a dispute over the antiquity of the origins of the Carmelite order. Though the broad contours of the quarrel between the Carmelites and Antwerp Jesuits who were their main adversaries is well known, it has yet to be analyzed in any significant detail. The following study undertakes such an analysis, first reconstructing the origins of the quarrel in the religious houses and print shops of Antwerp, next looking at the Carmelite perspective and the "argument from tradition" which buttressed the Carmelites' claims to antiquity, and lastly tracing the history of the "erudition" which allowed the Bollandists -- the Jesuit scholars responsible for that monument of hagio-historiography known as the Acta Sanctorum -- to mount their critique. An appendix presents a critical edition and translation of one of the better-known anti-Bollandist pamphlets, Novus Ismael.

Rubens is known as a painter; he should also be defined as an art theorist. Following Robert Williams’ theory that Early Modern art became philosophical, I believe that style can connote art theoretical interests and philosophical models, and that in Rubens’s case, these included the classical Stoic. While it would be possible to trace Rubens’s commitment to Stoicism in his subject matter, I investigate it in his style, taking a Baxandalian approach to inferential criticism. I focus on Rubens’s formal choices, his varied brushwork, and his ability to create a vibrant picture plane. My study is divided into chapters on Ethics, Logic, and Physics. In Chapter One I treat Stoic moral philosophy as an influence in the design of Rubens’s paintings, consider similarities between classical and Early Modern interest in viewer/reader response, and argue that Baroque artists could use style to avoid dogma while targeting viewers’ personal transformation. In Chapter Two I focus on Rhetoric, a section of the Stoic philosophy of Logic. Stoic Logic privileged truth: that is, it centred on investigating existing reality. As such, Stoic rhetorical theory and the classical literature influenced by it promoted a style that is complex and nuanced. I relate this to the Early Modern interest in copia, arguing that this includes Rubens’s painterly style which, apropos copia, should be better termed the Abundant Style. In Chapter Three I explore similarities between Stoic Natural Philosophy and the Early Modern artistic interest in the unified visual field. The Stoics defined the natural world as eternally moving and mixing; with force fields, energy, and elements in constant relationships of cause/effect. The Stoic concept of natural sympathy was a notion of material/energetic interrelatedness in which the world was seen as a living body, and the divine inhered in matter. I consider ways that these classical Stoic concepts of transformation, realism, and vivified matter might be discerned in Rubens’s style. / Graduate / 2023-12-14

La thèse interroge la place de la peinture religieuse dans le nouveau genre métapictural du «Cabinet d'amateurs», inventé à Anvers au début du XVIIème siècle par Frans Francken II. Les «Cabinets d'amateurs» anversois ont été considérés jusqu'à présent comme le reflet du collectionnisme et donc du goût de l'époque; on y a vu en même temps l'expression des idées de la Contre-Réforme et, dans une moindre mesure, de la culture humaniste dans les Pays-Bas méridionaux. Cette approche socio-culturelle globale ne saisit pas la diversité des Cabinets et leur spécificité ; la visée de ces tableaux est finalement autre. Sous l'aspect d'une représentation de collection, cette réunion de tableaux et d'objets divers aboutit à l'élaboration d'un discours consacré à un thème d'ordre éthique ou épistémologique. De multiples liens s'instaurent au sein des «Cabinets d'amateurs» entre les tableaux restitués et même entre les tableaux et les objets, liens qui font naître une grande cohérence interne, cachée sous l'apparent désordre. Des rapports fondés sur l'analogie ou l'antithèse sont établis entre les œuvres que le spectateur est appelé à déceler. Les nouvelles identifications d'œuvres que nous avons pu apporter confirment la présence d'un thème qui coordonne l'ensemble d'un Cabinet d'amateurs. L'étude porte sur les «Cabinets d'amateurs» de Frans Francken II et de son frère Hieronymus, puis sur ceux de Cornelis De Baellieur. Tous ces Cabinets sont constitués de tableaux authentiques et suivent le principe d'ordonnancement autour d'un thème. Nous avons posé cette même question de la cohérence interne concernant les célèbres compositions de Willem Van Haecht et tenté d'y apporter une première réponse. / The thesis questions the place of religious pictures in the new metapictural genre of gallery paintings invented by Frans Francken II in Antwerp at the beginning of the seventeenth century. Antwerp gallery paintings have been considered so far as reflecting collecting practices and the taste at that time. They have also been understood as the expression of the ideas of the Counter­Reformation and, to a lesser extent, the humanistic culture in the Low Countries. This global socio­cultural approach does not grasp the diversity and specificity of gallery paintings, the aim of these paintings is definitely another one. Looking like an image of a collection this combination of paintings and diverse objects leads to the construction of a discourse dedicated to an ethical or epistemological theme. Various links can be observed in gallery paintings between the reproduced pictures and even between the pictures and the objects, links which bring forth a strong internal coherence, hidden under apparent disorder. Relationships based on analogy or antithesis are established between the works of art which the beholder is invited to find out. Newly identified works confirm the presence of a theme which coordinates a gallery painting as a whole. My study is devoted to the gallery paintings by Frans Francken II and his brother Hieronymus, further those by Cornelis De Baellieur. All these gallery paintings contain existent paintings and follow the principle of organization according to a theme. My study also puts the question of internal coherence concerning the famous compositions by Willem van Haecht and tries to give a first answer to it.

Suivant les récents développements historiographiques dans le champ de l’histoire des animaux, cette thèse aborde l’histoire des jardins zoologiques du côté des bêtes elles-mêmes. Elle examine donc non seulement les politiques humaines de gestion des animaux de zoo, mais aussi leurs influences sur les corps et les comportements des animaux, et leurs évolutions mutuelles. <p>L’examen débute à la fondation du jardin zoologique, c’est-à-dire au moment de la création de la ménagerie parisienne du Jardin des Plantes en 1793, et se centre, outre sur cette institution originelle, sur le jardin zoologique de Londres, créé en 1828, et celui d’Anvers, fondé en 1843. <p>Pour écrire l’histoire des animaux de zoo, la thèse mobilise une méthodologie qui mêle des indicateurs descriptifs – témoignages sur les corps et comportements animaux, sur les infrastructures de captivité, sur les soins et l’alimentation dont bénéficient les bêtes, – et quantitatifs – étude sérielle sur la longue durée des entrées et sorties d’animaux ainsi que des longévités des primates et des grands félins. L’évolution de ces différents indices est examinée au sein d’un cadre chronologique régi par les politiques des gestionnaires de zoos. Ainsi, après une première partie débutant à la fondation des institutions étudiées, une seconde s’ouvre au début du XXe siècle, alors que le marchand allemand Carl Hagenbeck ouvre en 1907 un zoo privé à Stellingen, près de Hambourg, qui popularise un nouveau type de présentation des bêtes, par lequel celles-ci sont exposées durant la journée en plein air et séparées du public par des fossés. Enfin, une troisième partie s’amorce à partir des années 1950, lorsque les zoos s’attellent à la mise en œuvre d’une nouvelle fonction, celle de protection des espèces ex situ, s’ajoutant aux trois autres traditionnellement endossées (récréative, éducative, scientifique).<p>L’examen des vies des bêtes sous l’influence des politiques humaines aboutit à élaborer une nouvelle chronologie des zoos, qui distingue un long XIXe siècle, dévoreur de vies animales ;une seconde phase, hygiéniste, à partir de l’entre-deux-guerres, caractérisée par les volontés des gestionnaires de rationaliser les conditions de captivité, mais dont les incidences sur les vies animales sont toutefois réduites ;enfin une troisième, attentive aux animaux, du milieu des années 1970 à nos jours, qui permet la naissance d’une nouvelle économie animale des zoos, qui voit l’atténuation des ponctions en milieu naturel pour la plupart des taxons (spécifiquement les mammifères et les oiseaux).<p>Ce faisant, l’étude met aussi en évidence, à rebours des discours finalistes de l’historiographie officielle, des permanences, immanentes à la captivité des animaux dans le contexte des zoos. Il s’agit d’une part de l’expression par les bêtes de comportements anormaux dans des proportions qui dépassent le niveau anecdotique ;il s’agit d’autre part de l’approvisionnement en milieu naturel, qui, bien qu’en déclin dans le contexte du bouleversement de l’économie animale, persiste jusqu’à nos jours en nombre important pour les taxons moins considérés, soit les poissons et les invertébrés, et se réincarne en de nouveaux avatars pour les autres (ponctions dans le cadre des programmes de protection, captures scientifiques, )./<p><p>Following in the footsteps of recent developments in the French historiography, this dissertation aims at balancing the attention given to humans and animals. The research therefore focuses on human policies concerning the management of animals kept in zoological gardens, as well as on their consequences on the bodies and behaviors of animals, and on mutual influences between humans and animals.<p>The study begins with the birth of the zoological garden, i.e. the creation of the Jardin des Plantes Menagerie in 1793, and focuses on this institution as well as on the London Zoo, created in 1828, and the Antwerp Zoo (1843). <p>In order to write the history of zoo animals, the method uses both descriptive indicators – testimonies on animals bodies and behaviors, on captive environments, on animal cares, handling and food, – and quantitative indicators – long-term study of the arrivals and departures, births and deaths of animals and of the longevity of Primates and Pantherinae in captivity. The evolution of these indicators takes place in a chronological framework based on the policies designed to manage zoo animals. The first part begins with the foundation of the zoological gardens. The second one starts at the beginning of the 20th century, when German dealer Carl Hagenbeck opened a zoo in Stellingen, near Hamburg (1907) which popularized a new way to display the animals, in open-air enclosures separated from the public by ditches. The third part starts in the 1950’s, when zoos implemented a new function, one of ex situ conservation, in addition to their other traditional recreative, educative and scientific missions.<p>This study of animal lives under human influence results in a new chronology of zoological gardens, discerning a long 19th century, that consumed animal lives, a second phase, hygienist, from the interwar period, marked by the managers’ willingness to rationalize the conditions of captivity, without much influence on animals lives and longevity, and a third one, from the mid-1970’s to the present time, characterized by increased attention to zoo animals and their well-being, allowing the birth of a new animal economy of zoological gardens, by which in situ captures decline for most taxa (specifically mammals and birds).<p>The dissertation also shows, in opposition with the finalist discourses of the official historiography, somes continuities, immanent to animal captivity in the context of zoological gardens. Abnormal behaviors in animals especially appear in proportions exceeding the anecdotal level. Another important phenomenon pointing to continuities is the collecting in the wild which, although it declined at the same rhythm that the new animal economy developed, has persisted to this day, profusely for the least considered taxa (fishes and invertebrates), and resurfacing in new iterations for mammals, birds, reptiles and amphibians (capture for purposes of conservation, for scientific collecting, ). / Doctorat en Histoire, art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished