Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007-05-24Bitstream added on 2014-06-13T19:08:01Z : No. of bitstreams: 1 souza_vrl_me_ia.pdf: 14449326 bytes, checksum: 1756915d289cd45137e5058e4d96975c (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / O objetivo primordial dessa pesquisa é examinar a representação pictórica e fotografica do negro no Brasil. O uso da indumentária retrada serviu como refêrencia principal na observação e análise das imagens. Foram estudadas obras realizadas durante o periodo de 1850 a 1890, com ênfase naquelas que posuem conteúdo típico e recorrente. A utilização dos trajes foi considerada como um indicativo de condição social constituite da indentidade negra, idealizada por meio de uma perspectiva da população branca. Examinei as caracteristicas em comum nas imagens e a relação da indumentária associada aos papéis sociais, vinculados ás vestimentas que integram as obras. Pesquisadores lançam mão de vários tipos de material como fonte de pesquisa. Entretanto, fontes não escritas são por muitas vezes pouco creditadas, funcionando apenas como simples ilustrações e textos. Nesse caso, podem agregar novos significados aos textos que ilustram, ou perpetuar idéias racistas. Para realizar as análises das imagens, considerei a historiografica concernente ás origens da representação do negro nas artes brasileiras, à moda, à fotografia, às heranças africanas, às teorias perspectivas, às influências da Missões artísticas que viveram ao Brasil e às teorias evolucionistas vigentes durante as últimas décadas do século dezenove. Fótografos como Christiano Júnior, Militão e Victor Frond produziram inúmeras fotografias de negros que foram comercializadas aos europeus como material etnográfico e ilustração do exótico, no final do século dezenove. Pintores com Biard e Pallière destacaram o cotidiano dos negros. Negras vendedoras de frutas, amas-de-leite, negros e mestiços embranquecidos e homens executando trabalhos braçais, são exemplos de uma figuração padronizada e perpetuada, a estética da escravidão. Essas figuras constituem meu foco investigativo para a reflexão acerca da iconografia do negro. / The primary objective of this study is to examine the pictorial and photographic representation of the black people in Brazil. The way the costumes were worn was the basis for the observations and image analysis. The pieces studied comprehend the period from 1850 to 1890 with emphais to typical and recurrent content. The way the outfits were was considered as an indicator of the black communit identity, idealized throught the viewpoint of the white population. The common characteristics of the studied paitings and photographs, as well as the relation between the costumes and their social roles connected to the relation between the costumes and their social roles connected to the observed pieces, were examined. Researches make use of various types of materials as source of inquiry. However, pictorial sources often black credit and are seen as mere text illustrations. In the case, these images can add to the texts they depict or perpetuate racist ideas. In order to carry out the image analysis, the historiography as regards the original representation of the black brasilian population as regards art, fashion, photography, African heritrage, perceptive theories, the influence of the artistic Missions that came to Brazil and the evolutionist theory in vogue during the last decades of the nineteen-century were considered. Phootographer like Christiano Júnior, Militão and Victor Frond produced countles photographs of the people that were sold in the European market as ethographic material and ilustration of the exotic. Paintes like Biard and Palliére have singled out the bach peoples everyday life. Black womens selling fruits or breat-feeding whitened black and half-cast people, and men handling heavy work are examples of a standard everlasting representation, the slavery aesthetics. This imagery constitutes the investigative focus of this paper as regards the black people iconography.

Esta pesquisa discute a obra de Jorge Guinle (1947-1987) e o diálogo que o artista travou com a pintura moderna e contemporânea brasileira e internacional. Argumenta que a pintura de Jorge Guinle, embora concentrada apenas nos últimos sete anos da vida do artista, estabeleceu um diálogo profundo com a arte do século XX, sem, com isso, deixar de se lançar a uma indagação de seu próprio tempo. / This research discusses the work of Jorge Guinle (1947-1987) and the dialogue the artist sustained with the Brazilian and international modern and contemporary painting. It argues that Jorge Guinle\'s painting, although concentrated only in the last seven years of the artist\'s life, established a profound dialogue with the art of the twentieth century, without failing, however, to undertake an investigation of its own time.

A tese discute um conjunto de quatro obras do pintor ituano José Ferraz de Almeida Júnior, produzidas entre 1888 e 1897: Caipiras Negaceando, Caipira picando fumo, Amolação Interrompida e Partida da Monção. Procura compreender as principais características dessas obras, examinando-as no seu contexto de produção e recepção. Esforça-se por situá-las tanto em relação ao debate acerca da arte brasileira travado entre meados da década de 1870 e a década de 1890 no Brasil, bem como à produção europeia. Esse exame identifica um tópico central - a filiação às poéticas do realismo/naturalismo, compreendidas, no contexto brasileiro, como estratégia de configuração de uma arte nacional, mas também como esforço de responder a inquietações relativas aos desdobramentos da pesquisa pictórica de tradição europeia: a renovação da pintura de história através da pintura de costumes. Dos aspectos principais dessa discussão, ressalta o papel atribuído - pela crítica e pelo público, em especial paulista - às obras de Almeida Júnior na construção de novas iconografias nacionais. Desenvolve como tese central a interpretação de que o esforço por constituir essa nova visualidade evidencia uma relação complexa com os anseios de auto-representação de uma determinada parcela da sociedade brasileira, centrada especialmente em São Paulo. / The thesis discusses a set of four works by the Brazilian painter José Ferraz de Almeida Júnior, produced between 1888 and 1897: Caipiras Negaceando, Caipira picando fumo, Amolação Interrompida e Partida da Monção. Its purpose is to comprehend the main characteristics of those works, by an examining them in their context of production and reception. The effort is to observe them in relation to the debate on Brazilian art, between the 1870 and 1890\'s, as well as in its relation to European art. This exam stresses a central topic - their filiation to the poetics of realism and naturalism, interpreted, in the Brazilian context, as strategies for creating a national art. It also observes the aim to respond to the developments of the pictorial practice in the European tradition: the renewal of historical painting through the genre painting. From the central aspects of this discussion, it points to the role attributed to Almeida Júnior\'s works, especially by the \"paulista\" critique and public, in the configuration of a new national iconography. The main thesis is that the effort of creating a new \"visuality\" shows a complex relation to the aims of selfrepresentation of a particular group on Brazilian society, centered especially in São Paulo.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 120354.pdf: 3872646 bytes, checksum: 56da6913a3973fd0c5c52ff8e9f1e773 (MD5) Previous issue date: 2014-07-30 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / The text investigates how the 31st PANORAMA DA ARTE BRASILEIRA held in 2009, a periodical exposition host by São Paulo Museum of Modern Art was an singular edition for giving an overview of the so-called Brazilian art, when a minimum number of the artists were actually born in Brazil. Therefore, to find the uniqueness of the 31st edition and its curator Adriano Pedrosa, three fundamental reasons involving the exhibition were observed. Such reasons points to the title of this research: Expositive Scene, Expographic Matter and Curatorial Gesture. Through these general issues, the main idea is to answer questions about the authorship on exposition, on the organization of the art pieces at the exhibition physical space and find hints and the metamorphoses surroundings the exhibit. The academic motivation came from the lack of Portuguese publications about curatorial and exhibitions. The final dissertation in the long run can contribute to a research on curatorship field with a meticulous analysis of a curatorial process and a well recognized curator with major exhibitions on his résumé. / O texto investiga como o 31º Panorama da Arte Brasileira 2009, exposição periódica do Museu de Arte Moderna de São Paulo, foi uma edição singular por traçar um panorama de arte dita brasileira com minoria de artistas nascidos no Brasil. Para encontrar o ineditismo da 31ª edição e do seu curador, Adriano Pedrosa, foram mapeados três motivos fundamentais que envolvem a exibição. Estes motivos dão título a pesquisa: a cena expositiva, a matéria expográfica e o gesto curatorial. Busca-se nestes temas mais gerais responder a questões sobre a autoria em exposição, sobre a organização das obras no espaço expositivo e encontrar rastros e devires que cercam a exibição. O incentivo acadêmico surgiu da raridade de publicações em língua portuguesa sobre curadoria e exposições. A dissertação, ao final, pode contribuir no campo investigativo da curadoria como uma análise detalhada de um processo curatorial e um curador reconhecido com importantes exposições.

Orientador: Percival Tirapeli / Banca: José Leonardo do Nascimento / Banca: Dilma de Melo / Resumo: O objetivo primordial dessa pesquisa é examinar a representação pictórica e fotografica do negro no Brasil. O uso da indumentária retrada serviu como refêrencia principal na observação e análise das imagens. Foram estudadas obras realizadas durante o periodo de 1850 a 1890, com ênfase naquelas que posuem conteúdo típico e recorrente. A utilização dos trajes foi considerada como um indicativo de condição social constituite da indentidade negra, idealizada por meio de uma perspectiva da população branca. Examinei as caracteristicas em comum nas imagens e a relação da indumentária associada aos papéis sociais, vinculados ás vestimentas que integram as obras. Pesquisadores lançam mão de vários tipos de material como fonte de pesquisa. Entretanto, fontes não escritas são por muitas vezes pouco creditadas, funcionando apenas como simples ilustrações e textos. Nesse caso, podem agregar novos significados aos textos que ilustram, ou perpetuar idéias racistas. Para realizar as análises das imagens, considerei a historiografica concernente ás origens da representação do negro nas artes brasileiras, à moda, à fotografia, às heranças africanas, às teorias perspectivas, às influências da Missões artísticas que viveram ao Brasil e às teorias evolucionistas vigentes durante as últimas décadas do século dezenove. Fótografos como Christiano Júnior, Militão e Victor Frond produziram inúmeras fotografias de negros que foram comercializadas aos europeus como material etnográfico e ilustração do exótico, no final do século dezenove. Pintores com Biard e Pallière destacaram o cotidiano dos negros. Negras vendedoras de frutas, amas-de-leite, negros e mestiços embranquecidos e homens executando trabalhos braçais, são exemplos de uma figuração padronizada e perpetuada, a estética da escravidão. Essas figuras constituem meu foco investigativo para a reflexão acerca da iconografia do negro. / Abstract: The primary objective of this study is to examine the pictorial and photographic representation of the black people in Brazil. The way the costumes were worn was the basis for the observations and image analysis. The pieces studied comprehend the period from 1850 to 1890 with emphais to typical and recurrent content. The way the outfits were was considered as an indicator of the black communit identity, idealized throught the viewpoint of the white population. The common characteristics of the studied paitings and photographs, as well as the relation between the costumes and their social roles connected to the relation between the costumes and their social roles connected to the observed pieces, were examined. Researches make use of various types of materials as source of inquiry. However, pictorial sources often black credit and are seen as mere text illustrations. In the case, these images can add to the texts they depict or perpetuate racist ideas. In order to carry out the image analysis, the historiography as regards the original representation of the black brasilian population as regards art, fashion, photography, African heritrage, perceptive theories, the influence of the artistic Missions that came to Brazil and the evolutionist theory in vogue during the last decades of the nineteen-century were considered. Phootographer like Christiano Júnior, Militão and Victor Frond produced countles photographs of the people that were sold in the European market as ethographic material and ilustration of the exotic. Paintes like Biard and Palliére have singled out the bach peoples everyday life. Black womens selling fruits or breat-feeding whitened black and half-cast people, and men handling heavy work are examples of a standard everlasting representation, the slavery aesthetics. This imagery constitutes the investigative focus of this paper as regards the black people iconography. / Mestre

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A pesquisa refere-se à necessidade de se pensar a arte como mecanismo de resistência à crescente institucionalização do campo artístico que se intensificou a partir do século XIX, no Ocidente. Nosso intuito é reunir diferentes práticas artísticas que refletem esta tomada de posição contra os preceitos da Instituição Arte e investigar as possíveis tensões e abalos daí gerados. Na primeira parte, trataremos do conceito de Crítica Institucional tal como pensada por Andrea Fraser, uma das principais teóricas do termo, analisando alguns textos de autores como Benjamin Buchloh que nos ajudem a melhor compreender as práticas de artistas que exerceram algum tipo de resistência ou tensão no âmbito institucional da arte. Na tentativa de alargar o conceito e enxergar novas possibilidades de aplicação teórica, continuamos o capítulo através do pensamento de Foucault e Deleuze acerca da possibilidade de atuação fora da instituição. Em seguida, buscaremos relacionar o conceito de Crítica Institucional com as teorias pós-coloniais, analisando, sobretudo, o pensamento de Walter Mignolo e Antonio Negri. Baseados nesta teoria, nossa pesquisa irá investigar práticas de resistência por meio das obras e ações artísticas. Interessa-nos examinar de que forma o artista formulou visualmente esta crítica ao próprio sistema da arte. Nossa intenção é expandir o conceito de Crítica Institucional para que, na segunda parte, possamos melhor compreender as práticas de artistas como Flavio de Carvalho, Nelson Leirner, Cildo Meireles e Paulo Bruscky, em um contexto brasileiro / This research refers to a need of thinking art as a mechanism of resistance against the growing institutionalization of the artistic field that has intensified since the nineteenth century in the West. Our aim is to bring together different artistic practices that reflect this position towards the precepts of Art Institution and investigate the possible tensions and upheavals generated therefrom. The first part will deal with the concept of Institutional Critique as understood by Andrea Fraser, one of the main theorists on the subject, analyzing some texts from authors such as Benjamin Buchloh to help us better understand the practices of artists who have resisted or even pressured the institution. In an attempt to broaden the concept and see new possibilities for theoretical application, we continue through the chapter on Foucault and Deleuze on the possibility of acting "outside" of the institution. Then, we try to relate the concept of Institutional Critique to postcolonial theories, analyzing especially the writings of Walter Mignolo and Antonio Negri. Based on this theory, our research will investigate practices of resistance by means of works and artistic actions. We are interested in examining how the artist made this visually critical to his own art system. Thus, in the second part we examine the practices of artists like Flavio de Carvalho, Nelson Leirner, Cildo Meireles and Paulo Bruscky in the Brazilian context

Pedro Weingärtner (1853-1929) foi um pintor brasileiro. Sua arte figurativa, realista e acadêmica retratou temas bastante diferentes: tanto paisagens e costumes de camponeses e imigrantes no jovem Rio Grande do Sul quanto a mitologia greco-romana, parte dos cânones temáticos da Europa no século XIX. O artista pintou do agricultor pobre ao presidente da província, havendo em sua arte diversa uma homogeneidade pictórica: o estilo acadêmico herdado do Velho Mundo e aprendido com o mestre William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) em Paris. Pedro Weingärtner viveu entre o Brasil e a Europa representando as diferenças entre os dois continentes. Como se articula essa complexidade da obra de Weingärtner entre o local e o universal? Qual é o peso da cultura europeia em sua arte como memória cultural, e o quanto dela também o artista produziu, principalmente em relação à figura do imigrante alemão? São essas as questões que esta dissertação procura responder. / Pedro Weingärtner (1853-1929) was a Brazilian painter. His figurative, realistic and academic art portrayed rather different themes: landscapes and customs of peasants and immigrants in Rio Grande do Sul as well as Greco-Roman mythology, part of 19th century European canons. The artist painted from the poor farmer to the president of the province, having in his diverse art one homogeneous pictorial aspect: the academic style inherited from the Old World and learned from the master William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) in Paris. Pedro Weingärtner lived between Brazil and Europe representing the differences between both continents. How is this complexity between local and universal articulated in his work? What is the weight of European art as cultural memory in his art, and how much of it did the artist produce himself, especially relative to the image of the German immigrant? These are the questions that this dissertation tries to answer.

Pedro Weingärtner (1853-1929) foi um pintor brasileiro. Sua arte figurativa, realista e acadêmica retratou temas bastante diferentes: tanto paisagens e costumes de camponeses e imigrantes no jovem Rio Grande do Sul quanto a mitologia greco-romana, parte dos cânones temáticos da Europa no século XIX. O artista pintou do agricultor pobre ao presidente da província, havendo em sua arte diversa uma homogeneidade pictórica: o estilo acadêmico herdado do Velho Mundo e aprendido com o mestre William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) em Paris. Pedro Weingärtner viveu entre o Brasil e a Europa representando as diferenças entre os dois continentes. Como se articula essa complexidade da obra de Weingärtner entre o local e o universal? Qual é o peso da cultura europeia em sua arte como memória cultural, e o quanto dela também o artista produziu, principalmente em relação à figura do imigrante alemão? São essas as questões que esta dissertação procura responder. / Pedro Weingärtner (1853-1929) was a Brazilian painter. His figurative, realistic and academic art portrayed rather different themes: landscapes and customs of peasants and immigrants in Rio Grande do Sul as well as Greco-Roman mythology, part of 19th century European canons. The artist painted from the poor farmer to the president of the province, having in his diverse art one homogeneous pictorial aspect: the academic style inherited from the Old World and learned from the master William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) in Paris. Pedro Weingärtner lived between Brazil and Europe representing the differences between both continents. How is this complexity between local and universal articulated in his work? What is the weight of European art as cultural memory in his art, and how much of it did the artist produce himself, especially relative to the image of the German immigrant? These are the questions that this dissertation tries to answer.

Orientador: Cristina Meneguello / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-17T20:33:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Freitas_PatriciaMartinsSantos_M.pdf: 6971861 bytes, checksum: 22b8c297a4cde5311302d8b3055b6eee (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: Entre as décadas de 1930 e 1940, reuniram-se em dois ateliês compartilhados no Palacete Santa Helena, os pintores que formaram o Grupo Santa Helena. Dentre suas obras, são notáveis as paisagens em que os artistas registraram o crescimento industrial e urbano de São Paulo. A presente pesquisa visa analisar este registro, por meio do estudo de obras em que os santelenistas retrataram o universo fabril e do modo como a crítica de arte do período, bem como a historiografia subseqüente, interpretaram suas produções. Objetivou-se também caracterizar as formas encontradas pelo Grupo para representar o mundo industrial em suas telas, considerando, a partir do corpus trabalhado, as paisagens industriais como aquelas em que aparecem os signos do urbano e fabril, como as chaminés das fábricas e usinas, mas também as estações de trem e a própria figura do operário. Com intuito de compreender como o Grupo Santa Helena e suas obras se inseriram em seu momento histórico, foram estudadas suas origens, formações profissionais, além da relação que mantinham com o cenário artístico paulista da época. Para tanto, as obras santelenistas foram colocadas em diálogo com produções contemporâneas, brasileiras e internacionais, de modo a apreendermos certa sensibilidade do período. Em um segundo momento, as críticas e a historiografia foram observadas com o objetivo de se entender a construção da identidade do Grupo Santa Helena / Abstract: Between 1930 and 1940, the painters who formed the Santa Helena Group shared a room on Palace St. Helena. Among their works are remarkable landscapes recorded by these artists of the industrial and urban growth of Sao Paulo. This goal of this research is to analyze through these works how the artists portrayed the factory universe and how the art critics of the period and the subsequent historiography interpreted its productions. We will also characterize which shapes the Group chose to represent the industrial world in their paintings. Also from the paintings viewed the industrial landscapes in which the signs of urban factory, as the chimneys of factories and plants, the train stations and the actual figure of the worker appears. In order to understand how the Santa Helena Group and their works were inserted in their historical moment, we studied their backgrounds, professional qualifications, and the relationship they had with the art scene in Sao Paulo at the time. To this end, the santelenista's works were placed in dialogue with contemporary productions, Brazilian and international, in order to grasp certain sensibility of the period. In a second step, criticism and historiography were observed in order to understand the identity construction of the Santa Helena Group / Mestrado / Politica, Memoria e Cidade / Mestre em História

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T07:54:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_PriscillaRamosda_M.pdf: 49760618 bytes, checksum: 8b8ee852fb253ef74a01b1f26f588209 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Este trabalho ¿ uma investigação sobre a emergência do tema do corpo nas artes visuais da década de 1990 ¿ é composto de três capítulos. O primeiro parte da premissa de que a irrupção do corpo como um tema privilegiado na arte dos anos 1990 relaciona-se ao estabelecimento de uma crise. Ao examinar esta crise, através de uma análise dos debates levantados por alguns teóricos do corpo na contemporaneidade, o capítulo tece um panorama para a compreensão da arte do corpo produzida nos anos 1990. Já o segundo capítulo trata de como a emergência do corpo enquanto um ¿problema¿ na cultura contemporânea refletiu-se no campo das artes visuais. Além de analisar alguns artistas e exposições que obtiveram destaque internacionalmente nos anos 1990, o capítulo discute as teorias ou conceitos do ¿abjeto¿ e do ¿pós-humano¿, largamente empregados pela crítica na caracterização da arte do corpo do período. Já o terceiro e último capítulo examina a arte do corpo realizada no Brasil tendo como parâmetros o 25º Panorama de Arte Brasileira (1997) e o segmento Um e Outro da XXIV Bienal de São Paulo (1998). Duas das mostras periódicas de maior prestígio no país, o Panorama e a Bienal atestam a importância assumida pelo tema do corpo na arte brasileira dos anos 1990 / Abstract: This work ¿ an inquiry into the emergence of the theme of the body in the visual arts of the 1990s ¿ is constituted by three chapters. The first is based on the premise that the irruption of the body as a privileged theme in the art of the 1990s is related to the establishment of a crisis. By examining this crisis, through an analysis of the debates raised by some contemporary body theorists, the chapter weaves a panorama for the comprehension of the art of the body produced in the 1990s. The second chapter then investigates how the emergence of the body as a ¿problem¿ in contemporary culture was reflected in the visual arts field. Besides analyzing some artists an exhibitions which gained prominence internationally in the 1990s, the chapter discusses the theories or concepts of the ¿abject¿ and the ¿post-human¿, largely employed in the characterization of the art of the body of the period. The third and final chapter then examines the art of the body produced in Brazil taking as parameters the 25th Brazilian Art Panorama (1997) and the One and Other segment of the 24th São Paulo Biennial. Two of the most prestigious periodical shows in the country, the Panorama and the Biennial demonstrate the importance gained by the theme of the body in the Brazilian art of the 1990s / Mestrado / Mestre em Artes