Estas pesquisa em poéticas visuais orienta-se para o campo de estudos Arte e Natureza relacionando desenho, gravura, fotografia e elementos naturais organizados em instalações efêmeras. Os tabalhos poéticos realizados estão relacionados à observação de formas orgânicas presentes na natureza, à coleta de elementos vegetais e especialmente ao surpreendente encontro com casas e lugares que brotam. A investigação detém-se sobre conceitos como a organicidade, a efemeridade, a fragilidade e a lentidão, propondo a delicadeza como resistência a um entorno acelerado e por vezes pouco sensível. Os trabalhos são abordados da perspectiva de seus processos, ao considerar os cadernos e outros documentos manuscritos como registros fundamentais para a elaboração do pensamento poético que norteou toda a pesquisa. Assim proponho com o volume impresso de tese a apresentação de uma investigação em fluxo. Em minha escrita estabeleço diálogos com a botânica, com a literatura, com o cinema e com a filosofia. / This research in Visual Art explores the Art and Nature field of study, combining drawing, printmaking, photography and natural elements to build ephemeral installations. The artworks produced are related to the observation of organic forms present in nature, with the collection of plant specimens, and especially with the surprising encounter with growing houses and places that sprout. The investigation focuses on concepts such as organicity, ephemerality, fragility and slowness of time, proposing delicacy as resistance to accelerated and sometimes insensitive surroundings. The artworks are approached from the perspective of their processes, considering the notebooks and other manuscript documents as fundamental records for the construction of the poetic thinking that guided the entire research. Thus, I propose with the printed volume of the thesis, an investigation that is in flux. In my writing I establish dialogues with botany, literature, cinema and philosophy.

Esta pesquisa objetiva apresentar uma análise sobre a utilização da vitrine como espaço integrante da obra de arte. Problematiza a necessidade do uso do espaço isolado e intocável da vitrine como área imprescindível para determinadas propostas artísticas contemporâneas. Averigua também as relações entre a área envidraçada da vitrine e o observador. Verifica como a vitrine é tematizada não só no espaço arquitetônico, mas também na pintura e na fotografia. Examina dessa maneira a atitude dos artistas em colecionar, selecionar, organizar, classificar, deslocar e exibir uma série de objetos reunidos no interior de tal dispositivo. Interroga se a presença de artistas que trabalham com a vitrine ou com o espaço, apenas delimitado, não estaria ligada à crise do conceito tradicional de autor. / This research aims to present an analysis of the use of the museums display as an integrating space of the work of art. It gives emphasis on the use of an isolated and untouchable space in the museums display as an essential area to establish contemporary aesthetic proposals. So, it also checks how the display case is given thematically not only in the architectural space, but also in the painting and photograph. It analyses the artists approach of collecting, selecting, arranging, assorting, displacing and displaying a series of united objects in the interior of such device. It is questioned if the presence of the artists who work with the museum display or with demarked space would not be tied to the crisis of the authors traditional concept.

Este estudo buscou analisar uma parte da obra da artista contemporânea francesa Dominique Gonzalez-Foerster, pondo em foco especialmente sua relação com a arquitetura moderna e com o Brasil. Nessa direção, interessava também compreender de que maneira a artista opera as dimensões do tempo e do espaço em suas obras. Para isso, fez-se necessário um estudo prévio sobre o rompimento das barreiras artísticas com a arquitetura e outros campos de conhecimento, um aprofundamento sobre a síntese e autonomia no campo artístico, assim como uma investigação acerca de algumas teorias para a arte contemporânea e os grupos de artistas que se conformaram ao redor de um conceito de Estética Relacional. A pesquisa se deteve sobre o período que compreende os anos finais da década de 1980 até 2014 e estudou obras realizadas no Brasil e no estrangeiro. O início do trabalho abrange as obras entre as décadas de 1990 até os anos 2000 que partem de uma proposta de Dominique Gonzalez-Foerster de produzir ambientes domésticos no âmbito institucional: são as obras da série Chambres. Essas obras suscitam questões como a tecnologia, a imaterialidade, os vazios potenciais e a criação de novas narrativas pelos expectadores/visitantes ativos. A seguir, estudamos o modo como a artista evoca e migra para os espaços exteriores produzindo obras institucionais que tenham uma relação com cidades, ou ainda propostas para parques e jardins que são pensados como a primeira exterioridade ainda vinculada de algum modo à esfera doméstica de suas obras iniciais. São abordados nesse ponto do estudo os conceitos de deslocamento, da constituição fragmentada do indivíduo contemporâneo, além do papel das viagens em sua obra. Ainda nesse ponto, estudamos o conceito de jogo presente na obra de Dominique e em diálogo com a produção de Helio Oiticica. Finalmente, a última etapa desse estudo tratou da relação da obra de Dominique Gonzalez-Foerster com a arquitetura moderna, as influências da cidade de Grenoble, sua arquitetura, urbanismo e comunidade artística; e a arquitetura moderna brasileira, em obras entre os anos 1999 e 2014. Para essa parte do estudo fez-se necessário contextualizar a migração do projeto de modernidade para áreas periféricas, que produziriam modernidades alternativas e, segundo Gonzalez-Foerster, imbuídas de potencialidades. Estudamos também a perda de utopia da modernidade e de que maneira a artista trabalharia isso em suas obras. A partir do conceito de tropicalização, segundo um ponto de vista específico desse termo definido por Gonzalez-Foerster, são exploradas três mostras que operam com esse conceito e que em diversos momentos dialogam com o restante da produção da artista. Por fim, percorremos outras quatro obras e exposições individuais e coletivas das quais a artista participou no Brasil entre os anos de 2010 à 2014 com a intenção de fazer um pequeno panorama da produção da artista no país, somando um total de 25 obras analisadas. / This study has the intention to analyze the body of Dominique Gonzalez- Foerster\'s work, specially its relations with modern architecture and Brazil. Therefore, this research is also interested to understand the way the artist deals with time and space along her work. That being so, it was necessary to proceed a previous studies about the limits suppression of art and architecture and other fields of knowledge; an investigation about the synthesis and autonomy in the artistic field; and also about contemporary art theories and its artist\'s conformation around the concept of Relational Aesthetics. This research covers the period of time from 1980 to 2014 and studied works produced in Brazil and abroad. The works from 1990 to 2000 in the beginning of this study are one part of Dominique Gonzalez-Foerster\'s proposal of producing domestic environments inside the art institutions: the Chambres series. These pieces of art reflect about issues such as technology, immateriality, potential emptiness and the possibility of new narrative creation by the active viewers/visitants. The next step was to study how the artist recalls and also migrates to exterior spaces producing institutional works which are in relation to the cities, or else, projects for parks and gardens thought as the first possible exteriority still connected somehow to the domestic feel of her first works. At this point, we had to look into the concepts of displacement, of the fragmented constitution of the contemporary beings, and the role of the travels in her work. Still, the concept of playing, present in Dominique Gonzalez-Foerster\'s work, and its relation to Helio Oiticica\'s proposals were also examined. Finally, the last part of this study regards and analyzes the relation of her work with modern architecture, the influences of Grenoble, its architecture, urban planning and artistic community; and the modern Brazilian architecture, in her works between 1999 and 2014. For this part of the study it was essential to briefly historically contextualize the process of the ideals of modernity migration for peripheral areas, which produce alternative modernities, for Dominique Gonzalez Foerster, filled with potentiality. The loss of modernity utopia and the way the artist comprises it in her works were also a relevant subject of this dissertation. Considering the concept of tropicalization, developed in a specific way by Gonzalez-Foerster, three exhibitions were studied, especially in their way to dialogue with the rest of the artist\'s work. At last, other four individual exhibitions in Brazil between 2010 and 2014 were analyzed with the intention to produce a panorama of the artist\'s work in the country, and to sum them to all of the 25 works in this research.

O objeto desta tese enfatiza a minha prática artística desenvolvida durante 2010 e 2012, período que freqüentei o mestrado de Poéticas Visuais da Universidade de São Paulo. A produção escrita aqui apresentada acompanhada de imagens, permite uma descrição crítica e contextualizada dos trabalhos em questão. A narração da sua linha de construção e a concepção justificada através de associações. O evento como objeto de trabalho, e ponto de partida. A vivência de algumas situações como prática, para a representação de objetos, criando intersecções de acontecimentos, períodos históricos, ou mesmo ficções (A), através de um processo de tradução em esculturas (B). Este processo de transferência de A para B contém uma série de conexões invisíveis: como réplicas de objetos, articulações de sentidos, associações, para a construção de escultura, ou de imagem. Estas peças surgiram da possibilidade de tornar material uma relação. A relação que tenho estabelecido entre dois lugares: Portugal e Brasil, os dois países onde tenho vivido nos últimos quatro anos. / a period that I attended the Master of Visual Poetics, University of Sao Paulo. The written production accompanied by images presented here, allows a contextualized and critical description of the work in question. The narration of its time line of construction and design justified through associations. The event as an object of work and starting point. Direct experience as a practice for the representation of objects, for the intersection of events, historical periods or even fictions (A), translated into sculptures (B). This transference process from A to B holds some invisible connections, such as replicas, different meanings in articulation and associations for the construction of a sculpture or image. These pieces came from the possibility of making material a relation. The relation I have established between these two places: Portugal and Brazil, the two countries I\'ve been living in for the past four years.

Para compreender a relação entre cor e fotografia, investiguei seus aspectos técnicos e poéticos. Aprofundando-me na pesquisa de importantes fotógrafos que trabalham com a cor, realizando uma série de entrevistas com os artistas estudados e especialistas na área e construindo uma prática artística pessoal, procuro mostrar nesta dissertação como a cor adquire autonomia, tornando-se elemento estrutural da obra. / To understand the relationship between color and photography, I investigated the technical and poetical aspects. Deepening in the researches about important photographers that work with color, making a series of interviews with the artists that had been studied and professionals from the area and building an artistic personal practice, I try to show in this dissertation how the color acquires autonomy becoming a structural element of the work.

A ampliação gradativa de instituições culturais privadas criou uma demanda de mão de obra qualificada para seus mais variados programas. Surgiram nos últimos 20 anos em todo o país cursos profissionalizantes e diversas graduações e pós-graduações em artes visuais reconfigurando assim um novo panorama daquilo que vem sendo, nos últimos anos, a formação do artista plástico (ou visual) no circuito artístico. A dissertação teve por objetivo discutir a posição do artista brasileiro contemporâneo através da análise do seminário Longitudes, realizado na cidade de São Paulo em março de 2014. Três temas centrais nortearam a configuração do seminário e posterior análise: o primeiro abordou a identidade do artista; o segundo tratou da expansão dos espaços alternativos e do escopo de trabalho do artista; o terceiro dedicou-se aos locais de formação e à proliferação de faculdades e cursos livres que têm suprido a demanda do mercado de trabalho recém desenvolvido. A partir dos depoimentos coletados no seminário, discutiremos as relações de trabalho no meio e a profissionalização do artista contemporâneo no Brasil / The gradual expansion of private cultural institutions created a hand demand for skilled labor for its various sectors. Emerged in the last 20 years throughout the country training courses and several graduate and post-graduate courses in visual arts as well reconfiguring a new panorama of what has been, in recent years, the formation of the artist (or visual) on the art circuit. The dissertation aims to discuss the position of the Brazilian contemporary artist by an analysis of the Longitudes seminar, held in São Paulo in March 2014. Three central themes guided the seminar configuration and its further analysis: the first dealt with the artist\'s identity; the second dealt with the expansion of the alternative space and the artist\'s scope of work; the third topic turned to the training sites and the proliferation of colleges and other courses to come meet the demand of the newly developed labor market. From the testimonies collected in the workshop, we will discuss the labor relations in the milieu and the professionalization of the contemporary artist in Brazil

A presente pesquisa explora o YouTube como campo de criação da performance art contemporânea. Em primeiro lugar o site é abordado com foco em suas implicações culturais, empregando tanto uma bibliografia específica sobre o YouTube como autores que refletem sobre a subjetividade contemporânea, destacando-se neles aspectos que se relacionam com as práticas dos usuários do site. Em seguida é analisada uma seleção de obras de performance no YouTube realizadas por artistas de diversas nacionalidades. Elas estão reunidas em cinco vetores: #camgirlsattwhores, que trata da mulher e do feminismo na internet, apoiando-se principalmente no trabalho de Erica Scourti; #persona-ironia, que se baseia nas teorizações de Renato Cohen sobre a persona performática; #anti-confissão, que aborda a prática da confissão segundo conceitos desenvolvidos por Michel Foucault, Óscar Cornago e Christopher Lasch; #corpo-efeitos, no qual a principal referência é o trabalho de N. Katherine Hayles sobre o pós-humanismo; e #prank, que conta com as teorizações de V. Vale e Fábio Salvatti. Na etapa final, são realizados experimentos práticos no YouTube, inspirados nos ideais de Joseph Beuys e Allan Kaprow, e nas práticas artísticas de Petra Cortright. A pesquisa articula, portanto, diversas perspectivas culturais e artísticas, tanto teóricas quanto práticas, para apreender o objeto de estudo, defendendo um novo tipo de arte que transborde o mercado e as categorias tradicionais e propondo um uso desartístico e lúdico das tecnologias atuais. / This work explores YouTube as a field for contemporary performance art creation. Firstly, the research approaches the website focusing in its cultural implications, investigating specific literature about YouTube as well as authors that reflect upon contemporary subjectivities, highlighting in them aspects that relate to the website users\' practices. Then, it analyses a selection of works by performers of various nationalities, gathering them in five vectors: #camgirls-attwhores, which deals with women and feminismo on the internet, relying mainly on Erica Scourti\'s work; #persona-irony, which is based on Renato Cohen theories on the performative persona; #anti-confession, which addresses the practice of confession making use of concepts by Michel Foucault, Óscar Cornago and Christopher Lasch; #body-effects, in which the main reference is the work of N. Katherine Hayles on post-humanism and #prank, which relies on writings by V. Vale and Fábio Salvatti. Finally, practical artistic experiments on YouTube are carried out, inspired by the ideas of Joseph Beuys and the artistic practices of Petra Cortright. Therefore, the research has articulated multiple cultural and artistic perspectives, both theoretical and practical, to seize the object of study, advocating a new kind of art, one that overflows traditional categories and the art market and proposing an unartistic and playful use of current technologies.

A presente dissertação tem como objetivo analisar uma prática artística que, na contemporaneidade, vem ganhando ampla dimensão e recorrência: o ato de andar. As implicações do percurso e sua dimensão plástica são motes cruciais a esta análise, que busca, à luz de um recorte histórico, traçar as especificidades desse ato com base na análise de produções artísticas posteriores à década de 1960. Para entendimento dos distintos aspectos que o caminhante apresenta na arte contemporânea, são traçadas três aproximações que, paralela e independentemente, dão subsídios à análise proposta. A primeira delas, aborda a caminhada no contexto de um breve panorama histórico das produções artísticas, buscando qualificar dois momentoschaves para a diferenciação dos trabalhos que a tomam como mote: a caminhada como representação e a caminhada como ato. A segunda aproximação faz o levantamento do léxico que tem paulatinamente buscado qualificar a caminhada nas suas mais diferentes acepções. É desse léxico que emergem as principais considerações teóricas sobre as especificidades da caminhada como ato com implicações estéticas, tendo como base a deriva situacionista, a estética radicante de Nicolas Bourriaud e a abordagem fenomenológica de Thierry Davila sobre deslocamento. Por fim, a terceira aproximação apresenta um estudo de caso que consiste na análise da produção do artista de origem belga, radicado no México, Francis Alÿs. / This dissertation aims at analyzing an artistic practice that, in contemporaneity, has gained a vast extension and recurrence: the act of walking. The implications of the pathway and its aesthetic dimension are crucial mottos in the analysis that tries to outline this act\'s specificities, focusing on the artistic productions after the 1960\'s. To understand the distinct qualities that the walker pursues in contemporary art, three approaches are outlined; in parallel and independently, they subsidize the proposed analysis. The first deals with the insertion of the act of walking in a brief historical panorama of the artistic works, specifying two key-moments: walking as representation and walking as an act. The second approach presents an inventory of the lexicon that gradually qualifies the act of walking in its most various meanings. It is from this glossary that the main theoretical considerations about the specificities of walking as an act with aesthetical implications emerge from, based on the situationist dérive, on Nicolas Bourriaud\'s radicant aesthetics and on Thierry Davila\'s phenomenological approach on displacement. Lastly, the third approach presents a case study that has the analysis and interpretation of Belgian artist Francis Alÿs\' as its key element, an example of the artist as a contemporary drifter/wanderer and his insertion in and relation with the city.

Este é um estudo sobre o desenvolvimento e a prática de arte voltada para questões ambientais, cujo objeto de arte possa ser o próprio ambiente, por meio de ações ou intervenções em espaços públicos ou privados, construções de objetos de arte com utilização de materiais não convencionais, com proposta de foco ou crítica a questões ambientais. A pesquisa estabeleceu investir em um levantamento de artistas cuja poética se envolva com o meio ambiente, como um exercício de crítica de arte. Escolhi os artistas Brígida Baltar, Andy Goldsworthy e Carlos Vergara pelas poéticas. A análise da pesquisa caracterizou-se por um levantamento das principais características das obras escolhidas, as analogias estabelecidas entre a proximidade e as singularidades da poética de cada artista/obra analisadas com o meio ambiente. Considero que a crise ambiental pela qual passa o planeta pede uma nova postura dos artistas, uma necessidade de estar aberto às possibilidades de um fazer artístico junto ao meio ambiente natural, um fazer crítico, consoante com os novos tempos, reafirmando-se na função social da arte. / This is a study on the development and practice of art focused on environmental issues, whose object of art may be the environment itself, through actions or interventions in public or private spaces, construction of art objects using unconventional materials, including proposals of focus or critical environmental issues. The research established to invest in a survey of artists whose poetic engages with the environment, as an exercise in art criticism. I chose the artists Brígida Baltar, Andy Goldsworthy and Carlos Vergara by poetic. The research analysis was characterized by a survey of the main characteristics of the chosen works, the analogies made between the proximity of the poetic and the singularities of each artist / work analyzed with the environment. I believe that the environmental crisis in which the planet is a new approach calls for artists, one need to be open to the possibilities of an artwork with the natural environment, to do with a criticism way, according to the new times, reinforcing its position in the function social of art.

Este trabalho investiga os campos fronteiriços da arte, da arquitetura, e da expografia a partir da proposta museológica implantada no Museu de Arte da Pampulha em 2001. Procura traçar uma linha histórica da edificação, de seu funcionamento como Cassino da Pampulha, de 1942 a 1947, à sua inauguração como Museu de Arte de Belo Horizonte, em 1957, e seu funcionamento até os anos 2000. A pesquisa procura compreender as propostas de museu estabelecidas desde os anos 1960 até 2010, a partir da análise dos documentos históricos e das exposições realizadas, com foco no período entre 2001 e 2010, quando se estabeleceu um novo conceito para o Museu, tratando sobretudo de um programa expositivo em estreito diálogo com sua edificação. Entremeados à discussão desses projetos são abordados práticas, pensamentos e manifestações artísticas diretamente conectados às experiências artísticas dos anos 1960, que experimentaram projetos e situações site-specific e desmaterialização da arte. Primeiramente tenta situar a relação entre arte, arquitetura e paisagem no conjunto arquitetônico e paisagístico da Pampulha, e avaliar em que medida as edificações se relacionam e estabelecem diálogos com a arte. Analisa a arquitetura do Museu e sua função, levantando os problemas museológicos existentes. Passa, então, a uma análise de práticas artísticas experimentadas pelo Museu por meio da intervenção Territórios, em 1968, e da exposição Porto Pampulha, em 1990. Na sequência, apresenta o novo projeto curatorial e analisa as mostras realizadas sob a curadoria de Adriano Pedrosa e Rodrigo Moura e, em seguida, por Marconi Drummond, procurando traçar dois modos distintos de enfrentar as questões pertinentes à relação entre arte e arquitetura no Museu. Eis os modos de tratar a questão pela curadoria: através de um enfrentamento direto das obras com o espaço, com a produção e concepção de trabalhos site-specific comissionados pelo Museu, e por meio de projetos em que a relação é permeada por projetos expográficos que dialogam com a arquitetura, as obras e o conceito curatorial. Finalmente, procura destacar que o caminho da arquitetura para a arte contemporânea é um exercício de tensionar limites e conceitos modelados pela arquitetura moderna sem deixar de aderir a ela; e que, no caminho da arte contemporânea para a arquitetura, abrem-se perspectivas aos trabalhos que inevitavelmente têm que forçar fronteiras para reinventar espaços. / This essay investigates the borders where art, architecture and the expography meet based on the museological proposal undertaken at the Pampulha Museum of Art in 2001. It seeks to trace the history of its development, from the time during which it functioned as the Pampulha Casino between 1942 and 1947 to its re-opening as the Belo Horizonte museum of art in 1957 and its activities up to the 2000s. The research seeks to understand the proposals for the museum established between the 1960s and the year 2010, based on an analysis of historical documents and of the exhibitions held there, with a focus on the period between 2001 and 2010, when a new concept for the museum was established, consisting mainly of an expository program in close dialogue with its edification. Interspersed with the discussion of these projects, artistic practices, thought processes and manifestations directly connected to the artistic experiences of the 1960s, and that experimented with sitespecific projects and situations and the de-materialization of art, are discussed. It first attempts to situate the relationship between art, architecture and landscape in the overall architectural and landscape context of Pampulha, and assess to what degree the edifications relate to one another and establish dialogues with art. It analyzes the architecture of the museum and its function, raising existing museological problems. It then moves on to an analysis of artistic practices experimented by the museum through the intervention Territórios (\"Territories\") in 1968 and the exhibition Porto Pampulha (Pampulha Port) in 1990. After this, it presents the museum\'s new curatorial project and analyzes the exhibitions carried out under the curatorship of Adriano Pedrosa and Rodrigo Moura and, later, by Marconi Drummond, seeking to outline two distinct ways of confronting issues pertinent to the relationship between art and architecture in the museum. These are the ways of dealing with this issue established by the curatorship: by directly confronting the works with the space, with the production and conception of site-specific works commissioned by the museum, and through projects in which the relationship is permeated by expographich projects that dialog with the architecture, with the works and with the curatorial concept. Finally, it seeks to highlight the fact that the path from architecture to contemporary art is an exercise in the tensioning of limits and concepts modeled by modern architecture without actually breaking away from it, and that, on the path from contemporary art to architecture, perspectives open up to the works that inevitably have to push frontiers in order to reinvent spaces.