Le concile de Trente définit à la fin du XVI° siècle les principales réformes à entreprendre afin de restaurer l'image de l'Église. Une nouvelle approche structurelle et humaine est ainsi promue pour répondre aux critiques des protestants et de certains catholiques. La reconquête de la confiance des fidèles par l'Église se traduit par une modernisation et l'instauration de structures ecclésiastiques locales. La formation et l'apprentissage sont placés au centre de la politique menée par la curie romaine et les épiscopats locaux. Ces principes sont soutenus par la résurgence et la fondation de nouvelles compagnies religieuses ou associations laïques, répondant aux besoins quotidiens des populations. Le processus d'évangélisation passe également par la diffusion d'une nouvelle forme d'art capable de susciter un sentiment de grandeur et de richesse. Le baroque s'affirme comme un outil pédagogique indispensable dont les traces, encore actuelles, attestent de la magnificence. Le renouveau du message catholique, suite au concile de Trente, connaît cependant une application relative selon les territoires. Il apparaît à cet égard intéressant d'étudier l'impact de cette contre-Réforme sur la manière de vivre sa foi au sein de trois espaces liés d'un point de vue culturel et géographique que sont la Corse, Gênes et le comté de Nice. / The council of Trent held at the end of the 16th century embodies main reforms to carry out in order to restore the Church’s image. A new structural and human approach is put forward in response to the critics addressed by Protestants and some Catholics. The regaining of the faithful’s trust, wanted by the Church, has led to a modernization and to the creation of local ecclesiastic structures. Training and learning have been put at the center of the policy conducted by the roman Curia and local episcopacies. This principles are supported by the renewal or the creation, of both religious societies and non-religious associations, able to meet the daily requirements of populations. Process of evangelization also goes through spreading of a new type of art, fostering a sense of glory and wealth. By doing so, the baroque asserts itself as a necessary educational tool, traces of which remain present until today and bear witness to its magnificence. However, the renewed catholic message, after the council of Trent, was not put in application equally in all the provinces. In this regard, it is interesting to study the impact of this counter-reformation on the way to live out is faith in this three culturally and geographically linked areas that are Corsica, Genoa and the county of Nice.

Notre thèse se propose comme objectif la définition et l’étude du traitement de l’ekphrasis dans la fiction narrative française en prose entre 1585 et 1660. L’ekphrasis y est comprise dans le sens ancien et rhétorique d’un discours doté d’évidence (enargeia), mettant son objet devant les yeux du lecteur/auditeur. En s’appuyant sur une rigoureuse enquête philologique, le présent travail vise d’abord à définir l’origine rhétorique de la notion d’ekphrasis et de tracer sa complexe cartographie sémantique entre l’Antiquité et la première modernité. L’enquête s’efforce ensuite de montrer l’attitude – de docilité ou de rébellion – de l’ekphrasis romanesque par rapport aux préceptes antiques et contemporains, par la mise en lumière des singularités d’écriture qui différencient la pratique des romanciers. Enfin, l’étude s’attache à dégager les effets que l’ekphrasis et plus en général le discours évident, dont les sources mettent en lumière l’étroit lien avec les passions, sont censés susciter chez le lecteur. / The aim of this thesis is the definition and study of the treatment of ekphrasis in fictional prose narrative in French between 1585 and 1660. Ekphrasis is considered here in its ancient and rhetorical sense of a discourse having the quality of enargeia – that is, one that places its object before the eyes of the reader/listener.Based on a rigorous philological investigation, this paper aims first at defining the rhetorical origin of the concept of ekphrasis, and its complex semantic mapping between Antiquity and the early modern period.This research attempts then to shed light on the attitude (docility or rebellion) of fictional ekphrasis toward the ancient and contemporary precepts, by highlighting the singularities of writing that distinguish the practice of novelists.Finally, this study focuses on identifying the effects that ekphrasis, and more generally the figures of enargeia – of which the sources highlight the close link with the passions – are expected to arouse in the reader.

Au cœur de cette thèse, la musicalité du pictural est défendue comme caractère absolu d'une quête artistique. Entendre la forme picturale implique d'en éprouver le déploiement comme espace et comme temps. Cela évoque la manière dont la musique et le son nous environnent et nous envahissent, en considérant la forme comme une entité en perpétuelle autogenèse. Une telle conviction s'ancre dans la pensée philosophique d'Henri Maldiney et dans celle d'Erwin Straus. Le sentir admet la réceptivité aux formes artistiques dans leur surgissement et dans leur devenir. A partir du sens du pittoresque promu par l'art baroque, la dimension formelle propre à la démarche se déploie comme un rythme sans se figer en une structure close. La peinture résonne dans son lieu comme un instant d'espace partagé : les notions de surface et d'échelle impliquent une entente temporelle du pictural. Tel est l'enseignement tiré de la collaboration avec le musicien et compositeur Joe Fee et du face à face avec la peinture abstraite américaine. La notion de justesse se charge ici d'une valeur plastique : l'intonation des formes dépend de leur mise en espace autant que de leur naissance dans la matière. La musique est le paradigme d'une errance des formes dont l'espace et le temps s'imprègnent. L'écoulement de la peinture répond à cette aspiration : il désigne les propriétés fluides du médium employé tout en évoquant une dimension temporelle propre au modèle musical et à l'expérience du vivant. Entre impermanence et renouveau, la forme a lieu par la justesse de son contexte. Dans l'instant provisoire de sa naissance, elle fait du pictural un lieu d'éclosion et du musical une aspiration première. / This thesis defends the musical quality of pictorial art as the absolute value of an artistic quest. Entendre the painting means experiencing its unfolding as space and time. The whole body becomes a receptacle for the rhythm of forms beyond the simple visual appreciation of an artwork. The pictorial form is felt as an entity in perpetual autogenesis, just as music and sound surround and invade us. Such conviction is anchored in the philosophical thought of Henri Maldiney and Erwin Straus : sensing (to sense) admits the receptivity to artistic forms in their emergence and in their becoming. The painterly quality of an artwork promoted by Baroque art inspired the formal dimension of this research. Shape springs as rhythm rather than structure.Painting resonates in a moment of shared space : the notions of surface and scale specify the temporal understanding of the pictorial, as well as the collaboration with musician and composer Joe Fee and the encounters with American abstract painting. The idea of intonation relies on the moment in which the form find its way through the material. The intonation of painting also depends on its spatialization. Music is the paradigm of a wandering that impregnates space and time. The flowing of painting corresponds to this aspiration : it designates the fluid properties of the material while evoking a temporal dimension peculiar to the musical model and to the experience of life. Between impermanence and renewal, a form takes shape by the intonation of its context, in the provisional moment of its birth. In the persona! practice of art, painting is the material place of a quest while music persists as its first aspiration.

Ken Russell (1927-2011) was a renegade talent and the self-styled enfant terrible of British cinema. His legacy as a film-maker consists of a large number of films on the lives of artists, mainly composers. But Russell’s approach to artist biography was highly unorthodox: rather than reconstruct a factual account he offered a deeply personal interpretation of artists’ lives based on his own understanding of their work. In a programmatic text for his film on Mahler (1974), Russell explained that his films ‘evolve through a stream of consciousness in which the man and the myth, the music and its meaning, time, place, dream and fact all flow and blend into the mainstream of the film itself’ and that ‘my film is simply about some of the things I feel when I think of Mahler’s life and listen to his music’.This book is an attempt to explain what that statement means and to unpack its implications for the practice of life writing. It takes a baroque approach to performance and performativity to show how Russell not simply made highly inventive films on other artists, but also constructed those films as a kind of self-portrait. Russell’s work then becomes a performance of self through art. In four chapters of detailed analysis this book reconstructs Russell’s method, from the very first films he made for the BBC in the early 1960s through his major feature films of the 1970s and 1980s. / Doctorat en Histoire, histoire de l'art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Jean Auvray (1580 ? - 1624), poète normand, auteur de pieux ouvrages comme de « satyres » grinçantes ou grivoises, figure en bonne place dans les anthologies de la poésie baroque française. Et pourtant l’homme et le poète demeurent pour une large part méconnus du public moderne. La lecture de ses œuvres se réduit le plus souvent à celle d’extraits ou de morceaux de bravoure. Il a toutefois, contrairement à d’autres minores de son temps, laissé derrière lui un grand nombre de pièces poétiques qu’il s’était donné la peine de faire imprimer sous son nom. À travers sa trajectoire personnelle, comme à travers l’abondance et la variété des pièces qu’il a produites, s’esquisse un autre parcours d’écrivain que celui des « modèles » auxquels l’histoire littéraire ou même la sociologie historique nous ont habitués. C’est précisément ce parcours à la fois singulier et exemplaire que notre recherche s’est efforcée de restituer. Une partie introductive pose à cet effet des jalons biographiques et bibliographiques permettant de cerner au plus près les contours de l’homme et du poète qu’il fut à cette époque. Elle analyse ensuite différents jugements critiques portés sur le « sieur Auvray », afin d’ouvrir de nouvelles pistes à la compréhension et à l’analyse de ses œuvres. La seconde partie consiste en une édition critique de l’ensemble de ses « essais poétiques », en suivant l’ordre chronologique de leur parution. / Jean Auvray (1580 ?-1624), a Norman poet who composed pious poems as well as bitter and even bawdy satires, holds a significant place among the authors featured in anthologies of French baroque poetry. The man and the poet remain largely unknown to most modern readers, however. For the most part, knowledge of his works is limited to a few extracts and bravura passages of verse. Yet, unlike other “minores” of his time, he left behind a large number of poems, which he took the trouble to have printed under his own name. His personality, his career and the abundant and various production he has handed down to us reveal a writer whose path differs from the usual “models” we know from literary history or even historical sociology. In our research, we have attempted to reconstruct this path, at once remarkable and exemplary. The first section establishes some biographical and bibliographical landmarks that enable us to sketch out a portrait of the man and the poet in his time. It then analyzes the various critical judgements passed on the “sieur Auvray”, in order to open new avenues towards a better understanding and analysis of his works. The second section consists in a critical edition of his complete “poetical essays”, in chronological order of publication.

L’ornement fait partie intégrante de la musique pour clavecin aux XVIIe et XVIIIe siècles. Ce doctorat a pour objet l’étude des ornements dans les pièces pour clavecin seul, de la première édition connue de cette école : Chambonnières en 1670, au premier livre de François Couperin de 1713. Cette dernière date correspond à un tournant historique, celui de la fin du Grand Siècle et un tournant musical dans l’écriture des pièces de clavecin en France. Le corpus est composé au total de douze compositeurs (Chambonnières, Lebègue, Jacquet de La Guerre, d’Anglebert, Marchand, Dieupart, Clérambault, Dandrieu, Le Roux, Rameau, Siret, Couperin) qui ont pu corriger, dans le cadre de l’édition, le travail de la publication et donc celui de l’ornement, contrairement aux pièces des manuscrits. La problématique de cette recherche soulève la question de l’interprétation de l’ornement : Quelle place tient l’ornement dans la société et la musique de clavecin en France ? Y a-t-il une réalité sonore de l’ornement dans les pièces pour clavecin ? Peut-elle et doit-elle être la même aujourd’hui qu’il y a plus de trois cents ans ? Comment a évolué le son du répertoire pour clavecin au travers de la compréhension des ornements ? L’analyse quantitative, stylistique et esthétique des ornements (agréments, ornements écrits et diminutions) dans les éditions, rééditions et dans les enregistrements sonores du microsillon au disque compact, accompagnée de l’analyse des écrits du XVIIe au XXIe siècle sur la perception des ornements au clavecin ainsi qu’un dialogue avec les acteurs de la pratique d’aujourd’hui permettent de comprendre l’évolution de l’utilisation de cet élément indissociable du clavecin baroque. / Ornaments were an integral part of harpsichord music in the 17th and 18th centuries. The aim of this doctoral thesis is to study the use of ornaments in solo harpsichord pieces, from the first known printed edition of the music of this school: Chambonnières in 1670 to the first book by François Couperin in 1713. The latter date represents a turning point in history, with the end of the reign of Louis XIV, and also a musical turning point in the writing of harpsichord pieces in France. The corpus studied is made up of twelve composers (Chambonnières, Lebègue, Jacquet de la Guerre, d’Anglebert, Marchand, Dieupart, Clérambault, Dandrieu, Le Roux, Rameau, Siret and Couperin) who succeeded in correcting printed publications of music, including ornaments, unlike what had been possible with manuscripts. This research focuses mainly on the interpretation of musical ornamentation. What was the importance of ornaments in society and in French harpsichord music? What was the reality of how ornaments were heard in harpsichord pieces? Can and should this reality be the same today as it was more than three hundred years ago? How has the sound of the harpsichord repertoire evolved through our understanding of ornaments? The evolution of this crucial element of Baroque harpsichord music will be explored using quantitative, stylistic and aesthetic analysis of ornaments (agréments, written ornaments and diminutions) in original editions, re-editions, and recordings from the phonograph to the compact disc ; accompanied by an examination of writings from the 17th to the 21th centuries about the perception of harpsichord ornamentation, and testimony from musicians working with this instrument today.

Éternel objet de polémique, la publicité française, comme miroir social, consolide aussi notre lien social. L’examen de son élément langagier, le slogan, peut apporter beaucoup à la sociologie. Dans la perspective d’une socialité langagière et sous la forme du jeu de langage, sa dynamique linguistique se révèle comme une nouvelle manifestation semi-consciente d’un désir de transgresser les règles et d’être ensemble. Son style et son climat reflètent finalement baroquisme et hédonisme comme air du temps. Il semble urgent que la sociologie ne dédaigne plus la publicité : peu de phénomènes sociaux sont aussi révélateurs pour dire l’esprit du temps. / An eternal object of debate, French advertising, as a social mirror, also strengthens our social cohesion. An examination of its linguistic element, the slogan, can bring to sociology a lot. Within the prospect of a linguistic sociality and under the shape of a language play, its linguistic dynamics shows itself as a new semi-conscious demonstration of a desire to break rules and to be together. Its style and climate reflect finally baroquism and hedonism as the age atmosphere. It seems urgent for sociology not to disdain any more advertising : few social phenomena are so revealing to tell the spirit of the time.

De 1580 à 1640, la poésie française connaît un remarquable essor grâce au génie de la mélancolie. La confrontation de nombreux poèmes avec les textes savants éclaire les liens profonds qui unissent alors l’écriture poétique et les savoirs scientifiques et philosophiques. L’imaginaire de la mélancolie détermine les différentes figures auxquelles s’identifie le sujet lyrique – rêveur solitaire, amoureux transi, pécheur pénitent, poète inspiré et désargenté. Il informe une vision du monde, conditionnant la perception de la nature à travers l’invention du paysage maladif, la représentation de l’amour par l’analyse de ses causes, de ses effets et de ses remèdes, l’expression de l’inquiétude métaphysique par la description des affres de la culpabilité, ou encore l’image du poète et de sa condition précaire. Placé sous le signe de l’ambivalente mélancolie, le sujet lyrique est voué à des destins contradictoires – plaisir et douleur, damnation et rédemption, fulgurance et impuissance. A ces contrastes thématiques répond la binarité de l’écriture mélancolique, tour à tour tragique et élégiaque : le style de la langueur et celui de la fureur donnent lieu à deux types de discours qui recouvrent les poétiques baroque et maniériste. Soumettant le langage de la science à leur science du langage, nos poètes puisent dans le modèle traditionnel du mal noir une riche topique et un double registre qui leur permettent de traduire un sentiment pessimiste de l’existence. / Between 1580 and 1640, French Poetry soared impressively thanks to the Spirit of Melancholy. The comparison of poems with medical or moral texts sheds light on the tight connexion of poetic writing with scientific and philosophical knowledge. Melancholy’s imagination generates a variety of figures the lyrical subject may identify itself with – solitary dreamer, enthralled lover, penitent sinner, inspired and penniless poet. It presents a particular conception of the world thus influencing the perception of Nature through the invention of the morbid landscape, the representation of Love through the study of its causes, effects and cures, the expression of metaphysical agitation through the depiction of the spritual torture fathered by guilt and finally the image of the poets and their precarious situations. Under the influence of double-faced Melancholy the lyrical subject is bound to contradictory destinies – pleasure and pain, doom and redemption, power and weakness. Those contrasted themes echo the binary rhythm of melancholy writing which is alternately tragic and elegiac. The opposite styles of languor and fury produce two kinds of discourses consistent with the Baroque and Mannerism. When the poets use their science of language to fashion the language of science, they draw an elaborate theory and a double register from the traditonal theme of the Black Mood which allow them to express a pessimistic vision of existence.

L’objet de notre thèse est de rendre compte de textes musicaux du XVIIe et de la première moitié du XVIIIe siècle à travers une hypothèse de lecture innovante. Au moyen d’une approche intersémiotique du texte musical, approche qui croise la linguistique et la musique, nous montrons qu’il existe une autre lecture possible de ces textes et, par conséquent, qu’il existe une autre manière de les jouer. / The purpose of this thesis is to describe and analyze musical texts of the 17th and the first half of the 18th century through an innovative reading hypothesis. Using an intersemiotic approach to musical text, an approach that crosses linguistics and music, we show that there is another possible reading of these texts and, consequently, that there is another way of playing them.

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