L’analyse d’une culture se fait aussi à partir de l’analyse de la religiosité. Nous traiterons donc ici des fêtes de la Semaine Sainte dans deux villes du monde lusophone : São João del Rei et Braga, en nous appuyant à la fois sur l’histoire et sur l’anthropologie. La teneur culturelle de ces fêtes a représenté une véritable motivation qui nous a poussés à chercher à en comprendre la dimension contemporaine mais aussi à retracer leur parcours historique en tant que manifestations culturelles. Nous présenterons ces fêtes catholiques dès leur implantation dans ces deux sociétés influencées par la culture baroque qui s’est développée au XVIIIème siècle, jusqu’à leur réalisation de nos jours. La Semaine Sainte a été pensée comme un espace de sociabilité, de représentation sociale et d’affirmation d’une identité de ces deux villes. La fête sera traitée ici comme un texte rempli de significations. Notre analyse est principalement axée sur la recherche de la signification de la persistance d’éléments culturels dans ces moments festifs qui concentrent relations et processus social dans la société contemporaine. Nous tenterons de constater avec le maximum d’objectivité, les ruptures qui se sont opérées dans la pratique des ces fêtes et de définir les nouvelles significations de ces solennités en tant que documents qui ont traversé les temps sous forme d’une pratique sociale fortement enracinée. / This research is about the Holy Week’s religious celebrations wich have been practiced in São João del-Rei (Brazil) and Braga (Portugal), two Lusophone world’s cities, relying on both Anthropology and History. We intend to present the catholic celebration in these two societies which are influenced by the baroque culture from XVIII century till nowadays. In our research the Holy Week is comprehend as a social representation space as well as an identity assertion of these two societies. Our analysis focuses primarily on searching the cultural elements persistence in these celebrations that condense the social processes in contemporary society. We have tried to observe, in an objectivity way, the ruptures and the ceremonies constructions that have occurred in these celebrations practices and which are supposed to define new ceremonies meanings as a proof beyond the time seen as a deeply rooted social practice.

La présente thèse se propose de comprendre la production musicale d’Astor Piazzolla, notamment la façon particulière dont le compositeur réalise le dialogue entre musique populaire urbaine et musique savante. Pour ce faire, nous avons repéré quatre courants musicaux principaux dont il a été possible de tracer les origines dans son œuvre : le tango, base structurelle de sa musique, le jazz, la musique baroque et la musique savante moderne. Après avoir montré leur présence dans la première partie, nous procédons à l’analyse de l’articulation particulière de ces éléments dans la deuxième. Certains traits du tango semblent privilégiés dans ce métissage, en constituant des éléments de base repérables principalement par des gestes mélodiques, des modèles d’accompagnement et des timbres caractéristiques très fréquemment employés, qui assurent aussi bien la cohésion et l’unité musicale que l’identité du genre urbain argentin. Cette fusion musicale utilise à de nombreuses reprises des caractéristiques communes des musiques métissées comme stratégie de réussite de l’alliage musical ; on constate dans certains passages un subtil et soigneux dosage des ingrédients musicaux utilisés. Le discours du compositeur, analysé au dernier chapitre, nous a permis en outre de dégager trois aspects de ce rapport entre populaire et savant : la recherche d’une identité, en produisant une musique qui représente la ville de Buenos Aires et l’Argentine ; un rapport aux avant-gardes modernistes, en cherchant à exprimer l’ère de son temps et à symboliser la nouveauté à travers une musique moderne ; la recherche d’une légitimité, apparue notamment sous l’expression de l’« élévation » du tango. / The aim of the present thesis is to understand the musical production of Piazzolla, especially the particular dialogue between popular and art music in his work. To do so, we located four main musical streams which origins were possible to trace: the tango, structural basis of his music, the jazz, the baroque music and the modern art music. Having shown their presence in the first part, we proceed to the analysis of the particular articulation of these elements in the second one. Certain features of the tango seem favored in this junction, constituting the basic elements mainly through the presence of melodic gestures, accompaniment models and characteristic timbres very frequently used, which assure the cohesion and musical unity as well as the identity of the Argentine urban genre. On numerous occasions, his fusion employs common characteristics of the several music crossed as a strategy for reaching the musical jointure; we also noticed in certain passages a subtle and careful dosage of the musical ingredients used. The speech of the composer analyzed in the last chapter still allowed us to identify three aspects of this relationship between popular and art music: the search for an identity, by producing a music which represents the city of Buenos Aires and Argentina; a relationship with the modernist avant-gardes, in an attempt to express the present time and to symbolize the novelty through a modern music; and the quest for legitimacy, appeared notably under the expression of the "rise" of the tango.

Notre thèse se propose de définir les traits formels permettant d’appréhender la prose poétique du roman baroque. Nous montrons que la notion de prose poétique, traditionnellement associée aux siècles de la « modernité » poétique, est envisagée à l’époque baroque en vertu de critères différents de ceux qui sont établis par la stylistique contemporaine. Nous analysons ensuite le faisceau de traits qui constitue un patron stylistique de la prose poétique au sein de notre corpus, susceptible d’être remanié et adapté à la logique spécifique de l’œuvre dans laquelle il s’inscrit. Nous montrons enfin que la prose poétique se situe au fondement d'une poétique romanesque qui allie les agréments de la poésie à ceux du « naturel » de la conversation et illustre ainsi la valeur esthétique de la prose. / This study seeks to define the formal features characteristic of the poetical prose used in baroque novels. It shows that poetical prose, although traditionally considered as a form belongin to "modern" poetics, was used in the baroque age : but what the baroque age understood as poetical prose was very different from what contemporary stylistics defined as such. We then proceed to analyse the different features of poetical prose across our corpus, to identify a general pattern : this basic pattern can then be variously modified or adapted to suit the specific logic of the works in which poetical prose is used. Finally, we show that poetical prose lies at the heart of a new kind of poetics for the novel, which combines the beauty of poetry with the "natural" beauty of conversation, and thus ennobles prose by giving it aesthetic value.

Dans les sciences humaines, le travail du négatif est une notion qui appartient surtout aux domaines philosophiques et psychanalytiques. En tenant compte de cette filiation, sa pertinence dans le champ littéraire se révèle également effective. En effet, lorsque l’on confronte l’idée à l’œuvre romanesque de Réjean Ducharme, l’action du travail du négatif rend compte des enjeux souterrains de cette écriture. Ainsi, le texte apparaît comme le lieu de l’instabilité où chacune des composantes donne à voir son envers et où les contradictions coexistent. Dans cette dynamique, les trois catégories du récit vacillent : elles sont sculptées dans une autre matière que celle qu’on leur assigne généralement. Dans un même élan, le style ducharmien s’empare du travail du négatif en défigeant le mot, en resémantisant la phrase, en offrant à la parole le pouvoir d’avoir un impact sur le réel. Tout est conçu pour échapper à la fixité. Construits de la sorte, les romans véhiculent une vision du monde tragique. Cette dernière, à travers l’acte de lecture, se voit pétrie par le grotesque et engendre alors un fatum qui s’apparente à l’uniformisation. Cette réalité dévoile, paradoxalement, un univers en déséquilibre qui fait écho à l’étymologie du mot baroque, « perle irrégulière ». Le texte ducharmien est donc le carrefour de plusieurs esthétiques qui possèdent toutes, en leur essence, un mouvement semblable au travail du négatif. Celui-ci peut être perçu, dans tous les cas, comme un révélateur de littérarité. Il opère, d’ailleurs, de cette manière, dans d’autres œuvres francophones, notamment dans celles de Rachid Boudjedra, de Maurice Bandaman et de Dominique Rolin. / In Human Sciences, the work of the negative is a concept which mainly belongs to the philosophical and psychoanalytical fields. Taking into account this relationship, its relevance in the literary field also proves effective. Indeed, when this notion is applied to the novels of Réjean Ducharme, the action of the work of the negative reveals the underground stakes of the author’s work. Thus, his writing takes us constantly back and forth between all the opposed elements which populate it. Ducharme’s texts are a place of instability, where each component shows its hidden side and where contradictions shaped by the process of involution coexist. Within this dynamic, the narrative mode loses its equilibrium: time, space and characters are sculpted with very unusual clay. In the same spirit, Ducharme’s writing style seizes the work of the negative by loosening words, and giving a new meaning to sentences, by offering to the word the power of having an impact on reality. Everything is designed to escape immobility. Novels built on this pattern convey a tragic vision of the world; a vision which through the act of reading finds itself steeped in the grotesque and therefore generates a fatum, which is very similar to sameness. Paradoxically, this reality unveils an unbalanced world and echoes the baroque word "irregular pearl" in its etymological meaning. Ducharme’s writing is at a crossroad between several aesthetics, whose quintessential principles are similar to the work of the negative. The latter can be perceived as an indicator of literariness and can be found in some of other French works, including those of Rachid Boudjedra, Maurice Bandaman and Dominique Rolin.

Le monde théâtral de Miguel Romero Esteo, sans doute l’un des dramaturges espagnols les plus importants de la deuxième moitié du XXe siècle, ouvre sur des espaces qui apparaissent comme des univers inconnus encore jamais explorés. Son œuvre, composée de pièces qu’il nomme lui-même « grotescomachies », il invente une dramaturgie nouvelle, festive, rituelle et baroque, qui puise à diverses traditions littéraires, théâtrales, picturales et musicales. L’usage pléthorique de l’intertexte dans ce théâtre polymorphe, hybride et postmoderne avant la lettre – où le chercheur peut glaner les traces d’une anthropologie culturelle – souligne ce que le Moi doit à l’Autre dans toute appréhension esthétique et idéologique du monde. C’est le traitement de la langue qui retiendra notre attention car l’engendrement de la parole dramatique emprunte des chemins de traverse et esquisse des tracés inhabituels. Romero Esteo se livre à une déconstruction du langage et crée ainsi un espace imaginaire inédit, où la poésie et la musique occupent une place centrale. L’auteur crée une fête des sens et du sens, à la fois sonore et poétique, mais aussi critique et grotesque, où chacun des éléments de la structure dramatique s’inscrit dans une forme de jeu particulière qui, loin de dessiner une aire ludique singulière, repousse les limites de l’espace-temps théâtral. Théâtre en liberté, théâtre de la liberté, cette langue autre où se confondent l’animal et l’humain, le spirituel et le corporel, la folie et la raison, la terre et le ciel, construit un univers atemporel qui permet de mieux apprécier et de railler en permanence les traits caractéristiques de la condition humaine. / The theatrical universe of Miguel Romero Esteo, undoubtedly one of the most influential spanish playwrights of the second half of the 20th century, opens up spaces that emerge as unknown worlds no one has ever explored. In his work, consisting of plays he himself calls « grotescomachies », he invents a new dramaturgy, festive, ritual and baroque, which draws on various literary, theatrical, pictorial and musical traditions. The abundant usage of intertextuality in this polymorphous and hybrid theater, post-modern ahead of his time – where the researcher can gather traces of a cultural anthropology – underlines what the Self owes to the Other in every aesthetic and ideological perception of the world. Our primary focus will deal with the treatment of language, as the creation of the dramatic speech ventures off the beaten path and outlines routes that are unusual. Romero Esteo engages in a true deconstruction of speech and thus creates an unprecedented imaginary space, where poetry and music hold a central place. The author creates a celebration of sense and senses, at once loud and lyrical, but also critical and grotesque, where every single element of the dramatic structure falls within a specific form of play which, far from just materializing a unique playground, redefines the boundaries of the theatrical space-time.« Free-range » theater, theater of freedom… this unrivalled language, which mingles animal and human, spiritual and physical, insanity and reason, earth and sky, builds a timeless universe that allows for better appreciation and constant mockery of the distinctive features of the human condition.

L'ironie atteint au plus complexe par le plus simple, à la raison par l'irrationnel, à la puissance par la douceur, au sérieux par la raillerie. C'est l'éclosion de l'art de subversion ironique. Dans la tradition rhétorique, nulle mention n'est faite d'une forme d'utilisation littéraire de l'ironie qui permettrait au sein d'une oeuvre romanesque, dramatique ou poétique l'intrusion de la figure de l'auteur. Dans la période d'après-guerre, on voit un nouveau Giono qui renouvelle l'édifice de son oeuvre sur une sorte de vertige : l'ironie, les sous-entendus, l'implicite, les vides narratifs aussi bien dans le style que dans la conception du monde. Les oeuvres qui paraissaient au moment où naît cette ère du soupçon qui a divisé l'oeuvre et a changé l'esthétique de l'écrivain, sont les plus marquées par l'ironie. Giono assigne l'ironie à un foyer de production fictionnelle qui ne saurait bénéficier de quelques immunités philosophiques, esthétiques, techniques. L'ironie c'est aussi l'effet des procédés typographiques. Dans cet univers, toute authenticité risque d'être pervertie dans un roman. Mais l'ironie de Giono est avant tout une vision tragique du monde. Elle est également une interprétation de la condition humaine. Le romancier est donc celui qui nage dans les eaux troubles de la contradiction. Il examine le monde en dévoilant les ambiguïtés. / The irony achieves to the most complex by the simplest, to the reason by the irrational, to the power by the sweetness, to the seriously by the mockery. It is the hatching of the art of the ironic subversion. In the Rhetoric tradition, no mention was made of a shape of a literary use of irony which would allow within a novelistic, dramatic or poetic work, the intrusion of the figure of the author. In the post-war period, we see a new Giono who renews the building of his work on a kind of dizziness: the irony, the allusions, the implicit and the narrative emptiness, in the style and in the conception of the world as well. The works which appeared as is born this era of suspicions which divided the work and changed the esthetics of the writer, are the most marked by the irony. Giono assigns the irony to a home of fictional production which could not benefit philosophical, esthetical, and technical immunity. Irony is also the effect of the typographic processes. In this universe, any authenticity risks to be perverted in a novel. But the irony of Giono is primarily a tragic vision of the world, a form of belonging to this world and a way of participation in its mockeries and its delights. It is also an interpretation of the human condition. The novelist is thus the one who swims in shady waters of the contradiction. He examines the world by revealing the ambiguities.

Ce travail porte sur les représentations féminines dans les nouvelles d’Alonso de Castillo Solórzano. Reflet de l’évolution d’un genre en vogue au XVIIe siècle en Espagne, les nouvelles étudiées sont caractérisées par l’extrême diversité et la complexité des images féminines. Cette étude propose ainsi de révéler les différents visages de la femme et leurs rôles inédits à travers une approche analytique des textes. À travers la perspective féminine, nous montrons que cet auteur privilégie constamment la variété, l’invention et l’admiratio. Son propos est avant tout de divertir et de captiver ses lecteurs.L’étude des représentations collectives et individuelles de l’existence féminine permet de souligner combien l’auteur affectionne les images féminines transgressives et de mettre en évidence l’espace d’autonomie et d’expression accordé aux héroïnes, par le biais d’une écriture spécifique. Sous sa plume, le schéma traditionnel régissant les rapports de domination et de pouvoir entre les hommes et les femmes se voit profondément bouleversé. Loin de revendiquer la cause des femmes ou de remettre en question l’ordre établi, les récits de Castillo Solórzano donnent néanmoins à voir le fléchissement des valeurs morales et les bouleversements qui ont marqué la société espagnole dite « décadente » de Philippe IV. / This thesis focuses on the representation of women in the short stories of Alonso de Castillo Solórzano. Mirroring the evolution of a genre popular in XVIIth century Spain, the short stories here under scrutiny are characterized by the extreme diversity and complexity of the female image. This study proposes to reveal the different faces of women and their new roles through an analytical approach to the text.Through the feminine perspective, we show that the author constantly favours variety, invention and admiratio. His aim is above all to entertain and charm his readers. The study of collective and individual representations of the female existence serves to underscore how much the author loves this transgressive feminine image, and to highlight the area of autonomy and expression granted to heroines, by means of a peculiar writing.Through his pen, the traditional framework governing the relations of domination and power between men and women is seen to be profoundly altered. Far from championing the feminine cause or questioning the established order, Castillo Solórzano's stories demonstrate, nevertheless, the decline in moral values and the upheaval which characterized the so-called « decadent » Spanish society of Philip IV.

Cette thèse doctorale consiste en une investigation sur la pénétration des différentes formes et types d’influence française sur la politique stratégique de l’Ordre de Saint Jean, et la perte graduelle de la domination espagnole à Malte. Elle examine l’influence française consécutive sur l’architecture maltaise au cours du XVIIᵉ siècle qui résulta de ce changement d’allégeance. À cette fin, les facteurs politiques, stratégiques, sociaux et esthétiques, ainsi que la formation et les carrières des différentes personnalités concernées, en particulier les ingénieurs militaires français, sont examinés afin de comprendre l’importance de leur rôle sur le développement des fortifications des îles maltaises et sur l’idiome architectural local. Les relations des chevaliers appartenant aux trois Langues françaises avec la Cour de France sont étudiées dans leur contexte historique. Cet aspect est aussi examiné à travers la fréquente correspondance entre les Grands Maîtres et les rois Louis XIII et Louis XIV. L’étude montre comment l’arrivée sur la scène locale d’ingénieurs militaires eminents, durant l’été 1645, signale le passage de l’Ordre de la sphère d’influence de l’Empire espagnol à la française. Les ingénieurs militaires français s’activent dans l’archipel maltais depuis que Vauban avait donné à la France la primauté du développement de l’architecture militaire dans la seconde moitié du XVIIᵉ siècle. L’importance de Médéric Blondel, le premier ingénieur résident français, comme catalyseur du développement de l’influence française sur l’architecture maltaise est démontrée. Ce travail examine comment son influence se reflètera sur les architectes maltais de la fin du XVIIᵉ siècle et sur les éléments classiques qui sont introduits dans l’architecture baroque maltaise imprégnée de l’école classique d’architecture française très appréciée par Louis XIV. / This doctoral thesis consists of a research-based investigation on the different forms and types of French influence within the strategic politics of the Order of St. John and the gradual loss of Spanish domination in Malta. It examines the French influence on Maltese architecture during the seventeenth century that resulted from this change of allegiance. For this purpose the political, strategic, social and aesthetic factors, as well as the study of the formation and careers of the different personalities involved, are analysed in order to understand the importance of their role on the development of seventeenth century fortifications of the Maltese Islands and on the local architectural idiom. The various connections of the Knights belonging to the three French Langues with the French Court are therefore investigated in their historical context. This is also examined through the frequent correspondence between the Grand Masters and Kings Louis XIII and Louis XIV. The study shows how the arrival on the local scene of eminent French military engineers during the summer of 1645, marks the passage of the Order from the Spanish sphere of influence to the French. The French military engineers were active in the Maltese archipelago since Vauban had put France at the helm of the development of military architecture in the second half of the seventeenth century. The importance of Médéric Blondel, the first French resident engineer, as a catalyst of the development of French influence on Maltese architecture is investigated. The study examines how his influence is reflected on the work of Maltese architects at the end of the seventeenth century and on the classical elements which are introduced into Maltese baroque architecture that is highly influenced by the classical school of French architecture so greatly appreciated by Louis XIV.

This is a short study on the iconographic theme of above mentioned painting. The thesis deals with a topic that has not yet been comprehensively processed. Here, the interest of the author given limited period only slightly extends into the next generation (after Savery) in order to show the iconographic context. Based on the new findings, identifies work as the ruler's order, and that puts the painting in new semantic relationships. In conclusion reflects on the circumstances of the work and the possible way of petting into Prague's collections.

Transubstantiation and the cult of Corpus Christi became crucial Counter-Reformation symbols which were assigned an even more significant role during the process of Catholic renewal from the mid-sixteenth to the mid-eighteenth century. Practices outside Mass, such as pilgrimages, processions, and prayers in front of the consecrated host flourished, in particular, in early modern Bavaria. The former Duchy of Bavaria has generally been regarded as the archetypal ‘confessional' state, as the Bavarian dukes from the House of Wittelsbach took the lead in propagating the cult of the Eucharist. They acted as patrons of Baroque Catholicism which was presented to the public as an obvious visual marker of Catholic identity. This study therefore investigates how the Eucharist was popularised in the Catholic duchy between 1550 and 1750, focusing on three major themes: pilgrimages, confraternities, and the Corpus Christi procession. This study does not, however, approach the renewal of Catholicism in terms of a top-down process implemented by the Wittelsbach dukes as a method of stately power and control. Rather than arguing in favour of a state-sponsored piety imposed from above, this work explores the formation of Catholic confessional identity as a two-way-process of binding together elite and popular piety, and emphasizes the active role of the populace in constituting this identity. This is why this investigation draws primarily on research from local archives, using a rich body of both textual and visual evidence. Focusing especially on the visual aspects of Catholic piety, this project works towards an interdisciplinary approach in order to understand the ways in which Eucharistic devotion outside Mass was presented to and received by local communities within particular visual environments.