Orientador: Ricardo Goldemberg / Tese(doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-20T14:13:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Carvalho_JoseAlexandreLemeLopes_D.pdf: 4200977 bytes, checksum: 2155a1684177f5fa79562afdb575bc64 (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: Esta pesquisa parte do estudo de alguns padrões rítmicos organizadores do ritmo de diversos gêneros da música popular, para propor uma metodologia de ensino do ritmo através da análise e sistematização destes padrões. Para o autor as motivações para a execução do presente trabalho surgem da constatação de algumas lacunas frequentemente presentes na elaboração das práticas relacionadas ao ensino da performance na música popular, sobretudo quando se abordam as articulações, acentos e padrões de acompanhamento, que podem ser resumidos no constructo "suingue". Algumas experiências ocorridas na vida profissional do autor, e os resultados de sua recém concluída dissertação de mestrado indicavam que o estudo desses padrões rítmicos poderia apresentar um caminho na elaboração desses conteúdos e práticas. Havia as seguintes suspeitas: (1) de que a clave cubana e a levada de tamborim no samba fossem ocorrências similares do ponto de vista da origem, função e uso; (2) que esta similaridade se explicava pela origem africana comum dessas três ocorrências; (3) de que os músicos e estudiosos cubanos haviam estudado e sistematizado com sucesso o uso da clave em sua música; (4) de que a experiência cubana poderia guiar o estudo do mesmo tipo de ocorrência no Brasil. Na primeira parte do trabalho baseado na pesquisa etnnomusicológica confirmaram-se as três primeiras suspeitas. Além disso foi possível detectar a importância desta ocorrência na África e o tratamento à ela dispensado, como elemento fundamental à execução e ao aprendizado da música africana. Definiram-se tipologias e terminologia; o padrão rítmico passou a ser denominado na pesquisa de "ritmo guia". Ainda durante a parte etnomusicológica, diante da constatação de que a nova música surgida nas Américas só passa a existir a partir da combinação de formas africanas e europeias de se estruturar o discurso musical, surge o raciocínio de que qualquer forma de abordagem dessa nova música, dita popular, deve partir da combinação das abordagens africanas e europeias, seja na análise, na performance ou no ensino. Para uma música mestiça, uma metodologia mestiça / Abstract: This research begins with the study of certain rhythmic patterns which act as organizers of the rhythm in many styles of popular music, to propose through the analyses and organization of these patterns new forms of teaching rhythm and rhythmics. The reasons that motivate the author in undertaking this enterprise arose with the perception of some gaps frequently found in the organization of practices that leads to performance improvement in popular music. These practices can be resume in "swing improvement". Some personal experiences that occurred in the author's career and the last results of a recently concluded Master Research pointed that the study of these rhythm patterns could help in the elaboration of issues and practices related to the swing acquaintance. The work started with the following premises: (1) the Cuban clave and the tamborim samba pattern are similar occurrences for they share same origin, function and use; (2) this similarity probably could be explained by their common African roots; (3) that Cuban musicians and researchers had successfully studied and organized the clave pattern in their music; (4) that the Cuban experience could be transposed to some forms of Brazilian music. The first half of the present work based on ethnomusilogy methods prove the first three premises were true. Besides the author could perceive the conspicuous use of these types of patterns in Africa and the flagrant importance given to them by the African teachers and performers. It was possible to define terminologies and typologies, and the term "time line" (ritmo guia), was chosen by the researcher to nominate the pattern. With the results of the ethnomusicological research in hand, the author could realize that the new music born in the Americas, only comes to life between the combination of African and European traditions, and for this reason any approach of it's study must combine these two traditions, be it in analyses, performance or teaching. A multifaceted methodology, for a multifaceted music / Doutorado / Praticas Interpretativas / Doutor em Música

[pt] Os significados da música popular: A revista Weco, revista de vida e cultura musical (1928-1931). Os estudos dedicados às manifestações musicais no Brasil têm apresentado freqüentemente um impasse sobre a aceitação da expressão música popular. Ao optarem pelo uso do conceito música popular, muitos historiadores correm o risco de entendê-la como uma manifestação cultural homogênea, produzida por um grupo social específico. Um risco maior é nomear como música popular, diferentes manifestações culturais que perpassam os tempos históricos. O objetivo deste trabalho é reconhecer um dos processos de produção de significados e valores para a expressão música popular, através de uma revista de música publicada entre 1928 e 1931, a Revista Weco. Musicistas e musicólogos constituíram a revista Weco como um espaço de debates sobre a situação da música no Brasil. Reagiram contra diferentes manifestações musicais e selecionaram aquilo que poderia ser chamado de música popular para a época. Uma análise dos projetos que informam a produção de sentido para a expressão música popular pretende discutir a relevância desta expressão como um conceito para os estudos de história da música. / [en] Weco magazine: the contribution about building a Brazilian popular music idea in the 20`s last years and the 30`s first years. The Brazilian musical manifestation`s research has been presenting frequently as a controversy about accept the expression popular music. When historians choose the term popular music, they could understand it as an homogeneous cultural manifestation produced by a specific social group. It should be a risk calling popular music every different cultural manifestations across the historical times. This work purposes to understand the expression popular music and recognize how one of those meaning processes. It has been done through a music magazine published between 1928 and 1931 - the Weco magazine. This magazine was a locus when Musicians and theories talked about music and the Brazilian music situation. They worked against different musical manifestations and selected which one could be Called popular music in that time. An analysis on that projects which informs the meaning of the popular music expression has been intended a discussion about the relevance of this expression as a history concept for the music research.

Orientadores: Lenita Waldige Mendes Nogueira, Rita de Cássia Lahoz Morelli / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-18T17:20:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Giesbrecht_Erica_D.pdf: 34707985 bytes, checksum: c13c6788883b77cb55a630c3a7c3f679 (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: A crescente proliferação de grupos performáticos, que, através de manifestações culturais, divulgam "passados", convencionalmente chamados de "tradições culturais", tem rendido estudos e debates no campo da etnomusicologia em todo o mundo. Partindo da etnografia de grupos de cultura popular afro-brasileira sediados na cidade de Campinas - São Paulo, proponho uma reflexão sobre as dinâmicas que particularizam tal processo ali. No auge da economia cafeeira do Brasil no século XIX, a cidade foi um pólo produtivo, concentrando um grande contingente de escravizados a quem se atribui atualmente a criação de diversos estilos musicais. Entretanto os atores da conjuntura atual não descendem necessariamente daqueles escravizados, não pertencem a uma comunidade isolada ou a grupos familiares demarcados. Performando um legado musical atribuído àqueles escravos, esses grupos - dentre os quais acompanhei o Urucungos, Puítas e Quijêngues, a Casa de Cultura Nação Tainã, o Jongo Dito Ribeiro, e o grupo Maracatucá - nos colocam uma questão: por que grupos "não tradicionais" se interessam pelos chamados repertórios tradicionais, escolhendo, pesquisando e recriando suas performances? Sem eliminar outras possíveis respostas, defendo que as performances desses grupos engendram a intencional incorporação desse "passado negro" através de sua música, devolvendo aos corpos de seus participantes o controle sobre si mesmos. Usamos esta expressão, "passado negro", quando não queremos reconhecer acontecimentos de nosso passado que nos causam desconforto no tempo presente. Ambiguamente essa expressão também sintetiza tudo o que se relaciona à memória dos escravos da Campinas do século XIX. Renegado por uma cidade que ostenta um cenário urbano modernizado e essencialmente branco, esse passado aflora nos cabelos, nos tecidos, na cultura, na dança e na memória reconstruída de transeuntes negros que, por meio da performance, (re)enegrecem. Apropriar-se deste legado cultural através da performance significa remexer nas cinzas do esquecimento; é opor-se aos processos de exclusão do presente juntando-se a uma história e uma memória maior e desenterrando um passado trágico para que jamais seja esquecido / Abstract: The increasing propagation of cultural groups dedicated to the performance of the so called "cultural traditions", has yielded studies and debates in the field of ethnomusicology worldwide. From the ethnography of popular cultural groups based in Campinas - São Paulo, I propose a reflection on the dynamics that distinguish their processes. At the height of the Brazilian coffee economy in the nineteenth century, the city was a production center, gathering a large number of slaves to whom the creation of many musical styles is credited. Meanwhile the agents of the present groups do not necessarily descended from those slaves nor belong to any culturally isolated traditional community. Performing a musical legacy credited to those slaves, these groups - Urucungos, Puítas e Quijêngues, Casa de Cultura Tainã, Jongo Dito Ribeiro and Maracatucá - bring up a question: why would "nontraditional" groups be interested in the so-called traditional repertoires, selecting, researching and recreating their performances? Considering other possible answers, I argue that the performances of these groups engender the intentional incorporation of a "black memory" through their music, thus leading their participants to regain control over their bodies. We use this expression, "black memory", when we don't want to recognize past events that could embarrass us if disclosed. Ambiguously this term also encompasses everything that relates to the memory of the slaves from Campinas in the nineteenth century. Denied by an essentially white city that holds a modernized urban scenery, this memory flourishes from the hairs, clothes, culture, dance and memory of black citizens who redress the black skin through their performances. Empowered by this cultural legacy they revolve the ashes of oblivion, and oppose to the exclusion processes by joining a larger history and memory, thus disclosing a tragic past that shall never be forgotten / Doutorado / Fundamentos Teoricos / Doutor em Música

Orientador: Adriana Giarola Kayama / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-24T07:29:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Santos_MauroCamilodeChantal_D.pdf: 18620579 bytes, checksum: d02b267139891b2d70b334d0ef0baf2a (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: A ópera A Ceia dos Cardeais, de Arthur Iberê de Lemos (1901 ¿ 1967) teve sua estréia em Belo Horizonte, em 1963. O texto poético da ópera utiliza quase a totalidade do texto da obra homônima do escritor português Julio Dantas, se caracterizando como um estudo reflexivo sobre a brevidade da vida, sobre o amor e a essência leve e frágil da existência. A partir do estudo da ópera em questão, esta pesquisa intenta resgatar o nome do compositor, prolífico em criações musicais, especialmente na formação para canto e piano, e ainda resgatar a ópera A Ceia dos Cardeais, para que ela esteja disponível para estudos e performance / Abstract: The opera A Ceia dos Cardeais, composed by Arthur Iberê de Lemos (1901 ¿ 1967) premiered in Belo Horizonte, Brazil, in 1963. The poetic text is almost entirely taken from the homonymous literary work of the Portuguese author Julio Dantas. The literary content is characterized as reflexive study of the life¿s brevity, of love, and light and fragile essence of existence. From the study of A Ceia dos Cardeais, this research intends to revive the name of an artist who was very fruitful as a composer, in particular as an art song composer, as well as make his opera A Ceia dos Cardeais available for a performance / Doutorado / Praticas Interpretativas / Doutor em Música

Orientador: Fernando Augusto de Almeida Hashimoto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-26T13:09:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cunha_HelioAlexandrinoPacheco_M.pdf: 31557883 bytes, checksum: ef51be576b219e2cfcfa18422b33177a (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: Este trabalho parte da compreensão inicial de que o estudo da caixa é um fundamento da bateria. Dessa forma, propõe o estudo do ritmo e da interpretação do samba a partir de estudos e peças de caixa. O trabalho composicional é orientado por conceitos já desenvolvidos pela musicologia sobre a performance do samba em diálogo com os dados levantados pelo autor através das entrevistas aos sambistas cariocas, das transcrições e das experiências musicais vivenciadas pelo próprio pesquisador durante o processo de pesquisa. Ao final do trabalho os estudos e as peças relacionadas têm como principal objetivo explorar a forma de desenvolvimento fraseológico, de "manulação" dos toques e de exploração dos timbres da caixa a partir dos aspectos idiomáticos dos instrumentos de percussão característicos do samba / Abstract: This work starts from the initial understanding that the study of the snare drum is the foundation of the drum study. Thus, we propose the study of the rhythm and interpretation of samba by studies and pieces of snare drum. The compositional work is guided by concepts already developed by musicology on the performance of samba in dialogue with the data gathered by the author through interviews with carioca samba players, the transcriptions and the musical pratice experienced by the researcher during the research process. At the end of the work, studies and related pieces has as the main goals to explore the development of the phrasing, the sticking and the exploration of tones on the snare drum based on the idiomatic aspects of the samba characteristic instruments of percussion / Mestrado / Praticas Interpretativas / Mestre em Música

[pt] A composição pode ser o espaço de imersão intimamente ligada ao viver. Quando se trata de mulheres que criam, reforçando temas femininos, temos a música assumindo o compromisso de fazer política, ultrapassando as fronteiras de gêneros e mostrando que o subalterno pode falar em um mercado dominado por um conservadorismo machista. Esta tese tem por objetivo reconstituir criticamente a história de algumas cantoras compositoras do Brasil a partir de entrevistas com representantes de sete estilos musicais que se impuseram no cenário musical brasileiro na segunda metade do século XX. Partindo da expressão cantautora, utilizada para designar esse tipo de artista na maioria dos países de língua neolatina, mas não no Brasil, o objetivo é reiterar a faceta autora de cantoras consagradas e discutir os seguintes pontos: suas experiência em um mercado dominado predominantemente pelo gênero masculino; se o canto as fazem criar ou se as criações as levam a cantar; quais suas inspirações; o que as move em direção à composição; e o que, afinal, elas falaram e que, segundo elas, não foi dito pelos homens. Essas e outras questões esclarecerão a multiplicidade dessas artistas e mostrarão a importância das cantautoras para a cultura brasileira. / [en] The composition might also be the immersive space closely linked to living. When it comes to women who create, reinforcing feminine themes, music starts to make politics, crossing gender boundaries, and showing that the subaltern can speak in a market dominated by male chauvinism. This Ph. D. dissertation aims to critically reconstruct from interviews the history of some Brazilian songwriters representing seven musical styles that prevailed on the Brazilian music scene in the second half of the 20th century. Based on the expression cantautora, used to designate a female singer and songwriter in most neolatin languages-speaking countries, but not in Brazil, the objective is to emphasize the author role of those established singers and discuss the following points: their experience in a predominantly dominated market by the male gender; whether singing makes them create or whether creations lead them to sing; what are their inspirations; what moves them towards composition; and what, after all, they said and which, according to them, was not said by men. These and other questions will illustrate the multiple talents of these artists and show the importance of cantautoras for Brazilian culture.

This thesis looks into cross-cultural music-making in higher education byexploring the plausible outcomes of the teaching of three Brazilian music teachers thatcame to a Swedish university to teach Brazilian music to Swedish students in theLinnaeus-Palme exchange project between the said university and a Brazilian universityin the 2010s. Through interviews the three Brazilian music teachers have given theirview of the teaching that took place, what they taught and why, and what methods theywere using. Comparing the answers to current literature, this thesis shows that there areboth musical gains that lead to musical maturity in working with new unknown materialwith insider teachers as well as gains in terms of cultural competence, a culturalawareness, when getting the chance to study with insider teachers that introduces thestudent to traditions and cultural values through the methods of their teaching. Culturalawareness is a useful competence when working in a multicultural society and aglobalized world, hence universities with music education should consider finding waysof letting students study with insider teachers.

A estética da ópera cômica, germe da música setecentista, deu aos compositores uma nova gama de combinações e estratégias musicais de contraste e fluxo dramático, pois, ao representar na ópera a ação de homens comuns, a música pôde absorver e combinar tanto materiais retirados dos mais diversos contextos culturais - como a caça, a guerra e o campo - quanto estilos musicais que, juntos, são chamados de tópicas musicais. Por conseguinte, a gama de combinações setecentista possibilitou os compositores criarem significados expressivos únicos, de acordo com as finalidades expressivas determinadas pelo contexto social, cultural e teológico nos quais a música se insere. Tais inovações na linguagem musical também estavam disponíveis para o padre e compositor brasileiro José Maurício Nunes Garcia (1767 - 1830). O objetivo desta pesquisa é estudar o Kyrie da Missa de Santa Cecilia do Pe. José Maurício Nunes Garcia na perspectiva da significação musical, a fim de investigar (1) a estratégia musical pela qual José Maurício compôs este Kyrie, (2) se estratégias musicais apontam para um significado expressivo que tenha relação (isto é, que seja correlato) com as unidades culturais/teológicas envolvidas no martírio de Santa Cecília (como, por exemplo, abnegação, redenção, salvação, etc.), e se, (3) a partir disso, podemos compreender como essas unidades culturais e/ou ideias teológicas influenciam as escolhas musicais. Ao manipular desde elementos formais, como harmonia e cadências, a tópicas musicais retiradas da tradição da música pastoril à tradição de representar na ópera cenas de assombro e maravilha (cuja música ficou conhecida como ombra), José Maurício consegue dialogar com a cultura e a teologia que circundam a Missa de Santa Cecília. / The aesthetics of comic opera, germ of eighteenth-century music, gave to composers a new range of musical combinations and strategies of contrast and dramatic flow. By playing in the opera the action of ordinary men, music was able to absorb and combine both materials taken from more diverse cultural contexts - such as hunting, war and the countryside - as well as musical styles that, together, are called musical topics. Consequently, the range of eighteenth-century combinations allowed composers to create unique expressive meanings, according to the expressive purposes determined by the social, cultural, and theological context in which music is inserted. Such innovations in the musical language were also available to the Brazilian priest and composer José Maurício Nunes Garcia (1767 - 1830). This research aims to study the Kyrie of the Mass of St. Cecilia of Fr. José Maurício Nunes Garcia in the perspective of musical signification, in order to investigate (1) the musical strategy in which José Maurício composed this Kyrie, (2) if the musical strategie points to the cultural / theological units involved in the martyrdom of St. Cecilia (such as self-denial, redemption, salvation, etc.), and if (3) we can understand how these cultural units / theological ideas influence musical choices. By manipulating from formal elements, such as harmony and cadences, to musical topics taken from the tradition of pastoral music to the tradition of representing scenes of awe and wonder (whose music became known as ombra), José Maurício manages to dialogue with the culture and the theology surrounding the Mass of St. Cecilia.

A tese por nós defendida no texto que se segue tem como objetivo o estudo de dois importantes gêneros musicais, a modinha e o lundu, cujos processos de elaboração iniciam-se a partir da segunda metade do século XVIII no seio da sociedade luso-brasileira. Com o intuito de possibilitar uma reflexão mais abrangente do assunto, muito caro à historiografia musical em língua lusófona, são levados em consideração aqui, aspectos históricos, estilísticos e identitários. A fim de abordarmos de modo adequado a complexidade de nosso objeto de estudo, calcamos nossa metodologia, sobretudo, no estudo da história, articulado à musicologia histórica, à musicologia sistemática e à etnomusicologia. Partindo do reconhecimento de que os gêneros em questão, objeto de nosso estudo, estão ligados às transformações ocorridas no mundo luso-brasileiro e na transformação das concepções estéticas internacionais, procuramos identificá-los com o que acabou por denominar-se estética do sentimento ou sentimentalismo e com o estilo clássico que se desenvolveu na Europa durante o século XVIII, tanto na poesia quanto na música, e que paulatinamente forjaram outras formas de produção e recepção, identificadas com um novo modo de sociabilidade burguesa que dominará o século das luzes. Por outro lado, buscamos, igualmente compreender em que aspecto a cultura popular participou, contribuindo de modo significativo, para a formação desses gêneros e, por conseqüência como se dá este impacto na expressividade musical, manifesta já no período de sua formação. A partir do estudo da historiografia, buscamos estabelecer como a modinha e o lundu participam das discussões sobre uma pretensa identidade nacional, ainda calcada em pressupostos positivistas e nacionalistas do século XIX, pressupostos estes que se mantém em parte significativa na literatura do século XX. Finalmente, ao discutirmos sobre a performance, utilizando como fontes registros musicais a partir da década de 1950, procuramos identificar correntes estéticas e ideológicas presentes nesses registros, os quais denominamos paradigmas interpretativos. / The thesis we put in the following text aims to study two important musical genres, the modinha and lundu, whose process of preparation to start on the second half of the eighteenth century in Luso-brasilian society. In order to provide a more comprehensive discussion of the subject, the historical, stylistic and identity aspects that are very important to the historiography of music in Portuguese speaking countries, are taken into consideration here. In order to observe address the complexity of our object of study, we based our methodology especially in the study of history, combined with historical musicology, systematic musicology and also to ethnomusicology. Acknowledging that the genres in question, the object of our study are related to the transformations in the Luso-Brazilian society and in the international aesthetic conceptions, we identify them with what turned out to be called the aesthetic sentiment or sentimentalism, and the classical style that developed in Europe during the eighteenth century, both in poetry and music, and that built, gradually other modes of production and reception, identified with a new way of bourgeois sociability that will dominate the century of the enlightenment. On the other hand, we seek also to understand what aspect of popular culture participated for the formation of these genres, and consequently how is this impact on musical expression common to both already evident in the period of their origin. From the study of historiography related to the genres in question, as we seek to establish how modinha and lundu have participated in the discussions about national identity, yet steeped in positivist and nationalists thoughts of the 19th century that remains in significant part of the the literature of the 20th century. And finally, when we discuss about the performance, using sources such as musical recordings from the 1950s, sought to identify aesthetic and ideological currents present in these records, which we shall call interpretative paradigms.

Este trabalho pretende analisar e demonstrar como as tópicas musicais afro-brasileiras são um exemplo de tradição inventada na música brasileira do século XX (especialmente a partir do modernismo e do nacionalismo musical no Brasil). O conceito de tradição inventada foi amplamento discutido e desenvolvido pelo historiador Eric Hobsbawm, e diz respeito a um conjunto de práticas reguladas por regras comumente aceitas, estabelecendo normas derivadas do costume ou da convenção. Assim, este trabalho correlacionará o conceito de tópicas musicais e o conceito de tradição inventada, a fim mostrar como a aparente configuração de uma tópica não está de acordo com sua forma original e nem tampouco é uma representação literal do que se refere, mas sim estilizações e recriações estabelecidas através de um senso comum. Tudo isso será feito a partir de uma abordagem que reúne a análise musical e abordagens semióticas baseadas na teoria das tópicas, a fim de compreender alguns caminhos de significação nos processos composicionais da música brasileira. Para isso exemplificarei e analisarei a tópica canto de xangô e a tópica berimbau em obras de compositores a partir do modernismo e nacionalismo musical brasileiro, percorrendo então outros compositores brasileiros ao longo do século XX, tanto na música erudita quanto na música popular, até abordagens mais recentes como obras dos compositores Rodolfo Coelho de Souza e Fernando Iazzetta. / This work aims to analyze and demonstrate how African-Brazilian musical topics are an example of invented tradition in Brazilian music of the 20th century (especially from modernism and musical nationalism in Brazil). The concept of invented tradition was widely discussed and developed by the historian Eric Hobsbawm, and it concerns a set of practices regulated by commonly accepted rules, establishing norms derived from custom or convention. Thus, this work will correlate the concept of musical topics and the concept of invented tradition to show how the apparent configuration of a topic is not in accordance with its original form, neither is it a literal representation of what it refers to. Rather than that, they are stylizations and recreations established through a common sense. All of this will be done by bringing together the musical analysis and semiotic approaches based on topic theory in order to understand some paths of signification in the compositional processes of Brazilian music. Therefore, I will exemplify and analyze the canto de xangô topic and the berimbau topic in works of composers from modernism and Brazilian musical nationalism, by going from other Brazilian composers throughout the twentieth century, both in classical and popular music, until the most recent approaches, as found in works by the composers Rodolfo Coelho de Souza and Fernando Iazzetta.