O objeto deste trabalho é a Missa Ferial de Osvaldo Lacerda, sobre a qual se fará uma análise musical. Composta entre os meses de fevereiro e março de 1966 trata-se de uma missa escrita para coro misto SATB - a capella para ser cantada nos dias comuns do calendário litúrgico da Igreja Católica Romana. A Missa Ferial, que data do período em que o compositor Osvaldo Lacerda atuou como membro da Comissão Nacional de Música Sacra, é a primeira de suas quatro missas que apresentam elementos da cultura brasileira agregados à música sacra católica, de acordo com as determinações do Concílio Vaticano II. O primeiro capítulo desta dissertação analisa os aspectos freqüenciais da missa: a melodia, o contraponto entre as vozes e o elemento harmônico em cada uma das partes que compõem a obra. Já o segundo capítulo trata dos aspectos referentes ao timbre e à graduação de intensidade sonora no decorrer da missa. O terceiro capítulo deste trabalho analisa o aspecto rítmico e a utilização deste na construção da obra como um todo.O quarto capítulo relata apontamentos para uma possível performance da Missa Ferial a partir da utilização de todo o desmonte analítico na construção de uma concepção interpretativa da obra. O estudo de cada um desses elementos que formam a obra foi desenvolvido a partir do referencial de análise do Marco Antonio da Silva Ramos, da utilização de bibliografia específica sobre análise musical, e do estudo sobre documentação referente à música sacra depois do Concílio Vaticano II, principalmente os documentos da Comissão Nacional de Música Sacra. Tem-se, ainda, como referência de estudo da obra, a entrevista inédita realizada com o compositor - encontra-se como apêndice deste trabalho. Para melhor compreensão das constâncias rítmicas da música brasileira, buscou-se a coleta de dados a partir de dados de pesquisa realizada por Villa-Lobos. Este trabalho, portanto, fornece subsídios para novos parâmetros interpretativos. / The musical analysis of the Missa Ferial Osvaldo Lacerda is the objective of this study. This mass was written between the months of February and March of 1966 and was intended for a mixed chorus(SATB) which was to be sung, a capella, on the common days of the liturgical calendar of the Roman Catholic Church. The Missa Ferial was composed at the time when the composer was an acting member of the National Commission of Sacred Music. It is the first of his four masses that represent the union of Brazilian cultural elements with sacred Catholic music, in accordance with the resolutions of the Vatican Council II. The first chapter of this dissertation analyzes the frequent aspects of the mass in relation to: the melody, the counterpoint between voices, and the harmonic element in each of the parts that makes up the overall structure of the mass. The second chapter deals with aspects dealing with timbre as well as the graduation of sonorous intensity throughout the piece. The third chapter of this study analyzes the aspect of rhythm and the application of these rhythms within the compositions construction in its whole. By means of an analytical dissection of the Missa Ferial, the fourth chapter presents interpretative annotations for the possibility of a performance of this work. The analysis of each of these elements that are embodied within the structure of this composition, was made possible by the application of the guidelines developed by Marco Antonio da Silva Ramos through the utilization of his documented study on musical analysis, as well as the study of the documentation referring to sacred music according to the Vatican Council II, and principally the documents from the National Commission of Sacred Music. It must be mentioned as well, in reference to the study of the composition, an interview made with the composer himself(of which can be encountered in the appendix of this study). In order to better understand the rhythmic constancies of Brazilian music, a collection of data was taken and analyzed from the research of Villa-Lobos. This study may hopefully provide groundwork for new interpretive perspectives.

Este trabalho versa sobre o catálogo de obras de Luciano Gallet e o lugar que ocupou na história de vida daquele compositor. Partindo da reunião de informações de partituras editadas e manuscritas, de pesquisas em periódicos da época, de programas de concerto, de literatura musicológica pertinente e ainda valendo-nos de sua correspondência pessoal com Mário de Andrade, buscamos recompor a sua trajetória artística e profissional em meio ao contexto sócio, político e cultural em que esteve inserida, com especial atenção ao estabelecimento de seu conjunto de obras. Através do mapeamento de um diálogo de sua produção musical com seus demais investimentos intelectuais, discutimos em que medida a criação musical de Luciano Gallet acompanhou ou transpareceu os ideais de arte e educação que nortearam sua vida, bem como propomos uma contribuição para a compreensão da transição pela qual passou sua obra, qual seja a de uma estética gálica de suas primeiras composições até sua inserção e contribuição para a cristalização do movimento nacionalista modernista brasileiro em música. / This doctoral thesis deals with the catalog of works by Luciano Gallet and the place it occupied in his life history. Starting from the collection of information from edited and handwritten music scores, research in periodicals of the time, concert programs and pertinent musicological literature, as well as availing ourselves of his personal correspondence with Mário de Andrade, we sought to trace his artistic and professional trajectory within the social, political and cultural context of the time, paying special attention to the formation of his set of works. Through the mapping of a dialogue between his musical production and his other intellectual investments, we discuss the extent to which Luciano Gallet\' musical creation accompanies or reflect the ideals of art and education that guided his life, and propose a contribution to the understanding of the transition through which his work passed such a from a Gallic aesthetic until its insertion and contribution to the crystallization of the Brazilian nationalist modernist movement in music.

Cláudio Santoro (1919-1989) compôs, ao todo, quatorze sinfonias ao longo de toda a sua vida. A Primeira Sinfonia para duas orquestras de cordas (1940), além de possuir uma formação instrumental curiosa, também representa uma das obras inaugurais de sua primeira etapa como compositor, procurando ao lado de Koellreutter, novos paradigmas para a composição musical de seu tempo, tendo influenciado uma geração de compositores brasileiros. Este trabalho pretendeu desenvolver uma atenta e inédita análise da Primeira Sinfonia de Cláudio Santoro, procurando demonstrar sobre qual estética atonal, sendo ela dodecafônica ou livre, a obra foi escrita. Além da identificação sugerida, propõe-se também a averiguação de possíveis hibridismos estéticos que podem ter ocorrido na Primeira Sinfonia de Santoro. A análise atenta dos movimentos que constituem essa obra, utilizando métodos como a Teoria dos Conjuntos desenvolvido por Allen Forte, a Teoria dos Contornos Musicais de Robert Morris e a relação parcimoniosa entre diferentes coleções tal como proposto por Dmitri Tymoczko, nos permitiu identificar alguns processos pós-tonais, que indicam influencias de autores como Claude Debussy, Paul Hindemith e Heitor Villa-Lobos no primeiro movimento Allegro Majestoso da Primeira Sinfonia de Santoro. A manutenção de algumas sonoridades como a coleção pentatônica, a escala de tons inteiros e a coleção acústica, são alguns dos indícios que nos permite identificar tais influencias na obra de Santoro. No segundo movimento Andante quasi adagio, podemos observar um processo serial tradicional, que se desenvolveu a partir de duas séries que se relacionam. Tal apontamento foi possível a partir do método da identificação e contagem serial, tal como proposto por autores como Kostka e Francolí. No terceiro movimento, observamos uma estrutura que é engendrada a partir de coleções simétricas como a coleção eneatônica e a escala octatônica paradigmática, além de outras formatações simétricas que ocorrem a partir de sobreposições entre camadas, procedimento que também é encontrado na obra de Villa-Lobos. Nesse sentido, a Primeira Sinfonia para duas orquestras de cordas de Cláudio Santoro, foi engendrada através de procedimentos pós tonais considerados livres e sistêmicos, sendo possível observar hibridismos estilísticos nesta obra. / Cláudio Santoro (1919-1989) composed, in all, fourteen symphonies throughout his life. The First Symphony for two stringed orchestras (1940), in addition to possessing a curious instrumental formation, also represents one of the inaugural works of his first stage as composer, looking alongside Koellreutter, new paradigms for the musical composition of his time, having influenced a generation of Brazilian composers. This work developed a complete, attentive and unpublished analysis of the First Symphony of Claudio Santoro, trying to demonstrate on which atonal aesthetic, being it dodecaphonic or free, had written the work in question. Besides the suggested identification, it is also proposed the investigation of possible aesthetic hybridity that may have occurred in the First Symphony of Santoro. The careful analysis of the movements that constitute this work, using methods such as the Theory of Sets developed by Allen Forte, Robert Morris\'s Theory of Musical Constraints and the parsimonious relation between different collections as proposed by Dmitri Tymoczko allowed us to identify some post Which indicate influences by authors like Claude Debussy, Paul Hindemith and Heitor Villa-Lobos in the first Allegro Majestic movement of the First Symphony of Santoro. The maintenance of some sonorities such as the pentatonic collection, the whole-tone scale and the acoustic collection are some of the indications that allowed us to identify such influences in Santoro\'s work. In the second Andante quasi adagio movement, we can observe a traditional serial process, which developed from two series that relate, such an approach was possible from the method of serial identification and counting, as proposed by authors such as Kostka and Francolí. In the third movement, we observe a structure that is generated from symmetrical collections such as the eneatonic collection and the paradigmatic octatonic scale, as well as other symmetrical formations that occur from overlaps between layers, a procedure that is also found in the work of Villa-Lobos. In this sense, the First Symphony for two chord orchestras by Claudio Santoro was conceived through postural procedures considered free and systemic, being possible to observe stylistic hybrids in this work.

Com a mudança no cenário musicológico internacional no final do século XX, o desenvolvimento da teoria das tópicas musicais encontrou terreno fértil nas análises sobre expressividade e significação do discurso musical. Apesar de seu principal objeto de estudo se pautar nas obras de compositores dos séculos XVIII e XIX, as tópicas musicais têm sido utilizadas como ferramentas de análise em obras de diversos períodos da música brasileira. Entretanto, pouco se tem pesquisado sobre a sua influência nas obras luso-brasileiras do período colonial. Nesta mesma senda, sabe-se que a obra religiosa de Marcos Portugal, importante compositor da Casa Real Portuguesa durante o reinado do príncipe regente D. João VI, também carece de atenção no âmbito das investigações musicológicas. Assim, diante destas duas carências, este trabalho pretende, como objetivo geral, observar as recorrências tópicas na Missa de Réquiem em Mi bemol maior de Marcos Portugal. O contexto fúnebre em que as Missas de Réquiem são compostas possibilita a ocorrência de jogos semânticos e simbólicos entre a música, a religião e a morte. Dessa forma, observamos como as tópicas de marcha fúnebre, ombra e tempesta são apresentadas no Réquiem de Marcos Portugal e como contribuem para a construção da expressividade e sentimentos comuns diante da morte: o temor pela condenação eterna e a esperança de salvação. / The transition of the international musicology context in the late twentieth-century has made it possible for the development of Topic Theory to find a breeding ground for the analysis about musical discourse expressivity and signification. While its main object of research is based on works from eighteenth and nineteenth-century composers, musical topics have been used as analysis tools in musical works from several Brazilian music periods. Nevertheless, very little has been researched about its influences in Luso-Brazilian colonial musical works. Similarly, it is known that the religious works of Marcos Portugal, a relevant composer of the Royal House during the reign of the Regent Prince D. João VI, also requires further attention as far as musicological investigations are concerned. Thus, given these two shortcomings, the aim of this study is to look for topical recurrences in Marcos Portugal Requiem Mass in E flat major. The funeral context in which Requiem Masses are composed makes the occurrence of semantic and symbolic games between music, religion and death, possible. In this way, we have noticed how funeral march, ombra and tempesta topics are employed in Marcos Portugal Requiem and how these topics contribute to the construction of expressivity and common feelings before death: awe of the eternal damnation and hope of salvation.

Este trabalho analisa a estruturação harmônica do episódio lírico Artémis, de Alberto Nepomuceno, buscando demonstrar que a técnica usada pelo compositor emprega sistematicamente os princípios da linguagem do cromatismo pós-wagneriano. Observa-se, inicialmente, que o projeto dessa obra encontra-se na vanguarda das estéticas de seu tempo, alinhando-se com as correntes progressistas do período. Nesse sentido verifica-se que, apesar de Nepomuceno ter sido identificado pela historiografia modernista como precursor do nacionalismo musical brasileiro, nesta obra prevalece sua inclinação cosmopolita. Para o desenvolvimento da pesquisa examinou-se inicialmente qual ferramenta de análise harmônica, dedicada ao repertório do cromatismo romântico do final do século XIX, seria mais adequada ao Artémis. Apresenta-se, por isso, uma introdução às teorias analíticas aplicáveis ao repertório com tonalidade expandida do século XIX, focando nos trabalhos de Hugo Riemann, Arnold Schoenberg e David Kopp. As teorias harmônicas de Riemann, sendo a matriz primordial dessas teorias, são extensamente investigadas. Comparamos, a seguir, as propostas dos três teóricos no que se refere a ferramentas de análise para peças com estrutura cromática. Discorrendo sobre aspectos positivos e negativos de cada teoria investigada, apontamos a recente teoria neorriemanniana de Kopp como a que melhor sistematizou, para nossos propósitos, os avanços acadêmicos no entendimento dos problemas harmônicos do repertório cromático do século XIX. Defendendo a importância de se atrelar, adequadamente, teoria, análise e repertório, confrontamos teoria e prática analítica, aplicando ao Artémis a sistemática das transformações cromáticas de Kopp. Conseguimos assim demonstrar, na prática do processo analítico, através de uma ferramenta de análise perfeitamente ajustada ao repertório proposto, resultados que atestam a coerência estrutural do texto musical abordado aos princípios transformacionais da harmonia cromática pós-wagneriana. / This dissertation analyses the harmonic structure of the \"lyric episode\" Artémis, composed by Alberto Nepomuceno, aiming to demonstrate that the technique used by the composer employs, systematically, the principles of the post-Wagnerian chromatic language. We observe, initially, that the project of this piece fits the avant-garde aesthetics of its time, aligning itself to the progressive trends of the period. In this sense we verify - although Nepomuceno has been identified by the modernistic Brazilian historiography as a forerunner of the Brazilian musical nationalism - that his cosmopolitan inclinations prevailed in this composition. At first, for the adequate development of the research, we examined which tool of harmonic analysis, dedicated to the chromatic repertoire of the final of the XIX Century, would be more adequate to the music of Artémis. We present, therefore, an introduction to the analytical theories that might be useful to the repertoire of expanded tonality of the XIX Century, focusing in the texts of Hugo Riemann, Arnold Schoenberg and David Kopp. The harmonic theories of Riemann, as the matrix for all these theories, are extensively investigated. We compare, in the sequence, the proposals of three theoreticians that developed analytical tools for pieces with chromatic structures. Revealing the positive and negative aspects of each of these theories, we pointed out the recent neoriemannian theory by Kopp as the one that better systematizes, for our purposes, the academic advances in the understanding of the harmonic problems of the chromatic repertoire composed at the end of the XIX Century. Because we defend the importance of considering simultaneously theory, analysis and repertoire, we confront theory and practice, applying to Artémis, Kopp\'s chromatic transformations systematic theory. This way we were able to demonstrate, in the practice of the analytical process, through an analytic tool perfectly fit to proposed repertoire, results that attest the structural coherence of the studied musical text with the transformational principles of post-Wagnerian chromatic harmony.

Este trabalho pretende analisar e demonstrar como as tópicas musicais afro-brasileiras são um exemplo de tradição inventada na música brasileira do século XX (especialmente a partir do modernismo e do nacionalismo musical no Brasil). O conceito de tradição inventada foi amplamento discutido e desenvolvido pelo historiador Eric Hobsbawm, e diz respeito a um conjunto de práticas reguladas por regras comumente aceitas, estabelecendo normas derivadas do costume ou da convenção. Assim, este trabalho correlacionará o conceito de tópicas musicais e o conceito de tradição inventada, a fim mostrar como a aparente configuração de uma tópica não está de acordo com sua forma original e nem tampouco é uma representação literal do que se refere, mas sim estilizações e recriações estabelecidas através de um senso comum. Tudo isso será feito a partir de uma abordagem que reúne a análise musical e abordagens semióticas baseadas na teoria das tópicas, a fim de compreender alguns caminhos de significação nos processos composicionais da música brasileira. Para isso exemplificarei e analisarei a tópica canto de xangô e a tópica berimbau em obras de compositores a partir do modernismo e nacionalismo musical brasileiro, percorrendo então outros compositores brasileiros ao longo do século XX, tanto na música erudita quanto na música popular, até abordagens mais recentes como obras dos compositores Rodolfo Coelho de Souza e Fernando Iazzetta. / This work aims to analyze and demonstrate how African-Brazilian musical topics are an example of invented tradition in Brazilian music of the 20th century (especially from modernism and musical nationalism in Brazil). The concept of invented tradition was widely discussed and developed by the historian Eric Hobsbawm, and it concerns a set of practices regulated by commonly accepted rules, establishing norms derived from custom or convention. Thus, this work will correlate the concept of musical topics and the concept of invented tradition to show how the apparent configuration of a topic is not in accordance with its original form, neither is it a literal representation of what it refers to. Rather than that, they are stylizations and recreations established through a common sense. All of this will be done by bringing together the musical analysis and semiotic approaches based on topic theory in order to understand some paths of signification in the compositional processes of Brazilian music. Therefore, I will exemplify and analyze the canto de xangô topic and the berimbau topic in works of composers from modernism and Brazilian musical nationalism, by going from other Brazilian composers throughout the twentieth century, both in classical and popular music, until the most recent approaches, as found in works by the composers Rodolfo Coelho de Souza and Fernando Iazzetta.

Esta tese propõe uma reconstituição da história da flauta doce no Brasil entre 1550 e 1970. Na primeira parte averiguamos a presença da flauta doce no período colonial, sobretudo no âmbito das missões jesuítas. Demonstramos que a flauta foi usada principalmente por crianças indígenas, como complemento à catequese e preparação para a prática musical da liturgia. Foram abordados aspectos como metodologia de educação, repertório provável e origem dos instrumentos utilizados. Enumeramos também algumas possibilidades de uso da flauta doce em ambientes não jesuítas entre os séculos XVI e XVIII. Na segunda parte discorremos sobre a flauta doce baixo que faz parte do acervo da Escola de Música da UFRJ, doada em 1896 por Leopoldo Miguez. Para concluir, apresentamos um abrangente panorama do retorno da flauta doce ao cenário musical brasileiro no século XX. Através de entrevistas e consultas com várias personalidades que se destacaram em ações pró-instrumento, elaboramos um percurso da flauta doce pelos estados do Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Paraná, São Paulo, Rio de Janeiro, Minas Gerais, Bahia, Pernambuco, Ceará e Rio Grande do Norte. Observamos que os pioneiros da flauta doce no século XX eram, em sua maioria, imigrantes europeus ou alunos destes imigrantes, sem formação específica no instrumento. Apontamos os ambientes onde a flauta doce circulou entre as décadas de 1950 e 70, reiterando sua vocação de instrumento musicalizador e conquistando espaço como instrumento artístico. / This dissertation proposes a reconstitution of the recorder history in Brazil between 1550 and 1970. At first, we have investigated the presence of the recorder in the colonial period, especially in Jesuit missions. We have shown that the recorder was used mainly by indigenous children as a complement to catechesis and preparation for the practice of the liturgy. We have discussed aspects such as education methodology, probable repertoire and origins of the instruments used there. We also enumerated some possibilities of recorder practice in non-Jesuit environments in the 16th and 18th centuries. In the second part we talk about the bass recorder that belongs to the Music School of UFRJ, donated in 1896 by the composer Leopoldo Miguez. At the end, we present a comprehensive overview about the return of the recorder to the Brazilian music scene in the 20th century. Through interviews and consultations with several personalities who excelled in pro-instrument actions, we have developed a recorder tour through the states of Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Paraná, São Paulo, Rio de Janeiro, Minas Gerais, Bahia, Pernambuco, Ceará and Rio Grande do Norte. We observed that the pioneers of the recorder in the twentieth century were mostly European immigrants or students of these immigrants, with no specific instrumental training. We point out the spaces where the recorder circulated between 1950s and 70s, reiterating its vocation as first instrument and gaining prestige as an artistic instrument.

Este trabalho analisa, mais do que os cantos de guerra do Brasil durante a Segunda Guerra Mundial, o Brasil dos cantos de guerra. Trabalha com as peças criadas pelos combatentes da FEB e da FAB na Itália, com as músicas difundidas pelos músicos militares e pelas transmissões de rádio feitas pela FEB naquele país, e com os hinos que estimularam as ações patrióticas dos brasileiros em território nacional. Também se utiliza de discos comerciais, lançados nos anos em que o país participou efetivamente do conflito (1942-1945), que revelam a matéria brasileira naquela situação de rearranjo internacional. Todas essas canções passaram pelo crivo da teoria crítica brasileira, encontrando na paródia a ferramenta mais comum à época para a estruturação social na música. / This work analyses, over and beyond the Brazilian war songs during the Second World War, the Brazil (itself) in the war songs. It uses the plays created by the FEB and FAB combatants in Italy, the music revealed by the military musicians and by radio transmissions of FEB as well as the hymns that stimulated the patriotic actions of Brazilians throughout the country. Also, commercial records, launched during the years that the country effectively participated in the conflict (1942-1945), illustrating the Brazilian viewpoint during this particular situation of international rearrangement. All these songs have passed through the sieve of Brazilian Critical Theorry, finding in the parody the most common tool at the time for show the social structures in music.

O objetivo principal desta dissertação é o de recuperar a dimensão atlântica da história social das musicalidades afro-brasileiras criadas por africanos escravizados e seus descendentes durante o último século de escravismo e ao longo das primeiras décadas do período pós-abolição. O foco recai, sobretudo, no entendimento dos movimentos de transposição histórica dos tambores de fricção, de determinadas áreas do continente africano para as Américas, sua importância na formação das comunidades e culturas musicais afro-brasileiras, especialmente naquelas relacionadas ao samba urbano carioca, bem como nas transformações que o processo de diáspora imprimiu na organologia e na performance realizada por meio destes tambores de fricção. Este estudo, como também o inventário realizado dos instrumentos musicais que compunham as paisagens musicais do Brasil e de determinadas sociedades da África Central, sustenta-se sobre fontes históricas variadas, desde representações iconográficas contidas em crônicas, relatos de viagem e etnografias de viajantes e estudiosos que percorreram as diversas sociedades do período, análise de exemplares de instrumentos africanos pertencentes a coleções museológicas, até a escuta e análise de diversos fonogramas disponibilizados por meios eletrônicos. / The main purpose of this work is to recover the Atlantic dimension of the social history of African - Brazilian musicality created by enslaved Africans and their descendants during the last century of slavery and throughout the first decades of the post-Abolition period. The focus is mainly on understanding the historical movements of transposition of the friction drums from certain areas of Africa to the Americas, its importance in the formation of African - Brazilian communities and musical cultures, especially those related to samba, as well as the transformations that the diaspora process printed on the instrument performance, and its organology. This research, and the inventory of musical instruments that composed the musical landscapes of Brazil and certain societies of Central Africa, is founded on various historical sources, from the iconographic representations contained in chronicles, travel accounts and ethnographies of travelers and scholars who visited the various societies of the period, and images of museum collections of African instruments, to phonograms made available by electronic means.

Orientador: Elide Rugai Bastos / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-26T09:24:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Damasceno_AndreAlcmanOliveira_D.pdf: 10094535 bytes, checksum: 937fd25a47645603bb56a97e7874989b (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: Este trabalho discorre sociologicamente sobre o percurso musical e pedagógico do compositor Villa-Lobos, dentro do recorte temporal de 1930 (ano da ascensão de Getúlio Vargas ao poder) a 1959 (ano do falecimento do musicista). Nosso foco analítico está inserido na articulação entre a produção musical de Villa-Lobos no período - especialmente a Série Bachianas Brasileiras (1930-1945), o projeto pedagógico do Canto Orfeônico (1932-1959) e o processo mais geral da modernização brasileira capitaneada pelo Estado. Assim, articulamos as ideias de Lahire (2002, 2004, 2006) sobre as disposições sociais de Villa-Lobos desenvolvidas em seu duplo convívio entre o erudito e o popular, que o condicionaram tanto em termos estéticos quanto pedagógicos a institucionalizar o Modernismo ¿ este interpretado como uma visão de mundo, de acordo com a perspectiva metodológica de Goldmann (1959, 1979). Nesse cenário, o Modernismo ¿ na articulação entre os tipos romântico e programático, tornar-se-ia uma prática apoiada pelo Estado a partir de 1930. Desta forma, a trajetória de Villa-Lobos foi analisada através de pesquisa envolvendo documentos de época (oficiais, jornais e cartas), além de trabalhos biográficos e estéticos sobre o compositor. Amparado neste material, a pesquisa aponta o sentido social da trajetória de Villa-Lobos, para além dos propósitos políticos e culturais previstos pelo projeto do Canto Orfeônico, que dialogaria fortemente com o pensamento autoritário - notadamente o de Oliveira Viana (1930, 1939), durante o Estado Novo (1930-1945). Desta forma, a produção musical villalobiana se comprometia com o processo de sistematização da música brasileira liderada pela música popular urbana. Nesta direção, o processo musical é visto no aperfeiçoamento da linguagem musical (tanto erudita quanto popular), da temática própria da música brasileira e no estabelecimento de seu público que o Canto Orfeônico irá garantir a partir de sua rotinização nas escolas brasileiras. / Abstract: Este trabalho discorre sociologicamente sobre o percurso musical e pedagógico do compositor Villa-Lobos, dentro do recorte temporal de 1930 (ano da ascensão de Getúlio Vargas ao poder) a 1959 (ano do falecimento do musicista). Nosso foco analítico está inserido na articulação entre a produção musical de Villa-Lobos no período - especialmente a Série Bachianas Brasileiras (1930-1945), o projeto pedagógico do Canto Orfeônico (1932-1959) e o processo mais geral da modernização brasileira capitaneada pelo Estado. Assim, articulamos as ideias de Lahire (2002, 2004, 2006) sobre as disposições sociais de Villa-Lobos desenvolvidas em seu duplo convívio entre o erudito e o popular, que o condicionaram tanto em termos estéticos quanto pedagógicos a institucionalizar o Modernismo ¿ este interpretado como uma visão de mundo, de acordo com a perspectiva metodológica de Goldmann (1959, 1979). Nesse cenário, o Modernismo ¿ na articulação entre os tipos romântico e programático, tornar-se-ia uma prática apoiada pelo Estado a partir de 1930. Desta forma, a trajetória de Villa-Lobos foi analisada através de pesquisa envolvendo documentos de época (oficiais, jornais e cartas), além de trabalhos biográficos e estéticos sobre o compositor. Amparado neste material, a pesquisa aponta o sentido social da trajetória de Villa-Lobos, para além dos propósitos políticos e culturais previstos pelo projeto do Canto Orfeônico, que dialogaria fortemente com o pensamento autoritário - notadamente o de Oliveira Viana (1930, 1939), durante o Estado Novo (1930-1945). Desta forma, a produção musical villalobiana se comprometia com o processo de sistematização da música brasileira liderada pela música popular urbana. Nesta direção, o processo musical é visto no aperfeiçoamento da linguagem musical (tanto erudita quanto popular), da temática própria da música brasileira e no estabelecimento de seu público que o Canto Orfeônico irá garantir a partir de sua rotinização nas escolas brasileiras. / Doutorado / Sociologia / Doutor em Sociologia