Cette recherche s'inscrit dans le contexte du domaine de la santé et contribue au développement des connaissances en s'adressant aux femmes postménopausées qui désirent faire un choix éclairé entre faire de l'activité physique et avoir une alimentation saine ou suivre l'hormonothérapie pour être bien dans sa peau, pendant le climatère. Cette étude sera bénéfique pour les femmes de la société occidentale mais aussi pour celles des autres groupes ethniques. Objectif: Le but principal de la recherche était d'offrir un programme d'entraînement à des femmes postménopausées afin de savoir si l'exercice a un impact positif sur l'image corporelle ainsi qu'indirectement sur leur fonction sexuelle. Méthodologie: Sept femmes sédentaires postménopausées âgées de 48 à 56 ans ont participé au programme d'entraînement. La durée totale du programme d'entraînement a été de 12 semaines (incluant une période de familiarisation d'une semaine) où l'intensité a été fixée à 70% de la répétition maximale (1 RM). Chaque séance d'entraînement se déroulait deux fois par semaine pour une durée de 75 minutes par séance (incluant une période d'échauffement cardio-vasculaire de 15 minutes au début des séances). Les variables suivantes ont été évaluées avant et après (pré-test et post-test) le programme d'entraînement: L'aptitude aérobie (VO₂), la fréquence cardiaque, le poids, la circonférence abdominale, l'image corporelle et la fonction sexuelle. Résultats: Les résultats ont démontré que le programme d'entraînement a augmenté de manière significative (p < 0.05) l'aptitude aérobie ainsi que le score total de l'image corporelle entre le pré-test et le post-test. Par contre, les résultats ont démontré qu'il n'y a pas eu de différence significative (p > 0.05) de la fonction sexuelle totale après le programme d'entraînement. Conclusion: D'après ces observations, un programme d'entraînement de 12 semaines qui combine la musculation et une période cardio-vasculaire n'a pas eu d'impact sur la fonction sexuelle des femmes postménopausées. Cependant, les données de cette étude confirment qu'il est possible d'améliorer la qualité de vie et la condition physique générale des femmes postménopausées avec l'exercice. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Femmes postménopausées, Exercice, Aérobic, Image corporelle, Fonction sexuelle.

Certains produits mal dimensionnés occasionnent des inconforts pour leurs utilisateurs. Plusieurs exemples sont répertoriés, notamment dans le domaine des produits médicaux, de l'aménagement des postes de travail, du mobilier de bureau et des habitacles de véhicule industriel. Le choix des ouvrages (tables, abaques, logiciels) utilisés par les concepteurs pour dimensionner semble être à l'origine de décisions erronées. L'étude vise à analyser la cohérence des ouvrages et logiciels anthropométriques offerts aux designers industriels en comparant leur nature, contenu et format. Les mesures de segments anatomiques de différentes bases de données anthropométriques anciennes et récentes, puis civiles et militaires, et de trois logiciels avec modules anthropométriques ont été comparées. Plusieurs manipulations de représentations digitales humaines (RDH) ont été effectuées pour analyser les écarts de mesures selon leur apparence, leur mode de construction et la distribution de la masse adipeuse. En accord avec les travaux de Stoudt, les résultats montrent que la stature des Nord-américains a augmenté de près de 40 mm en 42 ans. Des écarts importants de mesure entre les différentes sources sont aussi observés (20 à 97 mm). Ces écarts sont liés entre autres à l'immigration et l'obésité (poids, largeur des épaules, les circonférences de la poitrine, de l'abdomen et des hanches, la largeur au bassin et la longueur de la cuisse). Les résultats montrent également des écarts importants entre les données civiles et militaires, notamment plus de 40 mm pour les jambes. Sachant que les données offertes par les abaques et les logiciels anthropométriques sont d'avantages militaires et qu'elles datent, les concepteurs peuvent prendre des décisions erronées s'ils dimensionnent des produits pour des civils de demain. La manipulation des logiciels anthropométriques (RDH) montre également plusieurs incohérences, notamment sur le plan de la distribution de la masse graisseuse. L'offre anthropométrique actuelle ne peut permettre aux designers industriels d'établir en amont du projet des dimensions précises permettant d'inclure un nombre élevé d'utilisateurs. Pour favoriser un meilleur dimensionnement, il faut développer des outils ou méthodes permettant aux designers de générer des représentations frontières (personas) finement calculées et surtout près du réel. De plus, pour élaborer des outils en meilleure adéquation avec leur pratique, une analyse de l'activité des designers industriels s'avère nécessaire pour mieux comprendre comment et quand ils dimensionnent. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Biométrie, Anthropométrie, Dimensionnement, Designers industriels, Représentations digitales humaines (RDH), Développement de produit.

Ce mémoire-création traite de la relation entre les corps et les objets au théâtre et explore leur potentiel métaphorique et poétique. Le spectacle théâtral 4 p'tits tours et puis ... est le résultat de l'élaboration d'une écriture scénique composée de la dialectique entre les objets et les corps autour de la thématique du deuil. Ce document d'accompagnement comporte quatre axes de réflexion: un survol historique de diverses utilisations de l'objet et du corps dans l'art contemporain; une réflexion sur la relation du corps et de l'objet au théâtre; la justification des choix esthétiques effectués pour la composition de notre création et, enfin, le développement de la démarche créative privilégiée lors de la réalisation. L'objet métaphorisé, le corps fictif, le mime corporel, l'objet tel un révélateur de conflits psychologiques, l'objet comme une contrainte, le dispositif architectural en tant qu'objet et l'utilisation de l'image sont quelques-uns des éléments abordés dans ce document. L'objectif principal de ce travail était de parvenir à l'élaboration d'une forme d'écriture sans faire usage de la parole. Nous avons choisi d'y accéder grâce à l'emploi d'objets et à un traitement fictif du corps inspiré des principes du mime corporel selon Étienne Decroux. Nous avons créé une écriture métaphorique en partant de la forme pour aller vers le contenu. La trame évolutive de notre création s'est construite à la suite d'un travail d'exploration avec des comédiennes et différents objets. Nous voulions ainsi faire naître l'émotion à travers la relation entre les corps et les objets et permettre l'expression du déni, de l'impuissance, de l'instabilité émotive et la nostalgie qu'éprouve une personne endeuillée. Cet essai nous a permis de constater que l'orchestration d'une suite d'images peut raconter visuellement une fable. Même si son interprétation demeure variable d'un spectateur à l'autre, l'emploi des images créées par le renouvellement incessant du dialogue entre les corps et les objets permet à l'artiste d'exprimer une vision personnelle du monde de manière poétique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : objet, corps, mime corporel, théâtre d'objet, écriture scénique.

Était une bête raconte l'histoire d'une scission, en cinq parties. Confrontée à une autorité sévère puis au jugement sans merci de ses pairs, la narratrice du recueil n'arrive plus à vivre dans son corps. Question de survie, une séparation intérieure s'impose. Mais quitter son corps, c'est se fendre le crâne. Littéralement. C'est une opération risquée qui demande réflexions, échanges, discussions avec soi-même. J'ai voulu mettre en scène un dialogue qui n'a rien du soliloque. Qui exige une réponse. Un dialogue essentiel, pour résister à la mort. Laisser aller une partie de soi pour se garder en vie. Et peut-être se retrouver. Mais plus tard. Se retrouver au cœur d'un territoire que l'on ne connaît pas, un peu hébétée de s'être rendu si loin. L'essai Territoires soutient que tout acte d'écriture suppose la création et l'exploration de nouveaux territoires (donc de nouvelles limites) à l'intérieur desquels le corps est à la fois inventeur et inventé. Axée essentiellement sur la place capitale qu'occupe le corps au cœur de ces territoires, ma réflexion interroge le statut de celui-ci. Central, mais non autoritaire, le corps écrivant ne fait pas juridiction dans le processus; il emprunte la langue et les rythmes qu'il rencontre (et qui le rencontrent) pour fonder sa parole, qui elle-même ne lui appartiendra pas. Aventure tridimensionnelle, l'écriture implique du temps, de l'espace et, à la jonction de ces deux axes, du corps, pour actualiser les mots, les transposer. Constamment chahuté par le mouvement processuel qui le porte, le corps écrivant se définit dans un état de déséquilibre perpétuel. Il se dégage ainsi de toute valeur de puissance et de virtuosité en adoptant une posture fragilisée d'écoute et d'attention au réel. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Scission, Corps, Dialogue, Territoires, Limites, Subjectivité, Parole

Ce mémoire porte sur le corps, tel qu'il se manifeste au cours de la performance, et sa dimension phénoménale - corps de chair dont le rapport au monde se constitue par une expérience sensorielle, motrice et perceptuelle. Il questionne la manière dont cette nature phénoménale du corps de l'artiste apparaît dans certaines œuvres du mouvement performatif des années 1970 à 1980, ainsi que la façon dont celle-ci affecte et détermine l'expérience esthétique du récepteur. Son principal objectif est de placer au premier plan le corps phénoménal de l'artiste tel qu'il est mis en scène à travers un peu plus d'une quinzaine d'œuvres performatives et le corps phénoménal du spectateur tel qu'il se trouve sollicité par ces œuvres. La méthodologie adoptée consiste en l'élaboration d'un cadre théorique multidisciplinaire permettant, d'une part, de définir la dimension phénoménale du corps et de l'exposer plus précisément par l'analyse de performances préalablement regroupées en catégories fondées sur la base d'une parenté d'actions, et d'autre part, de rendre compte de l'expérience esthétique du spectateur et de la manière dont la spécificité des œuvres performatives interpelle ses sens et sa perception. Cette démarche analytique montre qu'au cours du déroulement de l'œuvre, l'artiste présente un corps dont la nature est sensorielle et perceptuelle en sollicitant par ses actions un ou plusieurs espaces sensori-perceptifs. La sollicitation de ces espaces contribue à définir à la fois les spécificités de l'œuvre et le type d'expérience esthétique vécue par le récepteur. En ce sens, la prise en considération du corps phénoménal de l'artiste et de celui du spectateur fournit de précieux indices quant à l'expérience sensorielle et perceptuelle, mais aussi affective, qu'ils sont susceptibles de faire de l'art de performance. Ainsi, ce travail participe aux réflexions liées au corps, à sa nature phénoménale et aux théories de la réception, tout comme il apporte des hypothèses et interprétations nouvelles au discours consacré au mouvement performatif. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : corps, perception, performance, phénoménologie, sensation

Ce mémoire-création comporte deux parties : une partie « création » et une partie « théorique ». La partie « création » consiste en l'écriture d'un texte dramatique, plus précisément un monodiscours, dont le titre est Ombilic. Ce texte s'articule autour des thèmes du corps et de l'identité féminine. Le texte d'accompagnement qui constitue la partie « théorique » de ce mémoire contient quatre chapitres. Le premier chapitre se consacre au monodiscours. Il s'agit, dans un premier temps, de cerner la corrélation entre le corps et l'identité dans ce genre et, dans un deuxième temps, de comprendre comment s'établit ce rapport lorsque le monodiscours a pour personnage une femme. Le deuxième chapitre présente le concept de crypte, de ses origines à l'interprétation qu'en fait Jacques Derrida. Le troisième chapitre se voue à l'analyse d'un corpus de trois textes dramatiques (monodiscours) selon le concept de crypte tel qu'expliqué par Derrida. Les textes analysés sont Peep Show de Jean-Marie Piemme, V.I.P. (testament) de Virginie Thirion et Une femme normale-à-en-mourir de Jan Fabre. Cette analyse est suivie par une présentation de notre projet de création et une courte analyse cryptique de celui-ci, ce qui forme le quatrième chapitre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : identité, corps, monodiscours, crypte, femme.

À partir du constat de la présence de procédés d'empreinte dans mon travail en arts visuels, le mémoire-création aborde les possibles transpositions de l'empreinte à la danse, en utilisant le terme d'« empreinte-mouvement » de Georges Didi-Huberman. Si l'empreinte forme une marque pérenne par le contact réel entre un corps et une matière, les écrits et les œuvres du sculpteur Giuseppe Penone invitent à penser qu'elle crée également une résonance dans le soma (corps vivant) de celui qui s'imprime. La dimension vécue de l'empreinte semble pouvoir la mettre en mouvement et aviver la possibilité du lien entre empreinte et mouvement. Dans cette quête du dialogue entre empreinte graphique et empreinte corporelle, quatre esquisses chorégraphiques (Dans les carnets, Dans la peau, Dans les plis, Dans les poids, jaillir) ont été réalisées pour répondre à la question : qu'est-ce qui qualifie l'« empreinte-mouvement » et comment la travailler dans un processus de création chorégraphique? Le mémoire écrit témoigne du chemin de conscience que l'autopoïétique de ces quatre projets a dessiné. De l'analyse des processus de création ont émergé des notions de poids, faisant écho à l'empreinte qui, pour être formée, nécessite un poids, la pression d'un objet dans la matière. Différents « poids » sont devenus lieux d'origine des mouvements. Chaque esquisse a été l'occasion de mettre en lumière des poids - physiques, psychiques et imaginaires - qui creusent la chair, inscrivant autant le corps que la pensée. L'esquisse 1, solo, a permis la prise de conscience du poids psychique à l'œuvre dans le geste et initié l'importance de la dimension pondérale du corps. L'esquisse 2, duo, a insisté sur le poids de la peau en tant que frontière de l'individualité. L'esquisse 3, solo, a travaillé l'origine du mouvement à partir de la sensation de mon propre poids et de ma propre peau. L'esquisse 4 a prolongé cette quête de l'origine-poids à partir de la sensation gravitaire intime de chacune des cinq interprètes. La recherche-création a permis de cerner que l'intégrité de l'empreinte-mouvement tient au lien continu qu'elle entretient avec son origine-poids. L'empreinte-mouvement semble donc pouvoir être formulée à partir des empreintes qui investissent l'être qui danse, nécessitant dès lors une « fouille » en soi, dans la mémoire du corps. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Empreinte (Art), Chorégraphie, Recherche-création, Poids du corps, Origine du mouvement, Giuseppe Penone

Cette thèse entreprend de problématiser le corps au travers de la théorie sociologique, en développant un argument critique à l'égard des approches socio-constructionnistes qui envisagent le corps comme étant formé et construit par la société; celles-ci en effet sont trop étroites et ne permettent pas d'accéder à l'expérience incarnée du corps. L'enjeu principal de cette thèse est ainsi de développer la théorisation sociologique contemporaine sur le corps en l'ouvrant à ses dimensions matérielle, biologique et physique. Afin d'assurer un développement théorique qui inclut ces dimensions avec la dimension socialement construite du corps, et qui jette un éclairage sur le phénomène de l'incarnation, ou de l'incorporation (embodiment), nous tablons sur l'analyse d'un objet qui est le corps des danseuses et danseurs de ballet, en explorant sa formation et sa transformation. La formation et la transformation des danseuses et danseurs de ballet dépendent de leur capacité à maîtriser la technique du ballet, c'est-à-dire de l'apprentissage du langage physique du ballet et de son incarnation dans la forme du ballet. Il s'agit d'un processus à la fois dynamique et de composantes multiples dont l'expérience se décline sur les plans mental, physique et émotionnel. Le processus de formation des danseuses et danseurs de ballet représente une expérience culturelle hautement créative, et dépend de l'engagement complet de tous leurs sens, comme de leur présence totale au niveaux spirituel et physique. Afin de développer une compréhension de cette expérience de l'incarnation, nous avons procédé à des entrevues, en demandant des détails biographiques sur la formation et la transformation de cette expérience. Le processus va au-delà de l'entraînement physique du corps et inclut un engagement créatif vis-à-vis de sa propre auto-transformation. Ce processus en est un d'auto-création, et requiert des danseuses et danseurs une imagination active ainsi qu'une intense préparation physique. Cela occasionne une transformation entière sur les plans mental et physique, qui est éprouvée à de multiples niveaux et s'exprime dans leur soi artistique. Notre étude avance que lorsque l'on change l'expérience corporelle, on change l'expérience vécue et ainsi, l'expression de soi. Au travers d'une analyse détaillée des dynamiques et des jeux complexes entre l'expérience corporelle, l'expérience vécue et l'expression de soi, nous explorons l'incarnation de l'expérience du ballet par le biais de ce que les danseuses et danseurs décrivent comme leurs propres formations et transformations personnelles. Les données de cette étude proviennent de quinze entrevues en profondeur menées auprès de danseuses et danseurs de ballet professionnels à la retraite. L'étude empirique révèle une description détaillée de l'expérience d'incarnation des danseuses et danseurs de ballet, et de leur façon d'habiter la forme idéale du ballet. Nous envisageons d'abord le développement de l'institution ainsi que l'émergence de la forme idéale du ballet. Nous retraçons cette histoire et décrivons le pouvoir ainsi que les exigences de cette forme esthétique. Afin de décrire et d'analyser la formation et la transformation des danseuses et danseurs de ballet dans leur entièreté, nous décrivons trois niveaux d'expérience; nous examinons l'expérience esthétique, à l'aide de la théorie des formes littéraires de Mikhaïl Bakhtine; nous examinons ensuite l'expérience institutionnelle, à l'aide de la théorisation sociologique de George Herbert Mead; enfin, nous examinons l'expérience vécue, avec l'aide de la phénoménologie de la perception développée par Maurice Merleau-Ponty. Nous concluons que l'expérience corporelle, l'expérience vécue et l'expression de soi sont inséparables, et que quelle que soit la conceptualisation du corps utilisée, celle-ci doit comprendre l'expérience au travers de niveaux multiples de l'activité sensorielle. Le corps des êtres humains en est un qui vit au travers d'une expérience incarnée, engagée de manière sociale, physiologique et spirituelle dans le monde. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danseuses, Corps, Ballet, Formation, Incarnation, Théorie, Art.

À partir de la création d'oeuvres et de l'étude d'un corpus d'oeuvres récentes choisies chez d'autres artistes, cette recherche s'intéresse à un double mouvement entre saisissement et désaisissement de l'empathie devant la représentation du corps éprouvé. Les stratégies pathémiques ont pour effet de lier par empathie le spectateur à la représentation d'autrui. Une oeuvre qui les utilise, intensifie le rapport à l'autre représenté. Par contre, des oeuvres qui utilisent, en combinaison avec celles-ci, des stratégies contre-pathémiques, désintensifient ses effets et offrent au spectateur une possibilité de distanciation. En prenant comme objet, les modalités mêmes du rapport du spectateur au pathos par le biais de diverses stratégies de fusion/dissociation, mes oeuvres et celles des autres artistes discutées dans cette thèse, mettent en place les éléments d'une rhétorique du pathos à la fois fusionnelle et dissociative, à l'opposé d'une rhétorique du pathos simplement fusionnelle. Dans la coprésence de ces deux positions contradictoires, le spectateur est appelé à ressentir et observer sa propre sensibilité mise en mouvement. Quelles sont les modalités d'appréhension des figures du corps éprouvé proposées par ces oeuvres au spectateur? Ces oeuvres ont en commun de présenter l'image de personnes éprouvées en la figeant dans la représentation photographique et dans la projection vidéo en boucle de grande dimension. Le sujet représenté y devient captif et enfermé sous un regard scrutateur et insistant. La durée et l'intensité du regard exigées par de telles tactiques de présentation de l'iconographie du corps éprouvé, me paraissent offrir des conditions propices à l'appréhension des impacts du pathos1 et à l'observation du saisissement et du désaisissement de l'empathie. Devant ces oeuvres en galerie, le spectateur circule tel un badaud dans la ville. Le contexte postmodeme où elles s'inscrivent est teinté par l'ironie et la distance. Ce contexte de présentation distancé et critique, ainsi que les diverses stratégies adoptées par les artistes, mettent à distance un pathos qui a pourtant comme première visée de toucher. Il me semble que les tactiques de mise à distance critique propres à l'art contemporain, et plus spécifiquement à l'attitude postmodeme, sont actives dans les oeuvres utilisant une iconographie du corps éprouvé sans nécessairement se traduire par une position cynique et insensible envers celle-ci. Au contraire, ces œuvres dénotent un désir de toucher, d'entrer en contact rapidement avec le spectateur, sans toutefois plonger celui-ci, de manière univoque, dans la fusion au pathos. Les oeuvres qui présentent l'image d'autrui éprouvé avec de tel1es stratégies et dans un tel contexte, offrent une scène et des conditions pour que soit vécue, dans le simulacre, l'expérience intense de l'empathie envers autrui éprouvé, et également pour que soient ressenties les tensions contradictoires que cette image engendre. Ces oeuvres activent un mouvement entre saisissement (empathie) et désaisissement (scepticisme), qui provoque une perte ou une atténuation de l'empathie première. À travers l'expérience de l'empathie combinée à celle du scepticisme, elles pennettent au spectateur de ressentir et observer son lien à autrui ainsi que la responsabilité éthique qui découle de la simple rencontre de l'image de l'autre en souffrance, même lorsque cette dernière se réalise par le simulacre. Le retour de la conscience du simulacre, dans le désaisissement, renvoie le spectateur à son statut d'être séparé, seul. L'ethos énonciatif de l'oeuvre qui saisit et désaisit du sentiment d'empathie est à la fois sensible et sceptique, avec et seul. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Pathos, empathie, éthique, corps, cynisme.

La présente recherche a le double but d'identifier les représentations de la santé d'étudiants en formation au baccalauréat en danse contemporaine de l'Université du Québec à Montréal, ainsi que leurs rapports au corps, en lien avec leurs pratiques de danse. Ces deux objectifs ont été poursuivis lors de deux études complémentaires nourries de trois collectes de données réalisées sur trois ans, avec l'appui de l'approche sociologique proposée par Bourdieu. La première étude vise à faire un constat au niveau des représentations de la santé des participants avant et après leur formation universitaire, et à observer si le processus de socialisation vécu lors de leur formation a orienté ou transformé ces représentations. Pour ce faire, des entrevues semi-structurées ont été réalisées auprès de quinze participants nouvellement admis au programme, avant leur entrée, de même qu'avec cinq de ceux-ci, à la fin de leur troisième année de baccalauréat. Les données ont été analysées de façon inductive, en s'inspirant des principes de Paillé (1996), qui propose une adaptation de la théorisation ancrée. Les résultats de cette étude démontrent que les participants adhèrent aux discours dominants sur la santé en nommant les habitudes de vie comme première représentation de la santé. À la fin de leur formation, la présente étude révèle que les étudiants préprofessionnels ont tendance à adopter des représentations de la santé se rapprochant de celles des danseurs professionnels contemporains de l'étude de Trudelle (2006), qui nomment la fonctionnalité comme principale représentation de la santé, c'est-à-dire le fait d'être fonctionnel dans leur métier. Pour les besoins de la deuxième étude, une recherche-action comportant à la fois une pratique d'éducation somatique et des présentations théoriques, a été menée auprès de vingt-quatre étudiants en deuxième année du baccalauréat de danse contemporaine, afin de connaître leurs types de rapports au corps, mais aussi de les confronter à d'autres possibilités de choix et de comportement pouvant potentiellement ébranler ou réaffirmer leur adhésion à l'habitus de danse. L'analyse montre que les étudiants préprofessionnels en danse contemporaine expriment différents types de rapports au corps, soit les rapports au corps critique, fonctionnel, performant, productif, réflexif et hédoniste. Si les quatre premiers réfèrent à une vision du corps instrumentalisée, les deux derniers se rapportent plutôt à un usage du corps comme une fin en soi. Les particularités au niveau des représentations de la santé, de même que les rapports au corps des participants à la recherche, suggèrent certaines logiques sociales en œuvre dans le milieu de la danse contemporaine préprofessionnelle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : représentations de la santé, rapport au corps, danse contemporaine, habitus