This thesis locates historical discourses about music listening within the field of sound studies. Thus, the first three chapters illuminate the contiguities between sound studies and the so-called “sensory turn” introduced in the humanities and social sciences in the 1980s. An important theoretical premise of the research is the historicity of folk and expert notions that are normally employed in describing the structuring of the human psyche, like “sensation” and “perception”, which are related to the distinction between “to hear” and “to listen”. Chapters 1 and 2 addresses the historical development of the notion of “cultural construction of the senses”, which has been predominant among sensory scholars; they trace the emergence of the anthropology of the senses and the anthropology of the emotions, discussing also some critical approaches influenced by phenomenology and the anthropology of the body. The narration stresses the importance of authors, notions and theoretical elaborations associated with audition. Chapter 3 reviews the historical emergence of an awareness of the historicity of the senses and emotions in Europe, starting from the contributions of the French Annales School. It also deals with theoretical and methodological problems related to the historiography of the senses and emotions, in particular with the difficulties in establishing a periodization. Chapters 4, 5 and 6 form the historical core of the thesis, which zooms in on modern times, from the 15th century to the second half of the 19th century, that is until the publication of Helmholtz’s Die Lehre von den Tonempfindungen als physiologische Grundlage für die Theorie der Musik (1863). These chapters try to build a bridge between the history of aesthetics and the history of science by combining different thematic threads: the history of anatomical and physiological research into the ear and audition, the history of acoustics and the archaeology of audio technologies, and historical discourses on music listening. Chapter 4 presents the main disciplines that have historically dealt with hearing: physics music, rhetoric, medicine and physiology, psychology, and the convergence of electroacoustics, electrophysiology and psychoacoustics in 20th-century hearing science. It provides a short introduction to their history and the specificity of their approaches to hearing, stressing their connections to music and pointing at problems in the historicization of audition. While the chapter initially considers ancient and medieval notions of hearing and the senses in relation to music, it focuses mainly on early modern discourses on music and audition, including advances in anatomical and physiological knowledge, the relationship between rhetoric and music in Renaissance humanism, and the key role of music and the study of the senses in the establishment of the experimental programme of the so-called “Scientific Revolution”. The chapter offers a glimpse of aesthetic and scientific discourses on the senses, passions, sound, hearing and music until the end of the 17th century, when Sauveur proposed the foundation of acoustics. Chapter 5 deals with the 18th-century emergence of the concept of sensibility, with had roots both in Locke’s empiricism and in physiological research on muscle and nerve irritability, but ultimately stressed the connection between the senses and aesthetic and moral sentiments. It reviews important works of the French philosophes (Condillac, Diderot, Rousseau) on the differentiation and education of the senses, the sense of hearing and music aesthetics, as well as Rameau’s theory of harmony within the context of the mathematical development of acoustics in the 18th century. It also reviews some influential works on music aesthetics, and traces the transformation of musical taste and listening attitudes that took place in France and Germany towards the end of the 18th century, when hearing was increasingly defined as an “inner sense” and the notion of musical connoisseurs (Kenner) was formed. Chapter 6 briefly tackles on the acoustic research of Chladni and reports on the 19th-century development of new scientific instruments, including new musical instruments, which contributed to the refinement of scientific practices related to the measuring and evaluation of audition. This happened in parallel with the institutionalization of otology as a medical speciality, in the second half of the century, which is also narrated. The chapter then turns to sensory physiology and the pioneering work of Helmholtz, who developed physiological acoustics. His concern with delimiting the fields of aesthetics and science is presented here side by side with Hanslick’s efforts to define The Beautiful in Music, which would shape the notion of “absolute music”. The thesis closes with a narration of the reshaping of sensation by the new experimental psychology, pointing thus towards the beginnings of the psychology of music. / Aquesta tesi situa els discursos sobre la història de l’escolta musical en el context del camp, relativament recent, dels estudis de so (sound studies). Els tres primers capítols es proposen il·luminar la contigüitat entre els estudis de so i l’anomenat “gir sensorial” (sensory turn), que es va introduir en les ciències humanes i socials a partir dels anys 80. La investigació parteix de la historicitat de les nocions que fem servir habitualment per descriure l’estructura de la psique humana; nocions utilitzades per estudiosos i no estudiosos, com ara “sensació” i “percepció”, que sovint s’invoquen per explicar la diferència entre “sentir” i “escoltar”. Els capítols 1 i 2 s’ocupen del desenvolupament històric de la noció de “construcció cultural dels sentits”, que ha estat tan important dins del “gir sensorial”, i en aquest context expliquen l’emergència de l’antropologia dels sentits i les emocions, fent referència també a les crítiques formulades des de l’antropologia del cos i la fenomenologia. La narrativa d’aquests capítols subratlla el paper dins d’aquest procés històric d’autors, nocions i elaboracions teòriques relacionades amb l’audició i formulades des d’una comprensió d’aquesta. El capítol 3 repassa l’aparició en la història europea d’una consciència de la historicitat dels sentits i les emocions, a partir sobretot de les aportacions de l’escola francesa dels Annales. Tracta també alguns problemes teòrics i metodològics que planteja la historiografia dels sentits i les emocions, en especial les dificultats per establir-ne una periodització, també en el cas de l’audició. Els capítols 4, 5 i 6 formen el nucli històric de la tesi, que se centra sobretot en la modernitat, des del segle XV fins a la segona meitat del XIX, és a dir, fins a la publicació de l’obra de Helmholtz Die Lehre von den Tonempfindungen als physiologische Grundlage für die Theorie der Musik (1863), un text clau en la història de l’acústica i la fisiologia, que va posar també en qüestió la relació entre l’aproximació científica i estètica a la música i l’audició. Aquests tres capítols volen connectar la història de l’estètica i la història de la ciència combinant diferents línies temàtiques: la història de la investigació anatòmica i fisiològica sobre l’oïda i l’audició, la història de l’acústica i l’arqueologia de les tecnologies auditives, i els discursos històrics, en clau estètica, sobre l’escolta musical. / Esta tesis sitúa los discursos sobre la historia de la escucha música en el contexto del campo, relativamente reciente, de los estudios de sonido (sound studies). Los tres primeros capítulos se proponen iluminar la contigüidad entre los estudios de sonido y el llamado “giro sensorial” (sensory turn), que se introdujo en las ciencias humanas y sociales a partir de los años 80. La investigación parte de la historicidad de las nociones que utilizamos habitualmente para describir la estructura de la psique humana; nociones utilizadas por estudiosos y no estudiosos, tales como “sensación” y “percepción”, que precisamente se invocan a menudo para explicar la diferencia entre “sentir” y “escuchar”. Los capítulos 1 y 2 se ocupan del desarrollo histórico de la noción de “construcción cultural de los sentidos”, que tan importante ha sido dentro del “giro sensorial”, y en este contexto explican la emergencia de la antropología de los sentidos y las emociones, haciendo referencia también a las críticas formuladas desde la antropología del cuerpo y la fenomenología. La narrativa de estos capítulos subraya el papel dentro de este proceso histórico de autores, nociones y elaboraciones teóricas relacionadas con la audición y formuladas desde una comprensión de la misma. El capítulo 3 repasa la aparición en la historia europea de una conciencia de la historicidad de los sentidos y las emociones, a partir sobre todo de las aportaciones de la escuela francesa de los Annales. Trata también algunos problemas teóricos y metodológicos que plantea la historiografía de los sentidos y las emociones, en especial las dificultades para establecer una periodización, también en el caso de la audición. Los capítulos 4, 5 y 6 forman el núcleo histórico de la tesis, que se centra sobre todo en la modernidad, desde el siglo XV hasta la segunda mitad del XIX, es decir, hasta la publicación de la obra de Helmholtz Die Lehre von den Tonempfindungen als physiologische Grundlage für die Theorie der Musik (1863), un texto clave en la historia de la acústica y la fisiología, que puso también en cuestión la relación entre la aproximación científica y estética a la música y la audición. Estos tres capítulos pretenden conectar la historia de la estética y la historia de la ciencia combinando diferentes líneas temáticas: la historia de la investigación anatómica y fisiológica sobre el oído y la audición, la historia de la acústica y la arqueología de las tecnologías auditivas, y los discursos históricos, en clave estética, sobre la escucha musical.

Els arxius sonors complementaris d'aquesta tesi es poden trobar a / Los archivos sonoros complementarios de esta tesis se pueden encontrar en / Complementary audio files from this dissertation can be found at: http://dom.cat/t2p / El nostre estudi -basat en les fonts documentals originals i el treball de camp-, aporta una lectura del corpus de l’obra a la llum del sistema conceptual desenvolupat pels Baschet, per facilitar la comprensió dels principis acústics i les seves aplicacions. L’objectiu d’aquesta tesi és posar en valor aspectes estètics i tècnics -en relació als posicionaments vitals dels Baschet respecte la noció de l’Escultura Sonora com a objecte de participació pública-, per afavorir la reflexió i contribuir a establir les bases per a la conservació, recerca i desenvolupaments posteriors, tot insertant-se naturalment en la pròpia trajectòria de l’Escultura Sonora Baschet. / Our study -based on original documentary sources and field work- provides a reading of the corpus of work under the light of the conceptual system developed by Baschet, to ease the understanding of acoustic principles and their applications as well. The aim of this thesis is to highlight the technical and aesthetic aspects -in relation to the vital statements of Baschet respect the notion of Sound Sculpture as an object for public participation- to encourage ponder and help laying the foundation for conservation, research and further development, while inserting naturally in the path of the Baschet Sound Sculpture.

Aquesta tesi investiga obres, projectes i models de creació artística contemporània que adopten, com a referents formals i conceptuals, unes senyals visuals espontànies, traces efímeres i transitòries presents en els entorns quotidians i generades pels comportaments i les interaccions de les persones. Vam definir, en el seu inici, l'àmbit d'aquesta recerca des de la nostra experiència docent a secundària, per l'interès envers la varietat de les senyals visuals espontànies generades pels adolescents a l'escola, com també en el seu valor expressiu i comunicatiu. En aquell moment fou el començament d'un projecte artístic personal. A partir d'aquí, el desenvolupament de la pròpia recerca ens va mostrar autors, connexions entre obres i projectes de creació dins d'un espai visual més ampli de materialització i de significació relatiu a la nostra societat global. Hem observat que una part significativa de la producció artística actual té com a referents de creació signes i elements visuals propis d'aspectes de la vida quotidiana, relacionats amb les complexes conseqüències de la internacionalització econòmica i cultural, així com del desenvolupament i de l'expansió de les noves tecnologies. Dins del context artístic contemporani considerem que pot haver-hi un espai per plantejar una reflexió sobre la capacitat que té l'art contemporani de formalitzar i reconfigurar dins de la seva pràctica, a partir d' aquests indicis visuals, emprats com elements de significació oberta, alguns valors culturals d'individus o de col.lectius. La metodologia d'investigació de la tesi s'ha estructurat en dues línies paral•leles: una principal de recerca sobre els processos de creació artística o plàstica, però també de construcció conceptual i projectual, desenvolupada des de les obres de diferents autors relacionades amb els referents considerats, i una segona de producció artística personal annexa. Des del començament hem vist i analitzat, amb visites a exposicions i a manifestacions artístiques internacionals i locals, obres realitzades o vinculades a aquests entorns visuals i culturals. Hem comprovat com els artistes, en les seves pràctiques, han considerat aquestes senyals, petjades i signes visuals, utilitzant llenguatges artístics sovint interdisciplinaris; i, en efecte, de com aquests procediments han definit el procés productiu i la seva conceptualització. Les obres tractades en aquesta tesi s'han organitzat, en certa mesura, per categories de significació destacades en el debat actual, evidenciades i ampliades al llarg de la investigació, com són la virtualitat, el consum, les noves tecnologies, la violència, les migracions o la comunicació mediàtica entre d' altres. Quant a la part productiva personal, s'ha generat certa reconsideració dels materials i dels suports plàstics, així com dels continguts, a través de la creació d'obres vinculades als marcs de referència examinats, que han anat evolucionant fins a concretar un projecte artístic i noves línies experimentals. Amb aquests resultats oberts i sense cap voluntat conclusiva, creiem que podem contribuir a ampliar, ordenar i aprofundir alguns aspectes rellevants de l'experiència artística contemporània, aportant arguments d'anàlisi i de significació, i ordenant recursos productius de la pràctica creativa contemporània, que es troben vinculats i proposats en aquesta tesi.

El estudio de la obra gráfica de Salvador Dalí se ha venido realizando desde los clásicos puntos de vista histórico, estético, iconográfico y simbólico. Sin embargo, los materiales constituyentes y las técnicas empleadas en la realización de la misma no han sido tratados con igual profundidad. La valoración de su obra gráfica, marcada por grandes escándalos referidos a la autoría de Dalí y a la firma de numerosos papeles en blanco, ha sido desigual, restando importancia a ciertos períodos de su obra y tomando siempre como referente su mejor época, los años 30. El objetivo principal de esta tesis es cubrir esta falta de información técnica acerca de la realización de su obra gráfica. Este objetivo se alcanzará a través de un acercamiento a la faceta de Dalí como dibujante e ilustrador, que nos ayudará a establecer la autoría o definición de “obra gráfica original” en Dalí. Para ello estudiaremos las diversas tipologías de obras conservadas en la Fundación Gala-Salvador Dalí. Demostraremos que el uso de dibujos y calcos para realizar su obra pictórica podría extenderse también a la obra gráfica. Las primeras aportaciones de Dalí en este campo se incorporan en los denominados “livres d’artiste” (1930-1938) que realiza en colaboración con autores como André Breton, Tristan Tzara, Paul Éluard o Georges Hugnet, entre otros. El repaso por estas obras nos permitirá profundizar en la concepción del libro “Les Chants de Maldoror” (1934), ya que este período inicia el reconocimiento de Dalí como grabador. Con el ejemplo de la realización de este libro creemos poder demostrar un método de trabajo a partir de calcos y dibujos, que son traspasados mediante técnicas fotográficas a las planchas que servirán posteriormente para la realización de la edición. Además se pondrán de manifiesto las diferentes fases de elaboración a través de los personajes que intervienen en su ejecución: el encargo por parte del editor Albert Skira, tras la recomendación de Pablo Picasso (o René Crevel) en el París de los surrealistas; la implicación del autor mediante la realización de originales a tinta; la importancia del taller de Roger Lacourière en la obra de Dalí en los años 30 y la figura de Lluis Bracons i Sunyer como principal grabador de las obras de Dalí. El conocimiento técnico sobre los procesos de impresión y los recursos fotográficos formarán parte de nuestro estudio técnico, con el fin de describir y caracterizar las estampas.

La presente es una investigación cualitativa con enfoque narrativo para relatar experiencias femeninas de migración de México a California (EE.UU.) producidas a finales de los años ochenta y noventa. Se utilizan el relato biográfico y la línea de la vida gráfica para problematizar cómo las mujeres narran sus experiencias de vida en los tránsitos entre el lugar de origen y el lugar de acogida. En estos relatos, se retrata el proceso migratorio de cinco mujeres, entrecruzado con otras experiencias de vida que emergen como igualmente significativas para ellas: el matrimonio, la maternidad, la conformación de una familia. Partiendo de un contexto de violencia y pobreza en México que las orilla a abandonar sus lugares de origen en aras de una vida más digna, la migración se vuelve un generador de oportunidades enriquecidas por una serie de experiencias que conducen a procesos de agenciamiento y empoderamiento: el trabajo remunerado, los estudios y la participación comunitaria dentro de la iglesia. A través las narrativas biográficas y las líneas de vida gráfica, se trazan la subjetividad, el género, los imaginarios y el proceso creativo y artístico, entrelazando imágenes y palabras para integrar un relato resignificado de sus experiencias. Estos relatos se analizan partiendo de la teoría interseccional y feminista, así como de los estudios poscoloniales, para insertarlos en un contexto espaciotemporal específico. Los relatos se componen en un documento colectivo en formato de cómic — donde lo visual y lo escrito reproducen las formas de la narrativa oral—, para así contar y volver a contarnos la historia. / “Tracing lines and telling stories. Biographic narrative research of migration experiences of women (Mexico-California)” Qualitative research through narrative enquiry is used to narrate women’s experiences of migration from Mexico to California (US) started in the late 80s and 90s. Biographic narrative and graphic life-lines are used to problematize how these women narrate their life experiences in the transits between their place of origin and their place of reception. In these stories, the depicted migratory process of five women is intertwined with other life-experiences that emerge as equally significant to them: marriage, maternity, forming a family. Beginning with a context of violence and poverty in Mexico, which makes them abandon their places of origin in search of a more dignified life, migration leads to new opportunities, enriched by a series of experiences that result in processes of empowerment and agency: paid work, studying, and community participation through the church The biographic narratives and the graphic life-lines render subjectivity, gender, their imaginaries and the creative and artistic processes, interlacing images and words to integrate a resignified narrative of their experiences. These stories are analyzed using intersectional and feminist theory, as well as postcolonial studies, to insert them in a specific spatiotemporal context. Finally, the stories are incorporated to a collective document, a comic book – where the visual and the written reproduce the forms of oral narrative–, to be able to count and recount ourselves the story.

La investigación que se propone nace de una experiencia autobiográfica y se ocupa de la creación artística originada en el dolor de la pérdida. Específicamente se trata de indagar en las fuentes culturales más relevantes, que han sublimado y dado sentido históricamente, al misterio de la muerte y duelo en Occidente. Por otro lado, es un intento de ampliar estos horizontes contrastándolos con otras maneras de vivenciar la muerte, a través de las manifestaciones de culturas cuyas celebraciones y rituales vinculados a la muerte son reconocidos como verdaderos íconos estéticos de la cultura como es el caso de México, y enriqueceremos nuestra perspectiva a través de la revisión del quehacer artístico de autores contemporáneos que han trabajado con la muerte y el duelo ahondando en su problemática humana. Apoyándonos en las ideas del filósofo Peter Sloterdijk, para quien el duelo es un profundo problema existencial que sólo puede encontrar una expresión de su magnitud por medio del lenguaje mitológico, nos iniciamos en la posibilidad de una reconstrucción interna, teniendo como eje principal la memoria autobiográfica amenazada por el caos del sin sentido. Esto mediante la observación de cómo culturalmente el dolor puede dar lugar a un proceso de transición espiritual y de sublimación por medio del ritual como obra artística. Así, la propuesta de este proyecto es mostrar la transformación del desagarro de la muerte del otro, como emoción universal, mediante un proceso de investigación y creación, que nos permita reconocer diversas formas colectivas de asumir este evento y específicamente, de convertirlo tanto en ritual como en objeto artístico.

En aquest estudi utilitzo el forat com a leitmotiv per presentar un conjunt de propostes artístiques, que es generen des del compromís i la implicació social i política. M’interessa posar èmfasi en la recerca de sentit per mitjà de l’experiència i la representació visual contemporània, a partir de relacionar uns fets i unes situacions bàsicament urbanes, de caràcter local i d’altres de global amb propostes creatives. Després d’unes aproximacions prèvies al terme forat, els continguts s’estructuren al voltant de tres blocs: «1. Solars i descampats», que fa referència a espais urbans en situació d’entretemps, que surten momentàniament del sistema productiu i que habitualment són espais marginals, d’abandó i limítrofs; «2. Rastres de violència», en què sobretot s’analitza la representació visual contemporània a través de les empremtes d’actes violents, especialment els relacionats amb conflictes bèl·lics, i «3. Cos i forat», en el qual se cerquen relacions del cos amb el forat, en particular el cos en reclusió i el treball físic de l’acte de cavar. Aquest estudi es conclou, en forma d’epíleg, amb consideracions sobre l’obra artística pròpia, buscant el diàleg i la resignificació entre aquesta i els artistes i conceptes presentats en els tres blocs. / In this study, the hole as a leitmotif was used to present a set of artistic proposals that are generated from the commitment and the sociopolitical involvement. My interest is to emphasize the search for meaning through the experience and contemporary visual representation, based on the relation between primarily urban facts and situations at a local or global level. After some preliminary approaches to the hole concept, the contents are structured in three parts: «1. Lots and vacant lots», referring to urban spaces that are in between times, coming momentarily out of the productive system, and that are usually marginal, abandoned, and on the edges; «2. Traces of violence», mainly referring to the contemporary visual representation of violent events, especially those related to war conflicts; «3. Body and hole», where the intention is to relate body with the hole, in particular the body under reclusion and, on the other hand, the physical labor of the act of digging. This study concludes with an epilogue, seeking a dialogue and redefinition between my own artistic work, and the artists and concepts presented in the three previous sections.

Tesi realitzada a l'Instituto de Acuicultura de Torre de la Sal (IATS - CSIC) / En esta tesis doctoral se estudia el efecto de una dieta de restricción calórica de mantenimiento a largo plazo (14 meses), en machos de lubina prepúberes, sobre el inicio y desarrollo de la pubertad. Para ello se consideró el papel que los sistemas kisspeptina/GnRH juegan en el cerebro y la gónada de esta especie en términos reproductivos. Nuestros resultados evidencian que tanto las neuronas que expresan kiss1 y kiss2 como sus receptores se encuentran localizadas en zonas hipofisiotrópicas que regulan procesos relacionados con la reproducción. En particular, las células kiss1 y kiss2 se distribuyen en zonas diferentes y específicas del cerebro, lo que sugiere que estas neuronas ejercen funciones distintas en la lubina. Se postula que kiss1 puede además estar involucrado en el control de los factores ambientales, como el fotoperiodo, ya que tiene una expresión notable en la habénula al igual que kiss1r. Sin embargo, el kiss2r tiene una distribución más amplia desde zonas del telencéfalo hasta el hipotálamo ventral. Asimismo hemos encontrado que neuronas kiss1 presentes en el hipotálamo expresan los receptores de estrógenos de tipo alfa y beta 2. Además, con los estudios de localización de las neuronas gnrh1, hemos descartado la interacción de fibras Gnrh1 en células que expresan kiss2r en el área preóptica. La detección de las proyecciones de fibras de neuronas Kiss sólo fue posible con el anticuerpo anti Kiss2 puesto que lamentablemente el anticuerpo anti Kiss1 no dio resultados. La distribución de fibras Kiss2 se localizan en regiones hipofisiotrópica, desde la región del subpallium y continúan en el área preóptica, neurohipófisis y finalmente en la región del receso lateral del tuber. Los resultados biométricos mostraron que los animales experimentales crecieron menos en peso y talla en comparación a los controles a lo largo de todo el experimento. Cabe mencionar que a pesar de ello, los animales experimentales fueron capaces de desarrollar sus gónadas y madurar. Por el contrario, el contenido de grasa mesentérica fue significativamente menor en los animales experimentales, lo que se relaciona con la restricción de alimento al que este grupo de animales estuvo sometido durante la experiencia. Los análisis hormonales del factor de crecimiento insulínico tipo I (Igf-i) y de leptina confirmaron un descenso en el grupo experimental, lo que se relacionó con la menor tasa de crecimiento en peso y talla en comparación al grupo control. Asimismo, se cree que los niveles bajos de Igf-i podían ser responsables de una tasa reducida de la proliferación celular y un aumento de la apoptosis de células espermatogoniales a nivel gonadal en los animales experimentales. Por otro lado, los niveles plasmáticos de leptina mostraron una relación directa entre el contenido de grasa perivisceral y la concentración sérica de esta hormona, como se ha descrito en mamíferos. Los resultados obtenidos demuestran además que los animales sometidos a restricción nutricional mostraron una regulación al alza de los niveles de expresión de kiss1, kiss2, kiss1r y kiss2r en el cerebro de la lubina, en comparación a los niveles detectados en los controles. Por otra parte, los niveles plasmáticos de Fsh fueron significativamente mayores en los animales experimentales, lo que podría sugerir un mecanismo de retroalimentación positiva en estos animales para llevar a cabo el proceso de espermatogénesis. Más aún, evaluando los niveles de fshr mRNA mediante qRT-PCR comprobamos que su expresión aumentaba considerablemente a nivel gonadal. Por el contrario, los niveles plasmáticos de Lh fueron mayores en los animales controles. En cuanto a los niveles plasmáticos de 11-KT y T, éstos fueron similares entre ambos grupos lo que explicaría el desarrollo gonadal de los animales experimentales y su capacidad de alcanzar la maduración sexual. / In the European sea bass, kiss1-expressing cells were consistently detected in the habenula and, in mature males and females, in the rostral mediobasal hypothalamus. In both sexes, kiss2-expressing cells were consistently detected at the level of the preoptic area, but the main kiss2 mRNA-positive population was observed in the dorsal hypothalamus, mainly above, but also below, the lateral recess of the third ventricle. Specific antibodies has been raised against the preprokiss2, but not the preoprokiss1. The data indicate that kiss2 neurons are mainly located in the hypophysiotropic regions. The expression of kiss1r messengers was more limited to the habenula, the ventral telencephalon and the proximal pars distalis of the pituitary. In the sea bass long-term exposure to maintenance diets alters the rhythm of reproductive and metabolic hormones, delays spermatogenesis and increases the incidence of apoptosis at earlier stages of gametogenesis. Thus, maintenance feed regimes in the experimental group over 14 months (EX) not only strongly decreased growth rates, the mesenteric fat index (MFI), muscle lipid content, and the hepatosomatic index (HIS), but also the gonadosomatic index (GSI), thus delaying testis progression and milt production in comparison to the control (CT). Igf-i plasma levels were high at periods during which spermatogonial proliferation was enhanced, suggesting that Igf-i plays a crucial role during mitotic proliferation. Leptin levels and MFI were reduced in the EX group and its suggested tha leptin might acts as a permissive signal that allows puberty to take place during the reproductive period in male sea bass. Finally, gene expression analysis in the brain of male sea bass exposed to restricted feed diets provided evidence of an overexpression of the kiss1, kiss2, kiss1r and kiss2r genes in the main hypophysiotropic regions of the brain throughout gametogenesis. Similarly, plasma Fsh levels of treated fish, showed an up regulation but specifically during the spermiation period. These results show that kisspeptin system and plasma Fsh levels are strongly modulated by the maintenance diets. Sea bass males were able to get into puberty and achieve spermiation under nutritional restriction, suggesting an adaptive strategy may exist for preserving reproductive function in this species.

Esta investigación parte de la idea central de pensar la alteridad en la visualidad contemporánea, cuando este otro se presenta en situaciones distantes de la nuestra. Se sitúa entre los marcos generales de la Cultura Visual y los Estudios Visuales, a partir de dos conceptos clave: miradas y alteridad. El relato de la tesis se da de modo narrativo, intercalado con escenas que irrumpen la escritura, con reflexiones de experiencias visuales de nuestras vidas cotidianas. El método ha sido aquí pensado como el camino de la experiencia, con una aproximación a la investigación-acción. La pregunta clave que me ha guiado en este proceso ha sido: ¿Cómo percibimos al otro en la visualidad contemporánea, cuando este otro se presenta en situaciones distantes de la nuestra? A partir de ahí, un desdoblamiento ha sido pensar en: ¿Cómo perturbar nuestras miradas más allá de los dispositivos simbólicos de excepcionalidad y lejanía? Para dar cuenta de ello propuse en tres oportunidades diferentes lo que nombré como "Taller de la Mirada". Los talleres fueron una serie de encuentros, junto a tres grupo diferentes de participantes. Las dinámicas giraban en torno a algunas preguntas clave, algunas imágenes, pequeños textos y trozos de películas. Los talleres fueron pensados para recoger las narrativas de cada participante, en torno a la experiencia de mirar estas imágenes. Estos relatos fueron recogidos en sus Diarios de la Mirada, cuadernos dónde iban tomando nota durante el proceso. Las imágenes trabajadas giraban en torno a la cuestión del otro presentado en situaciones distantes de la nuestra. Para mi realidad eso significa pensar el otro en situaciones de vulnerabilidad. Para ello elegí algunas obras de los artistas Alfredo Jaar, Thomas Hirschhorn y el fotógrafo Ghaith Abdul-Ahad. A lo largo de la investigación, percibí que la noción del otro en una situación distante cambia de persona a persona, lo que ha generado la elección de diferentes imágenes para presentar a sus otros. Me interesaba, por lo tanto, recoger los relatos de otras personas en relación a "mis otros", en cuanto en relación a "sus otros". Al final de esta trayectoria la perspectiva de las diferencias en educación me ayudaron a pensar más allá del binomio yo versus otro. El objetivo final de esta tesis ha sido producir algunos cambios en nuestras percepciones en relación a la alteridad, a partir del cruce de nuestras miradas - las mías y de los participantes de los talleres-. En este intercambio aprendimos unos de los otros a complejizar nuestros modos de mirar más allá de los dispositivos simbólicos de excepcionalidad y lejanía. / This research starts from the central idea of thinking about otherness in the contemporary visuality, when it comes in other situations distant from ours. It lies between the general marks of Visual Culture and Visual Studies, from two key concepts: looking and otherness. The text is presented in narrative form, interspersed with scenes that burst the writing, with reflections of visual experiences of our daily lives. The method was here thought of as the way of experience, with an approach to research-action. The key question that guided me in this process was: how do we perceive the other in contemporary visuality, when does the other comes in situations distant from ours? From there a deployment was thinking about: how to disturb our eyes beyond the symbolic devices of exceptionality and distance? To account for this problem, I proposed in three different opportunities, which I named as "Workshop of the Look". The workshops were a series of meetings, together with three different groups of participants. The dynamic revolved around a few key questions, some images, small texts and pieces of films. The workshops were designed to compile the narratives of each participant, around the experience of looking these images. These reports were collected in their "Diaries of the Look", notebooks where they were taking notes during the process. The worked images revolved around the question of the other presented in situations far from ours. To my reality, this means thinking the other in vulnerable situations. For this, I have chosen some works of artists Alfredo Jaar, Thomas Hirschhorn and the photographer Ghaith Abdul¬Ahad. Through the research, I realized that the notion of the other in a distant situation changes from person to person, which led to the choice of different images to present "their others". Therefore, I was interested in collecting the reports from other people in relation to "my others", as well as in relation to "their others". At the end, the prospect of differences in education helped me to think beyond the binomial me versus another. The ultimate goal of this thesis was to produce some changes in our perceptions of the otherness, from the crossing of our eyes - mine and those of the workshop's participants. In this exchange, we learn from each other to turn more complex our ways of looking beyond the symbolic devices of exceptionality and distancing. / Esta pesquisa parte da ideia central de pensar a alteridade na visualidade contemporãnea, quando este outro se apresenta em situações distantes da nossa. Situa-se entre os marcos gerais da Cultura Visual e dos Estudos Visuais, a partir de dois conceitos chave: olhares e alteridade. O texto se dá de forma narrativa, intercalando com cenas que irrompem a escritura, com reflexões de experiências visuais de nossas vidas cotidianas. O método foi aqui pensado como o caminho da experiência, com uma aproximação à investigação-ação. A pergunta chave que me guiou neste processo foi: como percebemos o outro na visualidade contemporãnea, quando este outro se apresenta em situações distantes da nossa? A partir daí um desdobramento foi pensar em: como perturbar nossos olhares para além dos dispositivos simbólicos de excepcionalidade e distanciamento? Para dar conta deste problema, propus em três oportunidades diferentes o que nomeei como "Oficina do Olhar". As oficinas foram uma série de encontros, junto a três grupos diferentes de participantes. As dinãmicas giravam em torno de algumas perguntas chave, algumas imagens, pequenos textos e pedaços de filmes. As oficinas foram pensadas para recopilar as narrativas de cada participante, em torno da experiência de olhar estas imagens. Estes relatos foram recolhidos em seus "Diários do Olhar", cadernos onde iam fazendo anotações durante o processo. As imagens trabalhadas giravam em torno da questão do outro apresentado em situações distantes da nossa. Para minha realidade isto significa pensar o outro em situações de vulnerabilidade. Para isso elegi algumas obras dos artistas Alfredo Jaar, Thomas Hirschhorn e do fotógrafo Ghaith Abdul-Ahad. Ao longo da pesquisa percebi que a noção de outro em uma situação distante muda de pessoa para pessoa, o que gerou a escolha de diferentes imagens para apresentar a "seus outros". Interessava-me, portanto, coletar os relatos de outras pessoas em relação aos "meus outros", bem como em relação a "seus outros". Ao final desta trajetória, a perspectiva das diferenças em educação me ajudou a pensar para além do binõmio eu versus outro. O objetivo final desta tese foi produzir algumas mudanças em nossas percepções em relação à alteridade, a partir do cruzamento de nossos olhares - as minhas e as dos participantes das oficinas. Neste intercãmbio aprendemos uns dos outros a tornar mais complexos nossos modos de olhar para além dos dispositivos simbólicos de excepcionalidade e distanciamento.

Aquesta tesi doctoral investiga el vincle específicament contemporani que estableixen certes pràctiques artístiques visuals amb la ficció, entesa com a simulació o il•lusió de realitat. Les creacions artístiques visuals dels darrers anys reposen en un context que els empara sota la diferència, sense imperatius apriorístics. En aquest nou paradigma els límits entre les arts es fracturen, es dilueixen i el denominador comú, paradoxalment, sembla raure en la diferència. Atès el trencament dels seu vincle exclusiu amb l’acte de la visió, les arts visuals han radicalitzat la seva dependència cap a l’esfera teòrica, a la vegada que s’hi instaura una funció central de la paraula; és a dir, la seva permanent tendència a la traducció al llenguatge verbal. El present treball parteix d’aquesta premissa per plantejar la hipòtesi d’una narrativització de l’art: defensem que aquesta inserció de l’obra en un relat és fruit de la necessitat d’investir de contingut una obra que presenta la realitat de forma literal. En constant diàleg amb aquesta “irrupció de la realitat”, evocarem les pràctiques artístiques que generen el que anomenem un espai ficcional, és a dir, les coordenades i els indicis que converteixen l’obra en un relat que es desplega, en una postura novel•lesca. Analitzem aquesta qüestió des d’una perspectiva integradora d’elements de naturalesa textual i naturalesa recepcional, a través dels diferents espais de configuració i refiguració travessades per la vivència de l’experiència i la noció de temporalitat. Aquestes ficcions que generen no són fixades, no es poden llegir en un ordre sintàctic i ni tan sols tenen un ordre, una trama composta tal i com s’entén en un text literari i la figura del narrador es dilueix entre l’artista, la veu projectada, i el públic. L’espectador –el passejant– és convidat a buscar el camí del sentit lluny d’allò factual, en la dimensió dels mons possibles. Situat en el lloc oblic que emergeix de les ruïnes de la representació i dins d’aquest marge del discurs narrativitzat, aquest dispositiu ficcional de certes obres es presenta amb la voluntat de reomplir de contingut i transmissió d’experiència l’espai de l’art visual, com una forma de superació del conceptualisme i la possibilitat d’un nou compromís establert amb l’espectador per establir una nova comunicació inesgotable i que superi el caos de les coses ordinàries. / This PhD research project analyzes the specific contemporary connection between fiction and visual arts. In the context of what Arthur Danto calls post-historical era the boundaries between arts have diluted. In this new paradigm, it becomes apparent that there are no stylistic or philosophical constraints. There is no special way works of art have to be. Since the breakdown of his relationship with the act of vision, visual arts have radicalized their dependence to theoretical sphere, establishing a central role of word. In this context and in constant dialogue with the "eruption of reality," some artists create fictions, works where spectators are invited to imagine beyond a factual fact. The focus of this research is to investigate what we call fictional space: the coordinates and signs that make emerge a story and that create a novelistic position. These are fictions that can not be read on a syntactic order, there is no plot composed and the figure of the narrator is diluted among the artist, the voice projected, and the public.