Made available in DSpace on 2016-08-29T11:11:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_7224_Cinema de Animação.pdf: 3906658 bytes, checksum: cf01e5257ff53fc1c0bcb1d689fc1fe6 (MD5) Previous issue date: 2013-05-28 / A dissertação Cinema de Animação no Ensino de Arte: Experiência e Narrativa na Formação da Criança em Contexto Campesino insere-se na linha de pesquisa Educação e Linguagem, do Programa de Pós-Graduação em Educação da Universidade Federal do Espírito Santo. Objetiva analisar como a experiência coletiva (Erfrahung) e a experiência individual (Erlebnis) se manifestam no processo de produção de cinema de animação, em especial na formação das crianças, quando passam de espectadoras a autoras/produtoras. Pretende também analisar como essas experiências são expressas em suas narrativas orais e visuais. Mediada pela imagem em movimento, a pesquisa analisa as narrativas das crianças e suas manifestações de experiência, que engendram o aprendizado escolar e também suas vivências sócio-histórico-culturais. Nessa abordagem, dialoga com Walter Benjamin, investigando o conceito de "experiência" e "vivência" ampliado pelas reflexões de Vigotski sobre mediação, apropriação, criação e imaginação. A interlocução com Manuel Jacinto Sarmento amplia concepções acerca do conceito de criança/infância, dimensionando-a como ser social ativo/participativo, inserida numa sociedade e numa cultura. Com base nesse aporte teórico, a pesquisa desenvolve-se nas aulas de Arte da turma de 2.º ano, do ano letivo de 2012, da Escola Campesina "Santa Isabel", localizada em Domingos Martins, Espírito Santo. Mediante uma pesquisa colaborativa, na qual participam as crianças, a professora regente de classe, a comunidade escolar e a pesquisadora, as crianças produzem cinema de animação, com a técnica stop motion. Manifestam suas experiências individuais e coletivas e ampliam suas vivências quanto à fruição, produção e relações dos sujeitos crianças diante das mídias digitais com seus pares, apropriando-se da linguagem artística e constituindo-se como autoras/produtoras. Nesse sentido, ao discutirem os conceitos cinematográficos, como modelagem, sequência de imagens, captura e edição de vídeos, as crianças ampliam significativamente as experiências e assumem lugar de protagonismo na produção de conhecimento. Dessa forma, a pesquisa constata aumento significativo da experiência que perpassa a produção de uma animação às relações construídas, vivenciadas e estabelecidas pelo ato criador

Submitted by Pedro Barros (pedro.silvabarros@ufpe.br) on 2018-07-13T19:45:49Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) TESE Marcos Buccini Pio Ribeiro.pdf: 11471607 bytes, checksum: e793008cb405eeb34f009107018eda97 (MD5) / Approved for entry into archive by Alice Araujo (alice.caraujo@ufpe.br) on 2018-07-18T20:59:20Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) TESE Marcos Buccini Pio Ribeiro.pdf: 11471607 bytes, checksum: e793008cb405eeb34f009107018eda97 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-18T20:59:20Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) TESE Marcos Buccini Pio Ribeiro.pdf: 11471607 bytes, checksum: e793008cb405eeb34f009107018eda97 (MD5) Previous issue date: 2016-06-30 / O cinema de animação pernambucano é recente, o primeiro filme data de 1968, enquanto que o primeiro filme brasileiro já tinha sido realizado 51 anos antes, em 1917. Mas, mesmo sendo tão recente, esta história ainda é desconhecida, tanto dos estudiosos do cinema pernambucano, quanto das pessoas que fazem o cinema de animação no estado. Assim, o objetivo principal desta tese foi resgatar a trajetória do cinema de animação pernambucano através de seus autores e suas obras. Esta pesquisa, inédita, fez um levantamento catalográfico de todas as animações pernambucanas, desde a primeira que foi possível relacionar, até maio de 2016. Durante estes anos de trabalho, 168 animações foram listadas e mais de 50 realizadores foram entrevistados. Com isso, foi possível criar um panorama da trajetória da animação pernambucana. Observando questões como a influência da tecnologia, o contexto cultural, a profissionalização, o crescimento de um mercado, a participação de editais de fomento, festivais e instituições de formação profissional e acadêmica e, finalmente, a estética usada nessas animações. Devido ao contexto periférico dessa produção, e sua posição em relação a cinemas maiores, autores que tratam de identidade cultural foram convocados para dialogar com autores que tratam de quesitos estéticos, especialmente os conceitos de ortodoxia e experimental de Paul Wells (1998). Desta forma, esta pesquisa parte da afirmação de que: uma produção periférica, como a animação pernambucana, que não obedece às regras e normas de uma indústria, acaba por gerar outras ansiedades, outros motivos e, consequentemente, outras dicotomias, em relação a uma produção industrial e comercial. / The history of the animated film in Pernambuco is very new. The first movie was released in 1968, 51 yeais after the Brazilian film had been made. However, even been so new, the story of this filmography is still unknown. In this way, this thesis's main objective was to rescue the history of animated film in Pernambuco throught it's authors and their works. This unprecedented research did a profound investigalion and cataloged all animated films from Pernambuco, from 1968 to 2016. 168 works were documented and more than 50 animators were interviewed. So, based on that database, it was possible to create an overview of the animated cinema in Pernambuco. Observing issues such as the influence of technology, cultural context, professionalization, market, governamental funding, festivais, events, academic inicialives and, finally, their aestheties results. Due to the peripheral context of this production, and its attitude thoughout the ortodox cinema from Hollywood, authors from Pernambuco tend to use in their works cultural identity icons. Therefore, scholars from cultural arca were called to dialogue with authors who deal with aesthetic questions, especially the concepts of orthodox and experimental animation from Paul Wells (1998). Thus, this thesis proposes that: a peripheral production, such as the animated cinema from Pernambuco, which does not obey the roles and standards of an industry, ultimately, generates other anxieties, assumptions and, consequently, other dichotomies in relation to the industrial and commercial production.

Nesta pesquisa procuramos investigar a animação japonesa como uma máquina para compreendermos como a copresença evolucionária de outros seres — técnicos e animais — potencializa outras compreensões sobre o humano. Com esse posicionamento, procuramos demonstrar como o humanismo, além de se constituir como um modelo filosófico, científico e civilizacional, também propôs uma visão estética sobre o humano. Para realizar uma abertura dessa herança, procuramos traçar uma genealogia do humano e dos objetos técnicos em correlação. A compreensão do anime como uma máquina parte da teoria de Thomas Lamarre, em conjunto com as teorizações de Gilbert Simondon, Félix Guattari e Gilles Deleuze. O viés da análise tem o pressuposto de que, se a construção da animação se dá por layers, ou camadas que misturam diferentes técnicas e perspectivas visuais, poderíamos dizer que elas revelam a suis generis de pensamento em ação na animação. O humano também é pensado como uma construção, assim a relação de explosão do humanismo e da implosão do antropocentrismo visa desterritorializar o humano nos seus componentes teóricos e poéticos. O surgimento da teoria pós-humanista foi inicialmente pavimentado graças à desterritorialização posta sobre o humano no pós-estruturalismo. Para aprofundar esse argumento partimos da herança em Nietzsche e Derrida até autores pós-humanistas como Donna Haraway, Cary Wolfe, Rosi Braidotti e Stefan Herbrechter. Após estabelecermos um panorama da animação de ficção científica no Japão, iremos nos debruçar na análise das animações Rebuild of Evangelion 3.0: You Can (Not) Redo (2012) dirigida por Hideaki Anno e Ghost in the Shell: Innocence (2004) dirigida por Mamoru Oshii. De uma maneira geral a pesquisa foi dividida em três seções: pós-humanismo e techno-poética, máquina anímica e visões explosivas do humano. Na primeira, procuramos evidenciar uma genealogia do humano com atenção à sua coevolução e historicidade com os objetos técnicos, estabelecendo relações entre regimes de pensamento e estese. A segunda seção diz respeito às configurações da máquina anímica, suas relações com a tradição estética japonesa e com elementos da estética humanista, tal qual a perspectiva cartesiana. Procuramos demonstrar a existência de outros modelos visuais como uma abertura da heterogênese da máquina. A terceira seção é na qual iremos analisar as visões explosivas do humano na animação japonesa através das categorias analíticas propostas por Lamarre. Nossa hipótese é demonstrar como a máquina anímica poderia permitir uma heterogênese pós-humana através da dobra comunicacional do intervalo anímico. / In this research, we seek to investigate Japanese animation as a machine to understand how the evolutionary coo presence of other beings — technical and animal — enhances new understandings about the human. With this position, we try to demonstrate how humanism, besides constituting itself as a philosophical, scientific and civilizational model, also proposed an aesthetic vision about the human. To open this inheritance, we traced the genealogy of human and technical objects in correlation. The understanding of anime as a machine starts with the theory of Thomas Lamarre, together with the theorizations of Gilbert Simondon, Felix Guattari and Gilles Deleuze. Our analysis approach has the assumption that if the construction of the animation is made of layers that mix different techniques and visual perspectives, we could say that they reveal the suis generis of thought in action in the animation. We affirm that the human is a construction, so the relation of humanism explosion and the implosion of anthropocentrism aims to deterritorialize the human in its theoretical and techno-poetic components. The emergence of post-humanist theory has a debt to the deterritorialization put on the human in the post-structuralist theory. To deepen this argument we start from the inheritance in Nietzsche and Derrida to posthumanist authors like Donna Haraway, Cary Wolfe, Rosi Braidotti and Stefan Herbrechter. After we stablished an overview of science fiction animation in Japan, we will focus our analyses with the animations Rebuild of Evangelion 3.0: You Can (Not) Redo (2012) directed by Hideaki Anno and Ghost in the Shell: Innocence (2004) directed by Mamoru Oshii. In general, the research was divided into three sections: posthumanism and techno-poetics, the animetic machine and explosive visions of the human. In the first, we try to show a genealogy of the human with attention to its coevolution and historicity with the technical objects, establishing relations between regimes of thought and aesthetic. The second section concerns the configurations of the animetic machine, its relations with the Japanese aesthetic tradition, and elements of humanistic aesthetics, such as the Cartesian perspective. We try to demonstrate the existence of other visual models as an opening of the heterogenesis of the animetic machine. The third section is where we will analyze the explosive visions of the human in Japanese animation through the analytical categories proposed by Lamarre. Our hypothesis is to demonstrate how the animetic machine could allow a post-human heterogenesis through the communication fold of the animetic interval.

Esta pesquisa se propõe a analisar os intercruzamentos entre o teatro de formas animadas e o cinema de animação por meio de suas conjecturas históricas, estéticas e operacionais, partindo do pressuposto de que as duas linguagens têm nas suas gêneses a anima. Para tal, foi realizado um mapeamento histórico e conceitual das duas linguagens, investigando os fatores que as bifurcam, as afastam e as imbricam, especialmente, por meio de uma amostragem de práticas artísticas do teatro de formas animadas, do cinema de animação e de modalidades identificadas como convergentes para o objeto, tais como os autômatos, tecnologias e virtualidade. Por uma questão metodológica da característica interdisciplinar do objeto e de sua extensão, fez-se necessário um recorte que parte do macro para o micro, elegendo uma amostragem que contempla o tripé conceitual, histórico e estético. Devido à área de cobertura do campo do objeto, a pesquisa aborda várias vertentes de conhecimentos vernaculares e atuais, teóricos e práticos, num movimento recorrentemente pendular. Assim, apresenta uma amostragem que teve como critério artistas de excelência que convergem para o objeto, entre eles: Lotte Reiniger, Ji?í Trnka, Norman McLaren, Jim Henson, Michel Ocelot, Tim Burton, Cia Lumbra e Cia Pequod, bem como outros exemplos esparsos. / This research aims to analyze the intercrosses between animation theater and animation cinema through its historical, aesthetic and operational assumptions, assuming that both languages have their genesis in the anima. For that, a historical and conceptual mapping of these languages was conducted, investigating the factors that bifurcate, and interweave them away, especially by means of a sampling of artistic practices of animation theater, animation cinema and modalities identified as converging to the object, such as automata, technology and virtuality. Because of a methodological question of the interdisciplinary characteristic of the object and its length, it was necessary that a cut of the macro to the micro were done, choosing a sample that includes the conceptual, historical and aesthetic tripod. Due to the coverage area of the object\'s field, this research addresses various aspects of vernacular and current knowledge, theoric and practical, in a recurrent pendulum motion. So, it presents a sampling that had as a criterion artists of excellence that converge to the object, including: Lotte Reiniger, Ji?í Trnka, Norman McLaren, Jim Henson, Michel Ocelot, Tim Burton, Cia Lumbra and Cia Pequod, as well as other scattered examples.

Nesta pesquisa procuramos investigar a animação japonesa como uma máquina para compreendermos como a copresença evolucionária de outros seres — técnicos e animais — potencializa outras compreensões sobre o humano. Com esse posicionamento, procuramos demonstrar como o humanismo, além de se constituir como um modelo filosófico, científico e civilizacional, também propôs uma visão estética sobre o humano. Para realizar uma abertura dessa herança, procuramos traçar uma genealogia do humano e dos objetos técnicos em correlação. A compreensão do anime como uma máquina parte da teoria de Thomas Lamarre, em conjunto com as teorizações de Gilbert Simondon, Félix Guattari e Gilles Deleuze. O viés da análise tem o pressuposto de que, se a construção da animação se dá por layers, ou camadas que misturam diferentes técnicas e perspectivas visuais, poderíamos dizer que elas revelam a suis generis de pensamento em ação na animação. O humano também é pensado como uma construção, assim a relação de explosão do humanismo e da implosão do antropocentrismo visa desterritorializar o humano nos seus componentes teóricos e poéticos. O surgimento da teoria pós-humanista foi inicialmente pavimentado graças à desterritorialização posta sobre o humano no pós-estruturalismo. Para aprofundar esse argumento partimos da herança em Nietzsche e Derrida até autores pós-humanistas como Donna Haraway, Cary Wolfe, Rosi Braidotti e Stefan Herbrechter. Após estabelecermos um panorama da animação de ficção científica no Japão, iremos nos debruçar na análise das animações Rebuild of Evangelion 3.0: You Can (Not) Redo (2012) dirigida por Hideaki Anno e Ghost in the Shell: Innocence (2004) dirigida por Mamoru Oshii. De uma maneira geral a pesquisa foi dividida em três seções: pós-humanismo e techno-poética, máquina anímica e visões explosivas do humano. Na primeira, procuramos evidenciar uma genealogia do humano com atenção à sua coevolução e historicidade com os objetos técnicos, estabelecendo relações entre regimes de pensamento e estese. A segunda seção diz respeito às configurações da máquina anímica, suas relações com a tradição estética japonesa e com elementos da estética humanista, tal qual a perspectiva cartesiana. Procuramos demonstrar a existência de outros modelos visuais como uma abertura da heterogênese da máquina. A terceira seção é na qual iremos analisar as visões explosivas do humano na animação japonesa através das categorias analíticas propostas por Lamarre. Nossa hipótese é demonstrar como a máquina anímica poderia permitir uma heterogênese pós-humana através da dobra comunicacional do intervalo anímico. / In this research, we seek to investigate Japanese animation as a machine to understand how the evolutionary coo presence of other beings — technical and animal — enhances new understandings about the human. With this position, we try to demonstrate how humanism, besides constituting itself as a philosophical, scientific and civilizational model, also proposed an aesthetic vision about the human. To open this inheritance, we traced the genealogy of human and technical objects in correlation. The understanding of anime as a machine starts with the theory of Thomas Lamarre, together with the theorizations of Gilbert Simondon, Felix Guattari and Gilles Deleuze. Our analysis approach has the assumption that if the construction of the animation is made of layers that mix different techniques and visual perspectives, we could say that they reveal the suis generis of thought in action in the animation. We affirm that the human is a construction, so the relation of humanism explosion and the implosion of anthropocentrism aims to deterritorialize the human in its theoretical and techno-poetic components. The emergence of post-humanist theory has a debt to the deterritorialization put on the human in the post-structuralist theory. To deepen this argument we start from the inheritance in Nietzsche and Derrida to posthumanist authors like Donna Haraway, Cary Wolfe, Rosi Braidotti and Stefan Herbrechter. After we stablished an overview of science fiction animation in Japan, we will focus our analyses with the animations Rebuild of Evangelion 3.0: You Can (Not) Redo (2012) directed by Hideaki Anno and Ghost in the Shell: Innocence (2004) directed by Mamoru Oshii. In general, the research was divided into three sections: posthumanism and techno-poetics, the animetic machine and explosive visions of the human. In the first, we try to show a genealogy of the human with attention to its coevolution and historicity with the technical objects, establishing relations between regimes of thought and aesthetic. The second section concerns the configurations of the animetic machine, its relations with the Japanese aesthetic tradition, and elements of humanistic aesthetics, such as the Cartesian perspective. We try to demonstrate the existence of other visual models as an opening of the heterogenesis of the animetic machine. The third section is where we will analyze the explosive visions of the human in Japanese animation through the analytical categories proposed by Lamarre. Our hypothesis is to demonstrate how the animetic machine could allow a post-human heterogenesis through the communication fold of the animetic interval.

Nesta pesquisa procuramos investigar a animação japonesa como uma máquina para compreendermos como a copresença evolucionária de outros seres — técnicos e animais — potencializa outras compreensões sobre o humano. Com esse posicionamento, procuramos demonstrar como o humanismo, além de se constituir como um modelo filosófico, científico e civilizacional, também propôs uma visão estética sobre o humano. Para realizar uma abertura dessa herança, procuramos traçar uma genealogia do humano e dos objetos técnicos em correlação. A compreensão do anime como uma máquina parte da teoria de Thomas Lamarre, em conjunto com as teorizações de Gilbert Simondon, Félix Guattari e Gilles Deleuze. O viés da análise tem o pressuposto de que, se a construção da animação se dá por layers, ou camadas que misturam diferentes técnicas e perspectivas visuais, poderíamos dizer que elas revelam a suis generis de pensamento em ação na animação. O humano também é pensado como uma construção, assim a relação de explosão do humanismo e da implosão do antropocentrismo visa desterritorializar o humano nos seus componentes teóricos e poéticos. O surgimento da teoria pós-humanista foi inicialmente pavimentado graças à desterritorialização posta sobre o humano no pós-estruturalismo. Para aprofundar esse argumento partimos da herança em Nietzsche e Derrida até autores pós-humanistas como Donna Haraway, Cary Wolfe, Rosi Braidotti e Stefan Herbrechter. Após estabelecermos um panorama da animação de ficção científica no Japão, iremos nos debruçar na análise das animações Rebuild of Evangelion 3.0: You Can (Not) Redo (2012) dirigida por Hideaki Anno e Ghost in the Shell: Innocence (2004) dirigida por Mamoru Oshii. De uma maneira geral a pesquisa foi dividida em três seções: pós-humanismo e techno-poética, máquina anímica e visões explosivas do humano. Na primeira, procuramos evidenciar uma genealogia do humano com atenção à sua coevolução e historicidade com os objetos técnicos, estabelecendo relações entre regimes de pensamento e estese. A segunda seção diz respeito às configurações da máquina anímica, suas relações com a tradição estética japonesa e com elementos da estética humanista, tal qual a perspectiva cartesiana. Procuramos demonstrar a existência de outros modelos visuais como uma abertura da heterogênese da máquina. A terceira seção é na qual iremos analisar as visões explosivas do humano na animação japonesa através das categorias analíticas propostas por Lamarre. Nossa hipótese é demonstrar como a máquina anímica poderia permitir uma heterogênese pós-humana através da dobra comunicacional do intervalo anímico. / In this research, we seek to investigate Japanese animation as a machine to understand how the evolutionary coo presence of other beings — technical and animal — enhances new understandings about the human. With this position, we try to demonstrate how humanism, besides constituting itself as a philosophical, scientific and civilizational model, also proposed an aesthetic vision about the human. To open this inheritance, we traced the genealogy of human and technical objects in correlation. The understanding of anime as a machine starts with the theory of Thomas Lamarre, together with the theorizations of Gilbert Simondon, Felix Guattari and Gilles Deleuze. Our analysis approach has the assumption that if the construction of the animation is made of layers that mix different techniques and visual perspectives, we could say that they reveal the suis generis of thought in action in the animation. We affirm that the human is a construction, so the relation of humanism explosion and the implosion of anthropocentrism aims to deterritorialize the human in its theoretical and techno-poetic components. The emergence of post-humanist theory has a debt to the deterritorialization put on the human in the post-structuralist theory. To deepen this argument we start from the inheritance in Nietzsche and Derrida to posthumanist authors like Donna Haraway, Cary Wolfe, Rosi Braidotti and Stefan Herbrechter. After we stablished an overview of science fiction animation in Japan, we will focus our analyses with the animations Rebuild of Evangelion 3.0: You Can (Not) Redo (2012) directed by Hideaki Anno and Ghost in the Shell: Innocence (2004) directed by Mamoru Oshii. In general, the research was divided into three sections: posthumanism and techno-poetics, the animetic machine and explosive visions of the human. In the first, we try to show a genealogy of the human with attention to its coevolution and historicity with the technical objects, establishing relations between regimes of thought and aesthetic. The second section concerns the configurations of the animetic machine, its relations with the Japanese aesthetic tradition, and elements of humanistic aesthetics, such as the Cartesian perspective. We try to demonstrate the existence of other visual models as an opening of the heterogenesis of the animetic machine. The third section is where we will analyze the explosive visions of the human in Japanese animation through the analytical categories proposed by Lamarre. Our hypothesis is to demonstrate how the animetic machine could allow a post-human heterogenesis through the communication fold of the animetic interval.

Esta pesquisa se propõe a analisar os intercruzamentos entre o teatro de formas animadas e o cinema de animação por meio de suas conjecturas históricas, estéticas e operacionais, partindo do pressuposto de que as duas linguagens têm nas suas gêneses a anima. Para tal, foi realizado um mapeamento histórico e conceitual das duas linguagens, investigando os fatores que as bifurcam, as afastam e as imbricam, especialmente, por meio de uma amostragem de práticas artísticas do teatro de formas animadas, do cinema de animação e de modalidades identificadas como convergentes para o objeto, tais como os autômatos, tecnologias e virtualidade. Por uma questão metodológica da característica interdisciplinar do objeto e de sua extensão, fez-se necessário um recorte que parte do macro para o micro, elegendo uma amostragem que contempla o tripé conceitual, histórico e estético. Devido à área de cobertura do campo do objeto, a pesquisa aborda várias vertentes de conhecimentos vernaculares e atuais, teóricos e práticos, num movimento recorrentemente pendular. Assim, apresenta uma amostragem que teve como critério artistas de excelência que convergem para o objeto, entre eles: Lotte Reiniger, Ji?í Trnka, Norman McLaren, Jim Henson, Michel Ocelot, Tim Burton, Cia Lumbra e Cia Pequod, bem como outros exemplos esparsos. / This research aims to analyze the intercrosses between animation theater and animation cinema through its historical, aesthetic and operational assumptions, assuming that both languages have their genesis in the anima. For that, a historical and conceptual mapping of these languages was conducted, investigating the factors that bifurcate, and interweave them away, especially by means of a sampling of artistic practices of animation theater, animation cinema and modalities identified as converging to the object, such as automata, technology and virtuality. Because of a methodological question of the interdisciplinary characteristic of the object and its length, it was necessary that a cut of the macro to the micro were done, choosing a sample that includes the conceptual, historical and aesthetic tripod. Due to the coverage area of the object\'s field, this research addresses various aspects of vernacular and current knowledge, theoric and practical, in a recurrent pendulum motion. So, it presents a sampling that had as a criterion artists of excellence that converge to the object, including: Lotte Reiniger, Ji?í Trnka, Norman McLaren, Jim Henson, Michel Ocelot, Tim Burton, Cia Lumbra and Cia Pequod, as well as other scattered examples.

Este estudo tem como propósito pesquisar como as produtoras de animação publicitária em São Paulo absorveram gradativamente a tecnologia digital a partir de meados dos anos 1980 até os anos 1990, observando seu funcionamento antes, durante e após a implementação mais efetiva dos novos recursos, identificando os fatos e dados que apontam para o impacto no processo criativo em todas as suas etapas. A partir de uma revisão bibliográfica, apresenta-se o modelo de produção analógico em animação, permitindo-se conjecturar a respeito do ambiente sócio-cultural que propiciou o surgimento dos estúdios de animação que imprimiram sua marca na história da publicidade brasileira. Dentro de uma perspectiva de pesquisa qualitativa fundamentada na história oral, procura-se, por meio de entrevistas com os produtores, compreender o trajeto da realização de um filme de animação, tanto da era analógica como da era digital. Buscou-se, com a coleta de depoimentos, criar evidências para a pesquisa, esperando contribuir assim para o resgate histórico de um momento muito fértil em nossa animação, e de um segmento audiovisual tradicionalmente pouco contemplado nas discussões acadêmicas. Como resultado, obteve-se uma reflexão sobre a evolução do processo criativo, que se mostrou dar-se não apenas em função da tecnologia, mas também em função de um conjunto de elementos sócio-econômico-culturais que influenciam na fruição através dos tempos e determinam diretrizes de produtividade para o audiovisual / This study aims to research how animation advertising companies have gradually absorbed digital technology in São Paulo from the mid-1980s until the 1990s. By observing their functioning before, during and after the effective implementation of new resources, and, by this investigative approach, the study identifies the facts and data which point toward the impact on the creative process at all its stages. In the review of literature, the analog production model of animation is presented, which allows for conjecturing as to what socialcultural environment has enabled the emergence of animation studios which have left their mark in the history of Brazilian advertising. From a qualitative research perspective grounded on Oral History, it used interviews with producers, to document and gain a clearer understanding of the making of an animation film, in both in the analog as well as in the digital era. By the collecting accounts, research evidence hopes to contribute to a historical review of a particularly fertile moment in the history of Brazilian animation. As well this study documents an audiovisual segment that traditionally is not addressed in academic discussions. As a result, a reflection of the development of the creative process was obtained, not only because of technology used but also by virtue of a set of social-economic-cultural elements which have influenced the fruition throughout times and determined productivity guidelines for the audiovisual.

Submitted by Liliane Ferreira (ljuvencia30@gmail.com) on 2018-04-24T13:49:05Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Ettore Riter - 2018.pdf: 2170187 bytes, checksum: bffd5f6760020d77af7b8df9c2228129 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2018-04-25T12:09:20Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Ettore Riter - 2018.pdf: 2170187 bytes, checksum: bffd5f6760020d77af7b8df9c2228129 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-25T12:09:20Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Ettore Riter - 2018.pdf: 2170187 bytes, checksum: bffd5f6760020d77af7b8df9c2228129 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2018-03-28 / The contemporary capitalist society reproduces through Cultural Industry, ideological and social processes, promoting a type of formation adapted to the way of life and the objectives of this model of social organization. In this work, the cinema was highlighted, especially the animated film. In the Cultural Industry, the animated film is produced based on successful formulas, both in its forms, effects and repetitions, as well as in the construction of characters and narratives, which results in audience satisfaction and profitability. It contains sociological and technical elements, full of representations of social objects and their ideologies; it presents its contents to viewers through layers of meanings, both apparent and hidden; the senses of the viewers are flooded by audiovisual stimuli in such a way that hold their attention; the aesthetic experience which the film provides collaborates with the production of pseudoformation, a form of formtation. This research effort discusses the role the animated film plays in the cultural formation of the individual, since childhood. The family is a place of intense affective and social relations, fundamental to socialization; it presents social models and ideologies that are reaffirmed in other social relations, providing a consistency and apparent social harmony. Based theoretically on the Critical Theory of the Society this research was an analysis of the animated film "Minions", in addition to the content analysis model used by Adorno, to apprehend the layers of meanings presented in the object. Content and patterns of socially validated behaviors related to narcissism, barbarism and violence, were identified. The use of humor (laughter) in the smoothing of these elements and in the desensitization of the viewers regarding the ferocity of the society of domination and exploitation, was verified through the production of tension-relief dynamics. / A sociedade capitalista contemporânea reproduz, por meio Indústria Cultural, processos ideológicos e sociais, promovendo um tipo de formação adaptada ao modo de vida e aos objetivos deste modelo de organização social. Neste trabalho, o cinema recebeu destaque, em especial o filme de animação. Na Indústria Cultural, o filme é produzido sob orientação de fórmulas de sucesso, tanto nas formas, efeitos e repetições quanto na construção das personagens e narrativas, que garantam a satisfação do público e a lucratividade. O filme contém elementos sociológicos e técnicos, trazendo em si, representações dos objetos sociais e suas ideologias; ele transmite seus conteúdos aos espectadores por camadas de significados, tanto aparentes quanto ocultas; os sentidos dos espectadores são inundados por estímulos audiovisuais atrativos e em um fluxo que domina a atenção; a experiência estética que um filme provoca colabora com a produção da pseudoformação, uma modalidade de formação. Neste esforço de pesquisa discute-se a atuação que um filme de animação pode ter para a formação cultural do indivíduo, desde a infância. A família é espaço de relações afetivas e sociais intensas, fundamental à socialização; ela apresenta modelos sociais e ideologias que são reafirmadas nas demais relações sociais, provendo uma consistência e aparente harmonia social. Fundamentada na Teoria Crítica da Sociedade, essa pesquisa procedeu a uma análise do filme de animação “Minions”, juntamente com um modelo de análise de conteúdo utilizada por Adorno, para apreender as camadas de significados apresentadas no objeto. Identificou-se conteúdos e padrões de comportamentos socialmente validados, relacionados ao narcisismo, à barbárie e à violência. Verificou-se o uso de humor (o riso) na suavização desses elementos e na dessensibilização dos espectadores quanto à ferocidade e aos modos de dominação próprios da sociedade capitalista, por meio da produção da dinâmica de tensão-alívio.

Este estudo tem como propósito pesquisar como as produtoras de animação publicitária em São Paulo absorveram gradativamente a tecnologia digital a partir de meados dos anos 1980 até os anos 1990, observando seu funcionamento antes, durante e após a implementação mais efetiva dos novos recursos, identificando os fatos e dados que apontam para o impacto no processo criativo em todas as suas etapas. A partir de uma revisão bibliográfica, apresenta-se o modelo de produção analógico em animação, permitindo-se conjecturar a respeito do ambiente sócio-cultural que propiciou o surgimento dos estúdios de animação que imprimiram sua marca na história da publicidade brasileira. Dentro de uma perspectiva de pesquisa qualitativa fundamentada na história oral, procura-se, por meio de entrevistas com os produtores, compreender o trajeto da realização de um filme de animação, tanto da era analógica como da era digital. Buscou-se, com a coleta de depoimentos, criar evidências para a pesquisa, esperando contribuir assim para o resgate histórico de um momento muito fértil em nossa animação, e de um segmento audiovisual tradicionalmente pouco contemplado nas discussões acadêmicas. Como resultado, obteve-se uma reflexão sobre a evolução do processo criativo, que se mostrou dar-se não apenas em função da tecnologia, mas também em função de um conjunto de elementos sócio-econômico-culturais que influenciam na fruição através dos tempos e determinam diretrizes de produtividade para o audiovisual / This study aims to research how animation advertising companies have gradually absorbed digital technology in São Paulo from the mid-1980s until the 1990s. By observing their functioning before, during and after the effective implementation of new resources, and, by this investigative approach, the study identifies the facts and data which point toward the impact on the creative process at all its stages. In the review of literature, the analog production model of animation is presented, which allows for conjecturing as to what socialcultural environment has enabled the emergence of animation studios which have left their mark in the history of Brazilian advertising. From a qualitative research perspective grounded on Oral History, it used interviews with producers, to document and gain a clearer understanding of the making of an animation film, in both in the analog as well as in the digital era. By the collecting accounts, research evidence hopes to contribute to a historical review of a particularly fertile moment in the history of Brazilian animation. As well this study documents an audiovisual segment that traditionally is not addressed in academic discussions. As a result, a reflection of the development of the creative process was obtained, not only because of technology used but also by virtue of a set of social-economic-cultural elements which have influenced the fruition throughout times and determined productivity guidelines for the audiovisual.