Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura / Made available in DSpace on 2012-10-25T15:24:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 300805.pdf: 2835942 bytes, checksum: 7747bd1cc72e66a98f9683c822683f89 (MD5) / Pretendo neste estudo investigar o objeto em cena no contexto contemporâneo do teatro de animação, compreendendo o diálogo que ocorre entre o objeto enquanto ator fictício e o objeto na sua função real, muitas vezes até deslocada dela. Focalizo o objeto em Ana Maria Amaral, principalmente, com a leitura de seu espetáculo Dicotomias - Fragmentos Skizofrê. A leitura dos objetos em cena é inspirada a partir das ideias que Michel Foucault desenvolveu para descrever a constituição histórica dos saberes sobre a humanidade; assim como na contribuição semiológica de autores como Charles S. Peirce e Ferdinand de Saussure. Para completar essa leitura, criei as operações sígnicas de controle e conformação para levar as noções de vetorização e globalização desenvolvidas por Patrice Pavis para a análise do objeto em cena / The purpose of this work is to investigate the use of props in the contemporary Theater of Animation through the understanding of the dialogue that occurs between these props as fictitious actors and the same props in their real function or sometimes detached from it. The focus is on the props as seen in Ana Maria Amaral.s latest creation called Dicotomias # Fragmentos Skizofrê. My reading of the props in this play is inspired by Michel Foucault.s ideas developed to describe the historical constitution of the knowledge about the humanity and in the semiological contribution of some authors like Charles S. Peirce and Ferdinand de Saussure. To complete my reading I have also created some sign operations of control and conformation to bring about notions of vetorization and globalization as developed by Patrice Pavis for the analysis of a prop in the mise-en-scene

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Literatura, Florianópolis, 2010 / Made available in DSpace on 2013-07-16T04:01:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 280293.pdf: 4532694 bytes, checksum: 2bf14024c517318408868679d8ea4fb3 (MD5) / Este estudo trata de alguns dos trânsitos entre as linguagens do cinema e do teatro de animação. Partindo da idéia de que o teatro de animação contemporâneo é uma linguagem híbrida, cujas fronteiras se encontram borradas, e no interior da qual podem se agregar diversas influências vindas de outras linguagens artísticas como literatura, artes plásticas, quadrinhos e cinema, buscou-se destacar algumas destas influências a as características que tornam tal fenômeno possível. O Capítulo Primeiro trata da influência do teatro de sombras para os pré-cinemas e para a obra de dois cineastas de animação: Lotte Reininger e Michel Ocelot. O Capítulo Segundo trata das características do teatro de animação contemporâneo e de sua dramaturgia e da influência do boneco para as Vanguardas Artísticas através da importância do boneco para o trabalho de três encenadores/teóricos: Alfred Jarry, Edward Gordon Craig e Vsevolod Meyerhold. E o Capítulo Terceiro trata de dois espetáculos da Cia. PeQuod que utilizam temáticas e elementos da gramática cinematográfica em sua construção: Sangue Bom e Filme Noir. / This study treats of some of the transit between the languages of cinema and puppetry. From the idea that the in puppetry nowadays there is a hybrid language, which bounds are found mingled, and in whose interior can be added a variety of influences from other artistic languages as literature, sculpture, painting, comics and cinema, it tried to point out some of this influences and the characteristics that make that event possible. The first chapter treats of the influence of Shadow Theater for the early cinemas and for the work of two animation filmmaker: Lotte Reiniger and Michel Ocelot. The second chapter treats of characteristics of contemporary puppetry and its dramaturgy and about the influence of the puppet for the Artistic Vanguard through the importance of the puppet for the work of three directors/theoretical: Alfred Jarry, Edward Gordon Craig and Vsevolod Meyerhold. And the third chapter treats of two performances from the Cia. PeQuod which utilize thematic and elements from the cinematographic grammar in its construction: Sangue Bom and Filme Noir.

O Bumba-meu-boi do Maranhão tem sido objeto de estudo de disciplinas voltadas para o Folclore e também das Ciências Sociais, como a Antropologia e a Sociologia que, além de um registro etnográfico, investigam os aspectos da organização social ou diferentes estruturas organizacionais do Boi (como brincadeira, ritual e espetáculo). Embora alguns componentes teatrais tenham sido levantados nesses estudos (como a teatralidade cômica, a musicalidade, a estrutura das comédias e o desenvolvimento da linguagem literária), estes não caracterizam uma pesquisa voltada para o Boi como fato teatral. No presente trabalho, com a utilização de uma abordagem qualitativa e aplicação da etnometodologia como suporte de investigação teórica, foi possível confirmar a existência de duas formas de teatralização no espetáculo que é o Bumba-meu-boi. Os dados empíricos indicam características que distinguem esse Teatro do Boi como Teatro de Animação (apresentando-se com técnicas mistas) e como teatro Ritualístico, contemplando, assim mesmo, em suas encenações, um diálogo com outras linguagens artísticas. Além disso, os resultados dessa investigação reforçam a relevância do conjunto de saberes que se evidencia com a existência de conhecimentos construídos a partir da reflexão e prática dessa expressão artística. As análises dessas práticas permitiram que fossem elaboradas partituras de gestos e movimentos a partir da identificação de estruturas sob as quais as encenações desse Teatro do Boi e suas personagens são construídas. / The Bumba meu boi do Maranhãoo has been an object of study in subjects approaching Folklore as well as Social Sciences like Anthropology and Sociology which, besides an ethnographic record, they investigate the aspects of the Social organization or different organizational structures of the \"Boi\" (like game, ritual and show). Although some theatrical elements have been researched in these studies (like comical theater, the musicianship, the structures of the comedies and the development of literary language), they do not characterize a research focused on the \"Boi\" as a theatrical fact. In this work, through a qualitative approach and application of ethno methodology as a support for a theoretical investigation, it was possible to confirm the existence of two forms of theatricality in the \"Bumba meu boi\" show. The empirical data indicate distinguishing characteristics in the Boi Theater as Animation Theater (performing with mixed techniques) and as Ritualistic theater, contemplating, so, a dialogue with other artistic languages in its production. In addition, the results from this investigation reinforce the relevance of the amount of knowledge that can be observed with the existence of knowledge built from the reflection and practice of this artistic expression. The analysis of these practices allowed that scores of gestures and movements were made from the identification of structures under which the productions of this Boi Theater and these characters are built.

Este estudo tem por objetivo contribuir para o desenvolvimento da produção acadêmica, elegendo como objeto de estudo a linguagem do teatro de militância. Para tanto, procedemos à investigação da atuação de três grupos, considerando o contexto sociopolítico e a estética, ambos como norteadores intrínsecos para a compreensão da linguagem. Abordamos estruturas desta prática, que vai além de disponibilizar-se como instrumento de debate ideológico, para entrar na rota da educação em processos educativos de vida, formais ou informais, com vistas à formação social do cidadão. O método de amostragem intencional elegeu o Teatro União e Olho Vivo (TUOV) e o Ventoforte (SP), que ideológica e historicamente relacionam-se ou identificam-se na figura de seus idealizadores César Vieira e Ilo Krugli e o Grupo Teatral Amador Campograndense (GUTAC) (MS), que igualmente comunga com os dois primeiros. No procedimento de amostragem de fontes, selecionamos para análise espetáculos que utilizam dramaturgia própria e recursos do teatro de animação na encenação. Ambas atingem resultados simbólicos e o estado dialógico entre as criações teatrais na busca de relação definida entre forma e material. Este processo promove a elaboração de uma linguagem que atua como elemento transformador do indivíduo e do meio social, constituída pelos componentes políticos e estéticos de um projeto teatral, tomados como inseparáveis, o que confirma nossa hipótese. / This research aims to contribute with the development of academic production by taking the militant theater language as main object. We investigate the activity of three theater groups considering the aesthetical and sociopolitical background as guiding factors for the comprehension of the language examined. Therefore, the structures of their practices, which are not only instruments available for ideological debate, are approached as education routes that take part in formal or informal learning processes towards citizens social education. Deliberate sampling method elected Teatro União Olho Vivo (TOUV) and Ventoforte (SP) both ideological and historically identified in the persons of Cesar Vieira e Ilo Krugli, who created the groups and Grupo Teatral Amador Campograndense (GUTAC) (MS), which also communes with the former groups. For the source sampling, we selected performances that put into practice their own dramaturgy and make use of animation theater resources in their staging. Both procedures lead to symbolical results and a dialogical condition that enable theater productions to seek a definite relationship between material and form. This process promotes the development of a language that works as a changing element for both individuals and social environment. This language is thus constituted by the political and aesthetical components of a theater project taken as indivisible, and this confirms our hypothesis.

L'art millénaire du Théâtre d'Animation possède des spécificités propres dont la métafictionnalité est une composante pertinente. Cette réflection, examinant le concept de métalangage présent dans le travail de Roman Jakobson et son déplacement vers les phénomènes littéraires, découle des études introduites par Gérard Genette et Roland Barthes qui ont analysé profondément la transtextualité. Elle vise à réhabiliter l'art de l'animation, métafictionnel par excellence, dans le contexte des arts postmodernes. Nous présentons un premier chapitre qui met en lumière les conventions utilisées dans le Théâtre d'Animation en précisant leur définition, leurs propriétés intrinsèques et un peu de leur histoire. Nous avons essayé d’affirmer et d'étendre l'idée que le Théâtre d'Animation est métafictionnel par nature, et que, malgré cela, cette métafictionnalité en tant que présupposition esthétique a seulement commencé à être explorée au début de la postmodernité. Le second chapitre aborde la présence du métafictionnel dans le Théâtre d'Animation à partir de l'étude de quelques spectacles contemporains réalisés dans l’Etat du Rio Grande do Sul (Brésil). Nous y verrons les transformations enregistrées dans le Théâtre d'Animation à partir du début de la seconde moitié du XXe siècle, qui mettent en question, comme dans d’autres formes d’expression artistique, des thèmes comme la légitimation de la connaissance, l'originalité ou encore l'existence d'une vérité absolue. Pour cela, la postmodernité utilise les stratégies montrées par Linda Hutcheon, tel que l'exacerbation de l’autoréflexivité et la parodie. / A milenar arte do Teatro de Animação possui especificidades próprias à sua linguagem. Dentre essas especificidades, a metaficcionalidade é um relevante componente. Este trabalho, examinando o conceito de metalinguagem presente na obra de Roman Jakobson e seu deslocamento para fenômenos literários, derivado dos estudos introduzidos por Gérard Genette e Roland Barthes, os quais analisaram profundamente questões como a transtextualidade, aponta para o resgate da arte da animação no contexto das artes pós-modernas, por tratar-se de uma arte metaficcional por excelência. A estrutura do trabalho consta de uma primeira parte que esclarece sobre o funcionamento das convenções utilizadas no Teatro de Animação, sua definição, suas propriedades intrínsecas e um pouco de sua história, bem como procuramos estender e afirmar a idéia de que o Teatro de Animação é metaficcional por natureza, sendo que, apesar disso, a metaficcionalidade como pressuposto estético apenas começou a ser amplamente explorada a partir do início da pós-modernidade. A segunda parte aborda a presença dos metaficcionais no Teatro de Animação, analisados a partir do estudo de alguns espetáculos contemporâneos realizados no Rio Grande do Sul. Na análise desses espetáculos, discorreremos sobre as transformações que ocorreram no Teatro de Animação a partir da segunda metade do século XX, as quais colocaram em cheque, bem como as outras artes, questões como a legitimação do saber, a originalidade e a existência de uma verdade absoluta, utilizando, para isso, as estratégias apontadas por Linda Hutcheon, tais como a exacerbação da auto-reflexividade e a paródia.

Esta pesquisa se propõe a analisar os intercruzamentos entre o teatro de formas animadas e o cinema de animação por meio de suas conjecturas históricas, estéticas e operacionais, partindo do pressuposto de que as duas linguagens têm nas suas gêneses a anima. Para tal, foi realizado um mapeamento histórico e conceitual das duas linguagens, investigando os fatores que as bifurcam, as afastam e as imbricam, especialmente, por meio de uma amostragem de práticas artísticas do teatro de formas animadas, do cinema de animação e de modalidades identificadas como convergentes para o objeto, tais como os autômatos, tecnologias e virtualidade. Por uma questão metodológica da característica interdisciplinar do objeto e de sua extensão, fez-se necessário um recorte que parte do macro para o micro, elegendo uma amostragem que contempla o tripé conceitual, histórico e estético. Devido à área de cobertura do campo do objeto, a pesquisa aborda várias vertentes de conhecimentos vernaculares e atuais, teóricos e práticos, num movimento recorrentemente pendular. Assim, apresenta uma amostragem que teve como critério artistas de excelência que convergem para o objeto, entre eles: Lotte Reiniger, Ji?í Trnka, Norman McLaren, Jim Henson, Michel Ocelot, Tim Burton, Cia Lumbra e Cia Pequod, bem como outros exemplos esparsos. / This research aims to analyze the intercrosses between animation theater and animation cinema through its historical, aesthetic and operational assumptions, assuming that both languages have their genesis in the anima. For that, a historical and conceptual mapping of these languages was conducted, investigating the factors that bifurcate, and interweave them away, especially by means of a sampling of artistic practices of animation theater, animation cinema and modalities identified as converging to the object, such as automata, technology and virtuality. Because of a methodological question of the interdisciplinary characteristic of the object and its length, it was necessary that a cut of the macro to the micro were done, choosing a sample that includes the conceptual, historical and aesthetic tripod. Due to the coverage area of the object\'s field, this research addresses various aspects of vernacular and current knowledge, theoric and practical, in a recurrent pendulum motion. So, it presents a sampling that had as a criterion artists of excellence that converge to the object, including: Lotte Reiniger, Ji?í Trnka, Norman McLaren, Jim Henson, Michel Ocelot, Tim Burton, Cia Lumbra and Cia Pequod, as well as other scattered examples.

L'art millénaire du Théâtre d'Animation possède des spécificités propres dont la métafictionnalité est une composante pertinente. Cette réflection, examinant le concept de métalangage présent dans le travail de Roman Jakobson et son déplacement vers les phénomènes littéraires, découle des études introduites par Gérard Genette et Roland Barthes qui ont analysé profondément la transtextualité. Elle vise à réhabiliter l'art de l'animation, métafictionnel par excellence, dans le contexte des arts postmodernes. Nous présentons un premier chapitre qui met en lumière les conventions utilisées dans le Théâtre d'Animation en précisant leur définition, leurs propriétés intrinsèques et un peu de leur histoire. Nous avons essayé d’affirmer et d'étendre l'idée que le Théâtre d'Animation est métafictionnel par nature, et que, malgré cela, cette métafictionnalité en tant que présupposition esthétique a seulement commencé à être explorée au début de la postmodernité. Le second chapitre aborde la présence du métafictionnel dans le Théâtre d'Animation à partir de l'étude de quelques spectacles contemporains réalisés dans l’Etat du Rio Grande do Sul (Brésil). Nous y verrons les transformations enregistrées dans le Théâtre d'Animation à partir du début de la seconde moitié du XXe siècle, qui mettent en question, comme dans d’autres formes d’expression artistique, des thèmes comme la légitimation de la connaissance, l'originalité ou encore l'existence d'une vérité absolue. Pour cela, la postmodernité utilise les stratégies montrées par Linda Hutcheon, tel que l'exacerbation de l’autoréflexivité et la parodie. / A milenar arte do Teatro de Animação possui especificidades próprias à sua linguagem. Dentre essas especificidades, a metaficcionalidade é um relevante componente. Este trabalho, examinando o conceito de metalinguagem presente na obra de Roman Jakobson e seu deslocamento para fenômenos literários, derivado dos estudos introduzidos por Gérard Genette e Roland Barthes, os quais analisaram profundamente questões como a transtextualidade, aponta para o resgate da arte da animação no contexto das artes pós-modernas, por tratar-se de uma arte metaficcional por excelência. A estrutura do trabalho consta de uma primeira parte que esclarece sobre o funcionamento das convenções utilizadas no Teatro de Animação, sua definição, suas propriedades intrínsecas e um pouco de sua história, bem como procuramos estender e afirmar a idéia de que o Teatro de Animação é metaficcional por natureza, sendo que, apesar disso, a metaficcionalidade como pressuposto estético apenas começou a ser amplamente explorada a partir do início da pós-modernidade. A segunda parte aborda a presença dos metaficcionais no Teatro de Animação, analisados a partir do estudo de alguns espetáculos contemporâneos realizados no Rio Grande do Sul. Na análise desses espetáculos, discorreremos sobre as transformações que ocorreram no Teatro de Animação a partir da segunda metade do século XX, as quais colocaram em cheque, bem como as outras artes, questões como a legitimação do saber, a originalidade e a existência de uma verdade absoluta, utilizando, para isso, as estratégias apontadas por Linda Hutcheon, tais como a exacerbação da auto-reflexividade e a paródia.

Submitted by Uibitu Smetak (uibimeta@gmail.com) on 2014-02-17T16:53:39Z No. of bitstreams: 1 UIBITU SMETAK DISSERTAÇÃO A TRILHA SONORA NO TEATRO DE ANIMAÇÃO completo e ok.pdf: 37673490 bytes, checksum: 25ab4021a6f0afc6ec1eb1a5f5994c9b (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2014-03-07T14:39:33Z (GMT) No. of bitstreams: 1 UIBITU SMETAK DISSERTAÇÃO A TRILHA SONORA NO TEATRO DE ANIMAÇÃO completo e ok.pdf: 37673490 bytes, checksum: 25ab4021a6f0afc6ec1eb1a5f5994c9b (MD5) / Made available in DSpace on 2014-03-07T14:39:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 UIBITU SMETAK DISSERTAÇÃO A TRILHA SONORA NO TEATRO DE ANIMAÇÃO completo e ok.pdf: 37673490 bytes, checksum: 25ab4021a6f0afc6ec1eb1a5f5994c9b (MD5) / A presente dissertação buscou efetuar uma análise reflexiva sobre os processos criativos da trilha sonora do espetáculo de teatro de animação O Pássaro do Sol, do GRUPO A RODA DE TEATRO DE BONECOS, tendo por foco principal a sua função dramatúrgica, em oposição à sua função ornamental. Este trabalho também visou contribuir para o desenvolvimento das artes do espetáculo na Bahia no domínio da criação de música de cena para teatro de bonecos e/ou sombras especificamente, ainda pouco explorado e carente de trabalhos acadêmicos. As reflexões estão apoiadas nas teorias de Lívio Tragtenberg, Roberto Gill e Jean-Jacques Lemêtre, entre outros autores, e no próprio relato da diretora do espetáculo e de um dos atores-animadores. Além da confirmação da função dramatúrgica da trilha sonora, esta pesquisa ofereceu a descoberta da dinâmica de um processo e método pessoal, de elaboração, construção e escrita musical para teatro de animação.

L'art millénaire du Théâtre d'Animation possède des spécificités propres dont la métafictionnalité est une composante pertinente. Cette réflection, examinant le concept de métalangage présent dans le travail de Roman Jakobson et son déplacement vers les phénomènes littéraires, découle des études introduites par Gérard Genette et Roland Barthes qui ont analysé profondément la transtextualité. Elle vise à réhabiliter l'art de l'animation, métafictionnel par excellence, dans le contexte des arts postmodernes. Nous présentons un premier chapitre qui met en lumière les conventions utilisées dans le Théâtre d'Animation en précisant leur définition, leurs propriétés intrinsèques et un peu de leur histoire. Nous avons essayé d’affirmer et d'étendre l'idée que le Théâtre d'Animation est métafictionnel par nature, et que, malgré cela, cette métafictionnalité en tant que présupposition esthétique a seulement commencé à être explorée au début de la postmodernité. Le second chapitre aborde la présence du métafictionnel dans le Théâtre d'Animation à partir de l'étude de quelques spectacles contemporains réalisés dans l’Etat du Rio Grande do Sul (Brésil). Nous y verrons les transformations enregistrées dans le Théâtre d'Animation à partir du début de la seconde moitié du XXe siècle, qui mettent en question, comme dans d’autres formes d’expression artistique, des thèmes comme la légitimation de la connaissance, l'originalité ou encore l'existence d'une vérité absolue. Pour cela, la postmodernité utilise les stratégies montrées par Linda Hutcheon, tel que l'exacerbation de l’autoréflexivité et la parodie. / A milenar arte do Teatro de Animação possui especificidades próprias à sua linguagem. Dentre essas especificidades, a metaficcionalidade é um relevante componente. Este trabalho, examinando o conceito de metalinguagem presente na obra de Roman Jakobson e seu deslocamento para fenômenos literários, derivado dos estudos introduzidos por Gérard Genette e Roland Barthes, os quais analisaram profundamente questões como a transtextualidade, aponta para o resgate da arte da animação no contexto das artes pós-modernas, por tratar-se de uma arte metaficcional por excelência. A estrutura do trabalho consta de uma primeira parte que esclarece sobre o funcionamento das convenções utilizadas no Teatro de Animação, sua definição, suas propriedades intrínsecas e um pouco de sua história, bem como procuramos estender e afirmar a idéia de que o Teatro de Animação é metaficcional por natureza, sendo que, apesar disso, a metaficcionalidade como pressuposto estético apenas começou a ser amplamente explorada a partir do início da pós-modernidade. A segunda parte aborda a presença dos metaficcionais no Teatro de Animação, analisados a partir do estudo de alguns espetáculos contemporâneos realizados no Rio Grande do Sul. Na análise desses espetáculos, discorreremos sobre as transformações que ocorreram no Teatro de Animação a partir da segunda metade do século XX, as quais colocaram em cheque, bem como as outras artes, questões como a legitimação do saber, a originalidade e a existência de uma verdade absoluta, utilizando, para isso, as estratégias apontadas por Linda Hutcheon, tais como a exacerbação da auto-reflexividade e a paródia.

Este estudo tem por objetivo contribuir para o desenvolvimento da produção acadêmica, elegendo como objeto de estudo a linguagem do teatro de militância. Para tanto, procedemos à investigação da atuação de três grupos, considerando o contexto sociopolítico e a estética, ambos como norteadores intrínsecos para a compreensão da linguagem. Abordamos estruturas desta prática, que vai além de disponibilizar-se como instrumento de debate ideológico, para entrar na rota da educação em processos educativos de vida, formais ou informais, com vistas à formação social do cidadão. O método de amostragem intencional elegeu o Teatro União e Olho Vivo (TUOV) e o Ventoforte (SP), que ideológica e historicamente relacionam-se ou identificam-se na figura de seus idealizadores César Vieira e Ilo Krugli e o Grupo Teatral Amador Campograndense (GUTAC) (MS), que igualmente comunga com os dois primeiros. No procedimento de amostragem de fontes, selecionamos para análise espetáculos que utilizam dramaturgia própria e recursos do teatro de animação na encenação. Ambas atingem resultados simbólicos e o estado dialógico entre as criações teatrais na busca de relação definida entre forma e material. Este processo promove a elaboração de uma linguagem que atua como elemento transformador do indivíduo e do meio social, constituída pelos componentes políticos e estéticos de um projeto teatral, tomados como inseparáveis, o que confirma nossa hipótese. / This research aims to contribute with the development of academic production by taking the militant theater language as main object. We investigate the activity of three theater groups considering the aesthetical and sociopolitical background as guiding factors for the comprehension of the language examined. Therefore, the structures of their practices, which are not only instruments available for ideological debate, are approached as education routes that take part in formal or informal learning processes towards citizens social education. Deliberate sampling method elected Teatro União Olho Vivo (TOUV) and Ventoforte (SP) both ideological and historically identified in the persons of Cesar Vieira e Ilo Krugli, who created the groups and Grupo Teatral Amador Campograndense (GUTAC) (MS), which also communes with the former groups. For the source sampling, we selected performances that put into practice their own dramaturgy and make use of animation theater resources in their staging. Both procedures lead to symbolical results and a dialogical condition that enable theater productions to seek a definite relationship between material and form. This process promotes the development of a language that works as a changing element for both individuals and social environment. This language is thus constituted by the political and aesthetical components of a theater project taken as indivisible, and this confirms our hypothesis.