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Literatura e cinema : representações do feminino em Washington Square, Daisy Miller e The Europeans /Gualda, Linda Catarina. January 2011 (has links)
Orientador: Ana Maria Carlos / Banca: Wellington Ricardo Fiorucci / Banca: Altamir Botoso / Banca: Cleide Antonia Rapucci / Banca: Sérgio Augusto Zanoto / Resumo: A tese objetiva discutir as representações do feminino a partir das relações entre literatura e cinema em níveis práticos e teóricos das obras literárias de Henry James Washington Square, Daisy Miller e The Europeans e dos filmes homônimos de Agnieszka Holland, Peter Bogdanovich e James Ivory, respectivamente, tendo como ponto de partida as protagonistas Catherine Sloper, Daisy Miller e Eugenia Munster. Acreditamos que tais representações equivalem, no contexto das obras, a uma apropriação do olhar masculino - the male gaze - sobre o corpo feminino. Os signos do cinema hollywoodiano estão carregados de uma ideologia patriarcal que sustenta as estruturas sociais e constrói a mulher de uma maneira específica, refletindo as necessidades e o inconsciente patriarcal. A partir de uma leitura intersemiótica, que rejeita a noção de fidelidade e vê a obra alvo como uma tradução do texto de partida, propomos uma reflexão a respeito da identidade de gênero criada e veiculada sob uma ótica masculina. Para isso, além da teoria de tradução, nos apoiamos, como suporte teórico, na teoria feminista do cinema contemporâneo, que se preocupa em desmascarar as imagens, o signo da mulher, para ver como funcionam os significados adjacentes ao código fílmico / Abstract: This thesis aims to discuss the representations of the feminine concerning the relations between literature and cinema on practical and theoretical levels having as its basis Henry James's literary works Washington Square, Daisy Miller and The Europeans, as well their homonymous filmic versions made by Agnieszka Holland, Peter Bogdanovich and James Ivory, respectively, having as starting point the leading figures Catherine Slopes, Daisy Miller and Eugenia Munster. We believe that such representations correspond, in the context of the works, to an appropriation of the masculine glance - the male gaze - over the feminine body. The signs of Hollywood's film industry are loaded of a patriarchal ideology that sustains social structures and build woman in a specific manner, reproducting needs and patriarchal unconsciousness. Based on an intersemiotic reading, which refuses the idea of fidelity and sees the target work as a translation of the starting text, we propose a reflection about the gender identity created and conveyed in a male perspective. For that, beyond the translation theory, we have as a complementary theoretical support the feminist theory of the contemporary cinema which is concerned to unmask the images, the woman's sign, to see how the adjacent meanings to the filmic code works / Doutor
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Tempo e devir em convulsão : dimensões da história no cinema de Glauber Rocha (1964-1969) /Bueno, Rodrigo Poreli Moura. January 2010 (has links)
Orientador: Helio Rebello Cardoso Junior / Banca: Milton Carlos Costa / Banca: James Bastos Arêas / Resumo: O objetivo desta pesquisa é discutir algumas noções de história e elementos culturais, políticos e estéticos que se articulam na obra cinematográfica de Glauber Rocha (1939-1981), tendo como principais bases teóricas as contribuições de autores como Ismail Xavier e Gilles Deleuze. Os filmes analisados aqui serão "Deus e o Diabo na Terra do Sol" (1964), "Terra em Transe" (1967) e "O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro" (1969). Apesar das peculiaridades de cada um, podemos perceber que, neles existe a afirmação de uma historicidade na qual se articulam eventos de natureza econômica, política, cultural, devido ao caráter específico do tempo histórico. Para Deleuze, o cinema de Glauber Rocha se liga à idéia de transe. Entende-se que esse elemento se relaciona com a temporalidade histórica dos filmes, constituindo um estado no qual o tempo cronológico perde sua lógica e sua concretude. Além do mais, o transe subverte as dicotomias estáveis entre o privado e o público, a realidade e a ficção. Neste sentido, são elaborados discursos e signos fílmicos, aptos a dialogar com o contexto sócio-cultural brasileiro, apontando para suas ambigüidades, incertezas e tensões / Abstract: The aim of this research is to discuss some notions of history and cultural, politics, and aesthetic elements that articulate in Glauber Rocha's cinematographic work, having as main theoretical bases the contributions of authors as Ismail Xavier and Gilles Deleuze. The films analyzed here will be "Black God, White Devil" (1964), "Entranced Earth" (1967); e "Antonio das Mortes" (1969). In spite of the peculiarities of each one, we can perceive that there is the affirmation of a historicity in which they express economic, politics, cultural events, due to specific aspect of the historical time. According to Deleuze, Glauber Rocha's cinema connects to the idea of trance. It understands that this element is related to the historical temporality of the films, constituting a state in which the chronological time loses its logic and its solidity. Furthermore, the trance subverts the steady dichotomies between the private and the public, the reality and the fiction. Thus, film speeches and signs are elaborated to dialogue with the Brazilian sociocultural background, pointing to its ambiguities, uncertainties and tensions / Mestre
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Ecos da modernidade : uma análise do discurso sobre o cinema ambulante em São Luís-MA /Matos, Marcos Fábio Belo. January 2010 (has links)
Orientador: Maria do Rosário de Fátima Valencise Gregolin / Banca: Vanice Maria Oliveira Sargentini / Banca: Carlos Piovezanni / Banca: Ucy Soto / Banca: Pedro Navarro Barbosa / Resumo: O estudo aborda o ciclo do cinema ambulante em São Luís, capital do Maranhão, ocorrido entre 1898 e 1909 e que se configurou numa sucessão de espetáculos de aparelhos cinematográficos que se efetivava, quase sempre, no Teatro São Luiz, hoje Teatro Arthur Azevedo, encerrando-se quando da inauguração da primeira sala fixa de cinema (o cinema São Luiz, em 31.11.1909). O referencial teórico-metodológico utilizado é a Análise de Discurso, de linha francesa. O corpus abrange os registros deixados nos jornais Pacotilha, Diário do Maranhão e O Federalista: notas, notícias, crônicas e, principalmente, anúncios publicitários. O objetivo é estabelecer, a partir da AD francesa, de que maneira os aparelhos cinematográficos foram apresentados, discursivamente, como artefatos da modernidade. A hipótese é a de que os jornais acabaram por forjar para esses aparelhos a imagem de ícones de uma modernidade, fortemente vinculada aos artefatos maquínicos que proliferaram, frutos da Revolução Industrial, e que, então, distribuíam-se por todo o país, tendo como ponto de disseminação o Rio de Janeiro. Acredita-se que os enunciados sobre o cinema ambulante têm no seu intradiscurso a marca do interdiscurso da modernidade: o forte tom descritivista do maquinismo encontrado nas notas informativas e opinativas; a presença de muitos superlativos nos textos dos anúncios e das notas sobre os espetáculos; o fato de esses jornais apresentarem os aparelhos sempre eivados de adjetivação; o tom apologético com que os jornais definiram as apresentações dos cinematógrafos. Essa divinização dos cinematógrafos era a lógica do período, em todo o mundo, a julgar pelas análises já realizadas em textos de jornais do Rio de Janeiro e de outras localidades, que noticiam os espetáculos de cinematógrafo durante toda a fase do cinema ambulante, conhecida também como fase de domesticação ou ainda como primeiro cinema / Abstract: This study approaches the cycle of the wandering cinema in São Luis, capital city of the state of Maranhão, Brazil, performed between the years of 1898 and 1909, which consisted of a series of cinema spectacles that happened most of the time at the Teatro São Luiz, today known as Teatro Arthur Azevedo, that ended when the first movie theater was inaugurated (the São Luiz Cinema, in 31/11/1909). The theory and methodology used are the French Discourse Analysis. The corpus embraces the registers found in the newspapers Pacotilha, Diário de Maranhão e O Federalista: quick notes (informative and opinions), news, chronicles and mainly advertisements. The main point is to establish, through French Discourse Analysis, which were the representations that the newspapers brought to the society about the cinema. The hypothesis is that these newspapers provided the cinema with the image of modernity icons, strongly connected to the machine tools that were all over the country, resulted from the Industrial Revolution, especially in Rio de Janeiro. It is possible to believe that the enunciates about the wandering cinema have in its inner speech the mark of the modernity inter speech: the heavy descriptive tone of the machinery found in the informative and opinion notes. The presence of superlatives in the advertisement text and the notes about the spectacles; the apologetic tone with which the newspapers defined the presentations. The divinization of the cinemas was the logic of the period all over the world, as we can see in the analysis done on texts from Rio de Janeiro newspapers and other places, including French newspapers, that report the cinema spectacle during all the wandering phase, also known as domestication phase or first cinema / Doutor
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Trans-formações (a) temporais em Il Decameron : de Pasolini a Boccacio /Andrade, Ana Carolina Negrão Berlini de. January 2010 (has links)
Orientador: Maria Celeste Tommasello Ramos / Banca: Álvaro Luiz Hattnher / Banca: Maria de Lourdes Baldam / Resumo: O presente trabalho faz uma análise do diálogo intersemiótico estabelecido entre a obra literária Il Decameron (1348-1353), de Giovanni Boccaccio (1313-1375), e o filme homônimo, de Pier Paolo Pasolini (1922-1975), tendo como principal objetivo elucidar a transcriação artística operada por Pasolini, sobretudo no que diz respeito às construções metalingüísticas presentes no texto literário, que são cinematograficamente retomadas pelo cineasta. No texto sincrético, a metalinguagem está intrinsecamente ligada à poeticidade, seguindo os pressupostos teóricos do próprio Pasolini, expostos em Empirismo Eretico (2000). Os conceitos presentes nesse livro, como o famoso cinema de poesia ou a linguagem da realidade, norteiam a nossa escolha de outros teóricos, os quais nos auxiliam na tarefa de comprovar que tanto Boccaccio quanto Pasolini realizam operações metalingüísticas, sendo que as molduras narrativas por eles criadas explicitam a auto-reflexão acerca do fazer artístico, funcionando, desse modo, como marcas autorais. Assim, as duas versões de Decameron não se comunicam apenas pelo tema, mas pelo modo como as narrativas são estruturadas, pois Pasolini constrói a sua obra por meio de soluções cinematográficas que remetem à construção do discurso realizada por Boccaccio / Abstract: The present work does an analysis of the intersemiotic intercourse established between the literary work Il Decameron (1348-1353), of Giovanni Boccaccio (1313-1375), and the namesake movie, of Pier Paolo Pasolini (1922-1975), regarding as the main objective to find out the artistic transcreation operated by Pasolini, above all, in what touches the metalinguistic constructions present in the literary text that are cinematographically retraced by the film maker. In the syncretic text, the metalanguage is intrinsically bound to the poetical, following Pasolini's own theoretical conceptions exposed in Empirismo Eretico (2000). The concepts in this book, like the famous cinema of poetry or the language of reality, guide the selection of other theorists, who help in the quest to prove that both Boccaccio as well as Pasolini make metalinguistic operations, as the narrative frames created by him expound the introspection of the artistic labour, working, this way, as authorial marks. Thus, the Decameron's two versions do not communicate only through the theme, but through the way their narratives are structured because Pasolini's work is built hereby cinematographic solutions which allude to Boccaccio's discourse construction / Mestre
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Guimarães Rosa à luz de uma transposição cinematográfica /Leite, Tamiris Batista. January 2011 (has links)
Orientador: Antonio Manoel dos Santos Silva / Banca: Lúcia Granja / Banca: Ricardo Alexino Ferreira / Resumo: O objetivo principal deste trabalho de pesquisa é o estudo comparativo entre a obra de João Guimarães Rosa, focalizando Sagarana (1946), na qual está contida a narrativa ―Duelo‖, e a produção fílmica de Paulo Thiago, Sagarana, o duelo (1974), com o intuito de mostrar as ―transposições‖, no sentido usado por STAM (2008), que o cineasta realiza em seu filme, de elementos ficcionais e compositivos constantes nas obras rosianas. Efetuamos a análise da estruturação de tais textos em seus diferentes aspectos; o estudo das relações que podem ser estabelecidas entre a obra e o filme; a caracterização dos personagens no filme em relação à obra da qual foram retirados, conforme as múltiplas relações que se estabelecem nas narrativas. Buscamos mostrar que há elementos comuns e diferenciados entre o conto e o filme que nele se baseou livremente. Que essas diferenças dizem respeito a todos os aspectos de ambas as obras e que a adaptação livre sugere ser um dos melhores caminhos para os cineastas fazerem de seus filmes obras com validade estética independente do texto que as motivaram. E que, no caso de Sagarana, o duelo, as diversas transposições encobrem sentidos ideológicos que também são destacados na pesquisa. Valemo-nos de teóricos da narrativa como Claude Brémond (1971; 1972) e Gerard Genette (1979), e de estudiosos do cinema como Marcel Martin (2007), Jacques Aumont (1995), Robert Stam (2008), Linda Seger (2007) e Linda Hutcheon (2011). Partimos também de alguns pressupostos: a ficcionalidade como valor estético; a consciência construtiva cultivada rigorosamente por Guimarães Rosa e perceptível nas opções feitas por Paulo Thiago; a ficção como mediadora de verdades ou realidades mentais e sociais construídas historicamente. Apoiamo-nos também em algumas suposições sugeridas pela crítica, dentre as quais as elaboradas por Antonio Candido (1964) / Abstract: The main objective of this research is the comparative study between the Guimarães Rosa's work, emphasizing Sagarana (1946), in which we can find the narrative ―Duelo‖ and Paulo Thiago's movie, Sagarana, o duelo (1974), to show the ―transpositions‖ (Stam 2008), of fictional and compositive elements from Rosa's work. We will analyze the structure of those texts in their different aspects; the study of the relations that can be established between the literary work and the movie; the description of the characters in the movie in relation to the literary work in which they appear, as well as the multiple relations that we can perceive in the narrative. We will show that there are common and different elements between the narrative and the movie in which it is based. We will show that these differences refer to all aspects from both works and that the free adaption suggests to be one of the best ways for filmmakers to turn their movies into works with aesthetic validity independent from the text which motivated them. And in relation to Sagarana, o duelo, the different transpositions cover up ideological meanings that will be also focused in the research. The theoretical works of Claude Bremond (1971; 1972) and Gerard Genette (1979), Marcel Martin (2007), Jacques Aumont (1995), Robert Stam (2008), Linda Seger (2007) e Linda Hutcheon (2011) will be used. Some aspects will be assumed: fictionality as an aesthetic value, the constructive conscience cultivated by Guimarães Rosa and perceptible in Paulo Thiago's choices; the fiction as mediator of truth or mental and social realities built through history. We will also work with some assumptions suggested by literary criticism, such as the studies by Antonio Candido (1964), Manuel Cavalcanti Proença (1959) and Benedito Nunes (1969) / Mestre
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No rádio e nas telas : o rural da música sertaneja de sucesso e sua versão cinematográfica /Pereira, Odirlei Dias. January 2008 (has links)
Orientador: Célia Aparecida Ferreira Tolentino / Banca: Fátima Aparecida Cabral / Banca: Eduardo Victório Morettin / Resumo: O texto que segue investiga cinco obras cinematográficas que tomaram de maneira ativa para sua composição canções de sucesso e/ou vidas de alguns cantores famosos da música sertaneja: Luar do Sertão (BR, 1970), O Menino da Porteira (BR, 1976), A Estrada da Vida (BR, 1979/80), Sonhei com Você (BR, 1987) e 2 Filhos de Francisco (BR, 2005). Tendo estas obras como núcleo de nossas análises, buscamos observar a sociedade brasileira a partir destas narrativas, captar as transformações da idéia do rural brasileiro e o lugar reservado a ele no corpo do país. Nossa escolha recaiu sobre estes filmes realizados a partir das canções sertanejas de sucesso e de seus intérpretes por acreditar que nestes o critério de aceitação por parte do público foi um elemento central para justificar a realização destas películas. Metodologicamente, observamos como a expressão da música sertaneja alterou sua forma (da vestimenta dos cantores passando pelo uso de determinados tipos de instrumental até a poética e temática das canções) e com ela uma fez uma leitura sobre o rural, induzindo à uma tradução cinematográfica compatível (forma, discurso e abordagem da temática, composição dos personagens, relação e representação de cidade e campo em cada filme) de modo a atender uma demanda do pensamento social do momento histórico de sua realização. / Abstract: The following study analyses five cinematographic works strongly influenced by successful songs and/or by the lives of famous country music singers: Luar do Sertão (BR, 1970), O Menino da Porteira (BR, 1976), A Estrada da Vida (BR, 1979/80), Sonhei com Você (BR, 1987) and 2 Filhos de Francisco (BR, 2005). The wide popular acceptance of said singers justified the films' production, from which we analysed the Brazilian society regarding the changes in the rural concept and position in the country's structure. Methodologically, we examined how the country music expression has changed (singers' apparel, use of certain kinds of instrumental, songs' poetry and thematic) and how that music portrayed the rural issue, enabling a compatible cinematographic translation (form, theme discourse and approach, characters composition, relation between the city and the countryside and their representation in each film) that met a social thinking demand of the historical time of its accomplishment. / Mestre
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O tempo através das mídias: fotografia, cinema, televisão /Goetjen, Betina. January 2010 (has links)
Orientador: Milton Terumitsu Sogabe / Banca: Claudio Cesar Gonçalves / Banca: Fernando Luiz Fogliano / Resumo: GOETJEN, Betina. O Tempo Através das Mídias: Fotografia, Cinema, Televisão. Dissertação. Programa de Pós-Graduação em Artes da Universidade Estadual Paulista ―Júlio de Mesquita Filho‖, área de concentração em Artes Visuais, linha de pesquisa Processos e Procedimentos Artísticos. São Paulo, p. 85, 2010. Esta pesquisa mostra como o tempo pode ser representado na fotografia, no cinema e na televisão. Inicia com o tempo e sua aceleração através do desenvolvimento das tecnologias e também da necessidade do homem de representar o que vê para poder entender o mundo em que vive. Na fotografia, no cinema e na televisão o tempo é representado de maneiras diferentes. Na fotografia, o tempo é passado, o instante capturado pelo fotógrafo. No cinema, o tempo é o da projeção na tela em sala escura que, além do passado do registro pela câmara, simula o tempo real que é sentido pelo espectador. Na televisão, temos o tempo ao vivo das transmissões diretas, o evento acontece, e o espectador o vê ao mesmo tempo em que ele ocorre. A pesquisa surgiu a partir da idéia de duas transmissões que ocorrem simultaneamente através de dois meios diferentes, via satélite e via fibra óptica, e a diferença de tempo entre esses dois meios / Abstract: GOETJEN, Betina. The Time Through the Medias: Photography, Cinema, Television. Dissertation. Post graduation Program in Arts of the Paulista State University ―Júlio de Mesquita Filho‖, concentration area in Visual Arts, research line Artistic Process and Proceedings. São Paulo, p. 85, 2010. This research has the intention to show how the time can be represented in photography, in cinema and in television. It initiates with the time and it's acceleration through the development of the technologies and also of the need of man to represent what he sees to be able to understand the world where he lives. In photography, in cinema and in television the time is represented in different ways. In photography, time is on the past, the instant captured by the photographer. In cinema, the time is that of the projection in the screen in dark room that, beyond the past captured by the camera, simulates the real time that is felt by the spectator. In the television, we have the time that is live, the one of the direct transmissions, the event happens and the spectator watch it at the same time that it occurs. The inspiration of this research begun from the idea of two transmissions, which occur simultaneously, in two different means, by satellite and by optical fiber, and the difference of time between those two ways / Mestre
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O sonho de um idiota : ensaio sobre algumas adaptações cinematográficas de obras literárias, feitas por Akira Kurosawa /Lúcio Sobrinho, Alexandre. January 2006 (has links)
Orientador: José Carlos Zamboni / Banca: Maria Lídia Lichtscheidl Maretti / Banca: Madalena Natsuko Hashimoto Cordaro / Resumo: Enquanto um ser sobrenatural fia numa roca uma linha transparente e frágil, um poderoso samurai, com um punho cerrado sobre sua espada, percebe que seu destino está sendo desenrolado e partir-se-á como os fios de uma teia de aranha. Outro samurai, não tão jovem, mas com a espada em riste, derrama seu sangue em terra familiar. Um menino e uma menina vestem máscaras demoníacas para sobreviver em um mundo que não admite doçura. São esses alguns dos personagens e dos temas presentes na obra de Akira Kurosawa, motivos sinistros e dolorosos demais para serem tocados pela mente comum, mas que são tomados corajosamente pelo gênio brilhante e sensível, que transforma tudo em beleza e arte. O objetivo deste ensaio é comentar o casamento da beleza e do sofrimento em seus filmes, onde também comparecem os seguintes convidados: a vida do próprio diretor, a literatura que o influenciou, a pintura e a música que admirou e que inseriu em seus filmes e, como parte essencial de qualquer trabalho científico, como Fritjoff Capra disse em O Tao da Física, minha vida também comparece aqui, como é inevitável, já que sou eu o fotógrafo deste casamento. / Abstract: While a white phantom of old-man or woman devily spins a translucent and frail thread on a distaff, a powerful samurai, with a fist strongly shut upon his sword, realizes that his destiny is being unwrapped there, and knows that will be torn as easily as a thread of a spider-web. Another samurai, not so young, but with his sword still ready, suffers the bleeding of his life in the land of his owns. A boy and a girl have to dress masks of demons in order to survive in a world that doesnþt allow sweetness at all. These are some of the characters and themes often found in the works of Akira Kurosawa; sinister and painful motives, usually refused by common peopleþs minds, but courageously taken by the brilliant and sensitive genius, who turns everything of these into art and beauty. This is what we search in this essay: the wedding of beauty and suffering in his movies, where it comes too the following guests: his own life, the books he read, the paintings he admired, the music he liked to put on his films, and, as an essential part of a scientific work, like Fritjoff Capra said in The Tao of Phisics, here comes my life too, as it is inevitable, being a photographer of this wedding as I am. / Mestre
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Cultura, política e representações do México no cinema norte-americano : Viva Zapata! de Elia Kazan /De Fazio, Andréa Helena Puydinger. January 2010 (has links)
Orientador: Carlos Alberto Sampaio Barbosa / Banca: Mariana Martins Villaça / Banca: Carlos Eduardo Jordão Machado / Resumo: Temos no filme Viva Zapata! (1952) o eixo central desta pesquisa, através da qual buscamos iluminar as relações entre cinema, cultura e política norte-americana dos anos cinqüenta, além de questionar como este cinema forma uma visão sobre o outro - nesse caso, os mexicanos. Produzido e lançado nos Estados Unidos em meio ao macartismo - oposição e perseguição aos comunistas, decorrente da Guerra Fria - é dirigido pelo cineasta Elia Kazan e tem como roteirista John Steinbeck, importante romancista norte-americano. Suas temáticas dialogam com a cultura e a política da época, os quais buscamos resgatar através deste estudo. Ainda, sendo um filme norte-americano sobre o México, nos possibilita questionar como este país e seu povo são representados - e ir além, analisando como se formam as visões dos outros no imaginário norte-americano, visão esta que se reflete através de manifestações culturais, como o cinema / Abstract: The film Viva Zapata! (1952) is the central axis of the present study, through which we tried to highlight the relationships among North American cinema, culture and politics in the 1950s, as well as to question how this cinema forms the view about the other - in this case, the Mexicans. Produced and launched in the United States during McCarthyism - opposition and persecution to communists due to Cold War -, that film was directed by the filmmaker Elia Kazan and had as writer John Steinbeck, an important North American novelist. Its themes dialogue with the culture and the politics of that period, which we tried to rescue through this study. In addition, it is a North-American film about Mexico, which allows us to question how this country and its people are represented - as well as to analyze how the view about the others is formed in the North American imagination, since this view is reflected through cultural manifestations such as cinema / Mestre
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