Submitted by Pedro Barros (pedro.silvabarros@ufpe.br) on 2018-09-04T19:22:45Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) DISSERTAÇÃO Izabella Maria da Silva Medeiros.pdf: 2698954 bytes, checksum: b6f39fd082d42ea330fa5fe8f4aee4d4 (MD5) / Approved for entry into archive by Alice Araujo (alice.caraujo@ufpe.br) on 2018-09-17T23:28:41Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) DISSERTAÇÃO Izabella Maria da Silva Medeiros.pdf: 2698954 bytes, checksum: b6f39fd082d42ea330fa5fe8f4aee4d4 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-17T23:28:41Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) DISSERTAÇÃO Izabella Maria da Silva Medeiros.pdf: 2698954 bytes, checksum: b6f39fd082d42ea330fa5fe8f4aee4d4 (MD5) Previous issue date: 2012-08-31 / CNPq / Este trabalho partiu do interesse em se investigar a possibilidade de tensionamento da arte com a vida num contexto brasileiro em que há um forte desejo de inserção social da arte, de se estabelecer novas formas de interação com o público e se construir novos modelos de experiência estética. Refiro-me ao período que teve como marco inicial a década de 1960, momento marcado por importantes mobilizações e reflexões em torno de e sobre as questões que envolviam o debate sobre cultura e arte no país. É um momento em que novas concepções de arte e cultura conquistam cada vez mais espaço e o desejo de uma arte que concilie os sentidos da experimentação e da participação surge como principal reinvindicação. Diante do cenário político em que o Brasil vivia então, havia um forte desejo de construir-se uma arte que se opusesse incisivamente aos valores autoritários do regime militar. Assim, os artistas procuraram construir um novo conceito de arte e de artista, capaz de desenvolver uma prática artística que se constituísse enquanto tal vinculando-se ao contexto da vida comum dos sujeitos. Tomando, então, a produção artística de Lygia Clark como objeto de estudo, meu objetivo foi investigar de que maneira ela elaborou um programa estético-artístico capaz de atingir as finalidades acima citadas. Marcada por um permanente questionamento da função da arte e do artista, Lygia Clark revolucionou a relação espectador-obra de arte e assumiu, acima de tudo, o ato estético como campo de experiência. Com a pesquisa sobre seu trabalho e, consequentemente, sobre a emergência da arte contemporânea no Brasil, é possível compreender que a arte não se reduz ao objeto e/ou à manifestação que redundam de sua prática. A arte é exatamente essa prática em sua totalidade, configurada como uma prática estética aberta à invenção e que, por isso mesmo, problematiza e transforma a realidade. Afirmo, desse modo, que o artista contemporâneo, ao deslocar-se de sua posição tradicional (distanciada do público) e procurar se inserir na matéria do mundo e da vida comum, demonstra como a arte é uma prática de problematização da vida cotidiana: processo de produção e (re)significação de sentidos e criação de mundos. / The present study set out from the interest in investigating the possibility of distending the relationship between art and life. This is set in a Brazilian background where there is an urge towards art's social insertion, the establishment of new forms of audience interaction and towards new models for esthetic experience. This refers to the period which has the decade of 1960 as milestone, being marked by important mobilizations and reflections revolving around the issues dealing with the country's art and culture debate. This is a period when new notions of art and culture gradually gain space and that, moreover, has as its central claim a desire for a form of art reconciling experience and participation. Given, in that time, Brazil's political background there was an urge towards constructing an art strongly opposed to the military regime's authoritarian values. In this way, artists attempted to construct new concepts of art and artist able to promote an artistic practice which, as such, would constitute itself bonded to the average individuals' life context. Drawing for this purpose on Lygia Clark's artistic production as study object, my objective was to investigate through which way she managed to develop an esthetic-artistic program able to achieve the goals mentioned above. Marked by a continuous inquiry on the function of art and artists, Lygia Clark revolutionized the expectator-work of art relationship and, most of all, incorporated the esthetic act as a field of experience. Through this research on her work and, consequently, on the emergence of contemporary art in Brazil it is possible to comprehend that art is not reduced to the object and/or the manifestation ensuing of its practice. Rather it is in itself this practice in its entirety and constituted as an esthetic practice open to creation which, for this reason, questions and changes reality. In this way, I attest that the contemporary artist by moving from her/his original position (distant from the audience) and attempting to become inserted in the matter of the world and average life demonstrates how art is a practice of questioning everyday life: a process of producing and (re)signifying senses and creations of worlds.

A presente dissertação constitui uma reflexão sobre minha produção artística e seu desenvolvimento durante os últimos anos. Produção construída como uma série de fragmentos que abordam diferentes aspectos do trabalho cujo eixo central, além de estabelecer relações com momentos específicos da história da arte, gira em torno dos conceitos de apropriação, paisagem e repetição. Cada um dos textos opera de forma individual, são independentes e podem ser lidos separadamente dos outros. Isto, com o fim de enfatizar de forma individual as diferentes aproximações teóricas ao trabalho plástico e pretendendo que as relações que se estabeleçam entre essas aproximações ocorram de forma espontânea na cabeça do leitor, sem que estas tenham sido induzidas de forma explícita no texto / The disertation presents a reflection on my own work as an artist and its development among the last years. It is built as a series of fragments that addressed the work on different aspects whose central axis, besides stablishing relationships with specific moments of Art History, spins around the concepts of apropiation, landscape, and repetition. Each texts works individually, being independent and possible to be read separately from the rest. This, aiming to enphasize individually the different theoretical approaches to the artist work and seeking that the established relationships occur espontaneously on the reader\'s mind even when this have not being induced in the text

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Design, 2018. / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES). / Aprender ao longo da vida é a única constante do mundo atual, uma vez que o planeta está em permanente estado de transformação. Tais mudanças são derivadas do estabelecimento da tecnologia digital e o mundo acompanha não apenas os avanços trazidos por ela, mas também a sua velocidade exponencial de metamorfose, logo exige dos cidadãos uma nova forma de pensar, uma nova maneira de aprender. Deste modo, esta pesquisa teve por objetivo encontrar no Design caminhos possíveis para este processo de aprendizagem contemporânea, identificando no mindset (modelo mental) de design a correlação com o mindset disruptivo que leva a aprendizagem alinhada ao modelo atual social. Para esta investigação, foi utilizado as abordagens do Design Participativo, do Design Circular e dos construtos da Aprendizagem Contemporânea em uma pesquisa aplicada. Como proposta prática, foi desenvolvido um workshop imersivo em design que se utilizou de instrumentos de construção dos dados como entrevista empática, quadro semântico (moodboard), matriz de possibilidades, mapa da persona, mapeamento da jornada de aprendizagem e canvas cards para organizar projetos. Os resultados foram bastante significativos, os quais demonstraram o Design como propulsor da aprendizagem contemporânea e a partir desses indicativos foi desenhado um framework de Design para processos de aprendizagem. / Lifelong learning is the only constant in the current world, since it is in permanent state of transformation. Such changes are derived from the establishment of digital technology and the world follows not only the advances made by it, but also its exponential speed of metamorphosis, thus requiring citizens a new way of thinking, a new way of learning. In this way, this research aimed to find in the Design possible paths for this contemporary learning process, identifying in the design mindset the correlation with the disruptive mindset that leads to learning aligned with the current social model. For this research, it was used the approaches of Participatory Design, Circular Design and Contemporary Learning constructs in an applied research. As a practical proposal, an immersive design workshop was developed, using data construction tools such as empathic interview, mood board, possibilities matrix, persona map, mapping of the learning journey and canvas cards to organize projects. The results were quite significant, which demonstrated Design as a propellant of contemporary learning and from these indicatives a Design framework for learning processes was designed.

Made available in DSpace on 2018-08-01T23:30:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_10482_2017DISSERTACAOEltonRibeiroPinheiro.pdf: 10062234 bytes, checksum: b620f739126f89e2c8dcff9bc037c9ef (MD5) Previous issue date: 2016-11-25 / Esta pesquisa estuda a escuta de um espaço sonoro na obra do artista brasileiro Cildo Meireles. Para tanto, investiga a utilização do som na obra do artista e sua emissão em seis trabalhos, a saber: Mebs/Caraxia (1970-1971), Sal sem carne (1975), Rio Oir (1976-2011), em que o suporte principal é o objeto disco de vinil; Babel (2001-2006) e Liverbeatlespool (2004), nos quais o objeto rádio é responsável pela emissão do som, ou inserção memorial e histórica de uma sonoridade; e Através (1983-1989), cujo emissor é o espectador que atravessa a instalação. Descreve-se aqui criticamente cada um dos trabalhos, considerando-se a existência de um espaço sonoro, e pesquisa-se a fruição do espectador no encontro com as obras. O trabalho também mostra um ponto de contato com o uso do disco de vinil, estabelecendo aproximações e distanciamentos da escuta musical e da escuta dos sons. Articula o som, como efeito físico, com os campos sonoros da obra de Cildo Meireles, relacionando-o com as elaborações, imagens, personagens da ficção ou da história aos quais o artista recorre em sua produção. A pesquisa caminha em direção à escuta, levando à acuidade dessa escuta, considerando a proposta de uma sonoridade que demanda uma escuta autoral. Palavras-Chaves: Cildo Meireles, arte contemporânea, som, escuta, espaço.

Made available in DSpace on 2018-08-01T23:30:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_10593_DISSERTAÇÃO MESTRADO KATLER FINAL REVISADO.pdf: 25877617 bytes, checksum: b652beb41d4609d2b13306d2b5c9db0f (MD5) Previous issue date: 2017-01-13 / Esta dissertação apresenta a trajetória artística de Alex Vallauri considerado o precursor do graffiti no Brasil. Como ponto de partida, analisamos os precedentes históricos do graffiti contemporâneo e traçamos uma breve historiografia sobre a primeira geração de grafiteiros da cidade de São Paulo a partir de revisão bibliográfica e depoimentos de áudio e vídeo. Na sequência, a obra de Alex Vallauri é analisada em agrupamentos das diferentes técnicas e suportes exploradas, desde as gravuras realizadas no Porto de Santos no final da década de 1960, passando pelas apropriações, carimbos, estêncil, livros de artista, até a instalação Festa na Casa da Rainha do Frango Assado, apresentada na 18ª Bienal Internacional de São Paulo. A pesquisa também aprofunda a investigação sobre a Pop Art e o Kitsch na produção artística de Vallauri. Por fim, propõe-se uma abordagem teórica sobre a relação do graffiti com a cidade e os transeuntes a partir dos conceitos de afeto e cidade-corpo. Palavras-chave: Alex Vallauri; Arte Contemporânea; Graffiti; Cidade; Kitsch.

Made available in DSpace on 2018-08-01T23:30:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_11343_DarioIvanPedraza diserta.pdf: 14820701 bytes, checksum: cd8bc7839fe7837dd40b1804be8ac498 (MD5) Previous issue date: 2017-08-25 / Esta dissertação tem por objetivo trazer à tona uma reflexão sobre o conceito do vazio e algumas de suas diversas manifestações na arte contemporânea, tomando como base obras dos artistas Waltercio Caldas (Rio de Janeiro, 1946 -) e Gordon Matta-Clark (Nova Iorque, 1943 1978). Ambos problematizam os conceitos de espaço, vacuidade e plenitude, e utilizam práticas e estratégias de produção da obra nas quais se manifesta o sentido multimídia da arte contemporânea ao vincular os trabalhos deles com outras disciplinas como o design, a fotografia ou a arquitetura. O processo construtivo do trabalho, tanto de Caldas quanto de Matta-Clark, reflete possibilidades de que a partir do encontro com o espectador abrir-se o momento em que o vazio consegue sua potência poética. Palavras chave: Arte contemporânea, vazio, espaço, Gordon Matta-Clark, Waltercio Caldas.

A presente dissertação constitui uma reflexão sobre minha produção artística e seu desenvolvimento durante os últimos anos. Produção construída como uma série de fragmentos que abordam diferentes aspectos do trabalho cujo eixo central, além de estabelecer relações com momentos específicos da história da arte, gira em torno dos conceitos de apropriação, paisagem e repetição. Cada um dos textos opera de forma individual, são independentes e podem ser lidos separadamente dos outros. Isto, com o fim de enfatizar de forma individual as diferentes aproximações teóricas ao trabalho plástico e pretendendo que as relações que se estabeleçam entre essas aproximações ocorram de forma espontânea na cabeça do leitor, sem que estas tenham sido induzidas de forma explícita no texto / The disertation presents a reflection on my own work as an artist and its development among the last years. It is built as a series of fragments that addressed the work on different aspects whose central axis, besides stablishing relationships with specific moments of Art History, spins around the concepts of apropiation, landscape, and repetition. Each texts works individually, being independent and possible to be read separately from the rest. This, aiming to enphasize individually the different theoretical approaches to the artist work and seeking that the established relationships occur espontaneously on the reader\'s mind even when this have not being induced in the text

A pesquisa que aqui se apresenta aborda a emergência da confissão na arte contemporânea. Notamos que os artistas, nas duas últimas décadas, vêm reconhecendo cada vez mais uma necessidade de expor a sua própria existência como obra de arte. Assim, a vida adquire um estatuto de arte. A existência e todo o peso da intimidade passam a ser os temas essenciais a serem pensados. Investigamos os trabalhos de artistas contemporâneos como Tracey Emin, Nan Goldin, Beth Moysés e Karen Finley que tomam sua vida como narrativa e obra. A tese está fundamentada no anacronismo como possibilidade de análise historiográfica. Tentamos realizar uma leitura particular de atividades artísticas separadas espacial e temporalmente em uma espécie de estratigrafia, realizando uma montagem interpretativa. Procuramos investigar as origens da confissão em diversos momentos históricos na Idade Média, na Grécia, e no século XX com artistas como Claude Cahun, Andy Warhol, Marcel Duchamp, a arte feminista nas décadas de 60 e 70 e o acionismo vienense que tencionaram, uma aproximação entre arte e vida. A confissão caracteriza-se como uma prática que consiste em anunciar o testemunho de um desvio, revelando-se uma experiência diversa do saber cognitivo e da informação. As “narrativas do eu” existem enquanto dejeto, prurido, excreção, líquido abjeto que envenena e contamina. Falar seria uma maneira de aliviar-se do que está retido. A confissão seria a fala que se perde, que se deixa, no entanto ao excretar o doloroso e o impuro, advém o prazer da dejeção. Abordamos o universo da confissão utilizando o conceito de circonfissão, cunhado pelo filósofo Jacques Derrida. A circonfissão seria a reunião da confissão com a circuncisão, construindo um conceito em que confissão se torna uma espécie de recostura, uma cicatriz. Essa via negativa que é cristalizada pela confissão, opera através da intimidade e conduz o relato a uma sensação de abandono que “não exclui o prazer ou o gozo, ao contrário provoca-os”1 Das confissões nascem lágrimas de Thanatos e lágrimas de Eros. Dessa forma, a confissão passa a adquirir uma narrativa estética. / The research presented here concerns the emergence of “confession” in contemporary art. In the last decades we have noted that artists are recognizing the necessity, not only to exhibit their work but exhibit their own existence in their art. In this manner life acquires an artistic connotation. The full weight of the intimacy becomes the essential theme to be considered. We have investigated contemporary artists: Tracey Emin, Nan Goldin, Beth Moysés and Karen Finley that have taken their lives as a narrative and work. The thesis is grounded on the anachronism as a possibility of historiographical analysis. We have tried to make a particular reading about artistic activities that are separated in the space and in the time in a stratigraphic way, making a kind of interpretative montage. We attempt to investigate the roots of the confession in several historical periods: in Middle Ages, in Greece, in XX century, we have researched works made by artists as: Claude Cahun, Andy Warhol, Marcel Duchamp, the feminist art from the 60’s and 70’s, and the vienense acionism that made an approximation between art and life. Confession characterizes itself as a practice which consists of announcing a witness to deviation, and in doing so reveals itself as a diverse experience of cognitive knowledge and information. The narratives of the self are a representation of sentiments excreted, rejected, expelled from the artists inner self because they are considered to be impure and vile. Speaking would be a manner to aliviate this retention. The confession would be a lost dialogue, nevertheless when the painful and the impure are excreted succeed the joy of the dejection. We investigate the universe of confession utilizing the idea of circonfession proposed by the philosopher Jacques Derrida. The circonfession would be the amalgamation of confession with circumcision, constructing the idea that confession becomes a form of resewing, a scar. This negative route is crystallized by the confession and operates through intimacy leading the narrative to a sense of abandonment that doesn’t exclude pleasure or joy, on the contrary, provokes them. From the confessions are born: tears of Thanatos and tears of Eros. In this way the confession acquires an aesthetic narrative.

Conclusão dos propósitos da crítica situacionista na prática da teoria autónoma actual. Aspectos estéticos, artísticos e subversivos da crítica situacionista na história actual.

A pesquisa que aqui se apresenta aborda a emergência da confissão na arte contemporânea. Notamos que os artistas, nas duas últimas décadas, vêm reconhecendo cada vez mais uma necessidade de expor a sua própria existência como obra de arte. Assim, a vida adquire um estatuto de arte. A existência e todo o peso da intimidade passam a ser os temas essenciais a serem pensados. Investigamos os trabalhos de artistas contemporâneos como Tracey Emin, Nan Goldin, Beth Moysés e Karen Finley que tomam sua vida como narrativa e obra. A tese está fundamentada no anacronismo como possibilidade de análise historiográfica. Tentamos realizar uma leitura particular de atividades artísticas separadas espacial e temporalmente em uma espécie de estratigrafia, realizando uma montagem interpretativa. Procuramos investigar as origens da confissão em diversos momentos históricos na Idade Média, na Grécia, e no século XX com artistas como Claude Cahun, Andy Warhol, Marcel Duchamp, a arte feminista nas décadas de 60 e 70 e o acionismo vienense que tencionaram, uma aproximação entre arte e vida. A confissão caracteriza-se como uma prática que consiste em anunciar o testemunho de um desvio, revelando-se uma experiência diversa do saber cognitivo e da informação. As “narrativas do eu” existem enquanto dejeto, prurido, excreção, líquido abjeto que envenena e contamina. Falar seria uma maneira de aliviar-se do que está retido. A confissão seria a fala que se perde, que se deixa, no entanto ao excretar o doloroso e o impuro, advém o prazer da dejeção. Abordamos o universo da confissão utilizando o conceito de circonfissão, cunhado pelo filósofo Jacques Derrida. A circonfissão seria a reunião da confissão com a circuncisão, construindo um conceito em que confissão se torna uma espécie de recostura, uma cicatriz. Essa via negativa que é cristalizada pela confissão, opera através da intimidade e conduz o relato a uma sensação de abandono que “não exclui o prazer ou o gozo, ao contrário provoca-os”1 Das confissões nascem lágrimas de Thanatos e lágrimas de Eros. Dessa forma, a confissão passa a adquirir uma narrativa estética. / The research presented here concerns the emergence of “confession” in contemporary art. In the last decades we have noted that artists are recognizing the necessity, not only to exhibit their work but exhibit their own existence in their art. In this manner life acquires an artistic connotation. The full weight of the intimacy becomes the essential theme to be considered. We have investigated contemporary artists: Tracey Emin, Nan Goldin, Beth Moysés and Karen Finley that have taken their lives as a narrative and work. The thesis is grounded on the anachronism as a possibility of historiographical analysis. We have tried to make a particular reading about artistic activities that are separated in the space and in the time in a stratigraphic way, making a kind of interpretative montage. We attempt to investigate the roots of the confession in several historical periods: in Middle Ages, in Greece, in XX century, we have researched works made by artists as: Claude Cahun, Andy Warhol, Marcel Duchamp, the feminist art from the 60’s and 70’s, and the vienense acionism that made an approximation between art and life. Confession characterizes itself as a practice which consists of announcing a witness to deviation, and in doing so reveals itself as a diverse experience of cognitive knowledge and information. The narratives of the self are a representation of sentiments excreted, rejected, expelled from the artists inner self because they are considered to be impure and vile. Speaking would be a manner to aliviate this retention. The confession would be a lost dialogue, nevertheless when the painful and the impure are excreted succeed the joy of the dejection. We investigate the universe of confession utilizing the idea of circonfession proposed by the philosopher Jacques Derrida. The circonfession would be the amalgamation of confession with circumcision, constructing the idea that confession becomes a form of resewing, a scar. This negative route is crystallized by the confession and operates through intimacy leading the narrative to a sense of abandonment that doesn’t exclude pleasure or joy, on the contrary, provokes them. From the confessions are born: tears of Thanatos and tears of Eros. In this way the confession acquires an aesthetic narrative.