Made available in DSpace on 2016-08-26T15:19:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_7747_Janayna_Araujo_Costa_Pinheiro_CildoMeireles.pdf: 20086799 bytes, checksum: d6320fa04179d47e95c546bfe1470dbc (MD5) Previous issue date: 2014-05-28 / Com a atenção nos escritos do artista, esta pesquisa se ocupou de investigar e analisar as narrativas recorrentes na produção do artista brasileiro Cildo Meireles. O artista diz ter a oralidade como suporte ideal para a obra de arte. Para a análise, escolhemos obras que se coadunassem com essa proposição, entre elas: Estudo para Espaço (1969), Espaços Virtuais: Cantos (1976-1977), Malhas da Liberdade (1976-1977) Inserções em Circuitos Ideológicos (1970), Eureka/Blindhotland (1970- 1975), Desvio para o Vermelho (1967-1984), Através (1983-1989), Missão/Missões (Como Construir Catedrais) (1987) e Elemento Desaparecendo/Elemento Desaparecido (2002). As histórias narradas ecoam em entrevistas e comentários de críticos, como um prolongamento de seu trabalho artístico, sem serem explicativas. Nessas narrativas, a linguagem poética é diversa e funciona como: instruções, biografia das obras, textos, desenhos-projetos, inserções, história-conceito. A complexa relação entre o texto e o objeto de arte subverte e articula formas alternativas entre o sensorial e o conceitual com elegância formal. Com potência própria, e também como elemento no conjunto da produção do artista, as narrativas são de natureza diferente e incluem desde literatura até experiências vividas, fatos históricos e sociais. Mostramos como essas narrativas se conectam com a obra, e buscamos elementos que delas emergem e se exprimem em um universo multissensorial.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2014. / Submitted by Ana Cristina Barbosa da Silva (annabds@hotmail.com) on 2015-06-24T14:19:56Z No. of bitstreams: 1 2014_RitadeCassiaSantosBuarqueGusmao.pdf: 1332016 bytes, checksum: f6c4a1a73e6d872b98dc7ea895d2e496 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2015-06-24T14:46:54Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_RitadeCassiaSantosBuarqueGusmao.pdf: 1332016 bytes, checksum: f6c4a1a73e6d872b98dc7ea895d2e496 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-06-24T14:46:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_RitadeCassiaSantosBuarqueGusmao.pdf: 1332016 bytes, checksum: f6c4a1a73e6d872b98dc7ea895d2e496 (MD5) / A perspectiva da arte como produção de conhecimento associada ao desenvolvimento e ampliação da sensibilidade é aqui tratada do ponto de vista da arte cênica contemporânea. Processos criativos em coletivo e participação corporal do espectador são os elementos estruturais para analisar o contexto de fruição que se estabeleceu desde a instauração de uma estética relacional para a arte. Para o desenvolvimento desta reflexão, são visitadas as teatralidades contemporâneas nas suas propostas estéticas múltiplas. Para o desenvolvimento da análise, o conceito de “iteração” é central e serve de parâmetro para a proposição de um percurso de percepção e compreensão das relações entre manifestações artísticas e fruidores coautores. ____________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The prospect of art as knowledge production associated with the development and expansion of the sensitivity is here treated from he point of view of contemporary scenic art. Creative collective processes and body of the spectator participation are the structural elements to analyze the context of enjoyment that has settled since the introduction of relational aesthetics for art. For the development of this reflection, are visited the contemporary theatricality in its proposals multiple aesthetics. For the development of analysis, the concept of "iteration" is central and serves as a parameter to the proposition of a route of perception and understanding of the relationship between artistic manifestations and spectators co-authors.

Esta dissertação acompanha o movimento de desterritorialização realizado pela Psicologia, a partir de um encontro com a Filosofia da Diferença. Através de cenas protagonizadas pelo personagem Ela, assistimos a um processo de rachadura dos territórios aprisionantes da subjetividade contemporânea, das grandes categorias molares e das micropolíticas que os sustentam. A escrita, lugar de intensificação absoluto da imaginação, revela-se a linha de fuga que nos leva ao encontro das intensidades perversas e anômalas, produtoras dos desertos que guardam a potência de começar um novo mundo. / This paper follows the deterritorialisation movement accomplished by Psychology in its encounter with the Philosophy of Difference. Through the scenes of the character Ela, we witness a crack process of the confinement territories of contemporary subjectivity, of the large molars categories and the micropolitics that support these territories. The writing, place of absolute intensification of the imagination, is the line of flight that led us to the perverse and anomalous intensities, producing the deserts that keep the power to start a new world.

O trabalho considera a hipótese da escultura se constituir a partir da instauração de um litígio na matéria em operação pela coexistência de diferentes visões e interpretações prospectadas, de um lado nos processos mentais e interpretativos do autor, de outro lado na prospecção da matéria em operação. Para tanto este estudo estabelece o conjunto de conceitos básicos que nortearão a investigação e vão incentivar à prospecção, como o conceito de desafeição, de estranhamento, de abdução interpretativa, de fabulação, de fluxo e de deriva resultante, desenvolvendo estratégias e procedimentos para lidar com o amplo espectro que constitui o fazer escultórico ao operar a matéria e articular a irrupção de imagens, pulsões e desejos que emergem agregados às abduções. A construção metodológica deste estudo se alicerça sobre duas vertentes. De um lado, a Teoria da Formatividade de Luigi Pareyson, a questão do litígio abordado no texto de M. Heidegger, "A Coisa"; a questão da abdução, originalmente de C. S. Peirce, por meio dos estudos de Sami Paavola e Lorenzo Magnani e por fim o emprego do conceito de fabulação de Lévi-Strauss. De outro lado, é um trabalho de poéticas que se alicerça sobre a fala, o testemunho e a reflexão em primeira pessoa de toda uma série de artistas, considerados fundamentais para o entendimento das questões que constituem e definem o fazer artístico. / The work considers the hypothesis of the sculpture as been constituted on the instauration of a litigation in the substance in operation of the coexistence of different visions and prospected interpretations, from one side in the mental and interpretative processes of the author, and from another side in the prospection of the substance in operation. For in such a way this study it establishes a set of basic concepts that will guide this inquiry and stimulate the prospection, such as the concept of desaffection, defamiliarization, interpretative abduction, fabulation, flow and resultant drift, developing strategies and procedures to deal with the ample specter that constitutes the making of sculpture while operating the substance and articulating the eruption of images, pulses and desires that emerge connected to abductions. The methodological construction of this study is based on two sources. From one side, the Theory of Formativity from Luigi Pareyson, the question of litigious as approached in the text of M. Heidegger, "the Thing"; the question of the abduction, originally from C.S. Peirce, by means of the studies of Sami Paavola and Lorenzo Magnani and finally the concept of fabulation from C. Lévi-Strauss. On another side, it is a practice-based study and it is grounded on the speech, the testimonials and the reflection in a series of artists, considered basic for the understanding of questions that constitute and define the art making.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2017. / Submitted by Raiane Silva (raianesilva@bce.unb.br) on 2017-07-19T17:24:20Z No. of bitstreams: 1 2017_AtilaRibeirodeSousaRegiani.pdf: 6735728 bytes, checksum: 2bd48d93e9de4ff53940a155071817b1 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2017-09-06T22:08:11Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_AtilaRibeirodeSousaRegiani.pdf: 6735728 bytes, checksum: 2bd48d93e9de4ff53940a155071817b1 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-06T22:08:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_AtilaRibeirodeSousaRegiani.pdf: 6735728 bytes, checksum: 2bd48d93e9de4ff53940a155071817b1 (MD5) Previous issue date: 2017-09-06 / Esta tese discute a curadoria e os museus a partir da obra de arte contemporânea. No primeiro capítulo, aborda o tema do Arquivo, sob a égide do pensamento do filósofo francês Michel Foucault (1926 - 1984): “o sistema que governa a aparição das enunciações”. A partir da abordagem desconstrutiva do Arquivo, via Jacques Derrida (1930 - 2004), e a proposição de arquivos desconstruidos pela incorporação dos processos de montagem presentes na pesquisa de Benjamin e Warburg. O segundo capítulo discute a incapacidade do museu de assimilar completamente a obra de arte contemporânea decorrente, sobretudo, dos sistemas de catalogação e conservação que se originaram no século XIX. A sistematização, a conservação e a determinação da autoria são dados que amparam a compreensão da obra e se tornam um problema estrutural para sua assimilação pelo museu nas experiencias mais radicais da arte no século XX e XXI. O terceiro capítulo discute os museus de artista, museus experimentais e as possibilidades de reinvenção do museu. Para tanto, traz uma análise do Museu Imaginário (1947) de André Malraux (1901-1976), a Caixa-Valise (1935 - 1941) de Marcel Duchamp (1887 - 1968), o projeto LiMAC (2002) da artista peruana Sandra Gamarra (1972 – ), curadorias experimentais das décadas de 1960 e 70 e curadorias contemporâneas que se aproximam dos processos artísticos, como Do It (1993), Do Corpo a Terra (1970) e Quando Atitudes se Tornam Forma (1969). Tanto a curadoria quanto os museus são pensados pelos seus espaços de crise, de exceção e conflito. Propoe-se, assim, que a curadoria possa entendida pelos processos artísticos, como um rearranjo de suas estruturas pela obra que organiza. Apresentam-se, portanto, como a possibilidade utópica de reinvenção do museu, apontando para sua reestruturação a partir de outros parâmetros. / This thesis discusses curatorship and museums having contemporary work of art as the starting point. In the first chapter, it deals with the theme of the Archive, under the auspices of the thought of the French philosopher Michel Foucault (1926 - 1984): "the system that governs the appearance of statements." From the deconstructive approach of the Archive, by Jacques Derrida (1930 - 2004), and the proposition of deconstructed archives by the incorporation of the assembly processes present in the Benjamin and Warburg research. The second chapter discusses the inability of the museum to fully assimilate the work of contemporary art stemming mostly from the systems of cataloging and conservation that originated in the nineteenth century. The systematization, conservation and determination of authorship are data that support the understanding of the work of art and become a structural problem for its assimilation by the museum in the most radical experiences of art in the XX and XXI century. The third chapter discusses Artist's museums, experimental museums and the possibilities of reinvention of the museum. To that end, the text presents an analysis of the Museum Without Walls (1947) by André Malraux (1901-1976), Marcel Duchamp's Box in a Valise (1935-1941) (1887-1968), the Peruvian artist Sandra Gamarra (1972) project, LIMAC. Experimental curators of the 1960s and 1970s, and contemporary curators who approach art processes such as Do It (1993), Do Corpo à Terra (1970) and When Attitudes Become Form (1969). Both the curatorship and the museums are thought as spaces of crisis, of exception and conflict. It is thus proposed that curatorship can be understood by artistic processes, as a rearrangement of their structures by the work they organize. They are presented, therefore, as the utopian possibility of reinventing the museum, pointing to its restructuring from other parameters.

Esta pesquisa envolve a análise de um processo construtivo que resulta em dez objetos-ninho que compõem a série denominada “Aninhos”. O texto, integrado à tessitura do trabalho, investiga vestígios, motivações e influências na feitura do mesmo, o que o torna repleto de referências pessoais, culturais e históricas. E isto através do “olhar transpositivo” um olhar especial, reflexivo, distanciado, que resgata a trajetória dessa poiética, onde são alinhavados temas tais como o desenvolvimento do processo simbólico (Cassirer), visto pela teoria da constituição de linguagem, tratada por Lacan; as conecções com o espaço social, através das teorias de Leroi-Gourhan e de Arnau Puig; as conecções com o espaço perceptivo, através da leitura de Merlot-Ponty, Arnhein e Pareyson; as vertentes históricas tratadas por Argan e Calabrese; e um código imagético, recuperado por vertentes simbólicas (mitológicas e literárias). Associados ao processo construtivo dos objetos-ninho, todos esses assuntos revelam-se em um espaço de características neobarrocas, que nomeio espaço topológico, baseada em uma definição de Arnau Puig. Um espaço que é o objetivo deste processo e pertence tanto ao plano físico como ao imaginário; que se instaura a partir do processo de comunicação e que, contentor da dinâmica que movimenta a obra, possibilita intersecções, através de gestos e reflexões, entre obra-artista-contexto-espectador.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2014. / Submitted by Andrielle Gomes (andriellemacedo@bce.unb.br) on 2015-07-03T16:53:54Z No. of bitstreams: 1 2014_YanaTamayoSotomayor.pdf: 39764134 bytes, checksum: 4539c976cd5098fb31cb2ab2490b18d4 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2015-07-16T12:53:19Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_YanaTamayoSotomayor.pdf: 39764134 bytes, checksum: 4539c976cd5098fb31cb2ab2490b18d4 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-07-16T12:53:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_YanaTamayoSotomayor.pdf: 39764134 bytes, checksum: 4539c976cd5098fb31cb2ab2490b18d4 (MD5) / Há mais de cinco séculos a cidade surgiu na arte como personagem da representação, abrindo espaço para que também a natureza fosse um elemento digno de ser contemplado, em separado da divindade. Esta investigação observa a vida urbana como objeto do olhar e acompanha o desenvolvimento da sociedade do progresso racional no Ocidente como uma trajetória marcada pela verticalização e ruína do instrumental que a caracterizou. A partir de uma reflexão sobre a condição material da arte e da imagem de um sujeito moderno em constante queda, buscamos criar mecanismos poéticos de fuga de um sublime entrópico que engendra há algum tempo a produção de imagens. Com o questionamento sobre a disseminação de imagens de ruína na arte contemporânea, observamos o processo de fragmentação das estruturas mitológicas do progresso por meio do estatuto da arquitetura e do modelo de crescimento capitalista das cidades. A arte, entendida como possibilidade de romper com as estruturas normativas da realidade através da linguagem, opera no presente trabalho como gesto utópico capaz de catalisar processos críticos de ruptura com os discursos dominantes do conformismo que caracterizam a imaginação sobre o presente e possíveis futuros. ______________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / For over five centuries, the city has emerged in art as a character of representation, making room for nature as an element worth of being contemplated separately from divinity. This research looks at the urban life as an ob¬ject of the gaze, and follows the development of a rational progress society in the West as a trajectory marked by verticalization and by the ruin of the instruments that are characteristics of this society. Based on a reflection about the material condition of art and about the image of a modern subject in constant fall, we seek to create poetic me¬chanisms of escape from an entropic sublime that engenders the production of images since a while ago. By ques¬tioning the spread of ruin images in contemporary art, we observed the process of fragmentation of mythological structures of progress through the architecture status and the capitalist growth model of cities. Art, understood as a possibility to break the normative structures of reality through language, operates in this work as a utopian gesture capable of catalyzing critical processes of rupture with the dominant discourses of conformity featuring the imagination about the present and possible futures.

Orientador: Florivaldo Menezes Filho / Resumo: O presente trabalho de pesquisa teve como objetivo fornecer subsídios para o melhor entendimento do pensamento melódico na música contemporânea. Por meio da análise descritiva e comparativa da estruturação melódica de quatro importantes peças do repertório pós-1945, verificou-se a hipótese de que elas preservam caracteríticas de épocas anteriores, assim como apresentam semelhanças entre si, o que permite que sejam relacionadas estilisticamente. As peças escolhids foram: Madrigal I, de Henri Pousseur; In Freundschaft, de Karlheinz Stockhausen; Sequenza IXa, de Luciano Berio; e Dialogue de l'ombre double, de Pierre Boulez. Elas foram escolhidas pela sua relevância no repertório e pelo fato de terem sido compostas para instrumento monódico solo, formação que força o discurso musical a se focar em aspectos melódicos. Os métodos analíticos aqui presentes baseiam-se principalmente em modelos propostos por Schoenberg (1996), Toch(1994) e De la Motte (1993). Os resultados das análises demonstraram que grande parte da construção melódica das peças analisadas é composta por estruturas e procedimentos que já se faziam presentes no repertório tradicional modal ou tonal. Ao mesmo tempo, os resultados destacam contribuições criativas enriquecedoras por parte dos compositores na utilização destes mesmos procedimentos e estruturas. / Abstract: The presente reseach aimed the better understanding of the melodic thinking in contemporary music. Through desciptive and comparative analysis of the melodic structure of four important plays of the post-1945 repertoire, it was verified the hypothesis that they preserve the characteristics of previous periods, as well as present similarities among each other, wich allows them to be styliscally related. The chosen works were: Madrigal I, of Henri Pousseur; In Freundschaft, of Karlheinz Stockhausen; Sequenza IXa, of Luciano Berio; and Dialogue de l'ombre double, of Pierre Boulez. They were chosen according to their relevance in the repertoire and because they were composed for solo monodic instrument a formation which induces the musical spreech to focus on melodic aspects. The analytical methods here presented are based mainly on propossed by Schoenberg (1996), Toch(1994) and De la Motte (1993). The results of the analysis demonstrated that most of the melodic construction of the pieces mentioned above is formed by structures and procedures that were already present in the traditional modal or tonal repertoire. At the same time, the results highligted enriching creative contributions by the composers in the use of these same procedures and structures. / Mestre

O presente texto, apresentado sob o título Do pão à toalha de mesa: uma abordagem poética por prolongamentos, é o resultado de uma pesquisa em Poéticas Visuais desenvolvida no decorrer de quatro anos, entre 2003 e 2007. Os trabalhos são fotografias, objetos e intervenções que realizam um movimento de prolongamento: extensão de tempo e espaço e expansão dos sentidos. Prolongamento do pão à toalha de mesa é, deste modo, um prolongamento prático e também teórico. O pão e a toalha de mesa se tornam autênticos objetos de jogo, jogo de construção e desconstrução da experiência, que articula modos de conhecer o mundo. O texto se desenvolve como uma cartografia móvel e deslizante, um meio de suspender o objeto em processo a um estado de constelação de idéias, a ligar pontos, tentando não paralisá-lo em um sistema exclusivo e fechado de pensamento. A necessidade de baldar o discurso (arma do poder) se faz premente, em uma busca inquieta e escorregadia, aquela que tenta fazer a experiência tornar ao centro. Para isso, é lançando mão de recursos, como a narrativa e a descrição, em uma tentativa de devolver o discurso a uma instância anterior àquela do artificialismo. / This text, entitled Do pão à toalha de mesa: uma abordagem poética por prolongamentos, (From the bread toward the tablecloth: a poetic approach through prolongations), is the result of the research project in Visual Poetics developed for the last four years, 2003 to 2007. The works are photographs, objects and interventions that produce a movement of prolongation: extension of time and space, and expansion of the senses. In this way, the prolongation of the bread toward the tablecloth is also both a practical and theoretical prolongation. The bread and the tablecloth become authentic objects in a game, a game of construction and deconstruction of the experience that articulates ways of knowing the world. The text develops like a mobile and sliding cartography, a way to suspend the object in its process toward a constellational state of ideas, where points are linked together and try not to paralyze it in an exclusive, closed system of thought. The necessity to thwart discourse (weapon of power) becomes urgent in a disquieting and slipping search, one that tries to make the experience focus back at the center. This is why I have sought to make use of resources such as narrative and description in the attempt to return the discourse to an instance prior to that of artificiality.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Humanidades, Departamento de Filosofia, Programa de Pós-Gradução, 2007. / Submitted by Diogo Trindade Fóis (diogo_fois@hotmail.com) on 2009-12-23T11:16:25Z No. of bitstreams: 1 2007_GabrielaLafetaBorges.pdf: 509744 bytes, checksum: b0bebf37bae5010eecc28898e58df5a6 (MD5) / Approved for entry into archive by Joanita Pereira(joanita) on 2009-12-23T13:02:36Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2007_GabrielaLafetaBorges.pdf: 509744 bytes, checksum: b0bebf37bae5010eecc28898e58df5a6 (MD5) / Made available in DSpace on 2009-12-23T13:02:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2007_GabrielaLafetaBorges.pdf: 509744 bytes, checksum: b0bebf37bae5010eecc28898e58df5a6 (MD5) Previous issue date: 2007 / O presente estudo pretende expor a possibilidade mesma da moralidade, entre o fascínio e o fato, às voltas com a linguagem que, inevitavelmente, a configura e a põe à prova. Nos caminhos do filósofo Franco-Lituano, Emmanuel Lévinas (1906-1995), é proposto um confronto com a ontologia como resposta última à questão do ser – seu jogo temporal de devires e consumações como obra da verdade -, trazendo à tona, em seu lugar, a integridade do rosto como linguagem original: começo e fim de uma consideração extrema e de uma responsabilidade como convocação irredutível. É desse confronto com toda uma tradição na filosofia e num período da história que constrangeu drasticamente a expansão do homem, que Lévinas nega um conceito ao ‘homem’ para lançar-se à esfera do direito pela via ética. Do arrebatamento em ser nas mãos de um sujeito que diz “Eu”, Lévinas põe a questão do meu direito em ser, evocando, assim, a intriga filosófica por excelência e a vida mesma do espírito, qual seja, o acontecimento ético que coloca o Outro à cena do mundo. _____________________________________________________________________________________________ RÉSUMÉ / L’étude présente a comme but exposer la possibilité même de la moralité, entre la fascination et le fait, dans ce qui se rapporte au langage, lequel inévitablement la configure et la juge. A partir du philosophe Franc-Lituanien, Emmanuel Lévinas (1906-1995), une confrontation s’impose entre ses idées et l’ontologie. Celle-ci comme la réponse dernière à la question de l’être – son jeu temporel de devenirs et consommations comme l’œuvre de la verité. Ainsi, il éveille, au lieu de l’ontologie, l’intégrité du visage comme langage original: commencement et fin d’une considération extrême et d’une responsabilité comme convocation irréductible. C’est à partir de cette confrontation avec toute une tradition philosophique et dans une période de l’histoire qui contraingnit terriblement l’expansion de l’homme, que Lévinas nie un concept à ‘l’homme’ pour se lancer au domaine du droit par la vie éthique. De l’exaltation en être dans les mains d’un sujet qui dit « Je », Lévinas met la question de mon droit en être, en évoquant l’intrigue philosophique par excellence et la vie même de l’esprit, c’est-à-dire, l’évènement éthique qui place l’Autre dans la scène du monde.