A presente dissertação busca trazer à discussão a minha prática artística, realizada inicialmente em vídeo e película, e agora também expandida para as práticas em fotografia e instalação, analisando como essa prática se constitui, bem como as questões conceituais que a problematizam. Para este fim, essa pesquisa traz à luz os trabalhos Como é bom ser rica!, Boquinha, Banheiros do IA e Sala de Espera. Identifico o despertar de algumas questões tais como a problematização do humor através de sua relação com a imagem, tanto em sua vertente audiovisual, como em sua versão estática. Dentro do conceito mais amplo de humor, elegi as seguintes subcategorias como possíveis conceitos operatórios: a sátira e a ironia (dentro destas, ainda, o absurdo e o nonsense). Neste sentido, estudo os procedimentos empregados e suas implicações conceituais na elaboração das proposições aqui investigadas. / This dissertation aims to discuss my artistic practice, developed initially in video and film, and now also expanded to the practices in photography and installation, analising how this practice constitutes itself, as well as the conceptual issues that problematize it. In order to do that, this research brings to light the artworks It’s great to be rich!, Mouthie, IA Toilets and Waiting Room. I identify the development of some issues like humor problematization through its relation to image, in its audiovisual aspects as well as in its static version. Inside the wider concept of humor, I have elected the following subcategories as possible operational concepts: satire and irony (inside these, also, absurd and nonsense). In this sense, I study the procedures here employed and their conceptual implications in the elaboration of the propositions here investigated.

Gravidade por um fio: o peso e a leveza em um projeto de instalação é uma pesquisa em Poéticas Visuais, com a qual pretende-se discutir sobre os valores do peso e da leveza passíveis de serem apresentados em uma instalação, cujo título é Noventa Graus. Trata-se de pesquisa poïética, que visa verificar como a instauração deste trabalho plástico - aqui compreendido enquanto processualidade e projeto - responderia às diversas nuances que a relação peso/leveza poderia abarcar: materiais, visuais, gestuais, físicas, relacionais, abrindo espaços para que se possam perceber as nuances semânticas. Como estrutura de construção das análises das obras em processo, adotou-se os parâmetros metodológicos colocados por Sandra Rey, que busca articular as idéias iniciais do trabalho, os procedimentos técnicos utilizados, os referenciais artísticos, chegando aos conceitos operacionais: vinculações a conceitos de outras áreas do conhecimento, dadas a partir do próprio fazer. Para tal, os dados de análise foram esboços, estudos de planta-baixa da galeria, fotomontagens, maquetes e ensaios de fragmentos de trabalhos, realizados após a experiência fenomenológica no espaço vazio da Pinacoteca do Instituto de Artes. Como referenciais artísticos e teóricos, foram utilizados depoimentos de artistas e suas obras para análise, análises críticas de obras modernas e contemporâneas, conceitos dentro da Teoria da Arte, História da Cultura, Psicologia e Filosofia Contemporânea.

A presente dissertação, intitulada “Livro, Faca de Corte, Coração: Projeto de uma Instalação Focalizando a Interação Espectador-Obra” versa sobre o conceito de Instalação, a partir da realização do projeto e apresentação de uma instalação específica – “Livro, Faca de Corte, Coração” – considerando as dimensões de espaço e tempo e enfocando, principalmente, a interação entre o espectador e esta categoria da arte contemporânea. Na seqüência, faz-se uma abordagem histórica, desde suas primeiras manifestações até a arte contemporânea – quando, por fim, assim a denomina. / The present dissertation, entitled “Book, Cutting Knife, Heart: An Instalation Project Focusing the Spectator-Work Interaction” studies the Instalation concept through the accomplishment and presentation of a specific instalation - “Book, Cutting Knife, Heart” - taking into account space and time dimensions, and having as main focus the investigation of the way the spectator interacts with this contemporary category of art. There follows a historical approach of the Instalation, from its first appearances to the present, when it was, finally, so denomin ated.

A pesquisa que aqui se apresenta aborda a emergência da confissão na arte contemporânea. Notamos que os artistas, nas duas últimas décadas, vêm reconhecendo cada vez mais uma necessidade de expor a sua própria existência como obra de arte. Assim, a vida adquire um estatuto de arte. A existência e todo o peso da intimidade passam a ser os temas essenciais a serem pensados. Investigamos os trabalhos de artistas contemporâneos como Tracey Emin, Nan Goldin, Beth Moysés e Karen Finley que tomam sua vida como narrativa e obra. A tese está fundamentada no anacronismo como possibilidade de análise historiográfica. Tentamos realizar uma leitura particular de atividades artísticas separadas espacial e temporalmente em uma espécie de estratigrafia, realizando uma montagem interpretativa. Procuramos investigar as origens da confissão em diversos momentos históricos na Idade Média, na Grécia, e no século XX com artistas como Claude Cahun, Andy Warhol, Marcel Duchamp, a arte feminista nas décadas de 60 e 70 e o acionismo vienense que tencionaram, uma aproximação entre arte e vida. A confissão caracteriza-se como uma prática que consiste em anunciar o testemunho de um desvio, revelando-se uma experiência diversa do saber cognitivo e da informação. As “narrativas do eu” existem enquanto dejeto, prurido, excreção, líquido abjeto que envenena e contamina. Falar seria uma maneira de aliviar-se do que está retido. A confissão seria a fala que se perde, que se deixa, no entanto ao excretar o doloroso e o impuro, advém o prazer da dejeção. Abordamos o universo da confissão utilizando o conceito de circonfissão, cunhado pelo filósofo Jacques Derrida. A circonfissão seria a reunião da confissão com a circuncisão, construindo um conceito em que confissão se torna uma espécie de recostura, uma cicatriz. Essa via negativa que é cristalizada pela confissão, opera através da intimidade e conduz o relato a uma sensação de abandono que “não exclui o prazer ou o gozo, ao contrário provoca-os”1 Das confissões nascem lágrimas de Thanatos e lágrimas de Eros. Dessa forma, a confissão passa a adquirir uma narrativa estética. / The research presented here concerns the emergence of “confession” in contemporary art. In the last decades we have noted that artists are recognizing the necessity, not only to exhibit their work but exhibit their own existence in their art. In this manner life acquires an artistic connotation. The full weight of the intimacy becomes the essential theme to be considered. We have investigated contemporary artists: Tracey Emin, Nan Goldin, Beth Moysés and Karen Finley that have taken their lives as a narrative and work. The thesis is grounded on the anachronism as a possibility of historiographical analysis. We have tried to make a particular reading about artistic activities that are separated in the space and in the time in a stratigraphic way, making a kind of interpretative montage. We attempt to investigate the roots of the confession in several historical periods: in Middle Ages, in Greece, in XX century, we have researched works made by artists as: Claude Cahun, Andy Warhol, Marcel Duchamp, the feminist art from the 60’s and 70’s, and the vienense acionism that made an approximation between art and life. Confession characterizes itself as a practice which consists of announcing a witness to deviation, and in doing so reveals itself as a diverse experience of cognitive knowledge and information. The narratives of the self are a representation of sentiments excreted, rejected, expelled from the artists inner self because they are considered to be impure and vile. Speaking would be a manner to aliviate this retention. The confession would be a lost dialogue, nevertheless when the painful and the impure are excreted succeed the joy of the dejection. We investigate the universe of confession utilizing the idea of circonfession proposed by the philosopher Jacques Derrida. The circonfession would be the amalgamation of confession with circumcision, constructing the idea that confession becomes a form of resewing, a scar. This negative route is crystallized by the confession and operates through intimacy leading the narrative to a sense of abandonment that doesn’t exclude pleasure or joy, on the contrary, provokes them. From the confessions are born: tears of Thanatos and tears of Eros. In this way the confession acquires an aesthetic narrative.

Este trabalho examina as quatro primeiras edições da Bienal do Mercosul, ocorridas entre 1997 e 2003, tendo como referência principal o depoimento de artistas que participaram da mostra. Ao mesmo tempo, essa dissertação investiga o espaço histórico, onde o modelo expositivo bienal surge e desenvolve-se; o espaço transitório, próprio da proliferação de eventos culturais; e o espaço subjetivo, onde ocorre a experiência da arte. / This piece of work examines the first four editions of the Bienal do Mercosul occurred between 1997 and 2003, taking as main reference testimonies of participant artists. In parallel, this dissertation inquires into the historical space, where the exposition model of 'bienal' emerges and develops; the transitory space, proper of the reproduction of cultural events; and the subjective space, where art experience itself occurs.

Autorreferencialidade em Território Partilhado trata-se de uma investigação em pintura e fotografia a partir de uma definição mais ampla do que seja do campo da pintura. Contrapondo-se as definições modernistas que estabeleciam ser do campo da pintura somente seus elementos essências, ou seja, o plano, a cor e o gesto, esta investigação parte de uma definição ampliada demonstrando que se tomarmos o ilusionismo, o diálogo com outras linguagens e a narrativa como capacidades inerentes à linguagem pictórica, alcançaremos um número muito mais amplo de significações. A autorreferencialidade aqui referida trata-se da representação das três instâncias que perpassam o trabalho artístico: o espaço de produção, o espaço de representação e o espaço de apresentação da obra. Em virtude disso, a presença do dispositivo fotográfico nesse processo torna-se fundamental não apenas como recurso documental ou mera referência, mas revela-se como um agente determinante na constituição das imagens pictóricas. O cruzamento das três instâncias citadas acima somado às confluências entre pintura e fotografia funda, então, o Território Partilhado. A análise do papel dos documentos de trabalho na constituição do trabalho artístico evidenciará, também, sua presença dinâmica nesse processo. A presença do dispositivo fotográfico no processo da pintura gera a representação en abyme. A representação en abyme como recurso caracteristicamente autorreferencial tem como objetivo colocar as três instâncias em circularidade infinita. Como um recurso especular, faz a obra dobrar-se sobre si mesma, sobre suas referências e sobre seu modo de apresentação. Autorreferencialidade em Território Partilhado trata-se de um processo de auto-análise no qual pintura e fotografia questionam-se sobre suas capacidades e comungam em uma mesma direção: a construção do olhar. Do olhar reflexivo, sempre en abyme. / Self-referentiality in a Shared Territory is an investigation into both painting and photography, considering a broader definition of the field of painting. In contraposition to modernist definitions, which established that only essential elements, such as plane, color, and gesture, belonged to the field of painting, this investigation has stemmed from a broader definition, showing that, if we regard illusionism, the dialogue with other languages, and narrative as capacities inherent to the pictorial language, we will reach a more significant number of significations. Self-referentiality here concerns the representation of the three instances that permeate the art work: the production space, the representation space, and the exhibition space. Because of that, the presence of the photographic device in this process is not only fundamental as a documental resource or reference, but is also a determining agent in the constitution of pictorial images. The crossing of the three instances mentioned, together with the confluences between painting and photography, has founded the Shared Territory. The analysis of the role of work documents in the constitution of the art work has also evidenced its dynamic presence in this process. The presence of the photographic device in the painting process generates a mise en abyme representation. Mise en abyme representation, as a resource that is characteristically referential, aims at putting the three instances in endless circularity. As a specular resource, it makes the art work fold on itself, its references, and its mode of exhibition. Self-referentiality in Shared Territory is a self-analysis process in which painting and photography question their capacities and join the same direction: the construction of the look - the reflective look, always mise en abyme.

Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2013-01-15T14:39:12Z No. of bitstreams: 1 Dança Autobiográfica - Dissertação Integral..pdf: 12207180 bytes, checksum: 77b838d1edd3c72b198ae92ed1bce937 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-01-15T14:39:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dança Autobiográfica - Dissertação Integral..pdf: 12207180 bytes, checksum: 77b838d1edd3c72b198ae92ed1bce937 (MD5) / FAPESB / A dança autobiográfica é concebida enquanto a dança que encena o self. A presente pesquisa formulou um estudo de caso único, com o objetivo de investigar de que modo as proposições cênicas de uma obra de dança autobiográfica é passível de fazer do universo particular do criador, um espaço compartilhável. O caso selecionado foi a obra coreográfica O samba do crioulo doido (2004), de Luiz de Abreu. A coleta e análise dos dados foi composta por observação de vídeo-registro da obra, entrevista nãoestruturada com o criador e análise de documentos da obra e do criador. Os resultados apresentam que: a) o self encenado estrutura-se com múltiplas vozes, operando num potencial diálogo contínuo entre si e o contexto cultural amplo no qual se engendra, b) tal dialogia, confirma uma perspectiva de self enquanto compartilhável, em detrimento de um subjetivismo radical; o que c) favorece ações coletivas de compartilhamento, descartando estratégias de auto-afirmação identitária, comum, sobretudo, em coletivos minoritários; sob esse ponto de vista c) a dança autobiográfica performa a identidade humana, na perspectiva da complexidade, apresentando aspectos universais condicionados ao movimento em direção às singularidades, numa multiplicidade heterogênea, todavia capaz de ser dimensionada enquanto unidade. / Escola de Dança

Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2013-01-29T14:26:10Z No. of bitstreams: 1 dissertacao%20seg.pdf: 5104266 bytes, checksum: b2aeb9a587f30b3f8ab6a021e743f2a8 (MD5) / Approved for entry into archive by Fatima Cleômenis Botelho Maria (botelho@ufba.br) on 2013-01-30T12:59:30Z (GMT) No. of bitstreams: 1 dissertacao%20seg.pdf: 5104266 bytes, checksum: b2aeb9a587f30b3f8ab6a021e743f2a8 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-01-30T12:59:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacao%20seg.pdf: 5104266 bytes, checksum: b2aeb9a587f30b3f8ab6a021e743f2a8 (MD5) / Fapesb / Em que medida o termo improvisação é apropriado a estruturas coreográficas abertas para a criação no ato da cena? Esta questão torna-se mais complexa quando consideramos a diversidade de configurações de obras de dança cujas estruturas coreográficas podem ser incluídas neste recorte e, para respondê-la, eu proponho a hipótese de que haja uma relação direta com o que se espera e o que pode ser explicado sobre o fator da tomada de decisão pelo dançarino nestas circunstâncias. Três núcleos de criação e pesquisa, com os quais mantive vinculo direto e ativo nos últimos sete anos na cidade de Salvador, constituem o campo de observação para esta investigação: Grupo de Pesquisa Poética Tecnológica na Dança, Grupo X de Improvisação em Dança e Projeto EmComTato - Prática e Pesquisa em Contato Improvisação e Performance. São trabalhos em dança suficientemente estabelecidos e distintos, os quais lidam com propostas de criação em dança que se dão, ou se completam, através da solução de problemas, reações, interações, tomada de decisões do dançarino no ato da performance. Apoiado em um entendimento de racionalidade que é inseparável de sensações e emoções e em teorias que estudam emergências em sistemas proponho que o dançarino neste contexto específico de dança age como um agente ( entre outros) de um sistema que se auto-organiza, mas, ao mesmo tempo, atua com algum planejamento ao buscar organizações, coerências e composições.Ou seja, o foco de atenção e tomada de decisão do dançarino está em um eixo de organizações, no corpo e na cena, que se dão bottom-up(emergências e up-down(planejamento, o que lança luz sobre o equívoco que seria pensar a improvisação como um domínio onde o "espontâneo" e o "racional" se excluam mutuamente.Proponho que este eixo de organizações no qual atuam tanto emergências como planejamento ofereça o contexto no qual o dançarino age com o seu "imaginário", um espaço de negociação em que concorrem, também simultaneamente e em configurações diferenciadas, decisões que podem ser chamadas de "voluntárias" e outras que são entendidas como "inconscientes" ou "espontâneas". É a partir deste "imaginário do improvisador" que o dançarino procura tomar proveito das oportunidades de composição poética que encontra no ato da cena, permitindo que sejam observados parâmetros tais como previsibilidade e surpresa, repetição e inovação, controle e liberdade, configurando diferentes relações com a idéia de improvisação. / Programa de Pós Graduação em Dança- Escola de Dança

98f. / Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-03-25T16:36:47Z No. of bitstreams: 1 Handeler%20dissertacao.pdf: 4091885 bytes, checksum: d907d2eedc4f717946312794f6318bc2 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães(ednaide@ufba.br) on 2013-04-05T14:49:27Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Handeler%20dissertacao.pdf: 4091885 bytes, checksum: d907d2eedc4f717946312794f6318bc2 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-04-05T14:49:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Handeler%20dissertacao.pdf: 4091885 bytes, checksum: d907d2eedc4f717946312794f6318bc2 (MD5) Previous issue date: 2010 / Esta dissertação tem o objetivo de demonstrar o processo e os resultados da criação de uma performance de dança teatro, inspirada nos rituais sagrados do Candomblé, assim como investigar as possíveis relações estéticas entre as danças dos rituais do Candomblé e as artes cênicas, com enfoque especifico na dança teatro. A pesquisa coreográfica foi inspirada na dança contemporânea, na dança moderna, no contact improvisation, na improvisação com os nove pontos do sistema de Laban e a Evolutionary Theory, Alexander Technique, dança afrobrasileira, dança dos Orixás, Butho e textos dramatizados. O projeto realizou a apresentação de uma performance multimídia e interativa de dança teatro, um trabalho de criação coletiva. Uma das principais metas desse projeto foi o trabalho integrado com a diretora artística Suzana Martins, os artistas colaboradores Victor Almeida de Souza, Inês Gomes, Tereza Fabião, Luisa Boca, Tony da Silva e Leonardo Luz, a dançarina convidada Norma Suely Santos, a atriz/dançarina Cristiane Pinho, os músicos Marion Von Tilzer e Bira Reis, além da participação do público. A performance foi gravada em forma digital. Os resultados do projeto da performance foram obtidos por meio da pesquisa bibliográfica e da pesquisa de campo. A pesquisa bibliográfica focalizou as festividades ritualísticas dos religiosos do Candomblé, os estudos de cultura, ritual, performance, etnicidade, cultura afrobrasileira e afroamericana, e o fenômeno de globalização. A pesquisa de campo tomou forma a partir da participação em festas públicas do Candomblé e da vida cotidiana dos religiosos, especialmente, focalizando no terreiro de Ilê Axé Jagun, e nas apresentações artisticoculturais na cidade de Salvador, Bahia, Brasil. O enfoque principal da criação da performance foi inspirado no arquétipo do Orixá Oxalá. Durante o período de dois meses, de maio até o final de junho de 2008, realizamos os ensaios e workshops de sensibilização, e apresentamos a performance Metamorfoses durante quatro fins de semana em julho de 2008, no teatro do Instituto Cultural Brasil Alemanha (ICBA), em Salvador, Bahia. / Salvador

Submitted by Edileide Reis (leyde-landy@hotmail.com) on 2013-04-09T16:55:27Z No. of bitstreams: 8 Lanussi 8.pdf: 1424557 bytes, checksum: e638de31d4dc09d7f84e2432e38ab92d (MD5) Lanussi 7.pdf: 1294097 bytes, checksum: 6336bd9a74f03b576e0c411f3309582f (MD5) Lanussi 6.pdf: 1993365 bytes, checksum: 1143b378cdd0ca39c3201dee951687a6 (MD5) Lanussi 5.pdf: 1895239 bytes, checksum: ee3ef964595311138fa91f57ff069ace (MD5) Lanussi 4.pdf: 3558025 bytes, checksum: 3e28b2ad169e0539bc2b4e40b95965f0 (MD5) Lanussi 3.pdf: 4099178 bytes, checksum: 14df184d8624bd94364f962ebc9a7c20 (MD5) Lanussi 2.pdf: 2452604 bytes, checksum: 7bd29b4a373526c5919c3536a93e6171 (MD5) Lanussi 1.pdf: 7298671 bytes, checksum: 48e9e46e1cb4b7a1e47d5669e1adda35 (MD5) / Approved for entry into archive by Lêda Costa(lmrcosta@ufba.br) on 2013-04-18T12:01:26Z (GMT) No. of bitstreams: 8 Lanussi 8.pdf: 1424557 bytes, checksum: e638de31d4dc09d7f84e2432e38ab92d (MD5) Lanussi 7.pdf: 1294097 bytes, checksum: 6336bd9a74f03b576e0c411f3309582f (MD5) Lanussi 6.pdf: 1993365 bytes, checksum: 1143b378cdd0ca39c3201dee951687a6 (MD5) Lanussi 5.pdf: 1895239 bytes, checksum: ee3ef964595311138fa91f57ff069ace (MD5) Lanussi 4.pdf: 3558025 bytes, checksum: 3e28b2ad169e0539bc2b4e40b95965f0 (MD5) Lanussi 3.pdf: 4099178 bytes, checksum: 14df184d8624bd94364f962ebc9a7c20 (MD5) Lanussi 2.pdf: 2452604 bytes, checksum: 7bd29b4a373526c5919c3536a93e6171 (MD5) Lanussi 1.pdf: 7298671 bytes, checksum: 48e9e46e1cb4b7a1e47d5669e1adda35 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-04-18T12:01:27Z (GMT). No. of bitstreams: 8 Lanussi 8.pdf: 1424557 bytes, checksum: e638de31d4dc09d7f84e2432e38ab92d (MD5) Lanussi 7.pdf: 1294097 bytes, checksum: 6336bd9a74f03b576e0c411f3309582f (MD5) Lanussi 6.pdf: 1993365 bytes, checksum: 1143b378cdd0ca39c3201dee951687a6 (MD5) Lanussi 5.pdf: 1895239 bytes, checksum: ee3ef964595311138fa91f57ff069ace (MD5) Lanussi 4.pdf: 3558025 bytes, checksum: 3e28b2ad169e0539bc2b4e40b95965f0 (MD5) Lanussi 3.pdf: 4099178 bytes, checksum: 14df184d8624bd94364f962ebc9a7c20 (MD5) Lanussi 2.pdf: 2452604 bytes, checksum: 7bd29b4a373526c5919c3536a93e6171 (MD5) Lanussi 1.pdf: 7298671 bytes, checksum: 48e9e46e1cb4b7a1e47d5669e1adda35 (MD5) Previous issue date: 2005 / As artes visuais contemporâneas caracterizam-se, dentre outros aspectos, pela necessidade do artista em estabelecer relações e cruzamentos entre o processo criativo e a reflexão teórica. De acordo com essa perspectiva, este trabalho objetiva desenvolver uma investigação prático-teórica a partir da construção de esculturas e instalações que têm como base o diálogo com práticas presentes na produção artística contemporânea, através da experimentação de materiais considerados “não-artísticos”, de procedimentos técnicos oriundos de áreas distintas e da exploração do espaço expositivo como elemento integrante da instalação da obra. A presente investigação está baseada nas seguintes questões: como produzir objetos artísticos que estabeleçam com o público uma experiência não mediada por conceitos a priori? Como transformar materiais comuns à indústria do vestuário e de outros campos em obras artísticas? Como propor a escultura como um acontecimento, como uma presença que se atualiza no encontro com o espectador? A partir destes questionamentos, o texto desenvolvido não pretende ser um definidor de verdades, mas a reflexão de um modo particular de ver, fazer e pensar uma produção particular de arte: as minhas esculturas e instalações. / Salvador