O presente trabalho visa estabelecer um exercício de perspectiva entre arte e loucura. Atentando para aquilo que é outro, heterogêneo, estrangeiro, constrói- se o terreno para perguntar o que pode a loucura dizer e revelar sobre a arte e a história da arte, e o que pode a arte dizer sobre a loucura. Paralelamente, pergunta-se pelo potencial da antropologia em relação a ambas: como a etnografia e a atitude antropológica podem se construir como paradigma para a teoria e a crítica de arte? A partir da imersão etnográfica em um contexto de reclusão onde arte e loucura se encontram - a oficina de criatividade de um hospital psiquiátrico -, pergunta-se o que podem a antropologia e a etnografia diante da loucura, suas obras e processos. Discute-se, então, uma “virada etnográfica” na arte contemporânea e uma “virada antropológica” ou “etnográfica”, ainda por realizar, na crítica de arte, situando-a enquanto experiência vivida, imersão e criação. Como transformar essas experiências em paradigma para pensar não só as artes dos outros, mas outras artes, outras possibilidades e modos de ser da arte? A partir de visões de diferentes formas pelas quais a busca e o contato com a alteridade se fizeram nas artes visuais, chega-se a indagar pela arte dos loucos. Nesse percurso são mobilizados diferentes referenciais como o Surrealismo, Jean Dubuffet, Arnulf Rainer, Bispo do Rosário, Michel Foucault, entre outros. Nesse exercício, não se perdeu de vista a dimensão política da exclusão dos atores sociais tidos como loucos. A escrita foi vista enquanto tarefa ética frente à memória do sofrimento dos excluídos. A todo o instante, é retomado o questionamento sobre como seguir a linha que liga arte e loucura, sem confirmar compromissos policiais e asilares com as instituições intoleráveis e repressivas de nossa cultura. / This thesis intends to undertake an exercise of perspective between the fields of art and madness. Focusing on what is heterogeneous, stranger, other respect to ourselves and our culture, it puts forward the question about what can madness reveal about art and the history of art, and what can art tell us about madness. This thesis also asks about the potential of anthropology on relating to both art and madness: how can ethnography and an anthropological attitude constitute themselves as a paradigm to art criticism and to the theory of art? Departing from the ethnographic immersion into a universe of reclusion where art and madness meet – the creativity workshop of a psychiatric hospital -, this dissertation investigates the potentialities of anthropology and ethnography in face of madness, its works and processes. An “ethnographic turn” in contemporary art is, then, discussed, as well as an “ethnographic turn”, yet to accomplish, in art criticism, figuring it as intensive experience, immersion and process of creation. How to transform these experiences into a paradigm not just to think the arts of the others (“outsider arts”), but also to think other kinds of art, different possibilities and alternative concepts of art? Departing from several different ways by which the quest and the contact with alterity and otherness were made in the visual arts, the thesis approaches the art of the insane. Along this path, different artistic and philosophical references are mobilized such as Surrealism, Jean Dubuffet, Arnulf Rainer, Bispo do Rosário, Michel Foucault, among others. In this exercise, the political aspects regarding the process of exclusion of social actors categorized as mad are never out of sight. The act of writing was assumed as an ethical task before the necessity of remembering the suffering inflicted to the mad by society. The text constantly reiterates the questioning about how to follow the path that connects art and madness without confirming compromises with intolerable and repressive institutions of our culture.

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Tomando as revistas como a Tatuí e a Número, analisa-se aqui as relações presentes nas suas produções de crítica de arte circuladas por meio de publicações auto-organizadas. Colocam-se questões sobre a atuação na prática de escrita de crítica de arte e seu possível caráter experimental nos anos 2000. Considera-se um contexto de crescimento da profissionalização e suas implicações nas práticas teóricas em diálogo com as práticas do trabalho de arte. Procuramos investigar também, nesse processo da difusão de discussão crítica, o pensamento sobre os circuitos e as instituições como possíveis locais ambivalentes de tensão e de amplificação. As estratégias de tais publicações observam a criação de seus espaços de interlocução possíveis, considerando tal contexto muitas vezes caracterizado como o de crise da potencialidade de contribuição da crítica. / Taking the Tatuí and Número magazines, we analise here the relations on the production of art criticism on circulation via selforganised publications. Posing questions on the practice of art writing and its possible experimental character on the 2000’s. Considering a rising profissionalization context and its implications on theoretical practices dialoging with art work practices. We also seek to investigate, on this process of profused critic discussion, the thinking of circuits and the institutions as ambivalent places of tension and amplification. The publication estrategies observe the creation of their possible interlocution spaces, conidering such context as one often characterized as the of crisis on the potencial critical contribution.

Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro / Essa dissertação propõe-se a refletir sobre o enigmático encontro intersubjetivo com a arte por ser este um acontecimento vivo de troca entre espectador e obra, em ato. O ponto de partida deste trabalho é de que, apesar de não haver dúvidas quanto à verdade humana que permeia a experiência da arte, entramos constantemente na banalização de querer prová- la ou direcioná-la a outro domínio que não o da arte ela mesma, o que faz com que a significância dessa questão fique ameaçada. Com o objetivo de discutir isso, que desdobra-se na inesgotabilidade da transmissão pela arte, faz uma articulação com a psicanálise, principalmente no campo das intensidades afetivas que se referem a ordem da pré-linguagem verbal, justamente objetivando pensá-las em sua relação com a arte pelo juízo estético, o conceito de senso comum e seus desdobramentos contemporâneos. Trata também da incompletude da obra como força de movimento que a coloca em perpétuo acabamento, na busca incessante de significação, e da crítica de arte como parte desse movimento, como transmissão da verdade do encontro com a arte sendo em si outro encontro, pela palavra, também em perpétuo acabamento / With the dissertation we aim to reflect upon the enigmatic intersubjective encounter between observer and work of art. This encounter starts an endless journey in which the experience of art keeps changing also remaining the same at its core that allows the continuity of art through the ever-present. But even if we agree that one of the most important truths about art lie on this human experience, we still often try to direct it to other competencies in order to prove it right, which tends to diminish the relevance of such an encounter. With this in mind, well carefully apply some concepts of psychoanalysis, mainly in the field of affective intensities related to pre-verbal language (as the Uncanny), articulating its relation to art as aesthetic experience. The never ending process of completeness puts the relationship between observer and work in perpetual search for an end that never comes. This paradox, far from being something that stops us, is what really puts us on the move, in search for new significations for what we dont know. And writing about art, in this sense, is part of this movement towards the unknown, is what allows us to create from its shadows still keeping its mystery alive

Comoumsótrabalho - sobre os projetos de escala geográfica de Nelson Felix investiga um conjunto específico de obras do artista, precisamente aquelas cuja construção envolve deslocamentos geográficos extremos, uma experiência dilatada de temporalidade e a premissa do entrelaçamento contínuo entre os trabalhos. Marcada pelo rigor construtivo e por uma série de determinações simbólicas, a produção de Felix recorre a formas orgânicas, a ciclos planetários, à música, à poesia escrita, em um jogo de equivalências e rebatimentos que se manifesta em uma forma constelar, simultaneamente atenta e insubordinada aos paradigmas estéticos contemporâneos. Assim, partindo de reflexões que problematizam a relação ambivalente da obra de Nelson Felix com a tradição da escultura a pesquisa encontra, nos processos de construção dos projetos do artista, os conceitos que irão nortear a discussão em pauta. Essas reflexões se atêm, basicamente, à contiguidade entre os trabalhos, à temporalidade supra-humana a que são submetidos e à monumental invisibilidade da obra. / Comoumsótrabalho (Asasinglejob) - about the geographic scale works of Nelson Felix - investigates a specific set of works by the artist, precisely those whose construction involves extreme geographic dislocation, a dilated temporal experience and the premise of continuous interconnection between all of the artist\'s works. Marked by the constructive rigor and by a series of symbolic determinations, Felix\'s production turns to organic forms, planetary cycles, music and written poetry, in a game of equivalences and reverberation that presents itself in a stellar way, simultaneously aware of and unsubordinated to the contemporary aesthetic paradigms. Thus, starting from reflections that problematize the ambivalent relations between the work of Nelson Felix and the tradition of sculpture, the research finds, in the processes of construction of projects by the artist, the concepts that will guide this discussion. These reflexes basically rely on continuation of works, on the super-human temporality to which they are submitted and on the monumental invisibility of the work.

Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro / Essa dissertação propõe-se a refletir sobre o enigmático encontro intersubjetivo com a arte por ser este um acontecimento vivo de troca entre espectador e obra, em ato. O ponto de partida deste trabalho é de que, apesar de não haver dúvidas quanto à verdade humana que permeia a experiência da arte, entramos constantemente na banalização de querer prová- la ou direcioná-la a outro domínio que não o da arte ela mesma, o que faz com que a significância dessa questão fique ameaçada. Com o objetivo de discutir isso, que desdobra-se na inesgotabilidade da transmissão pela arte, faz uma articulação com a psicanálise, principalmente no campo das intensidades afetivas que se referem a ordem da pré-linguagem verbal, justamente objetivando pensá-las em sua relação com a arte pelo juízo estético, o conceito de senso comum e seus desdobramentos contemporâneos. Trata também da incompletude da obra como força de movimento que a coloca em perpétuo acabamento, na busca incessante de significação, e da crítica de arte como parte desse movimento, como transmissão da verdade do encontro com a arte sendo em si outro encontro, pela palavra, também em perpétuo acabamento / With the dissertation we aim to reflect upon the enigmatic intersubjective encounter between observer and work of art. This encounter starts an endless journey in which the experience of art keeps changing also remaining the same at its core that allows the continuity of art through the ever-present. But even if we agree that one of the most important truths about art lie on this human experience, we still often try to direct it to other competencies in order to prove it right, which tends to diminish the relevance of such an encounter. With this in mind, well carefully apply some concepts of psychoanalysis, mainly in the field of affective intensities related to pre-verbal language (as the Uncanny), articulating its relation to art as aesthetic experience. The never ending process of completeness puts the relationship between observer and work in perpetual search for an end that never comes. This paradox, far from being something that stops us, is what really puts us on the move, in search for new significations for what we dont know. And writing about art, in this sense, is part of this movement towards the unknown, is what allows us to create from its shadows still keeping its mystery alive

Tomando as revistas como a Tatuí e a Número, analisa-se aqui as relações presentes nas suas produções de crítica de arte circuladas por meio de publicações auto-organizadas. Colocam-se questões sobre a atuação na prática de escrita de crítica de arte e seu possível caráter experimental nos anos 2000. Considera-se um contexto de crescimento da profissionalização e suas implicações nas práticas teóricas em diálogo com as práticas do trabalho de arte. Procuramos investigar também, nesse processo da difusão de discussão crítica, o pensamento sobre os circuitos e as instituições como possíveis locais ambivalentes de tensão e de amplificação. As estratégias de tais publicações observam a criação de seus espaços de interlocução possíveis, considerando tal contexto muitas vezes caracterizado como o de crise da potencialidade de contribuição da crítica. / Taking the Tatuí and Número magazines, we analise here the relations on the production of art criticism on circulation via selforganised publications. Posing questions on the practice of art writing and its possible experimental character on the 2000’s. Considering a rising profissionalization context and its implications on theoretical practices dialoging with art work practices. We also seek to investigate, on this process of profused critic discussion, the thinking of circuits and the institutions as ambivalent places of tension and amplification. The publication estrategies observe the creation of their possible interlocution spaces, conidering such context as one often characterized as the of crisis on the potencial critical contribution.

O presente trabalho visa estabelecer um exercício de perspectiva entre arte e loucura. Atentando para aquilo que é outro, heterogêneo, estrangeiro, constrói- se o terreno para perguntar o que pode a loucura dizer e revelar sobre a arte e a história da arte, e o que pode a arte dizer sobre a loucura. Paralelamente, pergunta-se pelo potencial da antropologia em relação a ambas: como a etnografia e a atitude antropológica podem se construir como paradigma para a teoria e a crítica de arte? A partir da imersão etnográfica em um contexto de reclusão onde arte e loucura se encontram - a oficina de criatividade de um hospital psiquiátrico -, pergunta-se o que podem a antropologia e a etnografia diante da loucura, suas obras e processos. Discute-se, então, uma “virada etnográfica” na arte contemporânea e uma “virada antropológica” ou “etnográfica”, ainda por realizar, na crítica de arte, situando-a enquanto experiência vivida, imersão e criação. Como transformar essas experiências em paradigma para pensar não só as artes dos outros, mas outras artes, outras possibilidades e modos de ser da arte? A partir de visões de diferentes formas pelas quais a busca e o contato com a alteridade se fizeram nas artes visuais, chega-se a indagar pela arte dos loucos. Nesse percurso são mobilizados diferentes referenciais como o Surrealismo, Jean Dubuffet, Arnulf Rainer, Bispo do Rosário, Michel Foucault, entre outros. Nesse exercício, não se perdeu de vista a dimensão política da exclusão dos atores sociais tidos como loucos. A escrita foi vista enquanto tarefa ética frente à memória do sofrimento dos excluídos. A todo o instante, é retomado o questionamento sobre como seguir a linha que liga arte e loucura, sem confirmar compromissos policiais e asilares com as instituições intoleráveis e repressivas de nossa cultura. / This thesis intends to undertake an exercise of perspective between the fields of art and madness. Focusing on what is heterogeneous, stranger, other respect to ourselves and our culture, it puts forward the question about what can madness reveal about art and the history of art, and what can art tell us about madness. This thesis also asks about the potential of anthropology on relating to both art and madness: how can ethnography and an anthropological attitude constitute themselves as a paradigm to art criticism and to the theory of art? Departing from the ethnographic immersion into a universe of reclusion where art and madness meet – the creativity workshop of a psychiatric hospital -, this dissertation investigates the potentialities of anthropology and ethnography in face of madness, its works and processes. An “ethnographic turn” in contemporary art is, then, discussed, as well as an “ethnographic turn”, yet to accomplish, in art criticism, figuring it as intensive experience, immersion and process of creation. How to transform these experiences into a paradigm not just to think the arts of the others (“outsider arts”), but also to think other kinds of art, different possibilities and alternative concepts of art? Departing from several different ways by which the quest and the contact with alterity and otherness were made in the visual arts, the thesis approaches the art of the insane. Along this path, different artistic and philosophical references are mobilized such as Surrealism, Jean Dubuffet, Arnulf Rainer, Bispo do Rosário, Michel Foucault, among others. In this exercise, the political aspects regarding the process of exclusion of social actors categorized as mad are never out of sight. The act of writing was assumed as an ethical task before the necessity of remembering the suffering inflicted to the mad by society. The text constantly reiterates the questioning about how to follow the path that connects art and madness without confirming compromises with intolerable and repressive institutions of our culture.

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T23:24:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aulicino_MarcosRodrigues_D.pdf: 15911172 bytes, checksum: 8124a26b658fbd60458e9edd916d0e4e (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: O trabalho analisa as ¿paisagens imaginantes¿ de Alberto da Veiga Guignard, verificando a sua importância a partir dos anos 90 e, principalmente, no contexto de sua produção. A proposta é compreender esse conjunto de obras tanto em sua qualidade plástica quanto contextual, dialogando com as observações da época e a crítica mais recente. Assim, a presente tese inicia com um panorama do contexto intelectual do Rio de Janeiro no período em que Guignard viveu nesta cidade (1929-1943), com o círculo de literatos em torno do pintor Ismael Nery e sua influência sobre parte da produção de Guignard até 1934, bem como as conceituações teóricas, estéticas e ideológicas do Movimento Modernista Brasileiro, na discussão em torno das idéias de Mário de Andrade, Oswald de Andrade e Graça Aranha e em suas indicações de possíveis soluções plásticas e temáticas para as artes visuais. Depois, a partir dos ¿retratos populares¿ de Guignard, verifica como a sua produção se posiciona em relação à proposta de construção da identidade brasílica, investigando o desenvolvimento das idéias nacionalistas em Mário de Andrade e suas opções artísticas como crítico de arte e, principalmente, observando a sua recepção à obra de Guignard. Encontra-se também o posicionamento da crítica brasileira dos anos 80 e 90, que impôs novos parâmetros com a revisão do modernismo e buscou recolocar a obra de Guignard a partir de outros critérios valorativos, os quais, em grande parte, são emprestados de modelos utilizados para demarcar os limites estéticos das vanguardas européias e norte-americana que, confrontados à pintura de Guignard, revelam-se inadequados, ao menos quando entendidos como unívocos. As ¿paisagens¿ são, dessa forma, indicadas como a parte da produção do artista onde se dá o encontro das chaves interpretativas mencionadas, suas soluções plásticas em conluio com o pensamento estético e as tensões ideológicas. A ¿paisagem¿ constitui-se como um tema onde tem lugar a continuidade de uma caracterização nacional, numa elaboração de espacialidade específica, inerente à sua pintura. Visando investigar essas afirmações, há um capítulo especialmente dedicado à análise do conteúdo plástico no desenvolvimento das paisagens de Guignard, a partir de suas ¿vistas¿ e o processo de elaboração de suas características espaciais: enquadramento, posicionamento do espectador à distância e deslocamento da profundidade em planos paralelos. Por fim, a pesquisa apresenta o processo de imaginação da paisagem, base de constituição da poética de Guignard: no cruzamento de uma espacialidade que tende cada vez mais à verticalização dentro do plano pictórico e um universo temático derivado da busca pela identidade brasílica. Processo esse que se desdobra invertendo a direção do olhar, interiorizando os conteúdos e produzindo cenários da intimidade / Abstract: The work analyzes the ¿imaginary landscapes¿ of Alberto da Veiga Guignard, examining their importance from the nineties on, and mainly in the context of his production. The proposal is to understand his works as a whole in their plastic and contextual qualities, dialoguing with the observations of the time and the most recent critic. Thus, the present thesis begins with a panorama of the intellectual context of Rio de Janeiro in the period when Guignard lived in this city (1929-1943), with a circle of writers orbiting around painter Ismael Nery and his influence on part of Guignard¿s production up to 1934, as well as, the theoretical, aesthetic and ideological concepts of the Brazilian Modernist Movement, in the debate of ideas exposed by Mário de Andrade, Oswald de Andrade and Graça Aranha and in the indications of possible plastic and thematic solutions for the visual arts. Then, from the ¿popular portraits¿ of Guignard, this thesis verifies how his production is positioned in relation to the proposal of construction of the ¿brasílica¿ identity, investigating the development of the nationalist ideas of Mário de Andrade and his artistic options as art critic and, mainly, observing his acceptance of the work of Guignard. It is also mentioned, the positioning of the Brazilian critic in the 80s and 90s, which imposed new parameters with the revision of the modernism and tried to contemplate the work of Guignard on basis of new criteria, that were borrowed from models used to demarcate the aesthetic limits of the European and North American vanguards, that when confronted with the painting of Guignard, proved to be inadequate, at least when understood as univocal. The ¿landscapes¿ are, in this way, described as the part of the artist's production where there is the encounter of the mentioned interpretative keys, their plastic solutions along with the aesthetic thought and the ideological tensions. The ¿landscape¿ is the constitution of a theme where there is room for continuity of a national characterization, in an elaboration of specific space approach, inherent to his painting. With the idea of investigating these statements, there is a chapter especially dedicated to the analysis of the plastic content in the development of the landscapes of Guignard, starting from his ¿views¿ and the process of elaboration of his space characteristics: framing, positioning of the spectator from the distance and displacement of the depth in parallel plans. Finally, the research presents the process of imagination of the landscape, base of Guignard¿s poetics: in the crossing of a space approach that tends more and more to the verticalism inside of the pictorial plan and a derived thematic universe of the search for the ¿brasílica¿ identity. A process that unfolds itself inverting the direction of the glance, internalizing the contents and producing sceneries of intimacy / Doutorado / Doutor em Artes