Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-06-24T16:15:57Z No. of bitstreams: 1 2016_SaradeOliveiraLimaScholzeArtifon.pdf: 3531890 bytes, checksum: 726e34a8867ebacd44b5da059d722a53 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-07-07T19:21:28Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_SaradeOliveiraLimaScholzeArtifon.pdf: 3531890 bytes, checksum: 726e34a8867ebacd44b5da059d722a53 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-07T19:21:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_SaradeOliveiraLimaScholzeArtifon.pdf: 3531890 bytes, checksum: 726e34a8867ebacd44b5da059d722a53 (MD5) / O objetivo deste texto é realizar uma análise da obra Ondina, produzida pelo artista Walmor Corrêa, considerando as várias facetas interpretativas que técnica e tema suscitam. Para isso, o apoio metodológico proposto é a semiótica plástica desenvolvida por Algirdas Julien Greimas. O intuito da investigação é explorar os elementos constitutivos do quadro para desenvolver campos relacionais que contribuam para sua significação. Nesse sentido, buscamos entender a obra dentro do sistema de linguagem das artes plásticas, no qual o arranjo composicional, os formantes cromáticos e a técnica utilizada são relevantes para a interpretação do objeto. Além disso, verifica-se que sua temática se insere em um percurso de transmissão e confluências míticas no território brasileiro, o que contribuiu para a formação de uma identidade regional. Procura-se demonstrar o processo de incorporações e transformações das imagens e conteúdos já presentes na cultura europeia a partir do panorama de configuração sociopolítica no Brasil. Assim, percebe-se que a obra Ondina traz à tona um espectro de referências culturais e históricas as quais possibilitam um diálogo entre formas de tempos distintos. Portanto, propomos uma relação da obra com outras produções plásticas evidenciando o processo de incorporação e metamorfoses entre formas e mito dentro do imaginário no Ocidente. Percebemos Ondina como uma produção que evoca o mito, mas que possui sua própria poética devido à forma transformada que apresenta. Por esse motivo é necessário explorar a coexistência desses elementos e como eles contribuem para incorporar sentido à obra. Após a investigação de tais dimensões, também propomos uma reflexão sobre Ondina dentro da série em que foi concebida: Unheimlich, imaginário popular brasileiro. Verifica-se uma relação entre essa imagem e as demais e procura-se retirar mais elementos significativos para sua análise, considerando tal produção no período da pós-modernidade. ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This text aims to analyze Ondina, a work produced by the artist Walmor Corrêa. It’s considered a range of interpretative facets that technique and theme evoke in this work. For that, the methodological basis proposed is the plastic semiotics, developed by Algirdas Julien Greimas. It’s intended to explore the work’s components to achieve relational fields that contribute to its signification. It’s sought to comprehend this artistic work inside the plastic arts’ field, in which, compositional arrangement, chromatic components and technique are relevant to the object’s interpretation. Besides, it’s verified that the work’s theme can be inserted in a path that covers mythical transmissions and transformations in Brazilian territory. This contributes to a regional identity. In this sense, it’s intended to demonstrate how incorporations of images and subjects, already existent in European culture, were possible in Brazil. Then, it can be noticed that Ondina brings a range of cultural and historic references that make possible a dialogue among forms in different times. Thus, it’s intended to make a relation among this artwork and other plastic productions to show the process of incorporation and metamorphosis between form and myth in the occident imaginary. Ondina is a work that evokes the myth, but has its own poetic because of its own transformed form. In this sense, it’s necessary to explore the coexistence of these elements and how they contribute to incorporate meaning to the work. After the investigation of these dimensions, it’s also proposed an analysis about Ondina and the set of works in which it was conceived: Unheimlich, imaginário popular brasileiro. It’s verified the relation among this image and the others and it’s necessary to take more meaningful elements to the analysis considering these productions in the post-modern period.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília,Instituto de Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em Filosofia, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-07-07T12:44:16Z No. of bitstreams: 1 2016_JoelmarFernandoCordeirodeSouza.pdf: 700118 bytes, checksum: 703e0bbce57fe7252369516774de65ac (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-07-28T20:46:39Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_JoelmarFernandoCordeirodeSouza.pdf: 700118 bytes, checksum: 703e0bbce57fe7252369516774de65ac (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-28T20:46:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_JoelmarFernandoCordeirodeSouza.pdf: 700118 bytes, checksum: 703e0bbce57fe7252369516774de65ac (MD5) / O presente estudo teve por objetivo analisar a problemática da questão da verdade e dos regimes de verdade em Michel Foucault. Assim, tem-se a apresentação de um resgate da teoria foucaultiana, em especial, da teoria desenvolvida no período 1970-1975, ou seja, a exposição da transformação teórica da arqueologia-genealogia – ordenada por Nietzsche, com o intuito de compreender a articulação entre a verdade e a ordem do discurso –; da genealogia e da história; da verdade e as formas jurídicas; dos corpos e dos dispositivos de sexualidade; das ciências humanas e da disciplina, da prisão, do panoptismo e dos regimes de verdade. Segundo Foucault, o poder potencializa as disciplinas dos corpos e as regulações da população – uma anatomia-política do ser humano. Neste sentido, percebeu-se que os regimes de verdade e os sistemas punitivos nos diversos tipos de sociedades formadas pelo ser humano são propriedades de uma mesma tecnologia, tendo em vista que a tecnologia politica é o efeito do conjunto de táticas e posições estratégicas. _______________________________________________________________________________________________ RÉSUMÉ / Cette étude vise à analyser le problème de la question de la vérité et les régimes de vérité chez Michel Foucault. Ainsi, l’on a la présentation d'une rétrospective de la théorie de Foucault, en particulier la théorie développée dans la période de 1970 à 1975, à savoir l'exposition de la transformation théorique de l'archéologie, la généalogie - ordonnée par Nietzsche, afin de comprendre l'articulation entre la vérité et l'ordre du discours -; de la généalogie et de l'histoire; la vérité et les formes juridiques; des corps et des dispositifs de la sexualité; des sciences humaines et de la discipline, la prison, le panoptisme et des régimes de vérité. Selon Foucault, le pouvoir potentialise les disciplines des organes et des règlements de la population - une anatomie politique de l'être humain. En ce sens, l’on s’est rendu compte que les régimes de vérité et des systèmes punitifs dans différents types de sociétés formées par l'être humain sont la propriété de la même technologie, étant donné que la technologie politique est l'effet de l'ensemble des positions tactiques et stratégiques.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Graduação em Comunicação, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-07-18T13:14:48Z No. of bitstreams: 1 2016_RafaelSantosdeGusmãoLobo.pdf: 65743304 bytes, checksum: a066bedd3d880f73c9a5a3cd63de25bc (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-08-03T18:48:46Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_RafaelSantosdeGusmãoLobo.pdf: 65743304 bytes, checksum: a066bedd3d880f73c9a5a3cd63de25bc (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-03T18:48:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_RafaelSantosdeGusmãoLobo.pdf: 65743304 bytes, checksum: a066bedd3d880f73c9a5a3cd63de25bc (MD5) / Este trabalho busca investigar o desenvolvimento da importância do gênero de horror na compreensão da trágica condição humana atual. Para tal fim, investigo o gênero de horror partindo do pensamento da corrente filosófica do realismo especulativo e, em particular, do autor Eugene Thacker, que reconhece no espectro da extinção humana que assombra gradativamente nossas vidas hoje – catástrofes ambientais, pandemias, guerras – a dificuldade em se pensar a existência de um mundo de onde fomos extintos. Tal pensamento traz um limite em si: a imagem de um mundo impensável que se situa nas fronteiras da dicotomia ciência e magia. A necessidade política de se pensar a coexistência entre o mundo não humano dos processos naturais e o mundo humano objetificado aponta para a importância do horror como um campo epistemológico privilegiado de investigação que, há tempos, tem no conhecimento dessa coexistência seu foco de interesse. Nesse contexto, opto por seguir minha investigação por meio do exame do pensamento do cineasta David Cronenberg, considerado um autor fundamental do horror. Juntamente com a perspectiva de Thacker sobre o mundo, investigo a hipótese de que a obra do diretor canadense perfaz uma visão autoral que pode ser compreendida como um dispositivo de uma cosmovisão de horror. A partir de uma particular dicotomia de seu cinema, que se apresenta cindido entre uma estética ora fantasiosa, ora mais realista, minha proposta segue a intuição de que há, na tensão dessa contradição, uma afinidade eletiva entre a dicotomia realidade e fantasia que associa sua obra ao horror. A motivação dessa hipótese está na premissa de que o cinema de Cronenberg encontra sua unidade como um pensamento sobre o corpo humano. Por meio do reconhecimento desta afinidade, os corpos dos personagens dos filmes revelam-se como significantes da monstruosidade, tal como pensada por Georges Canguilhem. Revelada a monstruosidade do corpo, a visão estética autoral do diretor pode ser entendida como a expressão de uma fantasiosa visão de lugar nenhum, cuja perspectiva de estranhamento radical se revela como fonte de uma experiência de horror fundamental. ‘New Flesh’, expressão cunhada pelo diretor em um de seus filmes para nomear a monstruosidade do corpo de seu personagem, é utilizada nesta pesquisa como conceito estético que operacionaliza essa afinidade entre realidade e fantasia no cinema de Cronenberg. Ao fim da dissertação, aprofundando a relação inerente da New Flesh com a noção de construção de realidade, experimento ludicamente este conceito como o dispositivo mediador de uma cosmovisão de horror. _______________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This work aims to investigate the development of the importance of horror genre in understanding the tragic human condition today. To this end, I investigate the horror genre following the philosophical thought of speculative realism, and particularly the author Eugene Thacker, who recognizes in the spectrum of human extinction that gradually haunts our lives today – environmental disasters, pandemics, wars – the difficulty in thinking of a world where we went extinct. This thought brings a limit within: the image of an unthinkable world that lies on the borders of the dichotomy science and magic. The political need to think about the coexistence between the nonhuman world of natural processes and the objectified human world point to the importance of horror as a privileged epistemological field of research, that has been having, in the knowledge of that coexistence, for a long time, its focus of interest. In that context, I choose to follow my research by examining the thought of the cinema director David Cronenberg, considered a key author of horror. Together with Thacker’s perspective, I investigate the hypotheses that the work of the Canadian director compiles an authorial vision that can be comprehended as an apparatus of a horror worldview. From a singular dichotomy of his work, divided between films with fanciful aesthetics and others with a realistic aesthetics, my proposal follows the intuition that there is on the stress of that contradiction, an elective affinity between the dichotomy reality and fantasy, which link his work to horror. The motivation of this hypothesis is grounded in the assumption that Cronenberg’s films finds their unity as a thought of the human body. By means of the recognition of this affinity, the bodies of his film's characters are revealed as signifiers of monstrosity as thought by Georges Canguilhem. Revealed the monstrosity of the body, the director's authorial vision can be understood as the expression of a fantasy view from nowhere, whose perspective of radical strangeness is revealed as a source of a fundamental horror experience. ‘New Flesh’, an expression coined by the director in one of his films, is used in this research to name the aesthetics concept that will operationalize this affinity between reality and fantasy in Cronenberg's work. By the end of the dissertation, deepening the relation of the New Flesh with the notion of construction of reality, I experiment playfully with this concept as an apparatus of mediation of a horror worldview.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Programa de Pós-Graduação em Literatura, 2016. / Submitted by Camila Duarte (camiladias@bce.unb.br) on 2016-07-27T14:39:31Z No. of bitstreams: 1 2016_MaxçunyAlvesNevesdaSilva.pdf: 2080925 bytes, checksum: 0395e2df9072340c7969d97593619df8 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-08-22T21:39:00Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_MaxçunyAlvesNevesdaSilva.pdf: 2080925 bytes, checksum: 0395e2df9072340c7969d97593619df8 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-22T21:39:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_MaxçunyAlvesNevesdaSilva.pdf: 2080925 bytes, checksum: 0395e2df9072340c7969d97593619df8 (MD5) / A morte que tanto agiu no século XX é o traço marcante da escrita de Affonso Romano de Sant’Anna e que aparece de forma mais explícita nas quatro últimas obras poéticas que, lançadas no período a que Lipovetsky denomina de hipermodernidade, formam o corpus analisado. A forma como Tânatos se deixa transparecer em sua poesia demonstra um projeto coeso que gira em torno do tempo e das reflexões que ele suscita. Na busca por uma análise intertranstextual, levou-se em consideração o que propõe Eco em Os limites da Interpretação, conjuntamente com teóricos como Bakhtin, Bosi e Paz dentre outros. No tocante ao tema, foram observados os posicionamentos histórico, sociológico, psicanalítico, bioantropológico e filosófico de Ariès, Bauman, Ross, Morin e Agostinho, respectivamente, dentre outros. ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / Death, which acted so much in the XX century, is the remarkable feature in the writing of Affonso Romano de Sant’anna. This can be seen explicitly in the analyzed corpus: his last four poetry books, which were released in the period Lipovetsky has called hypermodenity. The way the author lets Thanatos appear manifests a close-knit project that revolves around time and the experiences it incites. Searching for an intertextual analyzes, one has considered what Eco proposed in The Limits of Interpretation, and theoreticians such as Bakhtin, Bosi, Paz, among others. In respect to the subject-matter, one has observed historical, sociological, psychoanalytic, bioanthropological and philosophic visions of Ariès, Bauman, Morin, and Augustine, amongst others.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Departamento de Línguas Estrangeiras e Tradução, Programa de Pós-Graduação em Estudos da Tradução, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-09-06T16:03:26Z No. of bitstreams: 1 2016_FrancieleGraebin.pdf: 1361912 bytes, checksum: 8f690e3bee4a87856692c941f5e05e8c (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-10-22T19:38:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_FrancieleGraebin.pdf: 1361912 bytes, checksum: 8f690e3bee4a87856692c941f5e05e8c (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-22T19:38:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_FrancieleGraebin.pdf: 1361912 bytes, checksum: 8f690e3bee4a87856692c941f5e05e8c (MD5) / Em 2012, as obras de Virgínia Woolf (1882-1941) entraram em domínio público, o que aparentemente incentivou o surgimento de novas traduções no Brasil, sendo que Mrs. Dalloway (1925) recebeu três novas traduções neste mesmo ano. Nesta dissertação serão analisadas quatro traduções brasileiras para o português de Mrs. Dalloway que serão comparadas com a obra correspondente em inglês. As traduções consideradas são as seguintes: a tradução de Mário Quintana publicada em 1946 (editora Globo, Porto Alegre), e as traduções publicadas em 2012, realizadas por Denise Bottmann (editora LP&M, Porto Alegre, 2012), Tomaz Tadeu (editora Autêntica, Belo Horizonte, 2012) e Claudio Alves Marcondes (editora Cosac Naify, São Paulo, 2013). A teoria dos polissistemas (EVEN-ZOHAR, 1990; TOURY, 1995; BASSNETT, 1993, 2002) e o esquema de descrição de tradução literária de José Lambert e Hendrik Van Gorp (1985) servirão de base para realizar a comparação da obra em inglês e as quatro traduções correspondentes em português. A partir da análise proposta pelo esquema, será possível observar diferenças e também semelhanças nas escolhas dos tradutores no que diz respeito aos aspectos específicos da estilística da obra Mrs. Dalloway de Woolf. Esses aspectos conduzem o ritmo da escrita de Woolf e são as rimas, repetições, aliterações e a pontuação. O esquema de descrição de tradução literária de Lambert e Van Gorp (1985) propõe a análise de cada tradução em quatro etapas: dados preliminares, macroestrutura, microestrutura e contexto sistêmico. Serão consideradas entrevistas e declarações dos tradutores no processo de análise das traduções. Pôde-se perceber que as quatro traduções são diferentes quanto aos aspectos editoriais, porém não tanto em relação a tentativa dos quatro tradutores de aproximar-se da escrita poética de Woolf, o que ficou mais evidente nas traduções de Bottmann, Tadeu e Marcondes. Quintana, cuja tradução foi a primeira, tomou decisões que são menos alinhadas com o texto de partida, principalmente porque tende a modificar alguns aspectos da obra Mrs. Dalloway, tais como a pontuação e as repetições de palavras. _________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / In 2012, the works of Virginia Woolf (1882-1941) entered the public domain, which apparently encouraged the emergence of new translations in Brazil, and Mrs. Dalloway received three new translations in this year. In this Master’s thesis, four Brazilian translations of Mrs. Dalloway into Portuguese will be compared to the corresponding work in English. The translations considered will be the following ones: by Mario Quintana published in 1946 (Editora Globo, Porto Alegre), and the translations published in 2012, rendered by Denise Bottmann (L&PM, Porto Alegre, 2012), Tomaz Tadeu (Autêntica, Belo Horizonte, 2012), and Claudio Alves Marcondes (Cosac Naify, São Paulo, 2013). The Polyssistems theory (EVENZOHAR, 1990; TOURY, 1995; BASSNETT, 1993, 2002) and the theoretical scheme for translation description outlined by José Lambert and Hendrik Van Gorp (1985) will be the basis to make the comparison of the work in English and its four corresponding translations in Portuguese. From the analysis proposed by that scheme, it will be possible to observe differences and also similarities in the choices of translators in respect with specific stylistic aspects of Woolf’s Mrs. Dalloway. These aspects include rhymes, repetitions, alliterations and the deliberate use of punctuation which settle the rhythm of Woolf´s writing. The scheme for translation description by Lambert and Van Gorp (1985) proposes the analysis of each translation in four levels: preliminary data, macro-level, micro-level and systemic context. Interviews and statements by translators will be considered in the translation process analysis. It was possible to observe that the four translations are different in terms of editorial features, but not so much in relation to the four translators’ attempt to get closer to Virginia Woolf’s poetic writing, what was more evident in the translations of Bottmann, Tadeu, and Marcondes. Quintana, whose translation was the first one, took decisions which are less aligned with the source text, mainly because he tends to modify some aspects of Mrs. Dalloway, such as the punctuation and the repetition of words.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Psicologia, Programa de Pós-Graduação em Psicologia Clínica e Cultura, 2016. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2016-08-29T14:19:22Z No. of bitstreams: 1 2016_LucianadeFariaBenigno.pdf: 3461308 bytes, checksum: e3ddc4b5b44a71915e3d581f59b21a20 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-11-01T12:48:23Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_LucianadeFariaBenigno.pdf: 3461308 bytes, checksum: e3ddc4b5b44a71915e3d581f59b21a20 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-11-01T12:48:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_LucianadeFariaBenigno.pdf: 3461308 bytes, checksum: e3ddc4b5b44a71915e3d581f59b21a20 (MD5) / Questionamentos existenciais constantemente interrogam o sujeito ao longo de sua vida, tais como, saber quem é, de onde veio, para onde vai, ou ainda, qual o sentido de sua vida. Do ponto de vista psicanalítico, do qual parte este trabalho, essas questões parecem ganhar uma maior complexidade, visto que se fala sob a égide do inconsciente. O presente trabalho explora a questão “Quem sou?”, com o objetivo de compreender de que forma pode-se conferir uma mínima estabilidade e coerência ao Eu, que permita responder à tal questão, ao completar a frase “Eu sou...”. Para tanto, foram utilizadas obras de Freud e de Lacan, juntamente a outros autores pós-freudianos, bem como autores oriundos de outras áreas de saber, como a sociologia, antropologia e história. A hipótese que permeou e guiou esta dissertação é de que o sujeito constrói uma ficção, isto é, produz algo da ordem de uma invenção, para buscar dar conta da mutabilidade e instabilidade características do Eu. Aborda-se a importância da rememoração; a falta de sentido da história do sujeito, que poderá tecê-lo em uma ficção; a questão da verdade nessa ficção; o que se pode chamar “reedições da ficção do Eu” e ainda, aquilo que se repete nessas versões. Chegamos à proposta de que a construção de uma ficção convoca o sujeito a brincar com a palavra, reinventar a si mesmo, encontrar uma repetição que demanda o novo. _________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / Existential questions constantly afflict individuals during their life, such as, knowing who they are, where they come from, what is their destiny, or what is the meaning of their life. From a psychoanalytical perspective, which supports this work, these questions gain more complexity, once they are under the aegis of the unconscious. This work explores the question “Who am I?”, aiming to understand how it is possible to provide a minimum stability and coherence to the Ego, so that the individual is capable of completing the sentence “I am...”. For this purpose, this study scrutinizes theories developed by Freud and Lacan, alongside with other post-freudians authors, and authors from different fields of knowledge, such as sociology, anthropology and history. The hypothesis that permeated and guided this dissertation is that the subject builds a fiction, that is, something related to an invention, which seeks to cope with the Ego’s typical mutability and instability. The present paper explores the importance of narrative and remembrance; the lack of meaning of the subject’s history; its truth; what can be named “re-editions of the Ego’s fiction”; as well as what is repeated in those different versions. Finally, it proposes that the construction of a fiction invites the subject to play with the words, to reinvent themselves, to seek a repetition that demands something new.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Psicologia, Departamento de Psicologia Clínica, 2016. / Submitted by Camila Duarte (camiladias@bce.unb.br) on 2016-09-01T18:42:55Z No. of bitstreams: 1 2016_MicheleCandianiSantos.pdf: 9230391 bytes, checksum: 902405c3b0c594ebdc1c30b0538466fd (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-11-01T15:04:04Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_MicheleCandianiSantos.pdf: 9230391 bytes, checksum: 902405c3b0c594ebdc1c30b0538466fd (MD5) / Made available in DSpace on 2016-11-01T15:04:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_MicheleCandianiSantos.pdf: 9230391 bytes, checksum: 902405c3b0c594ebdc1c30b0538466fd (MD5) / Esta pesquisa tem por objetivo apreender como Jacques Lacan concebeu a abertura do campo do possível ao sujeito, e sua relação ao impossível, a partir do Seminário IX: A Identificação (1961-2), apresentando uma lógica da constituição do sujeito do significante em três tempos — referidos às formas da negação ou falta de objeto (privação, frustração e castração) — e suportada por uma unidade diferencial, que é o conceito de traço unário (privação). A negação e a unidade diferencial, na teoria lacaniana, esclarecem a diferença, discutida por Freud em 1934, entre a identificação do sujeito e a escolha de objeto; a identificação será a condição para que o sujeito possa estabelecer relações de identidade na realidade. Juntos, negação e traço marcam o que Freud chama por objeto perdido (das Ding, a Coisa materna), e abrem a perspectiva de uma erótica. Esta perspectiva é montada para que o sujeito possa compreender o que se encontra à sua frente: como não há acesso imediato ao real, o homem necessita do artifício simbólico para fazer do real uma realidade, tramada, então, pelo discurso, abrindo o campo do possível a ele, sob a forma da repetição da demanda (frustração). Lacan aproximará a falta de objeto (-1), essencial e constitutiva do sujeito na neurose, à falha no universo do discurso que a formalização da lógica-matemática conseguiu demonstrar, através da formação de paradoxos lógicos, os quais estabelecem um limite à função simbólica. A constituição do campo do possível só poderá ser concluída quando o sujeito reencontra, dentro dele, o impossível, momento onde o Outro é barrado (castração). O sujeito, localizando o ponto limite da função significante (desejo do Outro), separa-se deste campo, e encontra o campo de seu desejo, tornando-se desejante: portador de uma questão que o introduz no real. A localização é feita através do falo (φ), como significante da falta e pivô entre os campos. No instante de separação, o sujeito será suportado pelo objeto (a). Há um tempo variável de apreensão, singular a cada sujeito, para sua constituição como desejo. Será na ausência (-1) da resposta do Outro (1) à demanda que o sujeito articulará a diferença entre mensagem (enunciado) e questão (enunciação), formalizada por Lacan em seu grafo do desejo, resultando na matriz simbólica da fantasia e sua lógica. Apenas no momento da castração a perspectiva de uma erótica desvela-se, a partir de uma imagem da identificação, como pura forma, (im)possível, do desejo. ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This research aims to aprehend how Jacques Lacan conceived the opening of the field of the possible to the subject, and its relationship with the impossible, based on the Seminar IX: The Identification (1961-1962) and, in doing so, to present a logic of the constitution of the subject in three times — related to the forms of negation or lack of object (privation, frustration and castration) — and underpined by a differential unit, which is the concept of the unary trait (privation). The negation and the differential unit, according to lacanian theory, clarify the difference, discussed by Freud in 1934, between the identification of the subject and the choice of the object; the identification will be the condition on the grounds of which the subject can establish identity relations in reality. Together, negation and trait mark what Freud calls the lost object (das Ding, the maternal thing), and open the perspective of an erotic. This perspective is set up so that the subject can understand what is front of him: since there is no direct access to the real, a human person requires the artifice of the symbolic to turn the real into a reality, woven, then, by the discourse, opening the field of the possible to him, in the form of the repetion of the demand (frustration). Lacan will aproximate the lack of the object (-1), essencial and constitutive of the subject in the neurosis, to the failure in the universe of discourse that the formalization of mathematical logic was able to demonstrate, through the setting of logic paradoxes which impose a limit to the symbolic function. The constitution of the field of the possible can only be completed when the subject finds, within himself, the impossible, moment where the Other is barred (castration). The subject, finding the limit point of the function of the signifier (desire of the Other), separates himself from this field, and finds the field of his desire, thus becoming desiring: carrying a question that introduces himself in the real. The location is made through the phallus (φ) as a signifier of the lack and a pivot between the fields. In the moment of separation, the subject will be supported by the object (a). There is a variable time of apprehension, unique to each subject, to his constitution as desire. It will be in the absence (-1) of the response of the Other (1) to the demand that the subject will articulate the difference between message (enunciating) and question (enunciation), as formalized by Lacan in his graph of the desire, thus resulting in the symbolic matrix of fantasy and its logic. Only at the moment of the castration the perspective of an erotic will reveal itself, stemming from an image of identification, as pure form, (im)possible, of desire.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-08-26T16:35:17Z No. of bitstreams: 1 2016_SamiraRabelloPereira.pdf: 54793800 bytes, checksum: 437f08da03a71c06b2d1a4dafac18f5d (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-11-04T12:36:06Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_SamiraRabelloPereira.pdf: 54793800 bytes, checksum: 437f08da03a71c06b2d1a4dafac18f5d (MD5) / Made available in DSpace on 2016-11-04T12:36:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_SamiraRabelloPereira.pdf: 54793800 bytes, checksum: 437f08da03a71c06b2d1a4dafac18f5d (MD5) / Nesta dissertação, apresentamos uma leitura da instalação Invention, realizada pelo artista Mark Lewis, no contexto situacional da 31a Bienal de São Paulo. Na abordagem, utilizamos a ferramenta teórico-metodológica da semiótica discursiva. O objetivo aqui é investigar no campo relacional os efeitos dos sentidos que contribuem para a significação do objeto de arte e em que medida este colabora para a construção do discurso que o engloba. Pressupomos que os efeitos dos sentidos surgem da interação entre texto e contexto. Pretendemos demonstrar que o significado do objeto denominado artístico emerge das relações construídas no contexto em que este está ou foi inserido, bem como a maneira com que produz efeitos de sentidos, que cooperam para a construção do discurso curatorial. Por conta dessa acepção, focalizamos o tratamento da discursivização do texto plástico – Invention – para, dessa forma, alcançar seus desdobramentos significativos, bem como na iconização do texto plástico, para então colacionar os discursos, a obra e a exposição, buscando identificar as relações semânticas entre eles. Por fim, neste processo de contrapor os discursos, tentamos demonstrar a relação sintático semântica que emerge da interseção entre obra de arte e exposição para atingir o discurso. Percebemos que a obra Invention faz surgir paradigmas sociais, culturais e políticos inerentes à condição contemporânea, tal como percebido no discurso curatorial, além de atuar como ferramenta de manipulação deste. _________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This dissertation we present a reading about the art installation Invention by Mark Lewis, in the situational context of the 31st Bienal de São Paulo. In the present approach is the methodological-theoretical tool used is the discursive semiotics. The aim of this work is to investigate, through the art piece reading, the relational field and the effect of senses that contribute to its meaning and also to understand its contribution to the construction of speech that includes it – the exposition. An exchange is assumed – the exchange in which the effect of senses emerges from the interaction between the combination: text and context. Therefore, this study aims to demonstrate that the meaning of the object called artistic emerges from the relations built within its context, as well as the way it produces effect of senses that contributes to the construction of the curatorial discourse. Because of this significance, the present work focuses, thence, on the treatment of the discursivization of the plastic text – Invention – to thus achieve its significant developments and the iconization plastic text, and then collate the speeches, the work and exposure in order to identify the relationships semantic between them. Finally, in the process of countering the speeches, we try to demonstrate the syntactic-semantic relationship that emerges from the intersection between artwork and exposure to achieve the speech. We realized that the Invention work raises social paradigms, cultural and political inherent to contemporary condition, as perceived in curatorial discourse, besides acting as a manipulation tool this.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-09-08T19:03:44Z No. of bitstreams: 1 2016_LeandroGuilhermeOliveiradeMenezes.pdf: 1627337 bytes, checksum: c89b7e24221851631d3c392664355304 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-11-03T13:18:00Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_LeandroGuilhermeOliveiradeMenezes.pdf: 1627337 bytes, checksum: c89b7e24221851631d3c392664355304 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-11-03T13:18:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_LeandroGuilhermeOliveiradeMenezes.pdf: 1627337 bytes, checksum: c89b7e24221851631d3c392664355304 (MD5) / O presente trabalho é fruto de uma reflexão a partir das limitações e possibilidades dos educadores de Artes que compõem o quadro de professores do Distrito Federal na Regional da Samambaia de Ensino. São ainda propostas construções e definições para a experiência, saberes, formação do docente para justamente, adentrar o discurso de educadores que trazem à discussão as experiências e contribuições ao longo de suas carreiras. Esse estudo traz luz a um quadro sintomático de comportamentos, trajetórias semelhantes, possibilitando a formação de um perfil de um educador nesta regional. Para se chegar a essas questões, o estudo aborda o sujeito que sofre a experiência num diálogo entre Jorge Larossa e John Dewey, desencadeado em tipos de experiência num processo de remoldagem do ser humano, ou seja, a partir de suas experiências anteriores, questionar-se e transbordar-se em novos terrenos de experiência. Ao falar desse processo de construção com o meio gerando conhecimento, é apresentada a construção de um saber a partir de Maurice Tardiff e seu processo de formação do saber docente. _________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This work is the result of reflection from the limitations and possibilities of Arts educators who make up the teaching staff of the Federal District in the Regional Education Fern. It is also proposed constructions and definitions for the experience, knowledge, teacher's training to precisely enter the discourse of educators who bring to the discussion the experiences and contributions throughout their careers. This study brings light to a symptomatic picture of behaviors, similar trajectories, allowing the formation of a profile of an educator in this regional. To get to these questions, the study addresses the subject who suffers experience a dialogue between Jorge Larossa and John Dewey, triggered in types of experience in refolding process of human beings, that is, from their previous experiences, pose questions up and overflow into new land experience. When speaking of that building process with the means generating knowledge, the construction of knowledge from Maurice Tardiff and its formation process of teaching knowledge is presented.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Programa de Pós-Graduação em Literatura, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-10-03T17:02:05Z No. of bitstreams: 1 2016_FabianoFerreiraCostaVale.pdf: 1306371 bytes, checksum: a95de858077d26f825079bd99ab02cd6 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-12-19T11:44:16Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_FabianoFerreiraCostaVale.pdf: 1306371 bytes, checksum: a95de858077d26f825079bd99ab02cd6 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-12-19T11:44:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_FabianoFerreiraCostaVale.pdf: 1306371 bytes, checksum: a95de858077d26f825079bd99ab02cd6 (MD5) / Procurou-se neste trabalho analisar a técnica composicional literária empregada por Graciliano Ramos em Angústia, levando-se em consideração o conjunto de sua obra, materializado em seus principais livros de ficção: Caetés (1933), S. Bernardo (1934), Angústia (1936) e Vidas Secas (1938). Estruturada em primeira pessoa, esta técnica evidencia a voz narrativa e autoral do protagonista, particularidade artística que se manifesta discursivamente por meio do presente histórico, processo estilístico responsável por marcar a estagnação dramática do personagem, organizar os planos espaço-temporais, determinar as ações e mimetizar os eventos extraliterários no romance, realizando a mediação entre o tempo interno relativo à subjetividade de Luís da Silva e o tempo externo ao enunciado, estabelecendo o nexo entre mundo representado e a realidade objetiva. Nesse sentido, ressaltou-se a obra como configuração artística que antecipa momentos históricos brasileiros marcados politicamente pela ambiguidade e pela ascensão de regimes autoritários, internalizando-os em sua estrutura narrativa. Sob tal perspectiva, verificou-se ser Angústia um livro que transfigura, ao mesmo tempo, a constituição e a deformação do tipo romanesco na produção literária deste período. Com base no método histórico-dialético, procurou-se investigar essa forma literária particular em sua estreita relação dialética com a forma social, conciliando interpretação política e fenômeno literário. Dessa forma, percebeu-se que, mesmo não possuindo personagens típicos, uma obra de arte literária ainda sim pode ser considerada típica ao possibilitar a autoconsciência por meio da encenação do processo de constituição autoral. Angústia é este tipo de obra artístico-literária, portanto, que encena o processo de elevação de uma subjetividade, transformando uma experiência pessoal e singular de um personagem em artística, universal. __________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This work aimed to analyze the literary compositional technique applied by Graciliano Ramos in Anguish, taking into account all his work, materialized in his main fictional novels: Caetes (1933), São Bernardo (1934), Anguish (1936) and Barren Lives (1938). Structured on a first-person narrative, this technique highlights the narrative voice of the protagonist, as well as his authorial voice. It is an artistic peculiarity that discursively manifests itself through the historical present, a stylistic process responsible for flagging a dramatic stagnation of the character, organizing the time-space plans, determining actions and mimicking the events that are extra-literary to the novel. It results in the mediation between the internal time related to the subjectivity of Luis da Silva and the time that is external to the enunciation, establishing the connection between the represented world and the objective reality. In this sense, the work was highlighted as an artistic configuration, which anticipates Brazilian historical moments politically marked by ambiguity, and the rise of authoritarian regimes, internalizing them in its narrative’s structure. Under this perspective, it was verified that Anguish is a book that transfigures, at the same time, both the constitution and the deformation of the novel form in the literary production of this period. Based on a historical-dialectic method, this study sought to investigate this literary form in particular, in its close dialectic relation with the social form, conciliating political interpretation and literary phenomenon. In this way, it is possible to notice that even if it does not have typical characters, a literary artwork can be considered typical when it enables the self-consciousness through the staging of the process of authorial constitution. Therefore, Anguish is this kind of artistic-literary work, which stages the process of elevation of a subjectivity, transforming a personal and singular experience of a character into something artistic and universal.