Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes Visuais, 2006. / Submitted by Érika Rayanne Carvalho (carvalho.erika@ymail.com) on 2010-09-08T23:24:38Z No. of bitstreams: 1 2006_Giselle Rodrigues de Brito.pdf: 11918581 bytes, checksum: 274c2ae48c5f58c63f9177eab0b34970 (MD5) / Approved for entry into archive by Lucila Saraiva(lucilasaraiva1@gmail.com) on 2010-09-23T20:05:28Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2006_Giselle Rodrigues de Brito.pdf: 11918581 bytes, checksum: 274c2ae48c5f58c63f9177eab0b34970 (MD5) / Made available in DSpace on 2010-09-23T20:05:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2006_Giselle Rodrigues de Brito.pdf: 11918581 bytes, checksum: 274c2ae48c5f58c63f9177eab0b34970 (MD5) / Esta pesquisa é um estudo sobre processo criativo em dança contemporânea com foco na investigação e desenvolvimento de um estado pré-expressivo de criação e sua importância para o processo criativo que resultou na montagem do espetáculo De Água e Sal, com a companhia de dança Basirah. O espetáculo configurou-se como um laboratório cênico para o exercício da interpretação, objetivando principalmente a preservação do estado pré-expressivo no contexto de atuação. A pesquisa inspirou-se inicialmente no método do Movimento Autêntico e nos estudos do Body-Mind Centering como elementos acionadores do desenvolvimento do estado préexpressivo. Partindo destes, desenvolveu-se uma gama de exercícios destinados à sensibilização e conscientização corporal do intérprete, bem como a desautomatização da percepção. Os exercícios desenvolvidos tiveram como foco a interferência na racionalidade do intérprete, tanto na construção do pensamento, como na construção e manifestação do movimento corporal, estimulando nele a atenção para seus processos físicos e psicológicos para o desenvolvimento de uma consciência ampliada da atuação cênica. Este estudo direciona-se para o dançarino intérprete criador, buscando fazê-lo entender mais claramente sua dança, na criação de um movimento, na compreensão de um sentimento gerador de determinada expressão no corpo e na identificação dos bloqueios psicológicos ou físicos que o empeçam no desenvolvimento criativo. Também baseia-se num modelo de processo criativo com colaboração coletiva. Sendo assim, no Capítulo 1 apresento uma breve perspectiva histórica da dança moderna e pós-moderna ocidental utilizando-a como base para uma reflexão e leitura sobre aspectos do atual momento da dança contemporânea, e os novos parâmetros que se revelam, tanto relacionados a sua abordagem para a criação, como a sua apreciação estética. No Capítulo 2 há um esclarecimento do que vem a ser a técnica do Movimento Autentico e do estudo do Body-Mind Centering, que foram nosso ponto de partida, e como essas técnicas foram utilizadas no processo, além do cruzamento que houve com outros exercícios, propiciando a construção do que chamarei de princípios da pesquisa. O Capítulo 3 é um relato das fases do processo criativo aplicado na companhia de dança contemporânea Basirah, onde se deu a principal investigação e desenvolvimento da pesquisa como um todo e a definição das etapas do processo, com reflexões sobre cada uma delas, até se chegar à criação do espetáculo De Água e Sal. Alguns exercícios desta pesquisa, especialmente os desenvolvidos na primeira etapa, também foram aplicados no processo criativo do espetáculo Lambe Lambe da dançarina e coreógrafa Kênia Dias. O relato dessa aplicação encontra-se no Anexo 3. Por fim, na Conclusão apresento uma reflexão dos resultados obtidos na pesquisa fazendo uma ponte para diversos questionamentos que foram levantados a respeito desta abordagem de processo criativo. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This research is a study about the creative process in contemporary dance focusing on the investigation and development of a pre-expressive state of creation and it´s importance to the creative process. It resuted on the production of the dance performance De Água e Sal with the dance company Basirah. The performance served as a stage laboratory for the exercise of interpretation, aiming mainly at the preservation of a pre-expressive state in the context of the acting. The research has been initially inspired on the Authentic Movement method and on the studies of Body Mind Centering as elements that start the development of the preexpressive state. From these elements, it was developed a set of exercises aimed at making the performer`s body sensitive and aware, as well as taking the perception out of automation. The developed exercises focused on the interference in the rationality of the performer, not only in the construction of thought, but also in the construction and manifestation of the body movement. It stimulates in the performer the atention to his/her physical and psychological processes for the development of an expanded awareness of the stage acting. This study is directed to the creative dance performer, aimed at making him/her understand more clearly his/her dance in the context of the creation of a movement, the understanding of a feeling that generates a certain body expression, and the identification of the psychological or physical blocks which prevents the creative process. In the first chapter I present a brief historical perspective of the modern and post modern western dance. It is used as a basis for a reflection and reading about aspects of the current moment of the comtemporary dance, and the new parameters that have been revealed. In the second chapter, there is an explanation about what are the Authentic Movement technic and the study of Body-Mind Centering, which were our starting point. It also states how these techniques were used in the process, besides the mix that happened with other exercises, enabling the construction of what I´m going to name research principles. The third chapter is an account of the phases of the creative process applied with the dance company Basirah, where there was the main investigation and development of the research as a whole and the definitions of the phases of the process. Some reflections were made about each one of these phases culminating in the performance De Água e de Sal . Some exercises of this research, specially the ones developed at the first phase, were also applied at the creative process of the performance Lambe Lambe of the dancer and choreographer Kênia Dias. The account of this application is shown in the Annex 3. Finally, in the conclusion I present a reflexion about the results obtained in the research establishing a link to many questions that were raised concerning this approach of the creative process.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2008. / Submitted by samara castro (sammy_roberta7@hotmail.com) on 2010-03-09T18:18:16Z No. of bitstreams: 1 2008_LudmilaMachadoMelo.pdf: 3123997 bytes, checksum: 3cdeed1618ee071d00abcab20c1a0497 (MD5) / Approved for entry into archive by Lucila Saraiva(lucilasaraiva1@gmail.com) on 2010-03-10T01:07:53Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2008_LudmilaMachadoMelo.pdf: 3123997 bytes, checksum: 3cdeed1618ee071d00abcab20c1a0497 (MD5) / Made available in DSpace on 2010-03-10T01:07:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2008_LudmilaMachadoMelo.pdf: 3123997 bytes, checksum: 3cdeed1618ee071d00abcab20c1a0497 (MD5) Previous issue date: 2008 / Esta dissertação desenvolve uma pesquisa de criação coreográfica e montagem em vídeo a partir de um estudo de caso realizado com as fiandeiras de Anápolis, Goiás, com base numa observação ativa. Assim, este trabalho pretende tecer reflexões acerca do entrelaçamento do fazer artesanal, da performance e das mídias digitais (áudio e vídeo) na construção de uma poética que surge através de uma trama interdisciplinar fomentando um processo criativo na dança. A metodologia utilizada se apóia em três momentos: em primeiro lugar, a observação ativa da cultura gestual de trabalho das fiandeiras, em segundo a sistematização descritiva dos gestos observados, a partir dos princípios da Corêutica e da Eucinética, desenvolvidos pelo método Laban e posteriormente, sua tradução para a dança. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This dissertation presents a research of choreographic creation and video making based on a study case done with the spinners of Anapolis, Goias, through active observation. Thus, this work intends to weave considerations on the interlacing between the handmade work, the performance and the digital media (audio and video) in the construction of a poetic, which arises through an interdisciplinary plot which fosters a creative process in the dance. The methodology used stands on three moments: first, the active observation of the gesture culture of the spinners’ work, second the descriptive systematization of the observed gestures, based on the Coreutic and Eucinetic principles, developed by the Laban method and later its translation to the dance.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais, 2013. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2014-04-17T15:07:16Z No. of bitstreams: 1 2013_AnaCarolinaSouzaSilvaDantasMendes.pdf: 22928209 bytes, checksum: 431006767ff4337499865133a6f761f8 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2014-04-17T15:16:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_AnaCarolinaSouzaSilvaDantasMendes.pdf: 22928209 bytes, checksum: 431006767ff4337499865133a6f761f8 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-04-17T15:16:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_AnaCarolinaSouzaSilvaDantasMendes.pdf: 22928209 bytes, checksum: 431006767ff4337499865133a6f761f8 (MD5) / Esta tese investiga as formas de conexão da dança contemporânea com as tecnologias digitais e o jogo, e tem por objetivo propor uma metodologia de análise de tais conexões que favoreça a percepção de suas possibilidades de potencialização da autonomia da dança. Tem por motivação inicial os jogos eletrônicos de dança, em particular, a Máquina para Dança (MpD), considerando a dança produzida no modo estilo livre desse jogo como exemplo de conexão entre dança, jogo e tecnologia que é otencializadora da dança. Para a construção dessa metodologia de análise, esta pesquisa fundamenta-se na filosofia contemporânea, com ênfase no pensamento de Michel Serres e coteja-o com o fazer da própria dança, retirando dessa reflexão o ferramental analítico a ser usado na visita que faz ao jogo, à tecnologia digital e às conexões estabelecidas entre eles e a dança. Como resultado, são destacados da dança os conceitos de alongamento, pré-movimento e composição, e junto aos conceitos de impulsos fundamentais, modus operandi e finalidade, constituem a base metodológica da análise dos campos e das conexões. De posse desse referencial, retorna à MpD para exercitar a metodologia de análise desenvolvida, e identifica na dança alí feita uma conexão que tende ao híbrido entre jogo e dança, sem, contudo, hibridizar esteticamente com a tecnologia; essa é utilizada como instrumento a potencializar o jogo-dança. Finaliza estabelecendo um diálogo entre os resultados obtidos na análise da dança na máquina e a própria dança contemporânea, identificando pontos de reflexão potencializadores desse fazer. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This thesis investigates the connection forms of contemporary dance with the fields of game and digital technologies, and aims to propose a methodology for analysis of such connections that favors the perception of their ability to potentiate dance autonomy. It is initially motivated by the dance electronic games, in particular, the Dancing Machine, considering the dance produced in freestyle mode of that game as an example of connection between dance, game and technology that is potentiator of dance. It is grounded in contemporary philosophy, with emphasis on the thought of Michel Serres, and collates it with the making of the dance itself. From this reflection, it gets the analytical tools, to be used during the visit that makes to game, to digital technology and to the connections between them and the dance. As a result, the following dance concepts are highlighted: stretching, pre-movement and composition, and along with the concepts of fundamental impulses, modus operandi and purpose, constitute the methodological basis of the analysis of fields and connections. Armed with this framework, this thesis returns to the Dancing Machine in orther to exercise the analysis methodology developed, and identifies the dance performed there as a connection that tends to hybrid between game and dance, without, however, aesthetically hybridize with technology. The technology is used as a tool to enhance the game-dance. Finishes establishing a dialogue between the results obtained in the analysis of the Dancing Machine and contemporary dance itself, identifying points of reflection enhancers of this dance.

Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2013-01-15T14:39:12Z No. of bitstreams: 1 Dança Autobiográfica - Dissertação Integral..pdf: 12207180 bytes, checksum: 77b838d1edd3c72b198ae92ed1bce937 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-01-15T14:39:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dança Autobiográfica - Dissertação Integral..pdf: 12207180 bytes, checksum: 77b838d1edd3c72b198ae92ed1bce937 (MD5) / FAPESB / A dança autobiográfica é concebida enquanto a dança que encena o self. A presente pesquisa formulou um estudo de caso único, com o objetivo de investigar de que modo as proposições cênicas de uma obra de dança autobiográfica é passível de fazer do universo particular do criador, um espaço compartilhável. O caso selecionado foi a obra coreográfica O samba do crioulo doido (2004), de Luiz de Abreu. A coleta e análise dos dados foi composta por observação de vídeo-registro da obra, entrevista nãoestruturada com o criador e análise de documentos da obra e do criador. Os resultados apresentam que: a) o self encenado estrutura-se com múltiplas vozes, operando num potencial diálogo contínuo entre si e o contexto cultural amplo no qual se engendra, b) tal dialogia, confirma uma perspectiva de self enquanto compartilhável, em detrimento de um subjetivismo radical; o que c) favorece ações coletivas de compartilhamento, descartando estratégias de auto-afirmação identitária, comum, sobretudo, em coletivos minoritários; sob esse ponto de vista c) a dança autobiográfica performa a identidade humana, na perspectiva da complexidade, apresentando aspectos universais condicionados ao movimento em direção às singularidades, numa multiplicidade heterogênea, todavia capaz de ser dimensionada enquanto unidade. / Escola de Dança

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro Tecnológico. Programa de Pós-Gradução em Engenharia de Produção. / Made available in DSpace on 2012-10-19T19:26:59Z (GMT). No. of bitstreams: 0Bitstream added on 2014-09-26T02:54:54Z : No. of bitstreams: 1 185677.pdf: 834991 bytes, checksum: 5723f5b5efc232ad510861a16bbc3b41 (MD5) / O presente trabalho traz como proposta a criação de um novo profissional Personal, na busca por um diferencial em seus serviços, pois num mundo competitivo e em constante mudança, observamos que a presença do espírito empreendedor tem crescido ao longo do tempo. Nas últimas décadas, vêm sendo implementadas políticas de ação em prol do empreendedorismo, especialmente frente aos novos desafios oriundos da abertura dos mercados, do maior acesso às informações e das novas demandas da atualidade. Dentro desse cenário, o Brasil vem consolidando essa necessidade de empreender. Com o intuito de verificar se esse profissional, chamado nesta pesquisa de Personal Dance, pode tornar-se uma das alternativas criativas dentro de uma visão empreendedora, busca-se na sua descrição, traçar o seu perfil, verificar se suas características são compatíveis com as de um empreendedor e analisar os efeitos proporcionados pela dança na qualidade de vida dos colaboradores desta pesquisa cujos dados foram coletados por meio de questionário e entrevista parcialmente estruturada, após dois meses de aulas práticas, com os servidores do órgão central da Prefeitura Municipal de Florianópolis, situada na região da grande Florianópolis, Estado de Santa Catarina. Pela análise dos dados obtidos pôde-se concluir que 95% dos entrevistados estão de acordo com a criação do Personal Dance, não só pelos benefícios explícitos proporcionados pela dança, mas também por considerá-lo um profissional criativo, dinâmico, atualizado, comprometido com seu trabalho, caracterizando-se, assim, com um perfil típico do empreendedor. Por fim, sugere-se que novos estudos sejam abordados, apontando não só a relevância da atividade física em geral, mas também da dança, como instrumento de liberação das potencialidades humanas.

Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-22T17:29:56Z No. of bitstreams: 1 JULIANA MARIA GRECA.pdf: 1612634 bytes, checksum: 4880e70c2976015eb7ae7066737c758f (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-22T17:29:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 JULIANA MARIA GRECA.pdf: 1612634 bytes, checksum: 4880e70c2976015eb7ae7066737c758f (MD5) Previous issue date: 2016-07-14 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This research argues about the role of dance education in schools, being its main concern: What is the role that dance represents on the political and educational contexts of the educational institutions that provide it as a pedagogical practice? The approach to the theme is made from contemporary, artistic, and educational assumptions that justify a transformation of the traditional dance teaching panorama in schools. This perspective is supported by and based on theoretical studies originated from Art Education in Dance with methodological educational mediating discussions. Using the Dance in context methodology and the concept of artist/teacher by Isabel Marques, along with the liberating educational practice concept of Paulo Freire, guiding questions for developing a contemporary and critically coherent approach to dance in schools, in a critically coherent politicalpedagogical context in which it is inserted, are both exploited and presented. Thus, the game concept of João Batista Freire is presented as a place for profitable proposition for new paradigms to dance education in educational settings. The discussion is illustrated by practical examples designed in response to a questioning of my own educational work context, the Universidade Tecnológica Federal do Paraná (Federal Technological University of Paraná). / Esta pesquisa problematiza o ensino de dança em escolas e tem por principal inquietação: Qual o papel que a dança cumpre diante dos contextos político-pedagógicos das instituições educacionais que a acolhem como prática pedagógica? A abordagem do tema é realizada a partir de pressupostos artístico-educacionais contemporâneos que justificam uma transformação do panorama do ensino tradicional de dança nas escolas. O amparo para construção dessa perspectiva se baseia no referencial teórico dos estudos em Arte-Educação fecundos na Dança, com mediação metodológica de discussões sobre educação. Através da metodologia Dança no contexto e do conceito artista/docente de Isabel Marques, juntamente com o conceito de educação libertadora de Paulo Freire, exploram-se e evidenciam-se questões norteadoras para elaboração de uma metodologia contemporânea para dança na escola, a qual seja criticamente coerente ao contexto político-pedagógico em que esteja inserida. Desse modo, o conceito de jogo de João Batista Freire é apresentado como lugar profícuo para proposição de novos paradigmas ao ensino de dança em ambientes educacionais. A discussão é ilustrada por exemplos práticos concebidos em resposta à problematização do meu próprio contexto educacional de trabalho, a Universidade Tecnológica Federal do Paraná.

Orientador : Daniel Durante Pereira Alves / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Geociencias / Made available in DSpace on 2018-08-03T20:47:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Amoroso_DanielaMaria_M.pdf: 2549755 bytes, checksum: dde19fd636f2db3d3bec506272ff02d8 (MD5) Previous issue date: 2004 / Mestrado

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Desportos. Programa de Pós-Graduação em Educação Física. / Made available in DSpace on 2012-10-23T01:36:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 238627.pdf: 846501 bytes, checksum: 82c2a85fb9811dee7f0c7b5ab7ecd6ae (MD5) / O presente trabalho investiga as relações entre arte, ciência e tecnologia, tomando a dança híbrida como possibilidade para essa análise. Desenvolve pesquisa descritivo-exploratória, de cunho bibliográfico, e faz um estudo de caso da Companhia de Dança Cena 11 (Florianópolis, Brasil), como campo exemplar para essa análise. Realizaram-se entrevistas com os integrantes desse grupo e observação de treinos, espetáculos ao vivo, ensaios e vídeos do grupo. Destacam-se dois eixos para a análise desses dados. O primeiro configura-se pela análise das técnicas de dança "percepção física" e clássica, na arte do Cena 11. Assim, inicialmente, analisa-se a idéia de narrativa na arte do grupo, na busca por compreender a técnica "percepção física", criada e desenvolvida pelo grupo, bem como questionar suas implicações e seus fundamentos. Essa técnica é considerada inovadora pela criação de novos registros corporais. Analisa-se, ainda, a presença de aulas de técnica clássica na preparação física dos dançarinos. Discute-se a concepção de técnica e tecnologia por parte do grupo, analisando-se os recursos tecnológicos que são considerados pelo grupo extensões do ser humano em sua busca por superar os limites do corpo. Discutem-se também as implicações para os seres humanos envolvidos em tal prática, focando principalmente a questão da dor e a necessidade de recursos tecnológicos na realização das técnicas pela companhia. O segundo eixo versa sobre o papel das tecnologias utilizadas pelo grupo Cena 11, foca principalmente a análise das tecnologias nos espetáculos, na forma como a arte do grupo apresenta-se ao público. A utilização das tecnologias e, em certa medida, seu próprio desenvolvimento são permeados por princípios científicos básicos para a realização da arte do grupo. Dentre as teorias científicas, o Grupo Cena 11 destaca o evolucionismo como fundamento para sua arte. Finalizando as reflexões, questiona-se a dimensão "mercadoria" do espetáculo artístico como contrapasso estético. Essa dimensão da análise foi necessária, diante da condição profissional do grupo em estudo, no qual ocorrem relações de produção e trabalho, além da disputa por patrocínio. This research investigates the relations between art, science, and technology, taking the hybrid dance as a matter to analysis. For doing this, a descriptive and exploratory study which includes specific bibliography was developed, as well as a case study about the Brazilian dance theater company Cena 11 (Florianopolis). Interviews with the participants of this company were accomplished, and some of their practices, live shows, and rehearsals were watched. The analysis takes into account two points. The first one is how the company members deal with the dance techniques "physical perception" and traditional ballet. So, at first, the idea of "narrative" in the company's art is analyzed, trying to understand the technique called "physical perception", that was created and developed by the group, and also to question its implications and basis. Such technique is considered innovative, because it creates new technical and physical executions. Also, the research analyzes the presence of classical dance classes in the practices of the company. The company's perception of techniques and technology is discussed, while the technological resources considered by the company as human body extension to overcome its limits are analyzed. Also, the implications of such practice for the human beings involved is discussed, focusing on the sensation of pain and the need of technological resources for performing those techniques. The second point refers to the role of the technologies used by Cena 11, and focus on the technologies performed in the shows, that is, the way the company's art is presented to the audience. The use of the technologies by the company and, at a certain level, its own development are founded in basic scientific principles. Among such scientific theories, Cena 11 emphasizes the Evolutionism as foundation for its art. To finish the reflections, the marketing dimension of the artistic show is questioned as aesthetic counter step. This dimension of the analysis is needed, because of Cena 11 professional conditions, which involve work and production relations, as well as competition for sponsorship.

Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2013-01-15T14:48:06Z No. of bitstreams: 1 APPALACHIAN SPRING POLÍTICA E PODER NA DANÇA.pdf: 875156 bytes, checksum: cd4249d8679d0d2651da3212dee51fba (MD5) / Made available in DSpace on 2013-01-15T14:48:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 APPALACHIAN SPRING POLÍTICA E PODER NA DANÇA.pdf: 875156 bytes, checksum: cd4249d8679d0d2651da3212dee51fba (MD5) / FAPESB / Relações entre a arte da dança, política e poder são apontadas e discutidas nessa pesquisa. Propõe-se que relação entre trabalhos de dança e política nacionalista, com a narrativa de uma cultura nacional e a (re)afirmação de uma identidade nacional, é uma construção ideológica. Entende-se que um trabalho de dança, que trata do passado da nação, aciona uma estratégia representacional de narrativa da cultura. Isso constitui uma operação que se desdobra em implicações políticas e de poder. Essas afirmações são exemplificadas através do estudo da obra coreográfica intitulada Appalachian Spring, criada em 1944 por Martha Graham, coreógrafa tida como a principal pioneira da chamada Dança Moderna Americana. Analisou-se que aspectos da obra em questão se relacionam com características da identidade nacional americana. A razão para escolha desse trabalho como estudo de caso se baseia no fato de que Appalachian Spring foi encomendado pelo governo americano na década de 1940, quando os Estados Unidos saíam de uma forte crise de ordem social, política e econômica, derivada da chamada “Depressão de 1930”, onde a nação e o poder político necessitavam reafirmar sua identidade nacional. Essa foi a última dança do período Americana (1934-1944) de Graham, fase em que trabalhou com temas nacionalistas. Para realizar esta pesquisa de caráter exploratório, procedeu-se ao tratamento de três etapas: um levantamento de registros videográficos, um levantamento bibliográfico e a análise dos dados. As questões de identidade nacional, política nacionalista e relações de poder foram analisadas a partir dos estudos de Stuart Hall, Louis Althusser, Nestor Garcia Canclini, Zygmunt Bauman, Terry Eagleton, entre outros. Os estudos de Mark Franko, Helen Thomas e Ellen Graff foram importantes referências para entender a produção da dança americana do período estudado e sua relação com questões de política nacionalista e de poder. Sobre Martha Graham, as biografias escritas por Don McDonagh, Agnes de Mille, Trude Garfunkel e a autobiografia da coreógrafa intitulada “Memórias de Sangue” foram utilizadas. Além de documentos como fotos, entrevistas, críticas e outros estudos, escolheu-se o registro videográfico em preto e branco, datado de 1958 – ao invés do registro de 1976, em cores - como base para a análise do caso, por contar com a coreógrafa no elenco, o que faz levar a crer ser um registro mais fidedigno da técnica e do estilo da coreógrafa. A pesquisa revelou que Appalachian Spring apresenta aspectos em sua configuração que auxiliam na narrativa da nação e se relaciona com a identidade nacional americana através da reafirmação de sua cultura nacional. Além disso, apresenta o poder de suscitar sentimentos nacionalistas na platéia pelo poder da interpelação. / ESCOLA DE DANÇA

ALMEIDA, Paulo Sérgio Caldas de. O coreógrafo e a coreografia: derivas artístico-pedagógicas a partir das proposições de William Forsythe. 2017. 255f. – Tese (Doutorado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Educação Brasileira, Fortaleza (CE), 2017. / Submitted by Gustavo Daher (gdaherufc@hotmail.com) on 2017-08-11T11:43:36Z No. of bitstreams: 1 2017_tese_pscalmeida.pdf: 3923626 bytes, checksum: 0cc271ac19c7a45c48ac704fc073280e (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2017-08-11T14:04:04Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_tese_pscalmeida.pdf: 3923626 bytes, checksum: 0cc271ac19c7a45c48ac704fc073280e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-08-11T14:04:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_tese_pscalmeida.pdf: 3923626 bytes, checksum: 0cc271ac19c7a45c48ac704fc073280e (MD5) Previous issue date: 2017 / A presente tese objetiva investigar os modos emergentes do fazer coreográfico e suas implicações artístico-pedagógicas. A palavra coreografia recobre, hoje, proposições que podem versar sobre os mais minuciosos e específicos detalhes do gesto de um corpo ou, inversamente, sobre as mais abertas e genéricas instruções de ação de múltiplos corpos; a coreografia escapa de sua vinculação à dança para nomear configurações de movimento as mais diversas, por vezes sequer ligadas a um fazer humano; deixa de implicar uma autoria única e nomeável para, eventualmente, dissolver-se num fazer coletivo; enfim, parece reclamar por novas compreensões. Aqui tratamos portanto de uma pedagogia da dança que se complexifica a partir de um contexto no qual os modelos de processo criativo e os modos de mover se multiplicam. Em tal contexto, o criar e o performar convergem e qualquer corporeidade só pode ser pensada a partir do projeto estético a que se vincula. Para nossa investigação, tomamos como base as proposições coreográficas de William Forsythe, artista que – além de atuar em diferentes instâncias de criação (composições cênicas, videográficas, instalativas e expositivas) e multiplicar práticas colaborativas – desenvolveu os projetos em mídia digital Improvisation technologies: a tool for the analytical dance eye e Synchronous objects for One Flat Thing, reproduced, ambos de declarado cunho pedagógico e que são utilizados correntemente em vários contextos formativos no mundo. A abordagem de William Forsythe – principalmente quanto ao corpo balético – emerge mesmo como um poderoso referencial para o estabelecimento de processos artísticos e pedagógicos de autonomização e invenção; a concepção de coreografia como proposição abre espaço para a experimentação de alteridades e para a emergência de novas corporeidades.