[ES] Esta tesis ha catalogado y estudiado la obra para clarinete de compositores valencianos a partir de la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días. Es a partir de mitad del siglo XX cuando se poseen las primeras composiciones destinadas al clarinete escritas por compositores valencianos. Se ha utilizado el arco cronológico comprendido entre la mitad del siglo XX y nuestros días, estructurando la tesis dependiendo de la formación a la cual está destinada cada una de las piezas estudiadas, lo que permite precisar su importancia y aportación a la música valenciana del siglo XX y XXI. A su vez, se han trazado las biografías de los compositores tratados, así como su contextualización dentro de la música valenciana a la que pertenece cada uno de ellos., e incluso el estudio de diversas escuelas o asociaciones de compositores surgidas en el ámbito estudiado. El estudio de las numerosas obras para clarinete de compositores valencianos ha permitido reconocer las características compositivas y estilísticas de los numerosos compositores tratados. Además, se ha tratado en los correspondientes apartados aspectos más allá de las obras musicales como son el material pedagógico escrito en su mayoría por los propios intérpretes valencianos o la importancia y el papel desarrollado por los más destacados intérpretes de clarinete de la Comunitat Valenciana, así como formaciones clarinetísticas valencianas destacadas. De este modo, con esta tesis se constata la evolución de las diferentes tendencias compositivas para clarinete que se han desarrollado en los siglos XX y lo que llevamos del siglo XXI, así como las formaciones empleadas con mayor predominio por los compositores valencianos. / [CA] Aquesta tesi ha catalogat i estudiat l¿obra per a clarinet de compositors valencians a partir de la segona meitat del segle XX fins als nostres dies. És a partir de meitat del segle XX quan es posseeixen les primeres composicions destinades al clarinet escrites per compositors valencians. S¿ha utilitzat l¿arc cronològic comprés entre la meitat del segle XX i els nostres dies, estructurant la tesi depenent de la formació a la qual està destinada cadascuna de les peces estudiades, la qual cosa permet precisar la seua importància i aportació a la música valenciana del segle XX i XXI. Al seu torn, s¿han traçat les biografies dels compositors tractats, així com la seua contextualització dins de la música valenciana a la qual pertany cadascun d¿ells., i fins i tot l¿estudi de diverses escoles o associacions de compositors sorgides en l¿àmbit estudiat. L¿estudi de les nombroses obres per a clarinet de compositors valencians ha permés reconéixer les característiques compositives i estilístiques dels nombrosos compositors tractats. A més, s¿ha tractat en els corresponents apartats aspectes més enllà de les obres musicals com són el material pedagògic escrit en la seua majoria pels propis intèrprets valencians, o la importància i el paper desenvolupat pels més destacats intèrprets de clarinet de la Comunitat Valenciana, així com formacions clarinetísticas valencianes destacades. D¿aquesta manera, amb aquesta tesi es constata l¿evolució de les diferents tendències compositives per a clarinet que s¿han desenvolupat en els segles XX i el que portem del segle XXI, així com les formacions emprades amb major predomini pels compositors valencians. / [EN] This thesis has cataloged and studied the work for clarinet of Valencian composers from the second half of the twentieth century to the present day. It is from the middle of the 20th century when the first compositions intended for clarinet written by Valencian composers are possessed. The chronological arc between the middle of the 20th century and our days has been used, structuring the thesis depending on the formation to which each one of the pieces studied is destined, which allows to specify its importance and contribution to the Valencian music of the century XX and XXI. In turn, the biographies of the treated composers have been traced, as well as their contextualization within the Valencian music to which each one belongs, and even the study of various schools or associations of composers that emerged in the field studied. The study of the numerous works for clarinet of Valencian composers has allowed us to recognize the compositional and stylistic characteristics of the numerous composers treated. In addition, it has been treated in the corresponding sections beyond the musical works such as the pedagogical material written mostly by the Valencian performers themselves or the importance and the role developed by the most outstanding clarinet performers of the Comunitat Valenciana, as well as outstanding Valencian clarinetistic formations. Thus, with this thesis the evolution of the different compositional tendencies for clarinet that have been developed in the twentieth centuries and what we have taken from the twenty-first century is verified, as well as the formations used with greater predominance by the Valencian composers. / Fernández Castelló, L. (2020). Música para clarinete de compositores valencianos. Catalogación y estudio de la música para clarinete de compositores valencianos desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/153140 / TESIS

Estudar a obra escultórica do artista italiano Ettore Ximenes (Palermo, 11 de abril de 1855 - Roma, 20 de dezembro de 1926) produzida na Itália e no Brasil, com destaque ao Monumento a Giuseppe Garibaldi, em Milão, e ao Monumento à Independência, em São Paulo, permite não só evidenciar as direções políticas correntes, como também considerar as direções plásticas necessárias para atender encomendas do período que se estende de 1855 a 1926. A partir da contextualização histórica e da aproximação das exigências dos modos de produção artísticos do final do século XIX e início do século XX, torna-se possível compreender a simbologia dos monumentos, que atende a diversos propósitos, e considerar as práticas desse artista italiano, um dos mais requisitados escultores de sua época. / Studying the sculptural work of the Italian artist Ettore Ximenes (Palermo, April 11, 1855 - Rome, 20 December 1926) produced in Italy and Brazil, emphasizing the monument to Giuseppe Garibaldi, in Milan, and the Monument of the Independence, in Sao Paulo, allows not only to expose the current political directions, but also to consider the need to satisfy the commissioners of the period, which extends from 1855 to 1926. Taking into account both the historical context and the art production manners of the late nineteenth and early twentieth century, it can be understood the symbology of the monuments, which serves several propositions, and it can be demonstrated the artistic practices of this Italian artist, one of the most celebrated sculptors of his time.

Estudar a obra escultórica do artista italiano Ettore Ximenes (Palermo, 11 de abril de 1855 - Roma, 20 de dezembro de 1926) produzida na Itália e no Brasil, com destaque ao Monumento a Giuseppe Garibaldi, em Milão, e ao Monumento à Independência, em São Paulo, permite não só evidenciar as direções políticas correntes, como também considerar as direções plásticas necessárias para atender encomendas do período que se estende de 1855 a 1926. A partir da contextualização histórica e da aproximação das exigências dos modos de produção artísticos do final do século XIX e início do século XX, torna-se possível compreender a simbologia dos monumentos, que atende a diversos propósitos, e considerar as práticas desse artista italiano, um dos mais requisitados escultores de sua época. / Studying the sculptural work of the Italian artist Ettore Ximenes (Palermo, April 11, 1855 - Rome, 20 December 1926) produced in Italy and Brazil, emphasizing the monument to Giuseppe Garibaldi, in Milan, and the Monument of the Independence, in Sao Paulo, allows not only to expose the current political directions, but also to consider the need to satisfy the commissioners of the period, which extends from 1855 to 1926. Taking into account both the historical context and the art production manners of the late nineteenth and early twentieth century, it can be understood the symbology of the monuments, which serves several propositions, and it can be demonstrated the artistic practices of this Italian artist, one of the most celebrated sculptors of his time.

Este trabalho consiste em uma reflexão teórico-prática sobre a atividade escultórica de Cláudio Ilson Ramos Maciel, desenvolvida no período de 1997 a 2000, como dissertação conclusiva do Mestrado em Artes Visuais da Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Este estudo focaliza a análise do processo de formação de esculturas, que tem por princípio a montagem. Parte da seguinte questão: Como abordar, no espaço tridimensional, através da relação matéria-forma, as funções de conter e transvasar, permanecer e passar? Aborda a possibilidade de se relacionar um ajuste entre matéria e forma, no espaço tridimensional, às noções de permanecer e passar que vemos refletidas nos espaços constituídos por certos objetos que visualizamos e que identificamos em nosso cotidiano. / This work is a theoretical-practical reflection about the production by Claudio Ilson Ramos Maciel in sculpture within 1997 and 2000, as Master Degree thesis on Art at the Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Brazil. This study focuses the analysis of the process of creation of sculpture, having as a principle the act of mounting. The question is: How to approach, in the threee-dimensional space, through the relation between matter and form, the functions of containing and flowing, staying and passing? It discusses the possibility of relating an adjustment between matter and form, in the three-dimensional space, to the idea of staying and passing that are reflected in the spaces which some objects consist and are identified in the daily life of an individual.

Este trabalho consiste em uma reflexão teórico-prática sobre a atividade escultórica de Cláudio Ilson Ramos Maciel, desenvolvida no período de 1997 a 2000, como dissertação conclusiva do Mestrado em Artes Visuais da Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Este estudo focaliza a análise do processo de formação de esculturas, que tem por princípio a montagem. Parte da seguinte questão: Como abordar, no espaço tridimensional, através da relação matéria-forma, as funções de conter e transvasar, permanecer e passar? Aborda a possibilidade de se relacionar um ajuste entre matéria e forma, no espaço tridimensional, às noções de permanecer e passar que vemos refletidas nos espaços constituídos por certos objetos que visualizamos e que identificamos em nosso cotidiano. / This work is a theoretical-practical reflection about the production by Claudio Ilson Ramos Maciel in sculpture within 1997 and 2000, as Master Degree thesis on Art at the Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Brazil. This study focuses the analysis of the process of creation of sculpture, having as a principle the act of mounting. The question is: How to approach, in the threee-dimensional space, through the relation between matter and form, the functions of containing and flowing, staying and passing? It discusses the possibility of relating an adjustment between matter and form, in the three-dimensional space, to the idea of staying and passing that are reflected in the spaces which some objects consist and are identified in the daily life of an individual.

Orientador: José Paiani Spaniol / Banca: Lygia Arcury Eluf / Banca: Angelo Bucci / Resumo: Estabelecendo como eixo estrutural as relações entre escultura, espaço e escala, esta pesquisa tem como foco aprofundar minha produção no campo da escultura, por meio da investigação teórica e de procedimentos desenvolvidos em ateliê. O estudo teórico considera observações a respeito da atuação do artista e do papel da escultura no espaço público da cidade, refletindo sobre a experiência estética neste contexto, complementado pelos exemplos dos artistas de referência, com produção escultórica nos períodos da arte moderna e contemporânea. As obras, selecionadas por aproximação poética, relacionam-se com o escopo desta pesquisa ora por procedimentos técnicos empregados, ora por reflexões conceituais por elas suscitadas. Estão reunidas em torno de qualidades da linguagem visual: transparência, sombra, densidade e linha. A pesquisa prática será apresentada por meio de registros do processo e de imagens dos resultados, nos quais a fotografia e a projeção de sombras são os caminhos para uma abordagem sobre o tema da escala. / Abstract: Establishing as a structural axis the relationship between sculpture, space and scale, this research focuses on adding depth to my production in the field of sculpture through theoretical research and procedures developed in the studio. The theoretical study considers observations on the role of artists and sculptures in the city's public space, reflecting on the aesthetic experience in this context. It is complemented by the examples of referential artists whose sculptural production took place in periods of modern and contemporary art. The works, selected by poetic proximity, relate to the scope of this research either through the technical procedures employed on them or through conceptual reflections raised by them. They are grouped by qualities of visual language: transparency, shadow, density and line. The practical research will be presented through case records and images of the results, in which photography and projection of shadows are the means for an approach based on the issue of scale. / Mestre

Este trabalho consiste em uma reflexão teórico-prática sobre a atividade escultórica de Cláudio Ilson Ramos Maciel, desenvolvida no período de 1997 a 2000, como dissertação conclusiva do Mestrado em Artes Visuais da Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Este estudo focaliza a análise do processo de formação de esculturas, que tem por princípio a montagem. Parte da seguinte questão: Como abordar, no espaço tridimensional, através da relação matéria-forma, as funções de conter e transvasar, permanecer e passar? Aborda a possibilidade de se relacionar um ajuste entre matéria e forma, no espaço tridimensional, às noções de permanecer e passar que vemos refletidas nos espaços constituídos por certos objetos que visualizamos e que identificamos em nosso cotidiano. / This work is a theoretical-practical reflection about the production by Claudio Ilson Ramos Maciel in sculpture within 1997 and 2000, as Master Degree thesis on Art at the Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Brazil. This study focuses the analysis of the process of creation of sculpture, having as a principle the act of mounting. The question is: How to approach, in the threee-dimensional space, through the relation between matter and form, the functions of containing and flowing, staying and passing? It discusses the possibility of relating an adjustment between matter and form, in the three-dimensional space, to the idea of staying and passing that are reflected in the spaces which some objects consist and are identified in the daily life of an individual.

[EN] ABSTRACT Today Contemporary Art is presented to us through a multifaceted perspective where the limits between disciplines have been blurred, expanded, and altered. This Thesis, The Stamp that Occupies the Space. Multiple Art and Installation. Walking the Limits of Contemporary Graphic Art, recaps historically, conceptually, and visually how these boundaries are both fading and fusing, essentially from the multiple art and installation, to an art totally free from technical terms and formal restrictions. Throughout this study, an evolutionary and global status of Graphic Art is presented through a concept that had a restrictive start but is now allowing a substantial change to occur in the way that we understand Graphic Art today: a much more interdisciplinary, creative, and attractive media. Because of this multiple process qualities, graphic art is expanding the frontiers that once situated it as a conventional and encapsulated mean, to play an essential part in Contemporary Art. Truthfully, there are many issues and concepts that are still being revised along with many to come in order to allow multiple media to progress at the pace of its praxis. This, without a doubt, is one of the research objectives: to implement a reflection regarding the concept and practice of the art in order to amplify our focus on the matter. Multiple art expands its creations to other disciplines in order to achieve its proper place in the XXI century: a place where it finds in installation, performance, or intervention that develops its potential as a multiple, dynamic, and experimental creational mean. / [ES] RESUMEN El arte contemporáneo se nos presenta hoy día desde una perspectiva poliédrica en la que los límites entre disciplinas se ha difuminado, expandido y alterado. La tesis que aquí se presenta, La estampa que habita el espacio. Arte múltiple e instalación. Recorriendo los límites de la gráfica contemporánea. Hace un recorrido histórico, conceptual y visual de cómo esas fronteras están desapareciendo e hibridando, esencialmente desde el arte múltiple y la instalación, en pos de un arte total libre de apelativos técnicos y restricciones formales. A lo largo del estudio se presenta una evolución inicial y global del estatus de la gráfica, una concepción que comenzó como restringida está dando paso a un cambio sustancial en la forma de entender el arte gráfico como un medio mucho más interdisciplinar, creativo y por consiguiente atractivo. Es precisamente por sus cualidades en cuanto a proceso múltiple, que el arte gráfico está ampliando las fronteras que lo situaban como un medio convencional y en cierto modo encapsulado, para jugar hoy un papel esencial dentro del arte contemporáneo. Lo cierto es que hay muchas cuestiones y conceptos que están siendo revisados y muchos otros que todavía deben serlo, para que el medio múltiple avance al ritmo al que lo hace su praxis. Este es sin duda, uno de los objetivos que persigue esta investigación: plantear una reflexión sobre el concepto y la práctica de la gráfica, que nos conduzca a un enfoque mucho más amplio de la misma. Hasta el punto de ver cómo el arte múltiple expande sus creaciones a otras disciplinas, para situar y concebir una estampa propia del siglo XXI, que encuentra en la instalación, la performance o la intervención un lugar propio en el que desarrollar su potencial como medio de creación múltiple, dinámico y experimental. / [CAT] RESUM L'art contemporani se'ns presenta avui dia des d'una perspectiva polièdrica en la qual els límits entre disciplines s'ha difuminat, expandit i alterat. La tesi que ací es presenta, L'estampa que habita l'espai. Art múltiple i instal·lació. Recorrent els límits de la gràfica contemporània. Fa un recorregut històric, conceptual i visual de com aquestes fronteres estan desapareixent i hibridant, essencialment des de l'art múltiple i la instal·lació, darrere d'un art total lliure d'apel·latius tècnics i restriccions formals. Al llarg de l'estudi es presenta una evolució inicial i global de l'estatus de la gràfica, una concepció que va començar com restringida està donant pas a un canvi substancial en la forma d'entendre l'art gràfic com un mitjà molt més interdisciplinari, creatiu i per tant atractiu. És precisament per les seues qualitats quant a procés múltiple, que l'art gràfic està ampliant les fronteres que ho situaven com un mitjà convencional i en certa manera encapsulat, per a jugar avui un paper essencial dins de l'art contemporani. La veritat és que hi ha moltes qüestions i conceptes que estan sent revisats i molts uns altres que encara han de ser-ho, perquè el mitjà múltiple avança al ritme al que ho fa la seua praxi. És sens dubte, un dels objectius que persegueix aquesta recerca: plantejar una reflexió sobre el concepte i la pràctica de la gràfica, que ens conduïsca a un enfocament molt més ampli de la mateixa. Fins al punt de veure com l'art múltiple expandeix les seues creacions a altres disciplines, per a situar i concebre una estampa pròpia del segle XXI, que troba en la instal·lació, la performance o la intervenció un lloc propi en el qual desenvolupar el seu potencial com a mitjà de creació múltiple, dinàmic i experimental. / Gallardo Fernández, V. (2015). LA ESTAMPA QUE HABITA EL ESPACIO. Arte múltiple e Instalación. Recorriendo los límites de la gráfica contemporánea [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/52026 / TESIS

[EN] Sound sculpture as object and sonic body: Creatives propositions from the "Groupe de Recherche en Sculpture et Art Sonore" -GReSAS- Quebec, 2005 - 2011 The subject of this investigation is to deepen our understanding of the analogic equivalence between a sculptural object and sound phenomena in order to comprehend the sculptural and sonic event as a hybrid visual art phenomena, at once spatial and time based art, and in which measure the concept of sonic body integrates into this new dynamic environment. This thesis is built in three chapters: The first chapter traces the evolution of sound sculpture toward installations and sound environments. Chapter two focuses on contaminations of sculptural phenomena by disciplines foreign to the spatial arts, specifically from theater and time based art. The final chapter underscores other significant influences which have tranformed the way of producing sculpture as well as sonic sculptural events collectively, through interactive and participatory strategies. Parallel investigations analize the experimental practices of the 'Groupe de Recherche en Sculpture et Art Sonore' (GReSAS) from Quebec between 2005 and 2011. The general motivation for this research responds to two preoccupations: The way in which one makes sculpture today, and how the contemporary artistic evento generates sense. With these points of departure, the chosen methodology favors an analogous analysis anchored in concret phenomena in order to grasp the theoretical and practical aspects of our general objetive and, simultaneously, allows the development of an experimental framework for open, creative and collective production. Three essential objectives of the present thesis are, first of all, to analyze sculpture as sound object in its various manifestations by interesting ourselves in the practical articulation of this movement of sculpture towards a sound object during the XXth century which will allow us to understand the context in which a sound object may attain the possibility of being art. Two, to further comprehend the expansion of sound sculpture towards a sonic body and its possible expressions by examining the evolution of the sculptural field, the manifestations and events where a sound component is imperative and essential to the work. Although, far from a complete inventory of the phenomenon, we have underlined works which are indicative of possible sonic bodies to better understand the binomial space - time, of the inalienable nature of both terms as they are anchored in materiality. Three, to demonstrate that a work may be dependent on its three-dimensional form and on its sound consequences because without these two components there would be no such work of art. Simultaneously, in accordance with our methodology, we apply in a creative way the double conception refered to in the previous points through collective projects realized by the GReSAS from Quebec (since its foundation in 2005 until 2011) to further understand the multiple transformations of the sculptural object toward a sound object and a possible sonic body. The results obtained demonstrate that the concept of a minimum of image is essential to the ontological condition necessary for the sculptural to appear concretely. The expansion of this 'povera' concept into the theatrical leads us to affirm a second ontological condition, that of a minimum of theatricality in action art events and art performance. Equally significant in an open search for meaning is the deleuzian concept of 'mot-valise', when applied to action and art performance, sheading light on a new unicity in art actions and daily life media. Experimentation situates the sonic body in actuality and facilitates a new understanding of this vibrant body. / [ES] El propósito de esta investigación ha sido indagar en la equivalencia analógica entre el objeto escultórico y el fenómeno sonoro para poder acceder a un entendimiento global del evento escultórico-sonoro como fenómeno híbrido de arte visual, a la vez que del espacio y del tiempo, y también en qué medida el concepto de cuerpo sónico se integra en este nuevo y cambiante entorno dinámico. Esta tesis ha sido estructurada en tres capítulos: El primero se centra en la evolución de la escultura sonora hacia las diversas formas de producir instalaciones y entornos sonoros. El segundo capítulo está enfocado en las peculiaridades de las distintas contaminaciones que sufre el fenómeno escultórico por el uso de disciplinas ajenas a las artes del espacio, es decir desde las artes del tiempo y del espectáculo. El tercer y último capítulo investiga otras muchas influencias significantes que han transformado la manera de producir tanto la escultura como los eventos escultórico-sonoros producidos colectivamente, tanto interactivos como participativos. En paralelo, asimismo hemos analizado las prácticas experimentales llevadas a cabo por el 'Groupe de Recherche en Sculpture et Art Sonore' (GReSAS) de Quebec entre 2005 y 2011. La motivación general de la presente investigación responde a dos inquietudes actuales, a saber, la manera de hacer escultura, hoy en día, y cómo el evento artístico contemporáneo genera sentido. Con estos puntos de partida, la metodología elegida favorece un análisis analógico anclado en fenómenos concretos para profundizar en los aspectos teóricos y prácticos del objetivo general que, en paralelo, nos permite desarrollar un protocolo de creación experimental abierto y colectivo. Destacaremos, no obstante, tres objetivos primordiales. Uno: analizamos la escultura como objeto sonoro en sus diferentes manifestaciones, interesándonos sobre todo por la articulación práctica de este movimiento en particular de la escultura hacia un objeto sonoro a lo largo del siglo XX, que nos llevará a saber cuál es el contexto donde un objeto sonoro alcanza la posibilidad de ser arte. Dos: profundizamos en la expansión de la escultura sonora hacia un cuerpo sónico y, también, sus posibles expresiones examinando la evolución del campo escultórico hacia manifestaciones y eventos donde una componente sonora se impone en la esencia de la obra; aunque, lejos de intentar elaborar un inventario completo del fenómeno, hemos intentado subrayar aquellas obras que nos han servido para ejemplificar algunos fenómenos indicativos de ser posibles cuerpos sónicos y hemos tratado de llegar a una comprensión del binomio espacio-tiempo, incidiendo -asimismo- en la indisolubilidad de ambos términos, pues los dos están anclados en lo matérico. Y tres, demostramos que una obra es dependiente tanto de su forma tridimensional como de sus consecuencias sonoras, puesto que sin la una y sin la otra no habría obra de arte, y al mismo tiempo y siguiendo con el objeto de estudio, hemos aplicado de manera creativa la doble concepción a que hacíamos referencia en los puntos anteriores por medio de los proyectos realizados por el GReSAS (desde su creación en 2005 hasta 2011), indagando en las múltiples transformaciones posibles del objeto escultórico como objeto sonoro y como cuerpo sónico a la vez en los proyectos colectivos llevados a cabo por el GReSAS de Quebec. Los resultados obtenidos demuestran que el concepto mínimo de imagen es imprescindible a la condición ontológica escultórica de aparecer en concreto, con la expansión de este concepto 'poverista' hacia un mínimo de teatralización en cuanto se refiere al evento artístico. Igualmente útil, es la aportación del concepto deleuziano de 'mot-valise' que, cuando es aplicado al arte de acción o a una performance de arte, nos permite vislumbrar una nueva unicidad en la actuación artística y en el acto vivencial. La experimentación sitúa el cuerp / [CAT] El propòsit d'aquesta investigació ha estat aprofundir en l'equivalència analògica entre l'objecte escultòric i el fenomen sonor per tal de poder accedir a un enteniment global de l'event escultòric-sonor com a fenomen híbrid d'art visual, a la vegada que de l'espai i del temps, i també en quina mesura el concepte de cos sònic s'integra en este nou i canviant entorn dinàmic. Esta tesis s'ha estructurat en tres capítols: El primer se centra en l'evolució de l'escultura sonora cap a les diverses formes de produir instal·lacions i entorns sonors. El segon capítol està enfocat en las peculiaritats de las distintes contaminacions que sofreix el fenomen escultòric per l'ús de disciplines alienes a les arts de l'espai, es a dir des de les arts del temps i de l'espectacle. El tercer i últim capítol investiga altres moltes influències significants que han transformat la manera de produir tant l'escultura com els esdeveniments escultòric-sonors produïts col·lectivament, tant interactius com participatius. En paral·lel, així mateix hem analitzat les pràctiques experimentals fetes pel 'Groupe de Recherche en Sculpture et Art Sonore' (GReSAS) de Quebec entre 2005 y 2011. Aleshores, la motivació general de la present investigació respon a dues inquietuds actuals, a saber, la manera de fer escultura, avui en dia, i com l'esdeveniment artístic contemporani genera sentit. Amb aquests punts de partida, la metodologia elegida afavoreix un anàlisi analògic ancorat en fenòmens concrets per tal d'aprofundir en els aspectes teòrics i pràctics de l'objectiu general que, en paral·lel, ens permet desenrotllar un protocol de creació experimental obert i col·lectiu. Destacarem, no obstant, tres objectius primordials. Un: analitzem l'escultura com a objecte sonor en les seues diferents manifestacions, interessant-nos sobre tot per l'articulació pràctica d'aquest moviment en particular de l'escultura cap a un objecte sonor al llarg del tumultuós segle XX, que ens portarà a saber quin és el context on un objecte sonor abasta la possibilitat d'ésser art. Dos: aprofundim en l'expansió de l'escultura sonora cap a un cos sònic i, també, les seues possibles expressions examinant l'evolució del camp escultòric cap a manifestacions i esdeveniments on una component sonora s'imposa en l'essència de l'obra; encara que, lluny d'intentar elaborar un inventari complet del fenomen, hem intentat subratllar aquelles obres que ens han servit per a exemplificar alguns fenòmens indicatius de ser possibles cossos sònics i hem tractat d'arribar a una compren-sió del binomi espai-temps, tot i incidint en la indissolubilitat d'ambdós termes, puix els dos estan ancorats en allò matèric. I tres, demostrem que una obra és depenent tant de la seua forma tridimensional com de les seues conseqüències sonores, per tal com sense l'una i sense l'altra no hi hauria obra d'art, i al mateix temps i seguint amb l'objecte d'estudi, hem aplicat de manera creativa la doble concepció a la qual fèiem referència als punts anteriors mitjançant els projectes realitzats pel GReSAS (des de la seua creació al 2005 i fins 2011), indagant les múltiples transformacions possibles de l'objecte escultòric com a objecte sonor i com cos sònic a la vegada dins els projectes col·lectius portats a cap pel GReSAS de Quebec. Els resultats obtinguts demostren que el concepte de mínim d'imatge és imprescindible a la condició ontològica escultòrica de aparèixer en concret, amb l'expansió d'este concepte 'poverista' cap a un mínim de teatralització en quant es refereix a l'esde-veniment artístic. Igualment útil en una recerca de sentit obert és el concepte deleuzià de 'mot-valise' que, quan es aplicat a l'art d'acció o a una performance d'art, ens permet entreveure una nova unicitat en l'actuació artística i en l'acte vivencial. L'experimentació situa el cos sònic actual i facilita un nou enteniment d'ell mateix. / Leduc, Y. (2015). La escultura sonora como objeto y cuerpo sónico: Propuestas creativas dentro del "Groupe de Recherche en Sculpture et Art Sonore" -GReSAS- Quebec, 2005-2011 [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/58772 / TESIS

[EN] This research aims to study the concept of home and cabin -dweller where he became the habitat to link two possible experiential aspects : space as an ally , ally or as space, and the approach of our hypothesis is if the house has been conceived or not as allied and non-allied contemporary sculpture in space 1970 to 2015. the referents of architecture in which the research is based shall work of architects such as Mies van der Rohe , Le Corbusier , Robert Venturi or Smithson , among others; and the leaders of sculpture (which will be the working field ) , in which the research is based are works by artists such as Louise Bourgeois, Gordon Matta Clark , Leandro Erlich , Gloria Lapeña , Ilya Kabakov or Rachel Whiteread to illustrate a space no ally , and the work of Monica Alonso , Santiago Mayo, do Ho Suh or Ana Casas Broda and others to refer to allied space. To determine whether or not envision this concept in the artistic work, previously we define what we mean by two concepts: The first is erected by the inhabitants as a personal projection space that mutates and evolves with it, where the living space becomes a intimate, cozy, quiet and space saver, family and love, which can turn into a house where we talked about the link is maintained and respected, understanding this relationship as an alliance with his experiential space which is the place of events by definition of its inhabitants, who structured childhood memories and will rise as primitive stage in our unconscious space of reference for all our subsequent experiences. In the house ally endearing figure of the mother will be there to bring stability to this scheme domestic space where life flows through their stay accompanied furniture, fittings and other objects, which will populate the Allied and non-Allied house, and that the Like the concept of home, we revisit from artistic readings that we based our proposed hypothesis: partner / no partner. We try to find in all artistic proposals in this paper analogies, confluences and differences to argue and support our proposal to study characteristics that make an ally ally space and not space. Instead understand the house as space ally settle as an architecture of cold aura, the inhabitant will not care where the link to your space and where the home will become a mere recipient cabin necessary for life, more physiological than emotional where its inhabitants do not feel like the epicenter of habitability in the world, maybe it considers itself a place of survival, but not in foster care and welfare. Thus, talk of a disturbing, disturbing and hostile space. In order to realize the objectives of our research, we proceed to review descriptive work of artists of the late twentieth century to 2015. The results of this study will prove the assertion under our proposal and devoid devoid home this link with its inhabitant or not, the evidence that contemporary sculpture of 1970-2015 let us envision instances where some form of understanding space of residence of the individual in the world . / [ES] RESUMEN. La presente investigación pretende estudiar la casa como concepto de habitáculo donde deviene el vínculo hábitat-habitante hacia dos posibles vertientes experienciales: como espacio aliado, o como espacio no aliado, y el planteamiento de nuestra hipótesis será si la casa ha sido concebida o no como espacio aliado y no aliado en la escultura contemporánea de 1970 a 2015. Los referentes de arquitectura en los que se apoya la investigación serán obra de arquitectos como Mies van der Rohe, Le Corbusier, Robert Venturi o los Smithson, entre otros; y los referentes de escultura (que va a ser el campo de trabajo), en los que se apoya la investigación serán obras de artistas como Louise Bourgeois, Gordon Matta Clark, Leandro Erlich, Gloria Lapeña, Rachel Whiteread o Ilya Kabakov para ilustrar un espacio no aliado, y la obra de Mónica Alonso, Santiago Mayo, Do Ho Suh o Ana Casas Broda entre otros para hacer referencia al espacio aliado. Para determinar si vislumbramos esta concepción o no en la obra artística, definiremos previamente lo que entendemos por ambos conceptos: El primero queda erigido por el morador como un espacio de proyección personal que muta y evoluciona con él, donde el espacio habitado se convierte en un espacio íntimo, acogedor, de sosiego y protector, de familia y de amor, que puede devenir en una casa donde el vínculo del que hablamos sea cuidado y respetado, entendiendo este vínculo como una alianza con su espacio vivencial el cual es el lugar de acontecimientos por definición de su morador, el que estructurará los recuerdos de infancia y se elevará como escenario primigenio en nuestro inconsciente para ser espacio de referencia de todas nuestras vivencias posteriores. En la casa aliada la figura de la madre entrañable estará presente para aportar esquemas de estabilidad a este espacio doméstico donde la vida fluye por sus estancias acompañada de enseres, muebles y demás objetos, los cuales poblarán la casa aliada y no aliada, y que al igual que el concepto de casa, revisitaremos desde lecturas artísticas que analizaremos partiendo de nuestra hipótesis planteada: aliado/no aliado. Intentaremos encontrar en todas las propuestas artísticas recogidas en este trabajo las analogías, confluencias o diferencias para poder argumentar y respaldar nuestra propuesta de estudio, características que conforman un espacio aliado y un espacio no aliado. Entendemos por el contrario que la casa como espacio no aliado se conformará como una arquitectura de aura fría, donde el habitante no cuidará el vínculo con su espacio y donde el hogar se convertirá en un mero habitáculo receptor necesario para la vida, más fisiológica que emocional, donde su habitante no lo sentirá como el epicentro de su habitabilidad en el mundo, puede que sí lo considere un lugar de supervivencia, pero no de acogimiento y de bienestar. Así, hablaremos de un espacio desasosegante, inquietante y hostil. Con el fin de dar cuenta de los objetivos de nuestra investigación, se procede a la revisión de tipo descriptivo de obra de artistas de finales de siglo XX hasta 2015. Los resultados del estudio permitirán evidenciar la afirmación bajo nuestra propuesta de la casa carente y desprovista de este vínculo con su habitante o no, la evidencia de que la escultura contemporánea de 1970 a 2015 nos deja ejemplos donde vislumbramos una u otra forma de entender el espacio de residencia del individuo en el mundo. / [CAT] La present investigació pretén estudiar la casa com a concepte d'habitacle on esdevé el vincle hàbitat - habitant cap a dues possibles vessants experiencials : com a espai aliat, o com a espai no aliat, i el plantejament de la nostra hipòtesi serà si la casa ha estat concebuda o no com espai aliat i no aliat en l'escultura contemporània de 1970 a 2015. els referents d'arquitectura en què es dóna suport a la investigació seran obra d'arquitectes com Mies van der Rohe , Le Corbusier , Robert Venturi o els Smithson , entre d'altres ; i els referents d'escultura ( que serà el camp de treball ) , en els quals es dóna suport a la investigació seran obres d'artistes com Louise Bourgeois , Gordon Matta Clark , Leandro Erlich , Glòria Lapeña , Rachel Whiteread o Ilya Kabakov per il¿lustrar un espai no aliat, i l'obra de Mónica Alonso , Santiago maig, Do Ho Suh o Ana Cases Broda entre d'altres per fer referència a l'espai aliat. Per determinar si albirem aquesta concepció o no en l'obra artística, definirem prèviament el que entenem per ambdós conceptes: El primer queda erigit pel habitant com un espai de projecció personal que muta i evoluciona amb ell, on l'espai habitat esdevé un espai íntim, acollidor, d'assossec i protector, de família i d'amor, que pot esdevenir en una casa on el vincle de què parlem sigui cuidat i respectat, entenent aquest vincle com una aliança amb el seu espai vivencial el qual és el lloc d'esdeveniments per definició del seu habitant, el que estructurarà els records d'infància i s'elevarà com a escenari primigeni en el nostre inconscient per ser espai de referència de totes les nostres vivències posteriors. A la casa aliada la figura de la mare entranyable estarà present per aportar esquemes d'estabilitat a aquest espai domèstic on la vida flueix per les seves estades acompanyada d'estris, mobles i altres objectes, els quals poblaran la casa aliada i no aliada, i que al igual que el concepte de casa, revisitaremos des lectures artístiques que analitzarem partint de la nostra hipòtesi plantejada: aliat / no aliat. Intentarem trobar a totes les propostes artístiques recollides en aquest treball les analogies, confluències o diferències per poder argumentar i donar suport la nostra proposta d'estudi, característiques que conformen un espai aliat i un espai no aliat. Entenem per contra que la casa com a espai no aliat es conformarà com una arquitectura d'aura freda, on l'habitant no cuidarà el vincle amb el seu espai i on la llar es convertirà en un mer habitacle receptor necessari per a la vida, més fisiològica que emocional , on el seu habitant no el sentirà com l'epicentre de la seva habitabilitat en el món, pot ser que sí que ho consideri un lloc de supervivència, però no d'acolliment i de benestar. Així, parlarem d'un espai inquietant, inquietant i hostil. Per tal de donar compte dels objectius de la nostra investigació, es procedeix a la revisió de tipus descriptiu d'obra d'artistes de finals de segle XX fins a 2015. Els resultats de l'estudi permetran evidenciar l'afirmació sota la nostra proposta de la casa sense i desproveïda d'aquest vincle amb el seu habitant o no, l'evidència que l'escultura contemporània de 1970-2015 ens deixa exemples on albirem una o altra forma d'entendre l'espai de residència de l'individu en el món. / Navarro Torregrosa, M. (2016). LA CASA COMO ESPACIO ALIADO Y NO ALIADO EN LA ESCULTURA CONTEMPORÁNEA DE 1970 A 2015 [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63449 / TESIS