Orientador: Percival Tirapeli / Banca: José Leonardo do Nascimento / Banca: Maria Eliza Cezaretti / Resumo: O artista ítalo-brasileiro Alfredo Oliani (1906-1988) é uma daquelas pessoas que nascem predestinadas ao sucesso, seu olhar e sua sensibilidade o levaram a produzir obra s magníficas presentes em cemitérios, igrejas e museus. Entretanto, seu talento não foi devidamente valorizado, fazendo com que suas obras ficassem à sombra das executadas por artistas como Galileo Emendabili (1898-1974) e Victor Brecheret (1894-1955), reconhecidos pelos trabalhos executados em espaços públicos e por algumas obras tumulares. A presente dissertação tem como objetivo a análise da biografia de Oliani, a catalogação de suas obras desenvolvidas no Estado de São Paulo, e a identificação de artistas que influenciaram de forma direta ou indireta sua produção artística. / Resumen: El artista ítalo-brasileño Alfredo Oliani (1906-1988) es una de aquellas personas que nace predestinado al suceso, su mirada y su sensibilidad lo llevaron a producir obras magnificas presentes en cementerios, iglesias y museos. Sin embargo su talento no fue correctamente reconocido, haciendo con que sus obras se quedasen a la sombra de las ejecutadas por artistas como Galileo Emendabili (1898-1974) y Víctor Brecheret (1894-1955), reconocidos por los trabajos ejecutados en espacios públicos y por algunas obras en tumbas. La presente disertación tiene como objetivo el análisis de la biografía del Oliani, la catalogación de sus obras desarrolladas en el Estado de São Paulo y la identificación de los artistas que influenciaron de forma directa o indirecta su producción artística. / Mestre

A dissertação Espaços para o corpo: antropometria na arte contemporânea apresenta a pesquisa em relação às operações poéticas desenvolvidas em uma série de trabalhos artísticos; dentre os quais, recortes da produção tridimensional de Hélio Oiticica, Anish Kapoor e Ana Maria Tavares, que visam à criação do que chamaremos de escala antropométrica. Partindo da escultura, a construção desses tridimensionais, ainda que neles seja superada toda figuração, pode se aliar à escala que dimensiona o ser humano. Desse modo, essas obras se relacionam com o corpo do visitante ao se darem à sua experiência como trabalho artístico, uma dimensão, tanto poética, que inclui o espectador, ou o convida a participar dela. Em segundo passo, apresenta a pesquisa estética do próprio autor deste texto e em parceria com Deyson Gilbert, cuja produção resulta em explorações espaciais e temporais propondo questionamentos parcialmente sucedâneos aos dos artistas precedentes. / The dissertation Spaces for the body: anthropometry in contemporary art presents the research related to operations carried out in a poetic series of artworks, among which cutouts of Hélio Oiticicas, Anish Kapoors and Ana Maria Tavares three-dimensional production, aimed at creating what we will call anthropometric scale. Based on the sculpture, the construction of three-dimensional, although they can be overcome every figure representation, can be allied with the human scale. Thus, these works relate to the visitor\'s body when they give to their experience as artwork, a dimension, so poetic, that includes the viewer, or invites to participate. The second part presents the text author\'s aesthetic research (on his own and in partnership with Deyson Gilbert), whose production results in temporal and space exploration by proposing questions to partially succeed the previous artists.

A experiência de \"captura\" estética é apresentada nesse ensaio a partir do impacto que a autora viveu no seu encontro com a escultura Perseu e Medusa de Camille Claudel e as múltiplas questões suscitadas a partir dessa vivência. Busca outros autores que relatam um encontro similar, como por exemplo, Freud e seu impacto com a obra Moisés de Michelangelo, tentando com isso identificar os elementos mais gerais que constroem essa experiência denominada aqui de \"captura\", sem com isso deixar de considerar seu caráter singular e subjetivo. Em seguida, ao refletir sobre a obra em questão, percorre as questões biográficas, sua contextualização, passando pelo mito e pela especificidade da atividade escultórica ao longo da História, pelas leituras estéticas e pelas concepções psicanalíticas sobre arte e criação apresentando assim, uma leitura de obra de arte entendida como um produto da relação entre espectador e obra, ou seja, numa perspectiva epistemológica que não separa sujeito e objeto e que tampouco se apóia em significações externas à essa relação. O caráter dessa leitura se mostra, portanto, como uma construção que se dá no momento de sua própria feitura, e não como produto de uma ação decifradora. Ao longo do percurso, vários diálogos vão sendo estabelecidos entre a Psicanálise e a Arte, o que remete a uma reflexão sobre as possibilidades de uma \"fertilização recíproca\" entre elas. / The aesthetic capture experience is presented as of the impact undergone by the author in her encounter with Perseu and Medusa sculptured by Camille Claudel and all the issues consequent to that episode. She searches other author\'s similar encounters, such as that of Freud with Michelangelo\'s Moses aiming at identifying those more general elements composing that experience called in this paper as \"capture\". At the same time the author does not disconsider the subjective and singular aspects of encounters such as these. Reflecting over the sculpture she engages in biographic issues and their contextualization. Starting with the myth and the specificity of sculpturing through History, aesthetic readings and psychoanalytic conceptions about art and creation, the author presents an understanding of art as a product of the relation between spectator and art. In other words, this is an epistemological perspective where subject and object are not apart and the significance of the event is part of the experience. The essence of these understandings happens therefore as the experience occurs and not as the product of a deciphering act. A series of dialogs are presented in this paper between Psychoanalisis and Art, leading the reader to reflect on the possibilities of cross linking between these two expressions.

Cartografia figurada Atlas e Caderno de Campo é o resultado da pesquisa de Mestrado que tem por objeto a produção artística de Guilherme Teixeira entre os anos de 1999 e 2010. O projeto artístico equivalente a uma dissertação de mestrado apresenta-se em duas partes: Atlas e Caderno de Campo. O Atlas é um pôster em que estão reproduzidos 58 trabalhos, oferecendo ao leitor uma visão panorâmica da produção estudada. Cerca de uma centena de outras imagens estão impressas em cartões, organizados em seis bolsos transparentes. Caderno de Campo reúne textos, em forma de comentários, relacionados aos trabalhos e projetos apresentados no Atlas. / Figurative Cartography Atlas and Field Notebook is the result of the Master research focused in the artistic production of Guilherme Teixeira between 1999 and 2010. This artistic project equivalent to a dissertation is made up of two parts: Atlas and Field Notebook. Atlas is a poster that shows pictures of 58 artworks disposed in a panoramic view. The reader can handle about a hundred images, available in six transparent pockets. Field Notebook shows texts, as personal annotations, related to the works and projects printed in the Atlas.

Em As Vidas dos mais ilustres pintores, escultores e arquitetos, Giorgio Vasari afirma que Michelangelo supera e vence a todos os artífices antigos e modernos. Este trabalho investiga como Michelangelo alia a virtude de conhecer as regras das artes antigas e a de alçar-se para além delas, a partir do que escreve Vasari acerca do artífice e de sua pintura, escultura e arquitetura, unidas como artes do desenho. As preceptivas de que trata Vasari delimitam o campo para uma análise tanto da observância quanto das variações que Michelangelo insere nas regras de artes da Antiguidade. O antigo, colocado em um novo lugar, abre caminhos para os artífices de todas as gerações posteriores, pois Michelangelo afrouxa os laços que os fazia pintar, esculpir e arquitetar dentro dos estritos limites da tradição greco-romana. / In Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects, Giorgio Vasari claims that Michelangelo surpasses and triumphs at all the ancient and modern artificers. This research investigates the way Michelangelo associates the virtue of knowing the ancient art rules and the virtue of going beyond them, according to what Vasari writes about the artificer and his painting, sculpture and architecture, gathering as the arts of design. The preceptives which Vasari deals with delimit the field of the analysis of the observance and of the variations Michelangelo inserts in the art rules from Antiquity. The ancient, in a new place, opens ways to the artificers of all posterior generations, since Michelangelo looses the ties which made them to paint, to sculpt and to architect under the strict limits of the Greek-Roman tradition.

La disertación que presento hoy para optar por el Grado de Magister comprende dos partes: la primera es una breve aproximación, a modo de marco teórico, sobre la concepción del cuerpo humano en la escultura a través de las diferentes etapas de la historia del arte occidental, y sus implicancias. En la segunda parte, selecciono esculturas de diferentes etapas para elaborar una reflexión sobre mi aproximación al cuerpo humano como eje de mi propuesta escultórica. Aunque mi acento se torne categórico por momentos, quiero dejar en claro que esta interpretación parte de una reflexión desde mi situación particular al momento de realizar las obras. Y cómo es que este ejercicio del crear, plantea, fluye, se despliega, libera. Mi proyecto escultórico es también un medio para abrir nuevas brechas, a través de la reflexión, en ese misterio que es el cuerpo humano, sin que ello signifique que el problema estético quede resuelto totalmente. Por el contrario, los cabos sueltos se entrelazarán de muchas maneras y también “esos nudos”, esos amarres se soltarán. / Tesis

Cartografia figurada Atlas e Caderno de Campo é o resultado da pesquisa de Mestrado que tem por objeto a produção artística de Guilherme Teixeira entre os anos de 1999 e 2010. O projeto artístico equivalente a uma dissertação de mestrado apresenta-se em duas partes: Atlas e Caderno de Campo. O Atlas é um pôster em que estão reproduzidos 58 trabalhos, oferecendo ao leitor uma visão panorâmica da produção estudada. Cerca de uma centena de outras imagens estão impressas em cartões, organizados em seis bolsos transparentes. Caderno de Campo reúne textos, em forma de comentários, relacionados aos trabalhos e projetos apresentados no Atlas. / Figurative Cartography Atlas and Field Notebook is the result of the Master research focused in the artistic production of Guilherme Teixeira between 1999 and 2010. This artistic project equivalent to a dissertation is made up of two parts: Atlas and Field Notebook. Atlas is a poster that shows pictures of 58 artworks disposed in a panoramic view. The reader can handle about a hundred images, available in six transparent pockets. Field Notebook shows texts, as personal annotations, related to the works and projects printed in the Atlas.

Orientador(a): José Leonardo do Nascimento / Banca: Agnus Valente / Banca: Mirian Celeste Ferreira Dias Martins / Resumo: A presente dissertação tem como objetivo específico fazer um estudo da obra do escultor pernambucano Nhô Caboclo, falecido em 1976, que trabalhou principalmente com talha em madeira. Seu objetivo mais amplo, no entanto, é contribuir para que a história da arte brasileira contemple as mais diversas narrativas que caracterizam a produção artística na contemporaneidade, à luz, principalmente, de conceitos como o de hibridação proposto por Nestor García Canclini (2015). A partir desse marco teórico, o trabalho pretende flexibilizar categorias artísticas estanques que prejudicam a compreensão da obra de arte contemporânea, como, por exemplo, as classificações näif, brüt, primitiva, folclórica e mesmo "popular", revisitando estudos anteriores sobre a sua inserção no circuito institucional. A partir disso, serão ainda estabelecidos diálogos com outros escultores pernambucanos que trabalharam ao longo do século XX, a fim de mapear a diversidade da produção e as relações que se estabeleceram no mundo da arte popular brasileira, termo emprestado tanto de Angela Mascelani (2009) quanto do conceito de Howard Becker (1982). Por fim, a partir dessa revisão bibliográfica, se dará o estudo das obras de Nhô Caboclo, aqui divididas em três grandes frentes criativas - a dos equilibristas, a dos torés e a dos barcos e a dos rachos - baseado tanto numa leitura crítica das esculturas encontradas quanto em uma entrevista com seu discípulo José Alves. A pesquisa pretende, em seu curso, debater os... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This master's dissertation aims, at first, at the artwork of the Brazilian sculptor Nhô Caboclo, who used to work with woodcarving until he passed away in 1976. Nevertheless, its broader aim is to contribute to the Brazilian art history and the diversity of narratives that constitutes it contemporaneously, having in mind, mainly, the concept of Hybrid Cultures by Nestor García Canclini (2015). From this theoretical framework, this study intends to flexibilize strict artistic categories that can harm one's comprehension of the contemporary artwork, such as näif, brüt, primitive, folk and even popular, reviewing previous studies about its insertion in the institutional circuit. Furthermore, dialogues with other Pernambuco sculputors that produced during the 20th century will be set in order to map the diversity of the production and the relationships that were built at the Brazilian Popular Art World, expression that can be both related to the concept of Howard Becker (1982) or Angela Mascelani (2009). Lastly, from this bibliografical review, Nhô Caboclo's artwork will be studied, divided here in three big work fronts - the "equilibristas", the "torés" and the "barcos" and "rachos" - based on a critical reading and on an interview with his disciple José Alves. This research aims, finally, to debate the canon established along the art history and, in that sense, value the diversity of our artistic manifestations / Mestre

Orientador: Percival Tirapeli / Banca: Alcindo Moreira Filho / Banca: Dilma Silva / Banca: Maria José Spiteri / Banca: Saloma Jovino Salomão / Resumo: Esta tese objetiva investigar diálogos com a ancestralidade e poiesis afro que integram produções modernas e contemporâneas em gravura e escultura produzidas no Brasil a partir do século XX. O conhecimento visual que aqui se construiu a partir dessas fontes será o motivo dessa investigação. Para esta pesquisa, tomo como ponto de partida poéticas visuais e padrões gráficos presentes em algumas expressões tradicionais africanas bi e tridimensionais, especialmente a escultura e a estampa. O recorte temporal contempla produções modernas e contemporâneas, na tentativa de identificar e refletir acerca de determinados processos de reconstrução de identidades artísticas brasileiras a partir de grafias afro. A identificação de elementos poéticos e gráficos remanescentes tanto na escultura quanto na gravura que se relacionam à cultura afro no Brasil e sua ancestralidade, seja como ponto de partida, seja como inspiração plástica e ou conceitual, bem como os modos de produção e fruição que envolvem tais expressões artísticas, constituem-se como bases estruturantes para reflexões sobre a produção artística desses autores. / Abstract: This thesis aims to investigate dialogues with African ancestry and its poiesis that integrate contemporary and modern engraving and sculpture produced in Brazil during the twentieth century. The visual knowledge that here is built from these sources will be the motivation for such investigations. For this research, I take a visual poetics starting point alongside graphic patterns present in both bi and three-dimensional traditional African expressions. The time frame includes modern and contemporary productions in an attempt to identify and reflect on certain reconstruction processes of Brazilian artistic identities from African design. The identification of poetic elements and remaining design, both in sculpture and in engravings that relate to African culture in Brazil and their ancestry, whether as a starting point or as plastic and or conceptual inspiration, as well as the production processes and art distribution that undermine such artistic expressions, constitute structural basis for reflection on the artistic production of these authors. / Doutor

Orientadora: Geralda Mendes F. S. Dalglish (Lalada Dalglish) / Banca: Sumaya Mattar / Banca: Claudia Fazzollari / Banca: Jean Jacques Vidal / Banca: Zandra Coelho de Miranda Santos / Resumo: Esta tese defende a relevância da cerâmica na arte, bem como seu importante aspecto político, educacional e social. O trabalho teve como principal objetivo o estudo e a reflexão sobre o processo de formação, produção em escultura cerâmica e a atividade didática das artistas contemporâneas Vilma Villaverde, da Argentina, e Virgínia Fróis, de Portugal, que têm o corpo como temática em seus trabalhos artísticos. Neste âmbito, a pesquisa reflete sobre o contexto histórico da produção artística feminina, a presença do corpo na escultura, o papel da argila na escultura moderna e contemporânea, processos e procedimentos na criação das artistas selecionadas, seus mestres e influências herdadas, a instituição de centros de formação em arte, especialmente em seus países, bem como a atribuição do artista-professor. Como resultado a pesquisa enfatiza a forma como as artistas se consolidaram e como aliam suas criações artísticas ao seu trabalho de ensino, e como se dá a partilha de conhecimento. / Abstract: This thesis defends the relevance of the certamic art, as well as the importance of its political, educational and social aspect. The main objective of this work was the study and reflection on the process of formation, production in ceramic sculpture and the didactic activity of the contemporary artists, Vilma Villaverde of Argentina and Virginia Fróis of Portugal, who have the body as theme in their art work. In this way, the research reflects on the historical context of female artistic production, the presence of the body in sculpture, the role of clay in modern and contemporary sculpture, the processes and procedures in the creation of the selected artists, their masters and the inherited influences, and the establishment of training centers in art, especially in their countries, as well as the role of the artist-teacher. As a result the research emphasizes how artists have been consolidated and how they have combined their artistic creations with their teaching work and how knowledge is shared. / Resumen: Esta tesis defiende la relevancia de la cerámica en el arte, así como su importante aspecto político, educativo y social. El objetivo principal de este trabajo fue el estudio y la reflexión sobre el proceso de formación, producción de la escultura de cerámica y la actividad de enseñanza de las artistas contemporáneas Vilma Villaverde, Argentina, y Virgínia Fróis, de Portugal, que tienen el cuerpo como un tema en sus trabajos artísticos. En este ámbito, la investigación reflexiona sobre el contexto histórico de la producción artística femenina, la presencia del cuerpo en la escultura, el papel de la arcilla en la escultura moderna y contemporánea, procesos y procedimientos en la creación de las artistas seleccionadas, sus maestros e influencias heredadas, y el estabelecimiento de centros de formación en arte, especialmente en sus países, así como el papel del artista-maestro. Como resultado, la investigación enfatiza cómo las artistas se han consolidado y cómo alían sus creaciones artísticas a su trabajo de enseñanza, y cómo se da el compartir de conocimiento. / Doutor