El lenguaje visual se comprende como un sistema de organización de la imagen a través de los elementos formales constitutivos de cualquier obra artística y cultural, plasmando en él su pensamiento y cosmovisión propia. Tal es el caso de la sobresaliente arquitectura-escultura en la antigua ciudad de El Tajín, reconocida por la UNESCO en el año de 1992 como Patrimonio de la Humanidad. Por medio del análisis del lenguaje visual de edificaciones casos de estudio representativos, se pretende aportar mayor conocimiento y comprensión acerca de constantes formales, composición, morfología, geometría, cánones estéticos, etc. que ayuden a la interpretación iconográfica e iconológica, propiciando su conservación y adecuada restauración. Se has estructurado la tesis en tres partes: la primera muestra el contexto histórico, social y religioso de Mesoamérica y posteriormente la región central-norte de Veracruz, en la Costa del Golfo de México, donde se desarrolló El Tajín. La segunda expone los componentes del lenguaje visual y su percepción formal, empleando una metodología basada en el análisis estructuralista y formalista, y utilizando dibujos lineales para mayor claridad de las imágenes, se estudian primero las unidades formales individuales, y después la morfología compositiva de los edificios casos de estudio de El Tajín. La tercer y última parte se refiere a la importancia y permanencia del lenguaje visual característico de El Tajín en nuestros días. / Valle Chavarría, LG. (2013). El lenguaje visual de la arquitectura-escultura de la zona arqueológica del Tajín, patrimonio de la humanidad [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/31373 / Palancia

A través de un recorrido teórico- práctico, nos proponemos investigar cómo, en el contexto de las metrópolis postfordistas, determinados procesos de autoformación pueden llevar a transformaciones sociales en el ámbito político. En esta premisa, analizaremos previamente si la autoformación constituye en sí un cuestionamiento de los lugares asignados en la redistribución de los saberes, vinculada a procesos de cooperación social y resistencia, así como a la generación de instituciones del común. / Miquel Bartual, MJ. (2013). De la autoformación como práctica instituyente en las metrópolis postfordistas [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/31659 / TESIS

Esta Tesis trata sobre una poética personal de arte participativo desarrollada entre los años 2000 y 2012 en Brasil y en España. A lo largo del texto observamos y analizamos el campo experimental de la práctica artística participativa comprendida como una producción conjunta entre el público (participante) y el/la artista. El concepto de participación tiene un papel fundamental en esta investigación, pues por medio de él se operan las articulaciones con nuestro proceso creativo. Cuestionamos en nuestro estudio la posibilidad de que nuestra práctica artística pueda interferir en situaciones cotidianas para abrir espacios con el fin de que hechos poco habituales ocurran, especialmente en contextos de trabajo rutinario. Proponemos y examinamos sistemas y metodologías que nos permiten actuar y observar lo que ocurre cuando nos detenemos y nos aproximamos a contextos reales de trabajo poco valorados socialmente (en concreto, a labores urbanas como la venta ambulante, la recogida de basura en la ciudad, la limpieza). Las actuaciones e interferencias que proponemos ocurren mediante lo que hemos denominado como ¿inserción de malas hierbas¿. Se tratan de dispositivos que estimulan la posibilidad de infiltración de una proposición artística en contextos urbanos. En la Tesis son analizados los procesos instaurados por la poética de las ¿malas hierbas¿ y su impacto en contextos urbanos específicos. / Vicari Zanatta, C. (2013). MALAS HIERBAS: Análisis de una poética personal de arte participativo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/33922 / TESIS

From separation to the union with itself, from desertion to the assumption of inner responsibility, human conscience uses art to transform itself within boredom, as well as within its historical aspects. Since ancient times human being have referred to the destructive potential of boredom, but also to a certain link with creativity, considered either divine or natural in origin. It seems that from the most virtuous to the most banal of activities, boredom threatens to point at a mysterious void with no meaning that challenges the capacity of our conscience to create its own meaning. This void is feared by contemporary society, which struggles to avoid it by denying it in the form of the mere behavioral study of those involved, their abandonment in consumerist dynamics and, of course, direct criticism to the phenomenon of boredom itself. Precisely, in this last case of projection into criticism, we find the access to the unconscious implications of those transformation factors. Such implications prepare for its experience. They will be mainly the criticism itself, but above all the mechanism of the judgement or underlying devaluation which limits the reality we observe according to personal impressions which rule out some fundamental features of the artistic phenomenon as a whole. The judgement cannot avoid representing the judge, and, when that sensitive richness of reality is reduced, it cannot avoid finding in this judge the same devaluation it projects. This creative recognition of conscience, which science and avant-garde art stated along the 20th century, is the key to having a more creative life, since it allows the individual to be integrated as the centre of their experience of time. Even more so in boredom, whose effects on perception take us all the way from a stressful time which seems endless (a gap between time and reality) to the temporary suspension of the instant where our whole world is questioned. Avant-garde art has reflected this path towards the depths of boredom between the questioning of its present time and the promise of creative fulfillment. That is the reason why, from the very start, avantgarde has interpreted it according to its "negative" or "positive", separatist or unitary, aspects, event though the latter has gone practically unnoticed. The hatred declared by artists express that the first avantgarde period started to consider this emotion as a landmark in the process of creative liberation. It is in the second period that boredom is revisited with a more unifying intention by artists who renew the social function of art according to the experience of time. Thanks to this second movement and its promiscuous spread, time definitely becomes an artistic object and so does boredom, linked to it. Fort he first time boredom is used and shown openly as one more possibility of the creative and artistic experience open to interpretation, between the separatist disillusion and the conscious and spontaneous unity regarding creative processes. This phenomenon is growing in today's art. Both the number of works and of exhibitions increase at an international level. The proposals of Kama Sokolnicka, Nargess Hashemi or Navid Nuur, among others, deal with a bored conscience that is observed from the all-embracing cohesion with the world. Therefore, boredom gives way to the direct and present experience of individual creativity. That is why the work of art will not necessarily be shown as representing boredom in unity or separation, but rather as a product of learning through boredom. Artists do no longer worry about showing their boredom, because instead of projecting it on the world, they have understood that its solution needs to go through the transformation of their perceptions. / De la separación a la unión consigo misma, del abandono a la toma de responsabilidad interior, la conciencia humana utiliza el arte para transformarse en el aburrimiento, así como en sus vertientes históricas. Desde la antigüedad se ha referido su potencial destructor pero también cierto vínculo con la capacidad creativa humana, bien fuera considerada de origen divino o natural. Y es que parece ser que de la más virtuosa a la más banal de las actividades, el aburrimiento amenaza señalando a un misterioso vacío de sentido que reta la capacidad de la conciencia para crear significado propio. Vacío que la sociedad contemporánea teme y se afana en esquivar al negarlo mediante el mero estudio conductual de los afectados, el abandono de estos a las dinámicas de consumo y cómo no, la crítica directa hacia el fenómeno mismo del aburrimiento. Precisamente, en este último caso de proyección en la crítica encontramos el acceso a las implicaciones inconscientes de estos factores del aburrimiento. Implicaciones que desde el centro de la conciencia aburrida predisponen a su experiencia. Estas serán eminentemente la crítica, pero sobre todo el mecanismo del juicio o desvalorización subyacente que acota la realidad observada en base a impresiones personales que descartan caracteres fundamentales del fenómeno artístico en su totalidad. De esta forma el juicio no puede evitar representar al juez así como, al reducir la riqueza sensitiva de la realidad, encontrar en este juez la misma desvalorización que proyecta. Este reconocimiento creativo de la conciencia, tal como la ciencia y el arte de vanguardia recuerdan en el siglo XX, es la clave para tener una vida más creativa al permitir integrar al individuo como centro de su experiencia temporal. Más aun en el aburrimiento, cuyos efectos sobre la percepción nos lleva de un tiempo estresante que parece no acabar nunca a la suspensión temporal del instante donde todo nuestro mundo es cuestionado. El arte de vanguardia ha reflejado este recorrido hacia las profundidades del aburrimiento entre el cuestionamiento de su tiempo presente y la promesa de plenitud creadora. Por esto desde sus inicios la vanguardia lo ha interpretado desde vertientes "negativa" o "positiva", separatista o unitaria, aunque esta última haya pasado casi desapercibida. La simpatía y odio declarados por los artistas expresan de forma nítida que durante el primer periodo de vanguardia esta emoción es una encrucijada en el proceso creativo. Es en el segundo periodo cuando el aburrimiento se interpreta íntegramente. Gracias a esto el tiempo se incorpora como objeto artístico y ligado a él, el aburrimiento. Por primera vez, el aburrimiento se utiliza y muestra como una posibilidad más de la experiencia creativa y artística abierta a la interpretación, entre el desencanto separatista y la unidad consciente y espontánea por los procesos creativos. Este fenómeno gana expansión en el arte actual. Tanto las obras como las exposiciones crecen internacionalmente. Las propuestas de Kama Sokolnicka, Nargess Hashemi o Navid Nuur, entre otras, abordan una conciencia aburrida que se observa desde la cohesión totalizadora con el mundo. Por lo tanto, el aburrimiento da paso a la experiencia directa y presente de la creatividad individual. Por esto la obra ya no se mostrará necesariamente como representación de aburrimiento en unidad o separación sino más bien como un producto del aprendizaje a través de él. Los artistas ya no se preocupan en mostrar su aburrimiento porque en vez de proyectarlo sobre el mundo, han comprendido que su solución pasa por la transformación de sus percepciones. / De la separació a la unió amb si mateixa, de l'abandó a la presa de responsabilitat interior, la consciència humana utilitza l'art per a transformar-se en l'avorriment, així com en els seus vessants històrics. Des de l'antiguitat totes les veus que ho han tractat en profunditat s'han referit al potencial destructor però també a cert vincle amb la capacitat creativa, bé fóra considerada d'origen diví o natural. I és que sembla ser que de la més virtuosa a la més banal de les activitats, l'avorriment amenaça assenyalant a un misteriós buit de sentit que repta la capacitat de la consciència per a crear significat propi. Buit que la societat contemporània tem i malda per esquivar en negar-ho mitjançant el mer estudi de la conducta dels afectats, l'abandó d'aquests a les dinàmiques de consum i com no, la crítica directa cap al fenomen mateix de l'avorriment. Precisament, en aquest últim cas de projecció en la crítica trobem l'accés a les implicacions inconscients d'aquests factors de l'avorriment. Implicacions que des del centre de la consciència avorrida, predisposen a la seua experiència. Aquestes seran eminentment la crítica mateixa, però sobretot el mecanisme del judici o desvaloració subjacent que fita la realitat observada sobre la base d'impressions personals que descarten caràcters fonamentals del fenomen artístic en la seua totalitat. D'aquesta forma el judici no pot evitar representar al jutge així com, en reduir la riquesa sensitiva de la realitat, trobar en aquest jutge la mateixa desvaloració que projecta. Aquest reconeixement creatiu de la consciència, tal com la ciència i l'art d'avantguarda han recordat al llarg del segle XX, és la clau per a tenir una vida més creativa en permetre integrar a l'individu com a centre de la seua experiència temporal. Més encara en l'avorriment, del qual els efectes sobre la percepció ens porta d'un temps estressant que sembla no acabar mai a la suspensió temporal de l'instant on tot el nostre món és qüestionat. L'art d'avantguarda ha reflectit aquest recorregut cap a les profunditats de l'avorriment entre el qüestionament del seu temps present i la promesa de plenitud creadora. Per açò des dels seus inicis l'avantguarda ho ha interpretat des dels seus vessants "negativa" o "positiva", separatista o unitària, encara que aquesta última haja passat pràcticament desapercebuda. La simpatía i l'odi que els artistes del primer període d'avantguarda expressen considera aquesta emoció com un encreuament en el procés d'alliberament creatiu. Serà en el segon període quan l'avorriment és tornat a visitar amb una intenció més integradora per artistes que renoven la funció social de l'art sobre la base de l'experiència temporal. Gràcies a aquest segon moviment i la seua promíscua dispersió, el temps s'incorpora definitivament com a objecte artístic i lligat a ell, l'avorriment. L'avorriment s'utilitza i mostra per primera vegada sense embuts, com una possibilitat més de l'experiència creativa i artística oberta a la interpretació, entre el desencantament separatista i la unitat conscient i espontània pels processos creatius. Aquest fenomen guanya expansió en l'art actual. Tant les obres com les exposicions creixen internacionalment. Les propostes de Kama Sokolnicka, Nargess Hashemi o Navid Nuur, entre d'altres, aborden una consciència avorrida que s'observa des de la cohesió totalitzadora amb el món. Per tant, l'avorriment dóna pas a l'experiència directa i present de la creativitat individual. Per açò l'obra ja no es mostrarà necessàriament com a representació d'avorriment en unitat o separació sinó més aviat com un producte de l'aprenentatge a través d'ell. Els artistes ja no es preocupen a mostrar el seu avorriment perquè en comptes de projectar-ho sobre el món, han comprès que la seua solució passa per la transformació de les seues percepcions. / Velasco Caballero, S. (2017). EL TIEMPO A SECAS. Estudio sobre las posibilidades creativas del aburrimiento aplicadas a la creación artística [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/86212 / TESIS

Existen unas convenciones interpretativas que afectan de manera directa a los diferentes estilos musicales. La música de los distintos periodos o etapas en las que clasificamos la historia de la música generan una manera de escribir por parte del compositor que plantea numerosas dudas a la hora de una interpretación fiel al estilo de la obra. Se pueden observar distintas maneras de escribir que han ido evolucionando hasta llegar en la actualidad a un grado de concreción en cierto modo extenuante, que viene determinado por algunas tendencias que surgieron a partir de la segunda mitad del siglo XX. Las partituras de la primera mitad del siglo XVIII, barroco tardío, son en cierto modo imprecisas por la ausencia o carencia de indicaciones respecto a la dinámica o signos de expresión y articulación. Por otra parte, las partituras de la segunda mitad del siglo XVIII, clasicismo, contienen signos de articulación y dinámicas mucho más concretas, así como ciertos signos de expresión (rinforzando, crescendo, diminuendo, fortepiano, etc). Esto se puede observar fácilmente al comparar manuscritos de estas dos etapas tan distintas en cuanto a la interpretación musical. Si tomamos como modelos dos grandes de la historia de la música como J. S. Bach y W. A. Mozart, podemos comprobar que, pese a observar algunas diferencias significativas, se supone van dirigidas a músicos que no necesitan indicaciones para saber cómo se han de interpretar estas obras, cada una en su época y con su estilo. No obstante, la manera de articular o dar una cierta duración a los sonidos, por ejemplo a las corcheas delante de semicorcheas, o a las corcheas cuando van por grados conjuntos o por saltos que corresponden a intervalos mayores, suponen en la práctica musical unos aspectos que determinan el estilo. La tecnología actual permite medir la duración de todos estos sonidos a partir de registros sonoros y nos capacita para ofrecer una serie de criterios que determinen un estilo determinado. En esta investigación nos interesa de manera especial el estilo clásico aplicado a la trompeta, instrumento al que nos dedicamos de manera profesional desde hace más de 27 años. La interpretación de la trompeta en el clasicismo, tanto como parte de la orquesta como en la función de solista, recoge en gran medida el estilo interpretativo heredado del barroco. / There are interpretative conventions that directly affect the various musical styles. The various ages or periods whereby we classify the history of music influence the composer to write in a way that brings up many questions when we want to play a version according to the accurate style of the work. It is possible to observe various composing styles that have evolved up to a somehow extenuating degree of specification, which is determined by some trends that appeared during the second half of the 20th century. Scores of the first half of the 18th c. -late Baroque- are somehow imprecise due to the absence or lack of instructions regarding dynamics or articulation and expression. On the other hand, scores of the second half of the 18th c. -Classicism- include much more precise signs for articulation and dynamics, as well as some signs for expression (rinforzando, crescendo, diminuendo, fortepiano, etc.). This can easily be noticed when comparing manuscripts of these two periods that are so different in terms of music interpretation. If we take J. S. Bach and W. A. Mozart, who are two relevant figures in history of music, as models, we realize that they wrote for musicians that do not need directions to know how to play these works -each of them in their own period and style- despite some significant differences. Nevertheless, some aspects that determine the style in music performance are the tonguing fashion or the length given to particular sounds, such as quavers that are before semiquavers or quavers that evolve stepwise or by a greater leap. Current technologies allow us to measure the length of these sounds by using sound records and to offer a series of criteria to determine a particular style. The particular focus of this research is the Classical period applied to the trumpet, the instrument to which I have professionally devoted more than 27 years. Trumpet playing in the Classical era, both as an orchestral part and a soloist role, largely comprises the style inherited from Baroque. / Existeixen unes convencions interpretatives que afecten de manera directa als diferents estils musicals. La música dels diferents períodes o etapes en què classifiquem la història de la música generen una manera d¿escriure per part del compositor que planteja nombrosos dubtes a l¿hora d¿una interpretació fidel a l¿estil de l¿obra. Es poden observar diferents maneres d¿escriure que han anat evolucionant fins arribar en l¿actualitat a un grau de concreció en certa manera extenuant, que ve determinat per algunes tendències que van sorgir a partir de la segona mitat del segle XX. Les partitures de la primera mitat del segle XVIII, barroc tardà, són en certa manera imprecises per l¿absència o manca d¿indicacions respecte a la dinàmica o signes d¿expressió i articulació. D'altra banda, les partitures de la segona meitat del segle XVIII, classicisme, contenen signes d'articulació i dinàmiques molt més concretes, així com certs signes d'expressió (rinforzando, crescendo, diminuendo, fortepiano, etc). Això es pot observar fàcilment al comparar manuscrits d'estes dos etapes tan diferents pel que fa a la interpretació musical. Si prenem com a models dos grans de la història de la música com J. S. Bach i W. A. Mozart, podem comprovar que, malgrat observar algunes diferències significatives, se suposa que van dirigides a músics que no necessiten indicacions per a saber com s'han d'interpretar estes obres, cadascuna en la seua època i amb el seu estil. No obstant això, la manera d'articular o donar una certa duració als sons, per exemple a les corxeres davant de semicorxeres, o a les corxeres quan van per graus conjunts o per salts que corresponen a intervals majors, suposen en la pràctica musical uns aspectes que determinen l'estil. La tecnologia actual permet mesurar la durada de aquests estos sons a partir de registres sonors i ens capacita per a oferir una sèrie de criteris que determinen un estil determinat. En esta investigació ens interessa de manera especial l'estil clàssic aplicat a la trompeta, instrument al qual ens dediquem de manera professional des de fa més de 27 anys. La interpretació de la trompeta en el classicisme, tant com part de l'orquestra com en la funció de solista, recull en gran manera l'estil interpretatiu heretat del barroc. / García Sevilla, JA. (2018). Propuesta de una fórmula de interpretación para la práctica instrumental históricamente informada del repertorio clásico para trompeta. Aplicación performativa al Concierto para Trompeta y Orquesta en Mi Bemol Mayor de Franz Joseph Haydn [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/103685 / TESIS

There are numerous editions of the Concerto in W. M. Mozart's Do M. KV 314 / 285d which have been appearing since Bernhard Paumgartner was discovered in 1920, at the Mozarteum Library in Salzburg. The current editions take into account the musical writing of the solo part, both from this source and from the flute version. This has established two lines of editing and interpretation, the first following the indications of the manuscript of the oboe part and another according to the indications of the manuscript for flute, naturally transporting the part. This thesis presents a revised edition with an original and unpublished proposal, with articulations and dynamics similar to those used by Mozart himself in other works for solo oboe, mainly the Quartet KV 370 / 368b and the Divertimento for 7 instruments KV251, Works in which the oboe participates like instrument soloist. This makes it possible, for the first time, to have a "Mozartian" score, compared to the currents editions that are far from following the articulations, phrasing and signs of expression, typical of Mozart in his works for solo oboe. On the other hand, the study and analysis of the manuscript with the instrumental parts of the Rara Manuscript 314/1 of the Library of the Mozarteum of Salzburg allows to contribute an edition of the orchestra score with indications of phrasing or product of the arcs that appear in the instrumental parts of The string instruments, mainly of the violins. / Son numerosas las ediciones del Concierto en Do M. KV 314/285d de W. A. Mozart que han ido apareciendo desde que Bernhard Paumgartner descubriese en 1920, en la Biblioteca del Mozarteum de Salzburgo. Las ediciones actuales tienen en cuenta la escritura musical de la parte solista, tanto de esta fuente como de la versión para flauta. Ello ha establecido dos líneas de edición e interpretación, la primera siguiendo las indicaciones del manuscrito de la parte de oboe y otra según las indicaciones del manuscrito para flauta, transportando naturalmente la parte. En esta tesis se aporta una edición revisada con una propuesta original e inédita, con articulaciones y dinámicas similares a las utilizadas por el propio Mozart en otras obras para oboe solista, principalmente el Cuarteto KV 370/368b y el Divertimento para 7 instrumentos KV251, obras en las que el oboe participa como instrumento solista. Esto permite disponer, por vez primera, de una partitura que sea "mozartiana", frente a la actual que dista mucho de seguir las articulaciones, fraseo y signos de expresión, propios de Mozart en otras obras para oboe solista. Por otra parte, el estudio y análisis del manuscrito con las partes instrumentales del Manuscrito Rara 314/1 de la Biblioteca del Mozarteum de Salzburgo permite aportar una edición de la partitura orquestal con indicaciones de fraseo producto de los arcos que aparecen en las partes instrumentales de los instrumentos de cuerda, principalmente de los violines. / Són nombroses les edicions del Concert en Do M. KV 314/285d de W. A. Mozart que han anat apareixent des que Bernhard Paumgartner descobrirà en 1920, en la Biblioteca del Mozarteum de Salzburg. Les edicions actuals tenen en compte l'escriptura musical de la part solista, tant d'esta font com de la versió per a flauta. Això ha establert dos línies d'edició i interpretació, la primera seguint les indicacions del manuscrit de la part d'oboè i una altra segons les indicacions del manuscrit per a flauta, transportant naturalment la part. En esta tesi s'aporta una edició revisada amb una proposta original i inèdita, amb articulacions i dinàmiques semblants a les utilitzades pel mateix Mozart en altres obres per a oboè solista, principalment el Quartet KV 370/368b i el "Divertimento" per a 7 instruments KV251, obres en què l'oboè participa com a instrument solista. Açò permet disposar, per primera vegada, d'una partitura que siga "mozartiana", enfront de l'actual que dista molt de seguir les articulacions, fraseig i signes d'expressió, propis de Mozart en altres obres per a oboè solista. D'altra banda, l'estudi i anàlisi del manuscrit amb les parts instrumentals del Manuscrit Rara 314/1 de la Biblioteca del Mozarteum de Salzburg permet aportar una edició de la partitura orquestral amb indicacions de fraseig producte dels arcs que apareixen en les parts instrumentals dels instruments de corda, principalment dels violins. / Llimerá Galduf, A. (2017). Estudio y análisis comparado del concierto para oboe y orquesta KV314 (285d) de W. A. Mozart [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/91848 / TESIS

[ES] La presente tesis doctoral, que lleva por título "La enseñanza universitaria del cine en España. Creación de un nuevo modelo pedagógico", aborda la enseñanza del cine como disciplina artística en el actual contexto de la educación superior en España. Con esta investigación se pretende examinar y analizar el origen y el posterior desarrollo de las enseñanzas y oficios relacionados con la cinematografía en nuestro país, realizar un estudio comparativo de ámbito nacional del panorama actual de la enseñanza en materia cinematográfica, indagando cómo se estructuran y articulan los planes de estudio de las diferentes instituciones de educación superior donde se imparten este tipo de enseñanzas para posteriormente exponer un modelo pedagógico aplicado a la enseñanza de esta disciplina artística en el ámbito de la enseñanza superior universitaria basado en un caso práctico real: la Escuela de Cine de la Universidad Miguel Hernández de Elche. / [CAT] La present tesi doctoral, que porta per títol "L'ensenyament universitari del cinema a Espanya. Creació d'un nou model pedagògic", aborda l'ensenyament del cinema com a disciplina artística en l'actual context de l'educació superior a Espanya. Amb aquesta investigació es pretén examinar i analitzar l'origen i el posterior desenvolupament dels ensenyaments i oficis relacionats amb la cinematografia al nostre país, realitzar un estudi comparatiu d'àmbit nacional del panorama actual de l'ensenyament en matèria cinematogràfica, indagant com s'estructuren i articulen els plans d'estudi de les diferents institucions d'educació superior on s'imparteixen aquest tipus d'ensenyaments per a posteriorment exposar un model pedagògic aplicat a l'ensenyament d'aquesta disciplina artística en l'àmbit de l'ensenyament superior universitari basat en un cas pràctic real: l'Escola de Cinema de la Universitat Miguel Hernández d'Elx. / [EN] The present doctoral thesis, which is entitled "The university teaching of cinema in Spain. Creation of a new pedagogical model", deals with the teaching of cinema as an artistic discipline in the current context of higher education in Spain. This research aims to examine and analyze the origin and subsequent development of the teachings and trades related to cinematography in our country, conduct a comparative study of the current national landscape of teaching in cinematographic matters, investigating how they are structured and articulated the study plans of the different institutions of higher education where this type of education is taught to later expose a pedagogical model applied to the teaching of this artistic discipline in the field of university higher education based on a real practical case: the School of Cinema of the Miguel Hernández University of Elche. / López Aliaga, G. (2019). La enseñanza universitaria del cine en España. Creación de un nuevo modelo pedagógico [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/125694 / TESIS

[EN] Word, words, words. Analysis of the use of writing in artistic works through five case studies is a study focused on the application of writing in art. To do this we ask ourselves what writing is and how it affects and influences how art is produced. We consider that the world of writing and, consequently, literature, is able to contain all the knowledge in the world. Through this medium, there is nothing that cannot be said or expressed based on a unifying approach and a holistic vision. We believe that writing has direct impacts on art. Both art and literature are representations of life itself. As such, we feel that they share the capacity to construct what are essentially reflections of our realities, like a relationship between materials, knowledges, attitudes and experiences. In this way, we understand culture and knowledge as a field of synergies that produce reflection points between different disciplines. Our objective is, through a consideration of all relevant elements, to consider how all artistic work moves in a wide spectrum of the elements of life and how it touches the themes which form our conversation. Consequently, this thesis presents an analysis of the experimentation carried out in the world of contemporary art relating to writing, including aspects inherent to writing such as the word, text, language and reading. A deep analysis of these questions, through a rigorous study of five personal works will allow us to pick out the themes and references which revolve around our own production. We intend to create a network of references associated with modern and contemporary art while also touching other fields of knowledge such as literature, cinema, philosophy, mathematics and medicine. Making observations through the prism of the study of art, links will be made between theory and its practical application. In this way, we will apply a qualitative and experimental methodology which has led us to a continuous coming and going between theory and practice and vice versa. The publication is divided into three parts. In the first, we consider a conceptual representation of writing which allows us to establish the different typologies that exist, making links and connections between them. At the same time, we investigate the way in which these typologies are used as a principal strategy in contemporary art. Next, we discuss artistic premises that predate this study. In the second and third parts, we present five our case studies organised by artistic discipline; installations and performance. Our intention is to carry out a cataloguing of artists who have made notable contributions in the fields which we are considering, based as much on theory as practice. We place a special emphasis on constructing a constellation of references operating on both a national and international stage. In conclusion, our aim is to choose works which allow us, through their study, to create a narrative and a series of conclusions which can later be transferred to our own creative work. To do this, we plan to develop a study which encompasses multiple themes, highlighting the idea that all artistic work is in fact a product of and a reflection of a reality and that as a consequence, it is able to touch on numerous themes. / [ES] Palabras, palabras, palabras. Análisis del uso de la escritura en la obra artística a través de cinco casos de estudio es una investigación que se centra en el ejercicio de la escritura aplicado a la práctica artística. Para ello nos cuestionamos qué es escribir y cómo afecta e influye en los modos de hacer en las artes. Consideramos que el universo de la escritura, y por ende el de la literatura, es capaz de albergar todo el conocimiento del mundo. A través de su medio, todo puede ser dicho, abarcado y expuesto con una actitud integradora, fundando una visión holística. Consideramos que este hecho guarda correspondencias directas con el arte. Ambas, literatura y arte suponen una presentación de las cosas de la vida. Por ello pensamos que comparten, desde la creación, la capacidad de construir productos que son reflejo de nuestras realidades, como una interrelación de materias, saberes, actitudes y experiencias. En este sentido, asimilamos la cultura y el saber como un campo de sinergias que produce puntos de conexión entre distintas disciplinas. Nuestro objetivo consiste en entresacar todas las consideraciones puestas en juego y concluir que toda producción artística se mueve en el amplio espectro de las cosas de la vida, tocando en consecuencia los múltiples temas con los que entra en diálogo. En consecuencia, en esta tesis doctoral desarrollamos un análisis de la experimentación que el mundo del arte contemporáneo realiza sobre la escritura, incluyendo aspectos que le son propios, como la palabra, el texto, el lenguaje y la lectura. Ahondamos en estas cuestiones para, mediante el riguroso estudio de cinco propuestas personales, entresacar los temas y los referentes que orbitan en torno a nuestra producción propia. Por tanto, nos planteamos tejer una red de referencias circunscritas al arte moderno y al arte contemporáneo, pero que también toca otros terrenos del conocimiento como la literatura, el cine, la filosofía, las matemáticas y la medicina. Observando estas consideraciones a través de la lente del estudio en arte, y vehiculando la teoría con su aplicación práctica. Con ello, aplicamos una metodología cualitativa y experimental, que nos ha inducido a un ir y venir constante de la teoría a la práctica, y viceversa. En este sentido, nuestra publicación se divide en tres partes. En la primera, nos aproximamos a la escritura para efectuar una presentación conceptual de la misma que nos permita establecer las distintas tipologías de texto que existen, realizando diferencias y conexiones entre ellas. De forma paralela, comprobamos el modo en el que estas tipologías se usan como principal estrategia en el arte contemporáneo, evidenciando una serie de combinaciones posibles. A continuación, exponemos los antecedentes artísticos previos a esta investigación. En la segunda y la tercera parte, presentamos nuestros cinco casos de estudios divididos por disciplinas artísticas: la instalación y la performance. Nuestra intención con cada uno de los cinco capítulos que conforman estas dos partes, es realizar una catalogación de autores, dedicados tanto a la teoría como a la práctica, que han ofrecido notables aportaciones en los campos que nos planteamos como casos de estudio. Poniendo especial atención en construir una constelación de referentes que responda tanto al ámbito nacional como al internacional. En definitiva, nos planteamos escoger aquellas propuestas que se relacionan con las piezas que presentamos para mediante su examen poder crear una narración donde los distintos casos de estudio nos conducen a una serie de conclusiones para volcarlas en los resultados de nuestro hacer creativo. Para ello nos proponemos desarrollar una investigación transversal que toca múltiples temas, recalcando la idea de que toda manifestación artística es producto y reflejo de una realidad, y, por tanto, es capaz de tocar diversas materias. / [CAT] Paraules, paraules, paraules. Anàlisi de l'ús de l'escriptura en l'obra artística a través de cinc casos d'estudi és una recerca que se centra en l'exercici de l'escriptura aplicat a la pràctica artística. Amb aquesta finalitat ens qüestionem què és escriure, i com afecta i influeix en les maneres de fer en les arts. Considerem que l'univers de l'escriptura i, per tant, el de la literatura, és capaç d'albergar tot el coneixement del món. A través d'aquest mitjà, tot es pot dir, abastar i exposar amb una actitud integradora, fundant una visió holística. Considerem que aquest fet té correspondències directes amb l'art. Ambdues, literatura i art, suposen una presentació de les coses de la vida. Per això pensem que comparteixen, des de la creació, la capacitat de construir productes que són reflex de les nostres realitats, com una interrelació de matèries, sabers, actituds i experiències. En aquest sentit, assimilem la cultura i el saber com un camp de sinergies que produeix punts de connexió entre diferents disciplines. El nostre objectiu consisteix a traure totes les consideracions posades en joc i concloure que tota producció artística es mou en l'ampli espectre de les coses de la vida, i toca en conseqüència els múltiples temes amb què entra en diàleg. En conseqüència, en aquesta tesi doctoral desenvolupem una anàlisi de l'experimentació que el món de l'art contemporani realitza sobre l'escriptura, incloent-hi aspectes que li són propis, com la paraula, el text, el llenguatge i la lectura. Aprofundim en aquestes qüestions per a, mitjançant el rigorós estudi de cinc propostes personals, traure els temes i els referents que orbiten entorn de la nostra producció pròpia. Per tant, ens plantegem teixir una xarxa de referències circumscrites a l'art modern i a l'art contemporani, però que també toca altres terrenys del coneixement com la literatura, el cinema, la filosofia, les matemàtiques i la medicina. Observant aquestes consideracions a través de la lent de l'estudi en art, i vehiculant la teoria amb la seua aplicació pràctica. Amb això, apliquem una metodologia qualitativa i experimental, que ens ha induït a un anar i venir constant de la teoria a la pràctica, i viceversa. En aquest sentit, la nostra publicació es divideix en tres parts. En la primera, ens aproximem a l'escriptura per a efectuar una presentació conceptual d'aquesta que ens permeta establir les diferents tipologies de text que hi ha, realitzant diferències i connexions entre aquestes. De forma paral·lela, comprovem la manera en la qual aquestes tipologies s'usen com a principal estratègia en l'art contemporani, evidenciant una sèrie de combinacions possibles. A continuació, exposem els antecedents artístics previs a aquesta recerca. En la segona i la tercera part, presentem els cinc casos d'estudi dividits per disciplines artístiques: la instal·lació i la performance. La nostra intenció amb cadascun dels cinc capítols que conformen aquestes dues parts és fer una catalogació d'autors i autores -dedicats tant a la teoria com a la pràctica- que han oferit notables aportacions en els camps que ens plantegem com a casos d'estudi, posant especial atenció a construir una constel·lació de referents que responga tant a l'àmbit nacional com a l'internacional. En definitiva, ens plantegem escollir aquelles propostes que es relacionen amb les peces que presentem per a, mitjançant el seu examen, poder crear una narració on els diferents casos d'estudi ens conduïsquen a una sèrie de conclusions per a abocar-les en els resultats del nostre fer creatiu. Amb aquesta finalitat, ens proposem desenvolupar una recerca transversal que toca múltiples temes, recalcant la idea que tota manifestació artística és producte i reflex d'una realitat, i per tant, és capaç de tocar diverses matèries. / Artime Pinilla, J. (2021). Palabras, palabras, palabras. Análisis del uso de la escritura en la obra artística a través de cinco casos de estudio [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/176056 / TESIS

[ES] A pesar del creciente desarrollo de estudios sobre personas transgénero en campos particulares desde principios de la década de 1990, solo en la última década se ha experimentado un crecimiento explosivo de la visibilidad de personas transgénero en la cultura popular de Occidente. La rapidez del progreso, en comparación con los movimientos sociales anteriores, se debe en gran parte a la ubicuidad de las tecnologías de comunicación en línea y digitales. El acceso a dichos medios también ha brindado oportunidades de producción y publicación para los artistas, especialmente aquellos que se identifican con demográficos marginados, excluidos o previamente ignorados, como la comunidad transgénero. Dada la relación situacional entre estas tecnologías y los artistas trans, esta investigación pregunta cómo y qué utiliza, produce o publica un artista trans como yo, como parte de una práctica creativa multimedia, y postula que existen características compartidas que existen entre muchas experiencias transexuales y experiencias postmedia. Para responder a estas preguntas de investigación, este texto despliega y combina voces subjetivas y críticas dentro de un modelo exegético conectivo. Analizo los nuevos conocimientos representados por el trabajo y los procesos de la práctica creativa relacionada a través del desarrollo y la aplicación de conceptos existentes de fenomenología transgénero. Y, en última instancia, la propia misión de este texto se presenta como una acción autoetnográfica y una declaración política de la experiencia vivida. / [CAT] Malgrat el creixent desenvolupament d'estudis sobre persones transgènere a àmbits particulars, des de principi de la dècada de 1990, sols a l'última dècada s'ha experimentat un creixement explosiu de la visibilitat de persones transgènere a la cultura popular d'occident. La rapidesa del progrés, en comparació amb els moviments socials anteriors, és deguda en gran part a la ubiqüitat de les tecnologies de comunicació en línia i digitals. L'accés als susdits mitjans també ha brindat oportunitats de producció i publicacions per als artistes, especialment aquells que s'identifiquen amb demografies marginals, exclosos o prèviament ignorats, com la comunitat transgènere. Donada la relació situacional entre aquestes tecnologies i els artistes trans, aquesta investigació pregunta com i què utilitza, produeix o publica un artista trans com jo, com part d'una pràctica creativa multimedia i postula que existeixen característiques compartides entre nombroses experiències transexuals i postmedia. Pera respondre aquestes qüestions d'investigació, aquest text desenvolupa i combina veus subjectives i crítiques dintre d'un model exegètic connectiu. Analitze els nous coneixements representats pel treball i els processos de la pràctica creativa relacionada mijantçant el desenvolupament i l'aplicació de conceptes existents de fenomenologia transgènere. I, en última instància, la pròpia missió d'aquest text es presenta com una acció autoetnogràfica i una declaració política de l'experiència viscuda. / [EN] Despite an increasing development of transgender studies within particular fields since the early 1990's, it has only been in the last decade or so that an explosive growth of transgender visibility has been experienced in popular culture in the West. The rapidity of progress, compared to previous social movements, is due in large part to the ubiquity of online and digital communication technologies. Access to such media has also provided production and publishing opportunities for artists, especially those identifying with marginalized, ostracized or previously overlooked demographics like the transgender community. Given the situational relationship between these technologies and trans artists, this research asks how and what a trans artist such as myself utilizes, produces or publishes as part of a multimedia creative practice, and posits that there are shared characteristics that exist between many transgender and postmedia experiences. In order to answer these research questions, this text deploys and blends both subjective and critical voices within a connective exegetical model. I analyse the new knowledge represented by the work and processes of the related creative practice through the further development and application of extant concepts of transgender phenomenology. And, ultimately, the very undertaking of this text itself is presented as an autoethnographic action and a political statement of lived experience. / Koss, KB. (2020). Transgender Identities in Postmedia Audiovisual Narratives [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/140555 / TESIS

El concepto de "Tonalidad" es un concepto que jerarquiza los tonos y los colores en las disciplinas de la música y el arte visual hasta nuestros días. Esta característica contribuye a establecer la funcionalidad de los elementos presentes en una pieza musical o en un espacio bidimensional o tridimensional, determinado por los colores que le ocupan. Con el concepto de una "Tonalidad Sinestésica", haremos referencia a una relación de correspondencias entre sonidos afinados y colores, determinados por la visión de personas que padecen de la condición clínica conocida como "Sinestesia". Partiendo del establecimiento de los elementos que conforman el concepto de un tono en cada disciplina en lo individual, se unirán los elementos propios de la tonalidad en la música y en el color, a partir de una revisión del fenómeno perceptivo de la sinestesia. El objetivo de esta tesis es la creación de un nuevo concepto denominado como "Tonalidad Sinestésica", el cual constituya una nueva correspondencia de relaciones entre disciplinas artísticas, además de extraer formas de trabajo interdisciplinar que han trascendido en la historia del arte para con éstas, formular una nueva forma de trabajo en el campo de las traducciones de la música al color, y de la composición musical. Esta investigación se basa preferentemente en el método inductivo, a partir de la observación de diferentes formas de trabajo en el campo del arte interdisciplinario, y de los patrones del trabajo creativo personal, que extraeremos de los estudios de la sinestesia (R. E. Cytowic, John Harrison, Paul Hertz, Flournoy, entre otros) y de la teoría de la música y el color (John Gage, E. Goldstein, Scriabine, A. Schoenberg, Kandinsky, Messiaen, Ligeti, etc.), con el fin de crear las bases de un código de relaciones para el establecimiento de un concepto: la "Tonalidad Sinestésica". Los resultados logrados en esta investigación sobre la correspondencia sinestésica se encuentran especialmente en los experimentos prácticos, tomando en primer lugar la forma de traducciones de música de compositores históricos (J. S. Bach, Claude Debussy y Arnold Schoenberg) y llevados a el color; y en segundo lugar, mediante la composición de música propia ('Miniatura de Colores en Gris-Azul' para piano y un 'Trío para marimba y dos vibráfonos') cuyos elementos fueron construidos con criterios de armonía de color en diferentes formatos de instrumentación y duración, así como su presentación pública en concierto multimedial ('Festival Internacional Cervantino 2010'), de forma que estuvieran demostradas las posibilidades creativas de la correspondencia sinestésica. / González Compeán, FJ. (2011). Tonalidad Sinestésica: Relaciones entre la tonalidad de la música y del color a través de una propuesta personal [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/13835 / Palancia