José Manuel Caballero Bonald est aujourd’hui une véritable référence dans le monde littéraire hispanique du XXe siècle. Ayant excellé tout au long de son parcours dans des genres aussi variés que la poésie, l’essai, le roman et l’article de presse, il a obtenu les plus grandes distinctions, notamment le Prix Cervantès (2012).Cette étude s’articule autour de trois parties. Dans la première, « Le dialogue entre les arts », nous proposons une approche de la problématique de la multidisciplinarité de l’art à partir de l’analyse de l’œuvre critique et littéraire de notre auteur. Nous observons d’abord le contexte historique et sociologique des différents domaines de l’art qui le concernent, pour ensuite présenter une vision holiste de sa pensée esthétique et philosophique en relation avec le phénomène artistique. Cette démarche nous permet de nous interroger précisément sur la question des limites structurelles et sémantiques qui rapprochent et séparent la littérature de la musique.Nous nous penchons dans une deuxième partie, « Poétique musicale », sur la définition des aspects musicaux de sa poétique en relation avec le concept de la musicalité de la parole. L’aspect sonore de son œuvre, qu’il soigne d’une façon minutieuse, se construit en harmonie avec ses sources primaires et avec les mouvements littéraires qui traversent son écriture. Dans la pensée de Caballero Bonald, la construction musicale du texte est en intime relation avec son expérience vitale, avec sa mémoire, ainsi qu’avec toutes les résonances qui traversent son esprit. L’image de l’écoute intérieure qui précède l’écriture rapproche son acte créatif du processus de création musicale. C’est à travers l’ensemble de ces notions que nous rassemblons et que nous étudions des fragments choisis de son œuvre : extraits et poèmes où la suggestion, l’évocation, et d’autres procès issus de l’esthétique sonore, les rapprochent indéniablement du langage musical. D’autre part nous abordons, à partir de l’étude de la sonorité de son œuvre, la problématique des genres et d’autres débats convergents issus de la théorie de la littérature, qui opposent des concepts comme tradition/expérimentation, oralité/écriture ou poésie/prose.Enfin notre dernière partie, « La musique dans son œuvre », est consacrée à l’étude de la présence de la musique dans ses écrits, en particulier ceux s’intéressant au flamenco, d’un point de vue thématique et symbolique. La musique est présente, sans exception, dans tous ses romans et dans tous ses livres de poésie. Parmi toutes ces musiques, l’art flamenco occupe une place privilégiée dans son œuvre. À partir de la relation féconde entre littérature et flamenco, que l’on découvre tout au long de ses romans et poèmes, nous proposons une révision de la poétique de « lo jondo », et des relations entre la poésie savante et cette forme authentique de poésie de tradition orale. Parallèlement à sa sensibilité musicale, nous étudions la présence du silence et des paysages sonores dans son œuvre en tant que symbole et comme outil rhétorique. L’ensemble des symboles musicaux qui traversent son œuvre nous dévoilent quelques questions essentielles pour les études musico-littéraires, que nous abordons à travers sa pensée poétique et philosophique : vers et musique se mêlent-ils ? Comment définir l’amplitude sonore de la musique ?En dernier lieu, et pour apporter une réponse à ces questions, nous nous rapprochons du caractère mélomane de José Manuel Caballero Bonald, marqué par sa trajectoire professionnelle en tant que producteur musical, parolier, anthologiste du chant flamenco et folkloriste. Si l’influence de la musique dans son œuvre littéraire justifie en grande partie sa conception holiste de l’art, sa poétique musicale et ses incursions dans le milieu professionnel de la musique nous renvoient vers un échange ambivalent qui justifie la nature comparatiste et multidisciplinaire de notre étude. / José Manuel Caballero Bonald is one of the greatest Spanish writers of the 20th and the 21st centuries. His works have been awarded the most important prizes of Hispanic literature. He is also one of the last members of the Generation of ‘50, also known as "The kids of the war".This study is divided into three chapters. The first, "The Dialogue Between the Arts", offers a general approach to the multidisciplinary of the arts, in connection with Caballero Bonald’s critical articles and pieces of literature in which he emphasises this point. The chapter examines the historical and sociological context of the concept of intersemiotics to understand the way artistic domains figure in his writings. It also explains his holistic vision of the arts, his aesthetic thinking and his philosophy. From the perspective of intersemiotics, this enables the analysis of the structural and semantic limits that join and divide literature and music.The second chapter, "Musical Poetics", studies the musical aspects of his poetics, specifically in relation to the idea of musicality of the word. The musical side of his work, which is always meticulously composed, is built in harmony with his primary sources and with the literary movements that can be perceived in his writings. In Caballero Bonald’s thinking, the musical construction of the literary text is intimately related with his life experience, his memory, and all the resonances crossing his mind. The image of the inner ear as the source of the poetic word, which harks back to the mystical poetry of the Spanish Golden Age, brings his act of creation closer to the nature of music, which is built on a similar principle. On this basis, the chapter offers a close reading of several extracts from his works: fragments and poems in which suggestion, evocation, and other proceedings derived from the aesthetic of sound get him genuinely closer to the musical language. In this way, without leaving the borders of literature and music, the chapter examines, starting from the study of the musicality of his writings, the problematic of gender and other issues concerning literary theory, such as the opposition of tradition and experimentation, orality and writing, or poetry and prose.The last chapter, "The Music in his Works", is devoted to the study of the presence of music in his writings from a thematic and symbolic perspective. Music is mentioned in every single novel and book of poems he has published. Among the different music genres he mentions, flamenco undoubtedly plays the leading role in his writings, modernising the relation with scholarly literature that started around the 15th century. In this way, the chapter examines his "Poética de lo jondo", and reconsiders the relationship between scholarly literature and this original form of oral tradition. Given his musical sensitivity, the chapter also studies the presence of silence and the soundscapes in his works. The large number of musical symbols in his writings invites us to think about some of the main questions referred to by the emergent fields in the intersections between literary and musical scholarship. The chapter answers some questions through his poetic and philosophical thinking: Can verse and melody become the same thing? How could we define the sounding range of music?Finally, having answered the above-mentioned questions, this PhD thesis explores the evidence attesting to José Manuel Caballero Bonald as a cultivated person within musical culture. This evidence is mainly embedded in his professional work as music producer, songwriter and folklorist. It is the influence of music on his writings that has been studied in detail in this thesis and, in fact, justifies his holistic conception of art. His musical poetics and his incursions into the professional environment of music reveal an ambivalent exchange between them that justifies the comparative and multidisciplinary nature of this study.

Cette étude s’affronte à des poètes qui ne parlent plus spécifiquement de la danse. Elle parcourt les œuvres d’Henri Michaux, de Paul Celan, d’André du Bouchet et de Bernard Noël pour entendre sous le silence thématique de la danse la quête d’une forme de convergence plus élémentaire. D’un pli en deçà des mots qui s’opère à la genèse des gestes expressifs et convie danseurs et poètes à une même expérience du corps interne, de ses sentis infra-motiles et de ses inchoations de mouvement. De là naît un nouvel horizon comparatiste qui rend possible une autre façon de lire la poésie. Car un poème certes ne danse pas, mais il est porté par une certaine dansité qui renvoie au mouvement corporel qui le sous-tend et qui mobilise la motricité du lecteur. Cette trajectoire de l’infra nous déporte aux racines de tout acte créateur et nous permet d’envisager une poétique des arts à partir de l’expérience chorégraphique. Une réévaluation esthétique qui s’ente sur le savoir-sentir du corps dansant et fonde le concept de dansité en lui construisant un abécédaire (ressources motrices communes aux actes de danser et d’écrire) et une grammaire (principaux rythmes qui ressourcent le mouvement). / This study meets poets who don’t properly write about dance. Immersing ourselves in the works of Henri Michaux, Paul Celan, André du Bouchet and Bernard Noël, we try to perceive beneath the thematic silence of dance, the quest for a more elementary form of convergence. This quest is also a confluence out of which expressive gestures are born, before words are formulated; soulful movements which invite dancers and poets to enjoy a common experience of the inner body, its infra-motile stirrings, its inchoate motion. This gives rise to a new comparatist horizon, paving the way for a different experience of reading poetry. For a poem indeed does not dance, but is supported by a certain « dansité » -dancity-, which alludes to the corporeal movement underlying the poem and which appeals to the reader's own motricity. Following this trajectory at the limbo and origin before movement happens, transports us to the root origin of every act of creation, and enables us to envision a poetics for the arts, one which would have the choreographic experience at its core.

Cette thèse a pour objectif de suggérer des lignes directrices pour observer les rencontres entre des arts, des matières et des techniques artistiques distincts et caractériser les passages possibles entre le sonore et le visuel. Dans un premier temps, nous étudierons les différences entre les arts et les manières de les organiser dans des systèmes classificatoires. Ensuite, nous nous tournerons vers l’étude de la notion de ressemblance entre les arts et de l’esthétique comparée et nous présenterons quelques liens et interactions entre les phénomènes musicaux et visuels. Les ressemblances seront exposées plus loin à travers leurs traits spécifiques, que nous appellerons « similitudes ». À partir de ces dernières, présentées sous les noms de sympathie, d’émulation, d’analogie et de convenientia, nous proposerons des façons d’observer des rencontres entre le sonore et le visuel. De la sympathie provient la notion de résonance, qui se fonde dans la liberté du récepteur d’établir des correspondances entre des paires d’œuvres d’art distinctes. Les reflets trouvent leur fondement dans les similitudes émulation et analogie, et s’adressent à des œuvres dont les créateurs ont tenté d’appliquer dans leur propre art des éléments provenant d’un autre art. Dans le troisième, consacré aux confluences, nous inclurons des œuvres qui contiennent dans leur structure propre des matières sonores et visuelles. À l’origine des confluences se trouve la convenientia, similitude qui traite de la coexistence des éléments hétérogènes. Picasso, Stravinsky, Ligeti, Rothko, Dutilleux et Klee sont parmi les artistes qui illustrent les résonances, reflets et confluences de cette recherche. / The main objective of this thesis is to suggest guidelines in observing meetings between arts, materials and separate art techniques and to characterize some of the possible passages and interactions between the sonorous and visual. First we talk about the differences between the arts and the ways to organize them into classification systems. Then we turn to the study of the concept of resemblance between the art forms, introduced in Comparative Aesthetics and present some links and intersections between the musical and visual phenomena. Their similarities will be exposed, later, through specific traits, which we call “similitudes”. From these latter, presented by the names: sympathy, emulation, analogy and convenientia, we propose ways of observing encounters between the sonorous and visual. From sympathy comes the notion of resonance, which is based on the liberty of the receiver to establish correspondences between pairs of distinct art works. The reflections address the art works whose artists sought to apply in their own art, elements coming from another art and find their bases in the similitudes of emulation and analogy. Finally, the confluences. In this third group are included the art works that contain, in their own structure, sonorous and visual materials. At the origin of the confluences is the convenientia, similitude that deals with the coexistence between heterogeneous elements. Picasso, Stravinsky, Ligeti, Rothko, Dutilleux and Klee are the artists whose works illustrate the resonances, reflections e confluences of our research. / Esta tese tem como principal objetivo sugerir diretrizes para se observar encontrosentre artes, matérias e técnicas artísticas distintas e caracterizar algumas das passagenspossíveis e interações entre o sonoro e o visual. Primeiramente, discorremos sobre asdiferenças entre as artes e as maneiras de organiza-las em sistemas classificatórios. Emseguida, nos voltamos ao estudo da noção de semelhança das mesmas, à Estética Comparadae apresentamos algumas elos e interseções entre os fenômenos musicais e visuais. Assemelhanças são expostas, mais à frente, através de traços específicos, aos quais chamamos de“similitudes”, de acordo com o entendimento de Michel Foucault. A partir dessas últimas,apresentadas pelos nomes de simpatia, emulação, analogia e convenientia, propomosmaneiras de se observar encontros entre o sonoro e o visual. Da simpatia provém a noçãoressonância, que se baseia na liberdade do receptor de estabelecer correspondências entrepares de obras de arte distintas e fertilizar mutuamente seus entendimentos. Os reflexos seendereçam às obras cujos artistas procuraram aplicar em sua própria arte elementos provindosde uma outra arte e encontram suas bases nas similitudes de emulação e analogia. Finalmente,as confluências. Neste terceiro grupo incluem-se obras que contém em sua própria estruturamatérias sonoras e visuais. Na origem das confluências está a convenientia, similitude quetrata da coexistência entre elementos heterogêneos. Pablo Picasso, Igor Stravinsky, GyörgyLigeti, Mark Rothko, Henri Dutilleux, Paul Klee, Alban Berg e Serguei Eisenstein são osartistas cujas obras ilustraram as ressonâncias, reflexos e confluências de nossa pesquisa.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal