Os livros destinados à leitura contínua, como romances, apresentam, em sua maioria, leiautes simples. São livros funcionais, destinados basicamente à leitura e que raramente chamam atenção para seu design. Obras simples como essas poderiam, em uma primeira análise, ser concebidas como \"invisíveis\", de acordo com os conceitos apresentados no ensaio The Crystal Goblet or Printing Should be Invisible, de Beatrice Warde, de 1930. O ideal da invisibilidade se refere ao design transparente, que não oculta o conteúdo (texto) e é baseado em etiquetas de composição que asseguram sua qualidade. Em oposição a essa abordagem \"invisível\", observa-se, tanto hoje como desde o início da produção de livros impressos, livros de literatura com uma abordagem \"visível\", isto é, que apresentam vinhetas, capitulares, ornamentações, ilustrações e até experimentos tipográficos. Esta tese, a partir de exemplos encontrados em bibliotecas especializadas em edições raras, contempla estas duas abordagens em cinco séculos do livro impresso. A pesquisa privilegia o estudo de dois momentos históricos em que essas duas abordagens são evidentes: as primeiras décadas do século XX, em que ao mesmo tempo em que se defendia o livro \"invisível\" eram produzidos diversos livros especiais e ilustrados na Europa e nos Estados Unidos, e o segundo momento, o atual, em que se observa que a maioria das obras são simples e produzidas a partir de templates e em que, como alternativa \"visível\", temos o surgimento de editoras como Cosac Naify (Brasil), Visual Editions (Inglaterra), Almadía (México) e Libros del Zorro Rojo (Argentina e Espanha), que trazem elementos visuais para seus livros. A presente pesquisa busca investigar a \"invisibilidade\" e a \"visibilidade\" no design do livro impresso de literatura (prosa), de forma a promover o debate sobre estas duas categorias e testar a hipótese de que a visibilidade dos livros contemporâneos é resultado de uma integração entre projeto gráfico e texto literário, cujo resultado são livros que apresentam tanto uma função estética quanto semântica, além da funcional, que é a da leitura. / Books intended for continuous reading as novels present mainly simple layouts. They are functional but aimed basically to reading and rarely drawing attention to its design. Simple projects like these, in a first analysis could be conceived as \"invisible\", accordingly to the concepts presented in Beatrice Warde\'s essay \"The Crystal Goblet\" or \"Printing Should Be Invisible\" from 1930. The idea of invisibility refers to the transparent design that doesn\'t hide the content (text) and it is based in composition labels that ensure quality. In opposition to this \"invisible\" approach, we see, nowadays and also in the beginning of the production of print books, literature books with a \"visible\" approach, that is, that present vignettes, capitulars, ornamentations, illustrations and also typographic experiments. This thesis, starting from examples found in specialized libraries, discuss these two approaches in five centuries of print books. The research privileges the study of two historical moments, in which these approaches are evident: The first decades of the 20th century, in which at the same time the \"invisible\" book was defended and there was also a production of many special and illustrated books in Europe and United States. The second moment, nowadays, in which we see most part of the works produced starting from templates and in which, as a \"visible\" alternative, we see the appearance of publishing houses like Cosac Naify (Brazil), Visual Editions (England), Almadía (Mexico) and Libros del Zorro Rojo (Argentina and Spain), which bring visual elements to their books. This research focuses on how to investigate the \"invisibility\" and the \"visibility\" at the design of press book literature (prose) as a way to promote the debate of these two categories and test the hypothesis that visibility in contemporary books is the result of an integration between graphic project and the literary text, what results in books that present an aesthetics function and also a semantical one, beyond the functional reading.

Esta dissertação tem como principal objetivo a introdução à obra do designer Ruben de Freitas Martins (1929 - 1968), apreendendo a sua trajetória e algumas das principais características criativas de seu trabalho. Ele iniciou sua carreira como artista plástico, derivando-a para o design até atingir a posição de empresário do setor, engajado na divulgação da profissão no Brasil. Nessa condição, durante a década de 60 dirigiu a Forminform, considerado o primeiro escritório de design do país. Na primeira parte da dissertação, com o intuito de analisar de forma eficaz e comparativa o seu trabalho, buscamos investigar e reconstruir a trajetória de Ruben Martins, sua formação profissional e o círculo social com o qual conviveu. Para tanto, foi realizado um levantamento de dados sobre a história e o contexto do designer, incluindo a coleta de matérias jornalísticas, artigos e entrevistas realizadas com personalidades que possuem informações sobre o próprio, como João Carlos Cauduro e Karl Heinz Bergmiller, além da constante pesquisa junto ao Acervo Pessoal de Ruben Martins, recolhido pela família. Na segunda parte, encontra-se a análise detalhada de um de seus principais trabalhos, a marca criada para a Rede de Hotéis Tropical (1967), \"leitura\" esta construída a partir do rebatimento das informações levantadas na primeira parte do trabalho. / This dissertation has as main objective the introduction to the work of designer Ruben de Freitas Martins (1929 - 1968), seizing his career and some key features of his creative work. He began his career as an artist, deriving her to the design to reach the position of manager of the sector, engaged in spreading the profession in Brazil. In this condition, during the 60´s, directed the office Forminform, considered the first design office in the country. In the first part of the dissertation, in order to effectively analyze and compare their work, we investigate and reconstruct the trajectory of Ruben Martins, vocational training and social circle with whom he lived. To that end, we conducted a survey about the history and context of the designer, including collection of news stories, articles and interviews with personalities who have information about him, as João Carlos Cauduro and Karl Heinz Bergmiller, farther the constant search with the Personal Collection of Ruben Martins, picked up by family. The second part is the detailed analysis of one of his major works, the brand created for the Network of Tropical Hotels (1967), the \"reading\" is built from information gathered in the first part of the dissertation.

No Brasil, o campo profissional do design não costuma valorizar seu passado histórico e o que se observa é um desconhecimento da produção nacional antes da institucionalização do ensino dessa área do conhecimento. Assim, este trabalho procurou abordar as origens do design gráfico brasileiro por meio de um resgate histórico, analisando uma publicação periódica do início do século 20 como exemplo do que era feito no Brasil no campo do design gráfico antes mesmo dos profissionais utilizarem a denominação designer. A publicação periódica escolhida foi a revista Kósmos, uma das chamadas revistas ilustradas que circularam na cidade do Rio de Janeiro na primeira década do século 20, mais precisamente de 1904 a 1909. Procurou-se determinar e observar as soluções gráficas empregadas na revista de modo que se pudesse contribuir para a sistematização de conhecimento no meio acadêmico e profissional de design. / In Brazil, the design professional field denies its past and so, denies its history. Thus, the designs production before the configuration of design education in this country is unknown by designers and students. This research intended to broach the origins of Brazilian graphic design by doing a history recovery and presenting a periodic like an example of what had been done at graphic designs field in Brazil before the use of the name designer by these professionals. The periodic chosen was Kósmos magazine, the one of the magazines known as illustrated magazines and that were publicated in Rio de Janeiro at the first decade of the twentieth century. It was publicated between 1904 and 1909. We attempted to analyze the graphic solutions used by the magazine chosen in order to improve systematic knowledge in designs academic and professionals fields.

No Brasil, o campo profissional do design não costuma valorizar seu passado histórico e o que se observa é um desconhecimento da produção nacional antes da institucionalização do ensino dessa área do conhecimento. Assim, este trabalho procurou abordar as origens do design gráfico brasileiro por meio de um resgate histórico, analisando uma publicação periódica do início do século 20 como exemplo do que era feito no Brasil no campo do design gráfico antes mesmo dos profissionais utilizarem a denominação designer. A publicação periódica escolhida foi a revista Kósmos, uma das chamadas revistas ilustradas que circularam na cidade do Rio de Janeiro na primeira década do século 20, mais precisamente de 1904 a 1909. Procurou-se determinar e observar as soluções gráficas empregadas na revista de modo que se pudesse contribuir para a sistematização de conhecimento no meio acadêmico e profissional de design. / In Brazil, the design professional field denies its past and so, denies its history. Thus, the designs production before the configuration of design education in this country is unknown by designers and students. This research intended to broach the origins of Brazilian graphic design by doing a history recovery and presenting a periodic like an example of what had been done at graphic designs field in Brazil before the use of the name designer by these professionals. The periodic chosen was Kósmos magazine, the one of the magazines known as illustrated magazines and that were publicated in Rio de Janeiro at the first decade of the twentieth century. It was publicated between 1904 and 1909. We attempted to analyze the graphic solutions used by the magazine chosen in order to improve systematic knowledge in designs academic and professionals fields.

Esta tese é uma investigação sobre a joalheria escrava na Bahia dos séculos XVIII e XIX, retrocedendo ou avançando no tempo quando necessário à melhor compreensão do fenômeno. Contribui para o aprofundamento e ampliação dos conhecimentos relativos à história do design no Brasil, no que se refere aos objetos classificados como afro-brasileiros, que são fruto da complexa relação senhor-escravo materializada na forma, na função e no significado do seu design. Adicionalmente, colaborou-se com os estudos da historiografia da escravidão em geral, com foco na participação negra no processo de formação da cultura materialbrasileira. / This thesis consists of an investigation about slave Brazilian jewelry in Bahia, in the Eighteenth and Nineteenth centuries. In order to provide the best understanding of the phenomena, it goes back and further in time, as it turns out to be necessary. It contributes to both deepen and widen the knowledge on the history of design in Brazil, in relation to the objects classified as Afro- Brazilian, which are an outgrowth of the complex relation between masters and slaves, materialized in the shape, function and meaning of their design. Moreover, it intends to contribute to the studies of slavery historiography in general, focusing on the participation of black people in the building process of Brazilian material culture.

Os livros destinados à leitura contínua, como romances, apresentam, em sua maioria, leiautes simples. São livros funcionais, destinados basicamente à leitura e que raramente chamam atenção para seu design. Obras simples como essas poderiam, em uma primeira análise, ser concebidas como \"invisíveis\", de acordo com os conceitos apresentados no ensaio The Crystal Goblet or Printing Should be Invisible, de Beatrice Warde, de 1930. O ideal da invisibilidade se refere ao design transparente, que não oculta o conteúdo (texto) e é baseado em etiquetas de composição que asseguram sua qualidade. Em oposição a essa abordagem \"invisível\", observa-se, tanto hoje como desde o início da produção de livros impressos, livros de literatura com uma abordagem \"visível\", isto é, que apresentam vinhetas, capitulares, ornamentações, ilustrações e até experimentos tipográficos. Esta tese, a partir de exemplos encontrados em bibliotecas especializadas em edições raras, contempla estas duas abordagens em cinco séculos do livro impresso. A pesquisa privilegia o estudo de dois momentos históricos em que essas duas abordagens são evidentes: as primeiras décadas do século XX, em que ao mesmo tempo em que se defendia o livro \"invisível\" eram produzidos diversos livros especiais e ilustrados na Europa e nos Estados Unidos, e o segundo momento, o atual, em que se observa que a maioria das obras são simples e produzidas a partir de templates e em que, como alternativa \"visível\", temos o surgimento de editoras como Cosac Naify (Brasil), Visual Editions (Inglaterra), Almadía (México) e Libros del Zorro Rojo (Argentina e Espanha), que trazem elementos visuais para seus livros. A presente pesquisa busca investigar a \"invisibilidade\" e a \"visibilidade\" no design do livro impresso de literatura (prosa), de forma a promover o debate sobre estas duas categorias e testar a hipótese de que a visibilidade dos livros contemporâneos é resultado de uma integração entre projeto gráfico e texto literário, cujo resultado são livros que apresentam tanto uma função estética quanto semântica, além da funcional, que é a da leitura. / Books intended for continuous reading as novels present mainly simple layouts. They are functional but aimed basically to reading and rarely drawing attention to its design. Simple projects like these, in a first analysis could be conceived as \"invisible\", accordingly to the concepts presented in Beatrice Warde\'s essay \"The Crystal Goblet\" or \"Printing Should Be Invisible\" from 1930. The idea of invisibility refers to the transparent design that doesn\'t hide the content (text) and it is based in composition labels that ensure quality. In opposition to this \"invisible\" approach, we see, nowadays and also in the beginning of the production of print books, literature books with a \"visible\" approach, that is, that present vignettes, capitulars, ornamentations, illustrations and also typographic experiments. This thesis, starting from examples found in specialized libraries, discuss these two approaches in five centuries of print books. The research privileges the study of two historical moments, in which these approaches are evident: The first decades of the 20th century, in which at the same time the \"invisible\" book was defended and there was also a production of many special and illustrated books in Europe and United States. The second moment, nowadays, in which we see most part of the works produced starting from templates and in which, as a \"visible\" alternative, we see the appearance of publishing houses like Cosac Naify (Brazil), Visual Editions (England), Almadía (Mexico) and Libros del Zorro Rojo (Argentina and Spain), which bring visual elements to their books. This research focuses on how to investigate the \"invisibility\" and the \"visibility\" at the design of press book literature (prose) as a way to promote the debate of these two categories and test the hypothesis that visibility in contemporary books is the result of an integration between graphic project and the literary text, what results in books that present an aesthetics function and also a semantical one, beyond the functional reading.

Esta dissertação tem como principal objetivo a introdução à obra do designer Ruben de Freitas Martins (1929 - 1968), apreendendo a sua trajetória e algumas das principais características criativas de seu trabalho. Ele iniciou sua carreira como artista plástico, derivando-a para o design até atingir a posição de empresário do setor, engajado na divulgação da profissão no Brasil. Nessa condição, durante a década de 60 dirigiu a Forminform, considerado o primeiro escritório de design do país. Na primeira parte da dissertação, com o intuito de analisar de forma eficaz e comparativa o seu trabalho, buscamos investigar e reconstruir a trajetória de Ruben Martins, sua formação profissional e o círculo social com o qual conviveu. Para tanto, foi realizado um levantamento de dados sobre a história e o contexto do designer, incluindo a coleta de matérias jornalísticas, artigos e entrevistas realizadas com personalidades que possuem informações sobre o próprio, como João Carlos Cauduro e Karl Heinz Bergmiller, além da constante pesquisa junto ao Acervo Pessoal de Ruben Martins, recolhido pela família. Na segunda parte, encontra-se a análise detalhada de um de seus principais trabalhos, a marca criada para a Rede de Hotéis Tropical (1967), \"leitura\" esta construída a partir do rebatimento das informações levantadas na primeira parte do trabalho. / This dissertation has as main objective the introduction to the work of designer Ruben de Freitas Martins (1929 - 1968), seizing his career and some key features of his creative work. He began his career as an artist, deriving her to the design to reach the position of manager of the sector, engaged in spreading the profession in Brazil. In this condition, during the 60´s, directed the office Forminform, considered the first design office in the country. In the first part of the dissertation, in order to effectively analyze and compare their work, we investigate and reconstruct the trajectory of Ruben Martins, vocational training and social circle with whom he lived. To that end, we conducted a survey about the history and context of the designer, including collection of news stories, articles and interviews with personalities who have information about him, as João Carlos Cauduro and Karl Heinz Bergmiller, farther the constant search with the Personal Collection of Ruben Martins, picked up by family. The second part is the detailed analysis of one of his major works, the brand created for the Network of Tropical Hotels (1967), the \"reading\" is built from information gathered in the first part of the dissertation.

Esta pesquisa se propôs a construir uma breve cronologia da evolução do desenho industrial no estado do Rio de Janeiro, tendo como fio condutor três linhas de atuação do design: prática profissional (profissionais, escritórios, empresas, produtos e projetos), ensino e promoção/divulgação (eventos, conferências, exposições, premiações e concursos). Estas informações hoje se encontram dispersas ou são de todo desconhecidas do grande público. A pesquisa então procurou levantar, organizar e analisar criticamente esse volume de dados e informações, de modo a documentar e resgatar o desenvolvimento do design industrial no Rio de Janeiro. Este trabalho concentrou o foco do estudo histórico no design de produto, visto que uma série de trabalhos recentemente publicados já iniciou o processo de prospecção histórica do design gráfico no Brasil. Em que pese, além disso, que um estudo regionalizado do design de produto, centrado no Rio de Janeiro, ser uma contribuição relevante à historiografia do design brasileiro. A pesquisa fez uso de técnicas qualitativas de obtenção e tratamento de dados, destacando-se a pesquisa bibliográfica (sempre que possível fazendo uso de fontes primárias); o contato (via cartas, entrevistas e/ou acesso a websites) com as personalidades envolvidas nos eventos citados no texto; e, finalmente, a consulta a arquivos (públicos e privados). Ao se concluir a pesquisa, foram organizadas três cronologias independentes relativas a cada um dos subproblemas propostos a partir da questão central. Essas cronologias identificaram e contextualizaram as diferentes áreas de atuação do design de produto, descreveram o processo de implantação e desenvolvimento do ensino do design e documentaram as iniciativas no âmbito da divulgação e promoção do design de produto no Rio de Janeiro. O capítulo cinco apresenta as conclusões da análise da pesquisa. / This research intends to build up a brief chronology of product design development process in the state of Rio de Janeiro, following its three main areas of influence: professional practice (designers, offices, companies, products and projects), design promotion (events, conferences, exhibitions, awards and competitions) and design tuition (the formative path of product design college education). As today this information is either dispersed or unknown to the public, this work intends to uncover, organize and eventually analyse this amount of data in order to provide documentation and also rescue the development of industrial design in Rio de Janeiro from its oblivion. This work focused on the historical development of product design, as long as previous works have already started out the research on the history of graphic design in Brazil. Qualitative techniques were mainly used to obtain and process data such as the search into the actual bibliography (recurring to primary sources whenever possible), the contact (by letter, interviews and/or access to websites) with professionals involved in the events mentioned in the text and the search into public or private files. The research outcome was organized into three independent chronologies which identified and related the different areas of influence of product design that were documentary in the design college tuition evolutionary process. This brought evidence to initiatives in the scope of design diffusion in Rio de Janeiro. The last chapter presents conclusions pertaining to the analysis of the main line of design evolutionary process. Being a regional oriented research, concentrated in Rio de Janeiro, it may turn out to be a relevant contribution to Brazilian design historiography.

O desenvolvimento da obra do designer gráfico Fred Jordan e de sua experiência profissional é o objeto deste trabalho. Considerando que nas duas primeiras décadas de sua atividade não existe no Brasil um projeto acadêmico sistematizado e metodologia estabelecida para o conhecimento e para a prática na área do design gráfico, a análise aponta as diversas etapas de sua produção, que se estende de 1940 a 1990. Nesse processo, a pesquisa busca articular as diferentes fases dessa produção e os momentos históricos em que se realizam. Mostra a singularidade do trabalho de Jordan apontando­ a partir do uso da tecnologia, das técnicas, da temática, da adequação à evolução industrial e da diversificação do público consumidor - como seus projetos permitem perceber as transformações do campo de trabalho e do mercado. Dando ênfase ao cenário paulistano no qual atuou, ressalta-se seu papel no campo das artes gráficas, levando em conta o perfil dos grupos de profissionais de design no Brasil. Nesse quadro verificam-se elementos de sua formação, o círculo de amigos, o diálogo estabelecido com intelectuais, artistas e profissionais das artes visuais e do design,bem como suas áreas de interesse e de estudo. Para alcançar esse objetivo a pesquisa buscou reconstituir o itinerário do artista e de sua obra, por meio de ampla consulta bibliográfica e do levantamento e da organização do acervo da família. Parte desse material, constituído de textos que discutem seus trabalhos, permitiu apontar sua participação e influência no cenário cultural brasileiro e internacional. O estudo abriu espaço para a compreensão de vários aspectos da obra de Jordan: sua visão sobre o significado da arte e do artista; a articulação que estabeleceu entre o trabalho contemporâneo e a temática abordada por autores e artistas da primeira metade do século XIX na Alemanha;seus experimentos baseados, sobretudo na teoria das cores de Goethe e do pensamento naturalista do escritor alemão. Apresenta, ainda, um catálogo da obra de Fred Jordan e da documentação relacionada com sua produção / This thesis examines the development of graphic designer Fred Jordan\'s work and professional experience. No standard academic program or established approach for learning and practicing graphic design existed in Brazil during the first two decades of his career,and this analysis points out the distinct stages of Jordan\'s work between1940 and 1990. In the process, this research endeavors to describe the different phases of the designer\'s creative output against the historical background. lt demonstrates the significance of Jordan\'s work and how his projects allow us to understand the transformation of the graphic design discipline and industry, from his use of technology, techniques and themes, meeting the needs of the industrial revolution and the diversified consuming public. Focusing upon the Sao Paulo environment where he worked, the paper examines his influence on the field of visual arts,taking into account the profile of the professional design groups in Brazil at that time. Within this broader picture, it is possible to confirm the factors that influenced him, his circle of friends, his dialogue with intellectuals, artists and professionals in the visual arts and design community, as well as his areas of interest and study. To achieve this goal, the approach taken here was a recreation of the artist\'s life journey through extensive bibliographic research and a survey and organization of the Jordan family\'s collection of his work. Some of the sources, primarily the texts that discuss his work, bring to light Jordan\'s participation and influence on the Brazilian and international cultural scene. The study helps the reader understand several aspects of Jordan\'s work: his view of the meaning of art and the artist; the connection he made between contemporary design and themes employed by German authors and artists in the first half of the 19th Century;and his experiments based upon Goethe\'s Theory of Colours and the naturalistic thought of that German writer. Finally, it also presents a catalogue of Fred Jordan\'s designs and ofthe documentation related to his work.

Até o final da década de 1960, o livro escolar brasileiro era em sua maioria produzido dentro dos padrões técnicos e visuais da indústria livreira tradicional em relação estreita e participando do que se conhece como cultura escolar, em que a linguagem visual como modo de conhecimento e construção de significados não era devidamente reconhecida e valorizada. Com raras exceções, a visualidade do livro didático não tinha como referência a produção gráfica de melhor qualidade que aparecia em livros de literatura e outras mídias e não era produto de método projetual mais rigoroso e qualificado. Na década de 1970, com a expansão da indústria cultural e dos meios audiovisuais e o surgimento de novas referências de gosto particularmente para a juventude, a visualidade do livro didático praticada ficou ainda mais distante de seu público. As editoras existentes e as novas que surgiram com a expansão do ensino em todos os níveis, mesmo quando percebiam as mudanças de gosto ocorridas, ou não davam importância para esse fato, ou não sabiam como atualizar as linguagens de sua produção, ambos os aspectos sendo decorrentes da pouca cultura visual de seus dirigentes e do não reconhecimento do modo visual como expressão válida de conhecimento e do design como recurso para despertar o interesse pelo aprendizado e ferramenta de promoção de vendas. Será a editora Ática, por seu projeto editorial de inserção na produção de cultura mais ampla e de resposta às demandas decorrentes da vida política e cultural do momento vivido pelo país, que trará para o livro didático as mesmas preocupações com visualidade que precisava ter com seus produtos destinados ao público mais amplo. Assim, a editora promove uma profissionalização na produção visual, com a contratação de designers e ilustradores experimentados em outras mídias impressas, estas já bastante profissionalizadas na produção de linguagens que atingiam diversos públicos. A importância dada às capas, como meio de sedução para obter adoção entre os professores e adesão entre os estudantes, pela identificação com o universo visual desses segmentos, vai gerar uma renovação sem precedentes na visualidade do livro escolar e vai impulsionar editoras concorrentes a fazê-lo. As soluções gráficas originais de Ary Normanha, com a participação de Mário Cafiero, vão oferecer ao público a experiência com os significados criados pela linguagem visual em diálogo com o modo verbal, como atividade própria de uma cultura e de um aprendizado integrais. A par da ampliação da cultura imagética e das referências de gosto, as capas documentadas e analisadas mostram um momento em que o design do livro didático se equiparou ao melhor design encontrado em outros veículos da cultura no Brasil. / Until the end of the 1960s, Brazilian schoolbooks were in its majority produced according to the technical and visual standards of the traditional publishing industry, in close relation to what is known as school culture, by which the visual language as a way of acquiring knowledge and creating meanings was not duly recognized and valued. With a few exceptions, the visual presentation of schoolbooks had no compare with better quality graphics that turned up in literature books and other media. Moreover, it was not the result of a more rigorous and qualified, thoughtful design. In the 70s, with the expansion of cultural industry and audiovisual media and the emergence of new taste trends particularly among the youth, the visual image of schoolbooks drifted apart from its public even more. The existing publishing houses and the ones founded during the spreading of education in all levels would either dismiss this fact or not know how to update the language of their books even if they have noticed that changes in taste had occurred. These issues were due to the scarce graphical knowledge of the publishers and their non-recognition of the visual aspect as a valid expression of knowledge and of the design as a means for arousing the interest in learning and as a sales promotion tool. Amongst the biggest publishing houses in Brazil, Ática was the one that treated textbooks with the same graphic concerns it has had for its products aimed to a broader public, once it had embarked on the project of participating in the wider cultural production, responding to the demands of cultural and political scenes in that particular period the country was living in. Thus, Ática promoted the professionalization of graphic design in the schoolbook area by hiring designers and illustrators experienced in other media that were already developing languages that reached a diverse public. Considered as a way to conquer teachers and its students through their identification with its visual image, the book cover gained a significance that would generate an unseen renewal in the graphic design of schoolbooks and impelled Áticas competitors to do the same. The original graphical solutions introduced by Ary Normanha, with the collaboration of Mário Cafiero, would make the public experience meanings provided by the dialogues between visual language and verbal language, an outcome of a more comprehensive culture and learning. Besides their enhanced appeal and the cultural imagery they bring about, the book covers registered and analyzed herein show a moment when the design of the schoolbooks was of the same quality as the design found in other cultural media in Brazil.