Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2013. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2013-08-01T15:34:22Z No. of bitstreams: 1 2013_LisaMinariHargreaves.pdf: 7584805 bytes, checksum: c83e493cfdf95dc4132b6e11b4d6fb77 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-08-02T14:01:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_LisaMinariHargreaves.pdf: 7584805 bytes, checksum: c83e493cfdf95dc4132b6e11b4d6fb77 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-08-02T14:01:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_LisaMinariHargreaves.pdf: 7584805 bytes, checksum: c83e493cfdf95dc4132b6e11b4d6fb77 (MD5) / O tema desta tese é o estudo do açúcar e do banquete na história da arte no século XVI. A pesquisa realizada revelou a consolidação da função estética do açúcar, apontando para a criação de um espaço alimentar espetacular, que adotava o processo civilizatório à mesa como estratégia de distinção social. O banquete dos artefatos em açúcar materializava, assim, uma densa e ampla narrativa que instruía pedagogicamente os convidados a respeito de um passado que era continuamente reatualizado. Sob essa perspectiva, o papel dos artistas renascentistas tornou-se essencial, já que possibilitou a transformação dos artefatos comestíveis de açúcar em objetos de arte, legitimando seu significado nas mesas da corte e propiciando um tipo de produção que distinguia o indivíduo socialmente. A inspiração teórica inicial deve-se, assim, ao pensamento de Norbert Elias (O processo civilizador, 1994). Ao tomar a pintura renascentista como documento, por excelência, para demonstrar a função do alimento, e em especial da estética do açúcar, no processo civilizador, tornou-se necessário respaldar a análise iconográfica das obras de arte As bodas de Caná, de Paolo Veronese, A refeição de açúcar por ocasião do casamento de Johann Wilhelm, de Franz Hogenberg, e O banquete de açúcar na salle enchantée, em Binche, de artista anônimo, em Pierre Francastel, Erwin Panofsky e Aby Warburg. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / The theme of this thesis is the study of the sugar and the banquet in history of arte on the sixteenth century. The research revealed the esthetic consolidation of the function of sugar, pointing towards the creation of a spectacular space for food, which brought the civilization process to the table, as a strategy of social distinction. Thus the feast of the artifacts in sugar materialized a dense and extensive narrative that pedagogically instructed the guests about a past that was continually being updated. In this context, the role of the Renaissance artists became essential since it enabled the transformation of sugar artifacts into objects of art, legitimizing its meaning at the tables of the court and providing a type of production that distinguished the individual socially. The initial theoretical inspiration is due to the thoughts of Norbert Elias (Theory of civilizing processes, 1994). Taking a Renaissance painting as a document of excellence to demonstrate the function of food, especially aesthetic of sugar, in the civilizing process, it became necessary to support the iconographic analysis of the works of art “The wedding at Cana”, by Paolo Veronese, “The sugar meal on the occasion of the wedding of Johann Wilhelm”, by Franz Hogenberg, and “The sugar banquet in the enchanted room, in Binche”, by an anonymous artist, in Pierre Francastel, Erwin Panofsky and Aby Warburg.

Esta pesquisa propõe um levantamento e estudo da obra de Milton Kurtz (1951 - 1996), arquiteto e artista que desenvolveu sua técnica basicamente calcada no desenho, participando de grupos de artistas que promoveram um debate e uma efervescência cultural no Rio Grande do Sul no final dos anos 70 e inicio dos 80. O recorte principal está vinculado à presença de uma visualidade que denota sintonia com sua contemporaneidade e com a mídia de massa. Com referenciais nas histórias em quadrinhos, revistas, jornais, anúncios publicitários, cinema e televisão, que compõem sua coleção pessoal, Kurtz constrói uma obra com intensas aproximações ao espírito característico da Pop Art. A pesquisa propõe um levantamento destas aproximações, bem como o estudo de sua poética que apresenta forte viés erótico, explorando questões do corpo e revelando ambiguidades e dualidades ligadas tanto à bidimensionalidade quanto às questões de gênero. O presente estudo visa ainda, contribuir para o devido registro na história da arte no estado, não apenas da obra de Milton Kurtz, mas também do KVHR, grupo de artistas do qual participou ativamente desde novembro de 1977 a maio de 1980, junto com Julio Viega, Paulo Haeser e Mário Röhnelt. / This research proposes a survey and study the works of Milton Kurtz (1951 - 1996), architect and artist who developed his technique essentially based on drawing, participating in groups of artists that promoted a discussion and a cultural effervescence in state of Rio Grande do Sul in the final of the 70's and beginning of the 80's. The main bias is linked to the presence of a visuality that shows a link with his contemporary and the mass media. With references in comics, magazines, newspapers, advertisements, movies and television, making up his personal collection, Kurtz produced an intense work with verifiable approaches to the spirit characteristic of Pop Art. The research proposes a survey of these approaches, and the study of his poetic feature that shows a strong bias erotic, exploring issues of body and revealing ambiguities and dualities related to the bi-dimensionality and to the gender issues. This study also aims to contribute to the proper record in the history of art in the state, not just the work of Milton Kurtz, but also the KVHR, group of artists which participated actively since November 1977 to May 1980, with Julio Viega, Paulo Haeser and Mário Röhnelt.

A finalidade deste trabalho é estudar a gravura brasileira nas três décadas finais do século XIX a partir da produção crítica do escritor, jornalista, editor e historiador Félix Ferreira (Rio de Janeiro, 1841-1898). O foco do trabalho pauta-se na reflexão sobre a gravura tendo como ponto de partida a análise dos trabalhos desse autor que foram estudados durante a minha Iniciação Científica (2008-2010). Por meio da análise desses materiais de autoria de Félix Ferreira, localizados durante o período de pesquisa, notou-se forte preocupação do autor com a consolidação de um ensino artístico profissionalizante no Brasil que buscasse aliar a instrução teórica à prática, em contraposição ao ensino teórico intelectual de caráter humanístico e literário que então predominava nas instituições de ensino. Ele acreditava ser o Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro o ambiente adequado à concretização dessas aspirações, tendo em vista o desenvolvimento do que denominava \"artes aplicadas\", \"artes mecânicas\" ou \"artes industriais\". A questão da gravura é recorrente em seus textos, sempre defendendo o ensino das técnicas, incentivando sua prática e apontando a necessidade de áreas de formação por meio da criação de cadeiras dedicadas à gravura nas instituições de ensino. Destaca-se, nesse contexto, o projeto de Ferreira para a proliferação das publicações ilustradas, sobretudo aquelas destinadas aos temas artísticos e a difusão das obras de arte por meio da imagem gráfica. Tendo em vista todas essas questões, pretendo investigar as ligações do autor com o desenvolvimento da gravura no Rio de Janeiro nas décadas finais do século XIX. / This work intends to study the Brazilian engraving in the three last decades of the Nineteenth-Century, based on the comments of Félix Ferreira production, who was a journalist, editor and historiographer (Rio de Janeiro, 1841-1898). The focus of this work was directed to the reflection about the engraving development, based on the evaluation of the production work of this author which has been studied during my previous studies (2008-2010).Through the analysis of these materials, found during the research period, it was noticed a concern of the author with the consolidation of a professional art education in Brazil which aimed to combine the theoretical instruction to practice, as opposed to theoretical intellectual, humanistic and literary character that prevailed in educational institutions. Félix Ferreira believed that the School of Arts and Crafts of Rio de Janeiro was the appropriate environment for achieving these aspirations based on the development of what he called \"applied arts\", \"mechanical arts\" or \"industrial arts\". The issue of engraving is recurrent in his writings, always defending the teaching of techniques, encouraging their practice and indicating the need for training areas dedicated to engraving in educational institutions. In this context, the Ferreira\'s project for the spread of illustrated publications stands out, especially those intended for artistic themes and the propagation of works of art by the graphical image. Considering all these issues, I intend to investigate the author links with the development of engraving in Rio de Janeiro in the final decades of the nineteenth century

O objetivo deste trabalho é avaliar os diversos modos pelos quais o movimento surrealista foi percebido por artistas e escritores modernistas, entre as décadas de 1920 e 1940. Parte-se inicialmente da apresentação e discussão de documentos e bibliografia a respeito do discurso surrealista sobre arte e sua importância no contexto do movimento. Em seguida, com base em uma seleção de obras de artistas nacionais (Tarsila do Amaral, Cícero Dias, Ismael Nery, Jorge de Lima e Flávio de Carvalho), assim como de um conjunto de documentos (artigos, cartas, manifestos) produzidos no Brasil no período abordado, são analisadas as aproximações e distanciamentos entre os movimentos brasileiro e francês. Procurando evitar tanto um cotejamento mecânico, quanto a rotulação das obras analisadas como \"surrealistas\", empreende-se essa análise sem deixar de se discutir a inserção de cada artista no contexto dos debates artísticos e intelectuais nacionais do período. A partir dessa perspectiva metodológica, é possível observar como o eventual interesse de cada um pelo surrealismo surge mediado por outros, ligados àqueles debates. Desse modo, busca-se salientar a singularidade desse interesse e da forma objetiva que assumiu na produção de cada artista. / This work intends to survey the different ways by which the surrealist movement was perceived by Brazilian modernist artists and writers, between the 1920s and 1940s. It starts with a presentation and discussion of documents and bibliography about the surrealist discourse on art and its relevance in the context of the movement. Afterwards, based on a selection of works by five Brazilian artists (Tarsila do Amaral, Cícero Dias, Ismael Nery, Jorge de Lima and Flávio de Carvalho) together with a set of documents (articles, letters, manifestoes) produced in Brazil during the period studied, it analyses the approaches and detachments between the Brazilian and French movements. In order to avoid either a simplistic confrontation or labeling the works discussed \"surrealists\", the analysis is made without putting aside a discussion about the insertion of each artist in the context of artistic and intellectual local debates in the period. From this methodological perspective, it is possible to observe how the potential interest in the surrealism expressed by each artist appears mediated by other interests, affined to those debates. Thereby it underlines the singularity of that interest and the objective form it has assumed in the production of each artist

A presente pesquisa trata da formação da teoria da pintura durante o período das Seis Dinastias, que ocupa o período que vai do ano 229 ao ano 589 da era presente. São discutidos quatro teóricos principais: Gu Kaizhi, Zong Bing, Wang Wei e Xie He. Além disto, apresentamos uma tradução diretamente do chinês para os textos de cada um dos autores analisados. No decorrer de nossa análise tentaremos demonstrar os elos de continuidade existentes entre os diversos teóricos, baseando-nos nas evidências textuais. Além disto, enfatizaremos o fato de ser este o período em que se forma a teoria da pintura chinesa. O período inicial da história dessa teoria é o tema desta pesquisa / This research describes the development of the theory of painting during the Six Dynasties, which occupies the period from the 229 to 589 of the present era. We discuss four main theories: Gu Kaizhi, Zong Bing, Wang Wei and Xie He. Moreover, we present a direct translation from Chinese into the texts of each author studied. Throughout our analysis we will try to demonstrate the links of continuity between the various theorists, basing ourselves on the textual evidence. Moreover, we emphasize the fact that this is the period that forms a theory of Chinese painting. The initial period of the history of this theory is the subject of this research

A proposta desta dissertação é investigar o trabalho artístico de Tarsila do Amaral, sua obra plástica como também sua obra escrita. Esta pesquisa se propõe a compreender de que maneira sua pintura, elaborada como um desenho, com cores delimitadas por fios e imagens geometrizadas adquire uma dependência a uma narrativa de cunho literário. Tarsila do Amaral, pintora modernista, parece organizar os espaços em suas pinturas ao construir linhas, elaboradas cuidadosamente, imprimindo um aspecto aparentemente cerebral ao seu trabalho. Assim, partindo dessas duas formas de arte, imagem e texto, que dialogam entre si na obra da pintora, surgiu a necessidade de escrever a dissertação em forma de crônica. Ao longo da pesquisa este gênero literário demonstrou ser a forma mais adequada para lidar com o objeto de estudo, pois, escrever crônicas tendo como ponto de partida os quadros e textos de Tarsila do Amaral permitiu um olhar mais detalhado e demorado sobre sua obra, possibilitando também lidar com todos os aspectos de sua vida que tangenciaram sua arte. Parece importante perceber as influências estrangeiras em sua formação como pintora e sua busca por uma identidade como artista. Ressaltando o aspecto lúdico de sua obra, as crônicas a seguir buscam compreender como uma pintura racional pode gerar um resultado próximo a uma imagem infantil, especialmente no período Pau-Brasil. Já na fase Antropofágica, o foco de estudo se concentrou na tela Abaporu, em sua elaboração, inspiração e desdobramentos como movimento literário e artístico. Assim, vinte e uma crônicas proporcionam um panorama de aspectos relevantes na obra de Tarsila do Amaral desde o início de seus estudos de desenho até o período em que já recebia o devido reconhecimento por sua obra artística / The proposal of this dissertation is to investigate the artistic work of Tarsila do Amaral, both her plastic and written workmanship. This research intends to understand how her painting, elaborated as a drawing, with colors delimited by lines and geometrized images, acquires a dependence on a narrative of literary matrix. Tarsila do Amaral, modernist painter, seems to organize the spaces in her paintings when constructing lines, carefully elaborated, printing a cerebral aspect to her work. Therefore, from these two forms of art, image and text, which dialogue between them in the workmanship of the painter, the necessity of writing a dissertation in the chronicle form came out. This literary genre demonstrated to be the form that best adjusted to handle the study object throughout the research, thus writing chronicles having as a starting point Tarsila do Amarals pictures and texts allowed a more detailed and detained look at her workmanship, also making possible to treat all aspects of her life that touched her art. It seems important to realize the foreign influences on her formation as a painter and her search for an identity as an artist. Emphasizing the ludic aspect of her workmanship, the following chronicles seek to understand how a rational painting can produce a result close to a childish image, especially in the Pau-Brasil period. In the Anthropophagic phase, the focus of the study was especially concentrated on the Abaporu screen, on its elaboration, inspiration and unfoldings as literary and artistic movement. Accordingly, twenty one chronicles provide a panorama of the relevant aspects in the workmanship of Tarsila do Amaral since the beginning of her drawing studies until the period in which she has already received the right acknowledgment of her artistic work

A presente dissertação tem como objetivo propor uma via de acesso aos diários de Francis Pelichek que atualize as discussões acerca do estatuto deste objeto no contexto da história da arte no Rio Grande do Sul, retirando-o de sua posição estanque dentro da história. Cientes da heterogeneidade de seus registros e de sua condição simultânea de documento e obra de arte, propomos problematizar o objeto, tanto como obra como quanto documento e aproximá-lo da ideia de arquivo, tendo como horizonte as ideias de Michel Foucault e Jacques Derrida sobre o termo “arquivo”. Para tanto, faz-se necessária uma profunda análise dos registros que compõem os diários, bem como a articulação entre o objeto e os arquivos pessoais de Pelichek, a partir da pesquisa de campo no Arquivo Histórico do Instituto de Artes da UFRGS. Buscamos, ao final deste trabalho, ao menos ter estabelecido questões de base para futuras análises dos diários sob diferentes pontos de vista e esperamos que nosso empenho em movimentar este objeto possibilite maiores aprofundamentos sobre cada um de seus elementos de registro. / This dissertation aims to propose a means of access to the diaries of Francis Pelichek which updates discussions concerning the status of this object in the context of art history in Rio Grande do Sul, removing it from its sealed position within history. Aware of the heterogeneity of its records and its simultaneous condition of document and work of art, we propose to problematize the object, as much as a work of art and document and bring it closer to the idea of file, having as horizon the ideas of Michel Foucault and Jacques Derrida on the term "file". Therefore, it is necessary a deep analysis of the records that compose the diaries, as well as the link between the object and the personal archives of Pelichek, from field research at the Historical Archive of the Art Institute of UFRGS. We seek, at the end of this work, at least to have established a basis for future diaries’ analysis from different points of view and we hope that our efforts to move this object enable more insights on each of its elements of record.

Propõe-se, através de uma investigação em estética comparada, identificar elementos e obras musicais que correspondam ao conceito e à poética cubista de expressão artística. Para tanto, busca-se, inicialmente, o estabelecimento de um vocabulário mais amplo e, sobretudo, mais preciso para traçar equivalências entre a pintura, uma arte do espaço (Raumkunst), e a música, uma arte do tempo (Zeitkunst), desfazendo equívocos e possibilitando um ponto de encontro entre ambas as linguagens artísticas no plano da linguagem verbal. Em seguida, estudam-se, sob o ponto de vista musical, os principais elementos da poética cubista (figuratividade representacional, pluriperspectividade, abordagem metonímica, simultaneidade, formalismo e peculiar relação frente-fundo) para, finalmente, analisarem-se movimentos e obras musicais que forneçam subsídios e demonstrações à tese. / The present essay is an investigation in compared aesthetics aiming at identifying elements and musical works corresponding to the concept and poetics of cubistic artistic expression. In order to achieve the mentioned purpose it attempts at setting a broader and more precise vocabulary able to allow equivalences between painting, an art developed through the space (Raumkunst) and music, an art developed through the time (Zeitkunst), avoiding misuses and making possible a summit at the realm of verbal language. Next to this, the main cubistic elements are studied through the musical point of view (representational figurativeness, pluriperspectiveness, metonymical approach, simultaneity, formalism and a peculiar front-back relationship). Last but not least, musical movements and works are analyzed, offering subsidies and demonstration to the thesis.

O presente trabalho busca apresentar a obra de Winckelmann num amplo recorte de textos que contribuem para que vejamos a unidade de seus trabalhos; indicando os avanços dados pelo autor desde os primeiros escritos até a sua obra mais acabada, a História da arte da antiguidade (Geschichte der Kunst des Altertums). A abordagem dos textos aqui selecionados visa apresentar a estruturação do pensamento de Winckelmann desde suas obras seminais até o seu ponto de maior contração conceitual. Esse caminho, a despeito de mudanças e progressos, nos mostra um crescimento, em boa parte coerente, da visão das artes e dos conceitos que dela são extraídos, na medida em que crescem os objetos contemplados. Visamos apresentar a formação de uma história que é, em grande parte, estética e que transfere a carga conceitual daquilo que se pode pensar como a ideia para o modelo plasmado da arte grega. Dos primeiros textos do autor à sua principal obra, o trajeto em direção à antiguidade vai trazer à tona questões que foram fundamentais para a disciplina filosófica da estética. Vemos formarem-se estruturas de abordagem da arte e de sua história que serão sempre subsidiárias da relação direta com o objeto. É na leitura de textos que melhor apresentam esse trajeto que se expõe a formação de um modo de operar que consegue extrair conceitos da obra de arte e suas consequências que baseamos o todo desse trabalho. Sua história, em sendo uma estética, teve desdobramentos dos mais diversos e marcou o debate que relacionava as artes com a filosofia e a história no século XVIII. / This thesis is an enquiry of Winckelmanns works that aims to the presentation of the structures of seeing that had arose as an approach to the works of art and that became the conceptual basis of a history of art that is in fact an aesthetical construction. From his first works, that had been written when the author was a librarian at Nöthnitz to the main works of the roman period, we tried to show a path that is to be thought as attached to the work of art, a contemplation of the arts that does not make great moves without the direct experience of beauty. Beauty comes from the transcendence of a norm to be embodied in the immanence of some works of ancient art that have reached the conceptual beauty in the materiality of the earthly world. The way of doing that, has been constructed, with a surprisingly coherence of some aspects of his theory and with some paradigm changes around the possibilities of seeing. In the major work History of the art of antiquity the tools that were to be acquired in a sort of relationship with the arts of the past that allows the spectator to see towards the embodied surface of the work of art are linked to a dynamics of historical possibilities that arose in the internal movements of societies but the criteria that elects the works is always to be thought as an aesthetic movement. Winckelmann, as an art thinker, established some movements of seeing and concepts that were in the basis of the newborn discipline of aesthetics. His history is as an aesthetics in form of history, and the consequences of that were proliferous, as can be seen in the flourishing debates of the binding of art, philosophy and history in the end of the eighteenth century.

A presente dissertação tem como objetivo propor uma via de acesso aos diários de Francis Pelichek que atualize as discussões acerca do estatuto deste objeto no contexto da história da arte no Rio Grande do Sul, retirando-o de sua posição estanque dentro da história. Cientes da heterogeneidade de seus registros e de sua condição simultânea de documento e obra de arte, propomos problematizar o objeto, tanto como obra como quanto documento e aproximá-lo da ideia de arquivo, tendo como horizonte as ideias de Michel Foucault e Jacques Derrida sobre o termo “arquivo”. Para tanto, faz-se necessária uma profunda análise dos registros que compõem os diários, bem como a articulação entre o objeto e os arquivos pessoais de Pelichek, a partir da pesquisa de campo no Arquivo Histórico do Instituto de Artes da UFRGS. Buscamos, ao final deste trabalho, ao menos ter estabelecido questões de base para futuras análises dos diários sob diferentes pontos de vista e esperamos que nosso empenho em movimentar este objeto possibilite maiores aprofundamentos sobre cada um de seus elementos de registro. / This dissertation aims to propose a means of access to the diaries of Francis Pelichek which updates discussions concerning the status of this object in the context of art history in Rio Grande do Sul, removing it from its sealed position within history. Aware of the heterogeneity of its records and its simultaneous condition of document and work of art, we propose to problematize the object, as much as a work of art and document and bring it closer to the idea of file, having as horizon the ideas of Michel Foucault and Jacques Derrida on the term "file". Therefore, it is necessary a deep analysis of the records that compose the diaries, as well as the link between the object and the personal archives of Pelichek, from field research at the Historical Archive of the Art Institute of UFRGS. We seek, at the end of this work, at least to have established a basis for future diaries’ analysis from different points of view and we hope that our efforts to move this object enable more insights on each of its elements of record.