Robert Macaire apparaît en 1823 dans le mélodrame L’Auberge des Adrets sur la scène du Théâtre de l’Ambigu-Comique. Cette pièce marque l’histoire du mélodrame grâce à l’interprétation qu’en fait Frédérick Lemaître. Il crée un costume extravagant et improvise sur scène, transformant alors ce personnage secondaire en héros. Notre thèse met en lumière les modifications apportées dans l’oeuvre initiale grâce au jeu du comédien et recontextualise l’histoire des premières représentations. Le personnage apparaît de nouveau en 1834 dans Robert Macaire. Il devient un témoin emblématique des travers de la société de l’époque et héraut des contestations sociales et politiques de la monarchie de Juillet. Le succès est tel que le personnage réapparaît dans de nombreuses suites et avatars, donnant naissance au « macairisme ». Il s’attire ainsi les foudres de la censure. Au-delà du théâtre, il se transpose dans les caricatures et la littérature, devenant une figure archétypale et mythique. Il reste néanmoins fortement attaché à Frédérick Lemaître avec lequel il constitue un couple symbiotique justifiant l’analyse de l’impact du comédien dans la transfiguration du personnage de théâtre en un type social médiatisé. À travers cette étude, nous analysons le succès de Robert Macaire et les différentes utilisations du personnage et de ses implications politiques afin de comprendre comment et pourquoi ce personnage théâtral est devenu type social. Aborder la question de Robert Macaire à travers le couple qu’il forme avec Frédérick Lemaître permet d’interroger les véritables enjeux de l’esthétique macairienne dans l’affirmation du théâtre populaire. / Robert Macaire appears in 1823 in L’Auberge des Adrets melodrama on the stage of the L’Ambigu-Comique Theater. This play celebrates the melodrama’s history, thanks to the interpretation created by Frédérick Lemaître. He creates an extravagant costume and improvises on stage, transforming this secondary character in heroe. Our thesis highlights changes in the initial work through the actor’s play and re-contextualizes the history of the firsts performances. The character appears again in 1834 in Robert Macaire. He became an emblematic witness of the society of that time and herald for the social and political challenges of the “monarchie de Juillet”. Due to the success, the character reappears in many suites and avatars giving birth to the “Macairisme”. He thus, attracted the wrath of censorship. Beyond the theatre, he transfers in cartoons and literature, thus becoming an archetypal and mythic figure. Nevertheless, he remains strongly attached to Frédérick Lemaître with whom he creates a symbiotic couple justifying the study of the impact of the comedian in the transfiguration of the theatre in a publicized social type character. Through this study, we do analyze the success of Robert Macaire and the different uses of the character and its political implications in order to understand how and why this theatrical character has become a social type. Addressing the issue of Robert Macaire through the couple formed with Frédérick Lemaître, allows querying the real issues of “the macairienne esthetic” in the claim of the popular theatr

Jin Ping Mei 金瓶梅, œuvre controversée dès son apparition à la fin du XVIe siècle, fut très tôt reconnue comme une des œuvres phare du roman chinois en langue vulgaire, notamment par Feng Menglong 馮夢龍 (1574-1646) qui le désigna comme un des Si da qishu 四 大奇書 (Quatre grands livres extraordinaires). De nombreux mystères à son sujet restent encore débattus aujourd’hui, parmi lesquels l’identité de son auteur, l’authenticité de ses éditions, ou les interprétations possibles de ce roman. La réputation exécrable dont il continue de souffrir en Chine continentale ne l’a pas empêché de susciter l’intérêt des premiers sinologues français et anglais et ceci dès 1816. En prenant pour point de départ une analyse des sources et une synthèse des hypothèses en cours concernant Jin Ping Mei et ses interprétations, notre thèse fera le point sur toutes les adaptations et traductions en anglais et en français de l’ouvrage, notamment en mettant en parallèle les deux meilleures traductions intégrales dont nous disposons actuellement, à savoir en français, celle d’André Lévy (1985), et en anglais, celle de David Tod Roy (de 1993 à 2013). Cette confrontation nous permettra de distinguer les différentes interprétations de l’ouvrage retenues par les traducteurs, et d’exposer les stratégies mises en place par eux pour le traduire. Un aspect crucial de notre travail consistera à souligner dans notre critique les positions interprétatives des traducteurs, et le potentiel interprétatif qui résulte de leurs choix. Loin de vouloir appliquer à ces traductions un jugement de valeur, nous espérons au contraire offrir une meilleure compréhension de la profondeur de cette œuvre si complexe et controversée. / Jin Ping Mei 金瓶梅, one of the greatest masterpieces of the vernacular Chinese fiction, faced controversy ever since it appeared at the end of the 16th century. Scholars like Feng Menglong馮夢龍 (1574-1646) recognized the novel to be exceptional early on, placing it amongst the Si da qishu 四大奇書 (Four Masterworks of the Ming Novel). However, there still is a halo of unresolved mysteries around Jin Ping Mei, despite the fact that it has been the focal point of numerous studies. Some questions remain unsolved, such as the identity of its author, the authenticity of its editions, or its possible interpretations. Despite the bad reputation that the novel still suffers from in mainland China, its raised the interest from French and English sinologists as soon as 1816. Ever since, the novel has been the subject of partial translations and adaptations highly perfectible. Starting with an analysis of the sources and a synthesis of current hypothesis about the book and its interpretations, our thesis will then focus on all the adaptations and translations of the novel in English and in French, to ultimately confront the two best integral translations available to that day, namely André Lévy’s (1985) and David Tod Roy’s (1993 to 2013). This confrontation will allow us to distinguish the interpretations that translators had of the novel, and to expose the strategies they resorted to. A crucial part of our work will be to underline the interpretative positions of both translators, and the interpretative potential that results from their choices. Our goal is not to judge of the value of said translations, but rather to offer a better understanding of the depth of Jin Ping Mei. / 自十六世紀末問世以來，《金瓶梅》一直都是一部有爭議的作品。作為一部中國古代通俗長篇小說的著作，以及被馮夢龍稱為“四大奇書”之一，《金瓶梅》至今為止仍存在許多未解之謎。雖然對作品的相關研究日漸增多，但是關於作者的身份、版本以及對作品的闡釋等問題尚未達成共識。直至今日，《金瓶梅》在中國仍臭名昭著，但是這並不妨礙它在國外的流傳。早至1816 年，這部作品便引起了法國第一位漢學家的注意。兩個世紀以來，在法國紛紛出現了各種選段翻譯、改寫以及問題種種的不完整的法譯本。同樣，《金瓶梅》在英美國家的傳播之路也是漫長而艱難。該論文首先對《金瓶梅》的文學特色以及作品闡釋的問題進行相關探討，然後對《金瓶梅》所有翻譯和改寫的法譯本和英譯本進行研究，特別是對該作品的兩個完整的法譯本(André Lévy 雷威安 1985 年譯成)和英譯本(David TodRoy 苪效衛 1993 年至2013 年五卷本) 進行對比研究。通過對這些譯本的研究，我們能深入地了解譯者對作品的闡釋，他們採用的翻譯策略，以及他們譯本的優劣性。該論文的研究重點是譯者對作品闡釋的主體性，以及他們的翻譯策略給譯本讀者對原著理解帶來的影響。我們的研究並不是為了對譯本進行質量的評估，而是通過對譯本的研究來讓我們對《金瓶梅》這一複雜而極具爭議的作品有更深層的了解。

À succès, populaire, formidable, sont quelques adjectifs qui entourent le nom de la La Negra Ester. Sûrement nous sommes en présence d'une des pièces théâtrales les plus emblématiques de l'histoire de la scène chilienne et qui constitue un point de repère immanquable. La Negra Ester (1988), du poète chilien Roberto Parra, raconte une histoire d'amour typique: un ivrogne qui tombe amoureux d'une prostitué. Cependant, le récit prend un certaine écart, parce qu'il s'agit d'un épisode autobiographique de l'auteur. Écrite en vers et avec un langage populaire rempli des chilinismes; l'oeuvre, atteint un style différent des autres pièces de cette époque là. Également, le metteur en scène, Andrés Pérez, un homme de théâtre reconnu, a su incorporer ses connaissances en théâtre populaire, en kathakali et en techniques du cirque, pour rendre vie à l'histoire de Roberto et Ester. Tous ces éléments ont contribués à l'originalité de la pièce. Pourquoi autant de succès? Et quelle a été clef de cette réussite? Une étude théâtrologique de la pièce, c'est à dire, une analyse textuelle et une analyse visuelle de la mise en scène, nous servira comme outil pour s'approcher à ce succès artistique chilien.

Ce mémoire s’articule en deux parties. En ce qui concerne la première, il s’agit de fournir une nouvelle transcription ponctuée du manuscrit BnF NAF 1943, unique témoin, datant de la fin du XIVe siècle, du Roman d’Eledus et Serene. Ce manuscrit n’a été édité qu’une seule fois, en 1923, dans une thèse de John Revell Reinhard comportant plusieurs lacunes et présentant un apparat critique restreint. La seconde partie consiste en une étude générique du Roman d’Eledus et Serene. Bien que ce texte figure traditionnellement dans les listes de romans idylliques médiévaux, aucune étude ne s’est encore employée à statuer sur la légitimité de ce classement. Le genre même du roman idyllique est peu connu, même au sein de la communauté médiéviste, et est encore mal défini. Une première définition, que les critiques s’accordent à qualifier de « dépassée », a été établie en 1913 par Myrrha Lot-Borodine dans son ouvrage Le roman idyllique au Moyen Âge. Depuis lors, bien que plusieurs altérations ponctuelles aient été apportées à cette définition d’origine, aucun travail critique ne s’est encore penché sur l’élaboration d’une nouvelle définition du genre. Ce mémoire s’emploie donc à compiler les caractéristiques génériques qui ont été associées au roman idyllique médiéval par la critique, en diachronie, pour en établir une nouvelle définition, aussi complète et opératoire que possible. Finalement, une analyse du Roman d’Eledus et Serene à la lumière de cette définition et en fonction d’autres témoins du corpus idyllique vise à légitimer son appartenance au genre.

Ce mémoire propose une analyse des possibles fictifs des femmes matures et des adolescentes dans quatre romans préféministes québécois de la décennie 1960 : Le temps des jeux (1961) de Diane Giguère, Les remparts de Québec (1964) d’Andrée Maillet, Dis-moi que je vis (1964) de Michèle Mailhot et La saison de l’inconfort (1968) de Paule Saint-Onge. Ce corpus, qui n'a été que très peu étudié, couvre bien l’ensemble de la décennie et il présente différents personnages féminins : une adolescente illégitime, une adolescente née au sein d’un mariage bourgeois, une épouse sans enfant et une mère mariée. Ainsi, nous pouvons mieux cartographier le préféminisme, soit le moment où les femmes fictives désirent s’émanciper du système patriarcal en se posant comme sujet autonome du discours et non comme l’objet de celui-ci, tel qu’il s’exprime dans le roman des femmes. L’analyse décortique trois types de relation (à la famille, à l’homme et à soi), afin de répondre à la problématique suivante : comment, dans la littérature préféministe des années1960, les figures féminines, adultes ou adolescentes, extériorisent-elles leur mal-être sans parvenir à l’atténuer dans les relations qu’elles tissent tout au long de leur récit ? La perspective de ces romans préféministes est ainsi renouvelée, car les relations à la famille età l’homme ont déjà été étudiées dans des travaux antérieurs (Boisclair; Brown; Gaudreau; Saint-Martin), mais la relation la plus intime, celle à soi, et les figures d’adolescentes constituent les angles morts des précédentes recherches. Voici quelques thèmes liés à la condition féminine que nous étudions afin de comprendre le tracé d’une crise qui passe par la résignation et se termine dans l’espérance :la maternité, la sexualité, la violence conjugale, l’éducation, la mystique féminine et l’amitié entre femmes. Nous pouvons ainsi mieux comprendre les possibles et les écueils du préféminisme littéraire.

La critique des littératures francophones du Canada s'est longtemps nourrie de paradoxes. Se fondant d'abord sur les concepts de « littérature mineure » (Gilles Deleuze et Félix Guattari, Kafka. Pour une littérature mineure, 1975) et, dans une plus large mesure, de « littératures de l'exiguïté » (François Paré, Les littératures de l'exiguïté, 1992), elle s'est employée, à partir de la fin des années 1980 et du début des années 1990, à fonder un discours qui structurera essentiellement le champ des littératures francophones minoritaires autour de la notion d'identité. Cette littérature tournée vers sa spécificité vient toutefois occulter une partie importante de la production littéraire issue des francophonies du Canada qui est davantage orientée vers l'universalité. Cette thèse s'intéresse à l'interstice, à l'espace qui rend possible la conjugaison entre les réalités binaires qui caractérisent souvent les littératures francophones du Canada, à savoir leur appartenance à une exiguïté socioculturelle constitutive, d'une part, et leur aspiration à l'universalité érigée par la pratique de l'écriture, d'autre part. Pour rendre compte de l'articulation entre la conscience et l'oubli, entre le particularisme et l'universalisme à l'œuvre dans ces littératures, nous introduisons ici la notion de concomitance, qui apparaît comme une voie de lecture qui ambitionne de concilier les différences plutôt qu'une approche théorique à proprement parler. La concomitance se manifeste de différentes façons dans la production littéraire francophone du Canada, mais sa présence est particulièrement éloquente dans l'œuvre de certains auteurs, dont J. R. Léveillé (littératures francophones de l'Ouest canadien), Andrée Christensen (littérature franco-ontarienne), Serge Patrice Thibodeau (littérature acadienne) et Suzanne Jacob (littérature québécoise). C'est notamment à travers l'étude des stratégies discursives, des procédés et des mécanismes déployés dans la poésie de ces auteurs -poésie qui constitue « le langage même des marginalités », selon une expression de François Paré - que se révéleront les différentes expressions de la concomitance dans les littératures francophones du Canada.

Ce mémoire porte sur le roman Je suis un écrivain japonais de Dany Laferrière, paru en 2008. Les ressorts de l'autofiction sont les principaux enjeux ciblés. C'est au caractère ambigu de Je suis un écrivain japonais que se consacre cette étude. Cette ambiguïté semble d'ailleurs liée au double statut du texte partagé entre le fictionnel et le biographique. Autre modalité qui retient également notre attention : le rapport qu'entretient ce roman avec le concept de vraisemblance, concept sur lequel s'est penchée Cécile Cavillac. Sans pour autant que l'on puisse déterminer d'emblée l'appartenance de l'œuvre aux registres de l'insolite (le merveilleux et le fantastique), le texte est parsemé d'effets d'étrangeté. Les passages insolites ne sont pas sans rappeler les récits borgésiens qui, par ailleurs, invitent à une lecture métaphorique de l'œuvre laferrienne, surconsciente de son caractère construit et fabulatoire. Le mémoire se consacre donc à l'étude de l'autofiction mais plus globalement à la fiction comme paradigme, analysée pour témoigner de la représentation de soi au sein d'une œuvre située sur le seuil du roman, de l'autobiographie et de l'autofiction.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2012-2013. / Ce mémoire de maîtrise se divise en deux parties : la première est constituée d'une traduction du traité De rhetorica, un traité du IVe siècle ap. J.-C. attribué au Pseudo-Augustin, et la seconde propose une étude de certaines notions présentées dans ce traité. L'étude a deux objectifs, le premier est de faire la lumière sur la question très débattue de l'authenticité ; le second est d'approfondir certaines notions et de faire le lien avec la pensée d'Augustin contenue dans son De doctrina christiana. L'analyse des notions centrales au De rhetorica, c'est-à-dire les quaestiones ciuiles, les états de cause, la controuersia et finalement Yintellectio, vise à montrer comment la rhétorique du IVe siècle, fortement influencée par le milieu intellectuel et culturel, particulièrement philosophique, a transformé la façon de concevoir la parole. Augustin, lui-même très influencé par ce courant philosophique, a également inclus ces notions dans son De doctrina christiana.

Joseph Vézina (1849-1924) est l'un des premiers musiciens canadiens à tenter de définir l'identité de sa nation, qu'il veut avant tout française et catholique, par ses compositions. Son nationalisme est à l'image de celui que prône la bourgeoisie socioculturelle de la ville de Québec à la fin du dix-neuvième siècle, soit un nationalisme culturel s'accommodant généralement bien des nationalismes politiques concurrents en Amérique du Nord. Le choix de l'orchestre à vent pour affirmer la nation canadienne est motivé en bonne partie par les nombreuses fonctions attribuées à cette formation musicale et par la facilité avec laquelle il permet de concilier une écriture ouvertement patriotique à une écriture plus intime. Loin de diminuer le nationalisme d'une oeuvre, l'expression individuelle du compositeur (on parlera de son romantisme) lui permet au contraire de tenir un discours identitaire plus éloquent. Vézina développe un style inspiré par les traditions musicales latines en général et françaises en particulier, avec plusieurs nuances d'origines locales, britanniques et étatsuniennes, à la fois pour se distinguer et pour intégrer dans une certaine mesure le nationalisme politique de la Confédération canadienne.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2010-2011 / Les romans de l'auteure autrichienne Elfriede Jelinek sont souvent le lieu d'une présence énonciative très marquée. L'instance narrative, dont la présence devient un des principes mêmes de l'économie du texte, se manifeste constamment par des commentaires, des réflexions et des jugements sur l'histoire qu'elle raconte. Prenant appui sur deux romans de Jelinek (Lust et Avidité. Roman de divertissement), ce mémoire a pour objectif d'étudier les effets de cette forte présence subjective sur l'instauration et la problématisation de l'autorité de la voix narrative. Cette étude montre également dans quelle mesure le concept d'autorité narrative peut être intéressant pour analyser une oeuvre comme celle de Jelinek, où l'instance narrative qui s'avère très autoritaire serait, sur le plan discursif, le corollaire de tous ces personnages dominateurs qui peuplent l'univers de la récipiendaire du prix Nobel de littérature de 2004.