Ce mémoire propose l’analyse de chansons extraites du diptyque Want (formé des albums Want One et Want Two), de l’auteur-compositeur-interprète Rufus Wainwright, en regard des relations entre l’énonciateur et l’espace. La notion d’oscillation spatiale, définie en introduction, est au cœur de la situation de l’énonciateur et se déploie sous de multiples formes dans les cinq chansons à l’étude. « Oh What a World » et « I Don’t Know What It Is » sur Want One, « Hometown Waltz », « Memphis Skyline » et « Old Whore’s Diet » sur Want Two, ont été choisies pour la façon dont la relation à l’espace y agit de même que pour leur emplacement dans l’ensemble. La position de l’énonciateur mise en évidence dans chaque analyse s’inscrit au sein d’un parcours, que l’étude préliminaire du paratexte des albums aura d’ailleurs mis en évidence. / In this dissertation are analysed five songs from the singer-songwriter Rufus Wainwright’s diptych Want (composed of Want One and Want Two), with regards to the relationship between the protagonist of the songs and the space. The notion of « spatial oscillation », of which a definition is given in the introduction, is central to the protagonist’s conflicting state and adopts various forms in the five songs analysed. « Oh What a World » and « I Don’t Know What It Is » on Want One, « Hometown Waltz », « Memphis Skyline » and « Old Whore’s Diet » on Want Two, have been selected for the way in which they deal with spatial relations, as well as for their location in the diptych. The protagonist’s position, highlighted in the five analyses, evolves throughout the diptych ; the preliminary analysis of the paratextual apparatus underlines this progression.

Ce mémoire a pour but de mettre à jour les conditions d’émergence du film noir états unisien. Il mobilise des approches multiples, dont celles qui ont été proposées par Michèle Lagny dans son ouvrage intitulé De l’Histoire du cinéma : méthode historique et histoire du cinéma. Les conditions socioéconomiques des États-Unis ont été explorées, de même que l’industrie cinématographique des années 1940 et 1950. Se sont ajoutées des considérations thématiques et esthétiques susceptibles de révéler le caractère contre-culturel du film noir. Les conditions d’émergence et le caractère contre-culturel de trois mouvements européens, dont l’expressionnisme allemand, le réalisme poétique français et le néoréalisme italien, ont préalablement été étudiés. De cette manière, il a été possible de tisser une toile qui permet de comprendre en quoi les manifestations contre-culturelles au cinéma sont facilitées par un climat de crise. / Using an historical approach inspired by Michèle Lagny in her book De l’Histoire du cinéma : méthode historique et histoire du cinema, this thesis’s goal is to explore the context in which American film noir was born and how it is an example of counter-culture. In order to achieve this goal, the socioeconominal portrait of the 1940-50s United States of America was drawned, the state of the film industry of the same period was looked at and a thematic and aestethic study of film noir was done. The contexts and the counter-cultural nature of three European movements of the same period, German expressionism, French poetic realism and Italian neorealism, were initially studied. This way, it was possible to understand how counter-cultural manifestations are facilitated by a climate of crisis.

Deux faits sont observables lorsque l'on considère les femmes dans l'histoire de la poésie au Québec : elles sont très peu présentes au sein du récit historique et leur trajectoire sont majoritairement interrompues (abandons de l'écriture et silences littéraires prolongés). Partant du postulat selon lequel il existe un lien d'interdépendance entre la discontinuité des trajectoires poétiques féminines et leur faible présence dans l'historiographie, cette thèse cherche à éclairer les conditions sociologiques et formelles qui ont nui à l'inscription des nombreux parcours poétiques féminins interrompus dans le discours historique entre 1903 et 1968. La majorité des femmes poètes semblent échapper au discours historique tant à cause de leur façon de se positionner dans le champ littéraire que dans leur manière de reconfigurer le partage du sensible dans leur oeuvre. En ce sens, le motif de la discontinuité s'inscrirait tout à la fois dans la trajectoire et dans les textes. À l'aide des outils que propose la sociologie de la littérature (Pierre Bourdieu) et s'inspirant de la notion de posture (Jérôme Meizoz), cette thèse examine les trajectoires de femmes poètes ainsi que leur production poétique comme deux versants d'une posture de la discontinuité. Cette posture est finalement confrontée à la réception de l'oeuvre afin d'en saisir la fortune. S'ouvrant à l'orée du XXe siècle, avec la parution des premiers recueils de poésie écrits par des femmes, cette étude s'arrête au seuil de la remise en question féministe et militante des années soixante-dix. À travers l'étude de ce corpus, on apprend que les oeuvres étudiées contribuent à façonner et reflètent des postures de femmes poètes qui, bien souvent, mettent en évidence la difficulté à écrire et à s'affirmer comme sujet. Reflétant cette difficulté, la forme des recueils étudiés est souvent hétérogène : la poésie cherche à s'apparenter à des genres naturellement réservés aux femmes (genres de l'intime) et appelle un destinataire. Loin d'une insoumission au discours dominant on remarque des formes d'hétéronomie caractéristique d'un inconfort existentiel. Bel et bien marqués au sceau d'une discontinuité ces textes prolongent une position sociologique et participent avec elle à forger une posture qui porte en elle les germes de l'abandon littéraire. La réception de ces oeuvres à tendance à passer outre la réalité féminine telle que posée par la poésie et ainsi ne réalise pas le rêve formulé dans le texte. Ceci a pour effet de provoquer un repli définitif de la femme poète sur elle-même. L'interruption de la trajectoire poétique est généralement le résultat d'un manque d'appui et de réseau, ainsi que le fruit d'un investissement non exclusif dans la carrière poétique. Grâce à leur position sociale privilégiée, celles qui envisagent dès leur jeunesse la carrière poétique/littéraire comme telle et abordent franchement la poésie (sans mélange générique) arrivent à se créer une place. En outre, durant ces décennies, deux alternatives s'offrent aux femmes pour justifier la professionnalisation de l'écriture : la voie des arts et, dans le meilleur des cas, la « vocation » littéraire. Il faut attendre la fin des années 1940 pour qu'adviennent des vocations autonomes. Celles-ci marquent une mutation sociale qui s'affirmera avec le temps.

« Nous croyons que la poésie des années 1970 à 1980 au Québec s'inscrit dans la continuité d'une poésie plus ancienne, c'est-à-dire celle des années 1950 à 1970, qui fut, quant à elle, scrutée par les critiques d'une façon plus systématique. Nous concentrerons notre attention sur les poètes plus récents, ceux des années 1970 à 1980. Cependant, comme il nous est impossible de tout retenir, nous en avons choisi trois qui sont plus particulièrement significatifs. La question que nous posons aux trois poètes retenus est la suivante: comment des poètes contemporains québécois résolvent-ils l'opposition fondamentale formée à partir de la conscience de chacun et le monde (plus précisément la société) qui les entoure? Comment chaque individu parvient-il à vivre avec son moi profond et la collectivité qui, souvent, le brime? Voilà l'interrogation de base qui nous guidera dans notre étude. Le corpus littéraire de la poésie étant beaucoup trop vaste présentement, nous avons dû nous limiter à l'étude de trois poètes seulement. Pourquoi? Question d'espace. Nous avons donc choisi Pierre Laberge, Alexis Lefrançois et Geneviève Amyot. Le choix de ces trois poètes est justifiable en raison de l'évidence d'un cheminement dans leurs écrits, dont témoignent le nombre et l'importance des recueils publiés (7, 4, 4 recueils respectivement) et la personnalité bien marquée de chacun de ces recueils. Il est sûr toutefois que nous aurions pu choisir d'autres poètes contemporains, puisque l'opposition semble être assez évidente chez nombre d'auteurs. Cependant, outre le cheminement qu'on perçoit dans leurs écrits, les poètes choisis réagissent très différemment à la problématique de base qui est ressentie avec autant d'acuité chez l'un que chez l'autre. C'est précisément pour cette raison que notre choix s'est porté sur ceux-ci. Le but de notre travail est donc de trouver comment chacun des trois poètes réagit devant l'opposition entre le monde et le moi intérieur. Il s'agit pour nous de voir comment se manifeste cette opposition et comment chaque poète en est conscient. Et parce que la souffrance naît de cette opposition, chaque poète tentera d'atténuer ce sentiment d'inconfort. Se creuse alors une distance entre l'univers extérieur, formé principalement par la société qui l'encercle. Une façon d'exorciser la souffrance qui en résulte est la volonté de dire les choses, l'acte de la parole, qui révèle la tragédie de chaque auteur. Saisir la conscience qui anime chaque auteur équivaut à comprendre le combat entre le quotidien banal et la recherche d'un lieu qui permettrait une possible résolution des conflits. C'est ce que nous tenterons de faire. La méthode que nous utiliserons pour saisir l'opposition entre l'intériorité du poète et l'univers extérieur consistera principalement en une étude des phénomènes en cause. Il s'agira pour nous de décrire les réseaux d'images qui surgissent dans les oeuvres à l'étude et de voir comment ceux-ci s'organisent. De la sorte, il sera facile de cerner la conscience chez chaque poète. L'analyse du retentissement de l'image, comme si chaque image engendrait un effet de retour et créait une globalité, fait saisir au lecteur le drame de chaque conscience. Nous tenterons donc de démontrer que, derrière la thématique, existe une orientation permettant au lecteur de voir comment se manifeste cette opposition. Notre travail portera essentiellement sur la découverte de la thématique chez chaque poète retenu. Nous tenterons de manifester cette opposition entre les mondes intérieur et extérieur en nous servant de la méthode thématique d'abord, puis de la phénoménologie ensuite. De la thématique d'abord, afin de suivre, au niveau des mots et des images, le parcours emprunté par chacun des poètes. Deuxièmement, nous tenterons de saisir le parcours sous-entendu de la conscience elle-même qui se dévoile au fur et à mesure que se tisse le réseau thématique. La conscience est donc révélée par les mots et les images et engendre finalement un univers particulier à chaque poète. Il s'agit pour nous de cerner le parcours de chaque auteur par la thématique et de voir comment la conscience de l'opposition se manifeste en analysant cette thématique. L'intérêt est dû principalement à ce que les poètes choisis n'ont à peu près pas été étudiés en profondeur. Mis à part quelques écrits dans les revues spécialisées, il n'existe, à notre connaissance, aucune étude s'intéressant aux auteurs choisis. Le phénomène de la jeune poésie québécoise demeure un champ de recherche négligé, pour ne pas dire ignoré. En effet, nous avons constaté que le phénomène de la jeune poésie québécoise, tout récent, est en voie d'existence et que, en conséquence, les études s'y rapportant sont succinctes. Nous avons la certitude que notre étude comble en partie, si minime soit-elle, un vide dans l'ensemble des écrits sur la littérature québécoise. Nous formulons le souhait que notre démarche puisse servir de référence aux étudiants et professeurs intéressés à cette nouvelle manifestation. »--Pages 1-4

350081\u Prenant pour point de départ l’idée de mener une «recherche du temps perdu» par un emploi filmique de la photographie, cette thèse présente la progression d’un processus de recherche-création dont résulte le film Les Épaves scintillantes. L’ensemble réflexif se compose de quatre chapitres associés à chacune des phases du projet. Considérant le questionnement qu’occasionne la Recherche auprès de plusieurs artistes et théoriciens de la photographie, l’idée de s’inspirer de Proust pour menerune réflexion sur les relations entre la photographie et la mémoire est d’abord interrogée en regard des essais La Chambre claire de Roland Barthes et Marcel Proust sous l’emprise de la photographie de Brassaï. Puis, l’influence que peuvent exercer les images sur l’écriture d’un récit est ensuite examinée à partir de démarches de création proposant diverses formes de rencontres entre la photographie et la narration. Sont ainsi examinés différents exemples de films photographiques : Locke’s Way et Voice : off de Donigan Cumming, Les Photos d’Alix de Jean Eustache et (nostalgia) d’Hollis Frampton. Privilégiant des films comportant une dimension autofictionnelle exercée dans une approche performative, la réflexion est également élargie à des pratiques qui, hors de ce champ disciplinaire, rejoignent autrement le projet. Alors que le film Les Épaves scintillantes présente le récit d’un voyage, les photographies qui y sont employées résultent d’une démarche visant à combiner la remémoration visuelle simultanément à l’acte photographique. À titre d’exemples, les démarches de Pierre Gauvin et de Sophie Calle sont ainsi examinées en tant qu’approches employant le déplacement comme dispositif de fictionnalisation de la photographie. Les œuvres India Song de Marguerite Duras et À distance de Patrick Altman sont aussi observées en regard des singuliers questionnements qu’elles induisent quant à la fictionnalisation filmique ou photographique de lieux d’abord remémorés. En somme, cette thèse vise à établir – par la voie dugeste créateur – un dialogue entre différentes démarches essayistes et artistiques employant le souvenir visuel en tant que matière de création.

Notre mémoire se penche sur un corpus de films spécifique; il s’agit des westerns américains racontant la construction d’un chemin de fer. Nous traitons ces films comme un sous-genre du western que nous intitulons Railroad Building Story. Est proposé dans notre étude que la structure narrative étant à la base de tous les récits du sous-genre provient d’une idéalisation des faits historiques entourant la construction du premier chemin de fer transcontinental aux États-Unis. Dans le premier chapitre, nous présentons une adaptation de la méthode d’analyse de Vladimir Propp, telle que présentée dans la Morphologie du conte, dans le but d’identifier la structure narrative stable des films du corpus et d’en décrire les unités narratives constantes. L’application de la méthode est effectuée dans le second chapitre, où chacune des unités narratives constantes est expliquée. De plus, nous confrontons ces unités narratives à l’histoire du chemin de fer transcontinental afin d’analyser les rapports idéologiques existant entre ces récits fictionnels et leur référent historique. Cette description sémionarrative et historique de la Railroad Building Story met en évidence sa fonction idéologique permanente en tant que mythe cinématographique du chemin de fer américain. Dans le troisième chapitre, les films sont analysés d’après leur contexte sociohistorique de production. Le chapitre est divisé selon les quatre périodes historiques dans lesquels les films du sous-genre furent réalisés, soit les années 1920, la Grande Dépression, l’ère maccarthyste et le début des années 1960. En analysant les films d’après une approche sociocritique, nous démontrons comment ceux-ci traduisent des préoccupations idéologiques liées au climat social de la nation américaine. Nous expliquons donc comment le mythe du chemin de fer américain se voit réapproprié à chaque période historique, et ce, afin de répondre aux exigences idéologiques contemporaines à la production des films de la Railroad Building Story. / This master’s thesis takes a close look at a very specific corpus of films; the westerns that narrate the construction of a railroad. We treat these movies as a sub-genre of the western that we call the Railroad Building Story. Our study proposes that the narrative structure at the basis of all the sub-genre’s stories comes from an idealization of the historical facts surrounding the construction of the first American transcontinental railroad. In the first chapter, we present an adaptation of Vladimir Propp’s method of analysis, as found in his Morphology of the Folktale, in order to identify the stable narrative structure of our corpus and to describe its constant narrative units. The application of said method takes place in the second chapter, in which each constant narrative unit is thoroughly explained. We also confront these narrative units in the history of the transcontinental railroad as to analyze the ideological relations existing between these fictional narratives and their historical referent. This semionarrative and historical description of the Railroad Building Story highlights its permanent ideological function as the cinematographic myth of the American railroad. In our third chapter, we analyze the films in the light of their sociohistorical context of production. The chapter is divided between the four historical periods in which these movies were produced, that to say the 1920’s, the Great Depression, the mcccarthyism era and the early 1960’s. By analyzing these films with a sociocritical stance, we demonstrate how they express ideological concerns linked to the social climate of the American nation. Thus we explain how the American railroad myth is being reappropriated in each historical period in order to address the ideological exigencies that are contemporary to the production of the Railroad Building Story’s films.

Notre démarche vise à éclairer notre question de recherche principale : comment se structure l’imaginaire des arts martiaux dans le cinéma? Autrement dit, nous avons étudié les différentes dimensions des représentations cinématographiques des arts martiaux à l’intérieur de scènes préalablement sélectionnées. Nous avons usé du concept de représentations sociales comme prolongement de l’imaginaire pour procéder à une analyse qualitative de contenu (chapitre 4). Cette méthode nous a permis d’interroger plusieurs scènes d’un corpus se composant de 16 films du genre « arts martiaux » et 4 films du genre « action ». Les trois premiers chapitres (l’imaginaire et la culture populaire – chapitre 1, le cinéma –chapitre 2, les arts martiaux au cinéma – chapitre 3) posent le socle des concepts et des notions nécessaires pour appréhender cet imaginaire des arts martiaux. Le premier chapitre de l’analyse met au travail une approche globale du corpus selon un classement thématique (chapitre 5). Les chapitres subséquents présentent successivement les dimensions observables des représentations sociales de l’imaginaire des arts martiaux au cinéma : – les agencements matériels et spatiaux (chapitre 6), – la conduite ou l’attitude des personnages (chapitre 7), – l’objectif poursuivi ou la finalité de l’action (chapitre 8), – le contenu des discours (chapitre 9). Les œuvres cinématographiques qui montrent les arts martiaux ne sont possibles que parce qu’il existe un ordre établi dans la manière de comprendre et de transmettre les représentations de l’imaginaire des arts martiaux. Cela constitue, en fait, le propre de son caractère social. C’est-à-dire que les divers éléments des représentations des arts martiaux s’organisent à partir d’un schéma sémantique précis qui permet de comprendre la dynamique sous-jacente de son existence dans plusieurs univers filmiques simultanés. Autrement dit, nous avons découvert le squelette des éléments essentiels (système structurant ou noyau central) autour duquel viennent se comprendre et se construire les images cinématographiques des arts martiaux. Ce squelette dicte le canevas fondamental d’un récit porteur de l’imaginaire des arts martiaux. Premièrement, un personnage réalise un cheminement, sans qu’il s’agisse nécessairement de la trame principale du récit, où il atteint une compréhension morale supérieure redevable à une progression physique et psychique grâce aux arts martiaux. Deuxièmement, ceci le mène à se concevoir comme un instrument pour influencer et agir. Troisièmement, on observe souvent une part fantastique dans le récit, ce qui se traduit par l’usage de la magie. / This study intends to depict how the “social imaginary” of martial arts is structured within the field of cinematography. In order to do so, different martial arts cinematographic representations were analyzed based on a list of several previously-selected movie scenes. In order to produce a qualitative analysis of the scenes’ content (chapter 4), the concept of social representation was used, portrayed and considered a direct continuation to the notion of “social imaginary”. This methodology allows the questioning of several scenes of a corpus made out of 16 martial arts movies as well as 4 action movies. The first three chapters, the social imaginary and popular culture (chapter 1), the film-making industry (chapter 2) and martial arts as they are portrayed by the film-making industry (chapter 3), are the roots which set the basis for the necessary concepts and notions needed to get a better grasp of what the “social imaginary” of martial arts is. The first chapter of the analysis puts a global approach of the corpus at work through a thematic classification presented in the fifth chapter. The following chapters successively depict the observable dimensions of the social representations of the martial arts’ imaginary within the film-making industry: spatial and material layouts (chapter 6), characters’ attitude and actions (chapter 7), the purpose of the action (chapter 8) and the content of the characters’ speeches (chapter 9). Martial arts cinematographic works are only possible, because of the existence of a pre-established and pre-conceived order of actions, thus allowing a better understanding and transmission of the social imaginary representations of martial arts. In fact, it is at the core basis of its social character. The different elements of the social representation of martial arts are being organized, within a specific semantic scheme, which allows for a better understanding of the underlying dynamic structures and of its existence in several simultaneous cinematographic universes. In other words, it was found out that there is a “sequential skeleton” or a “structuring system” which contains the essential intertwined elements that form the cinematographic images of martial arts. This skeleton dictates the fundamentals patterns of the martial arts’ imaginary discourse. First, and without necessarily being the movie’s main intrigue, a character undergoes a journey that makes him achieve a deeper and superior moral understanding; he achieves a new level of comprehension that is directly linked to a physical and psychical progression through martial arts’ training. Then, this journey allows him to see himself as an influential and active agent of change. Finally, the story usually contains elements of the “fantasy” genre, mainly through the presence or the use of magic.

L'étude Koltès : zones d'ombre dans la cité contemporaine propose une lecture thématique selon laquelle dans toutes les pièces de l'auteur français contemporain Bernard-Marie Koltès (1948-1989), le plateau du théâtre met en scène une cité caractérisée par le danger, la destruction, Y animalité, le passage et la nuit. L'espace de la civilisation, dont la scène est la métaphore dans la dramaturgie de Koltès, est donc un espace de chaos. Pour sa part, le citoyen de cette cité est un étrange personnage, à l'image de la cité qu'il habite, hante, c'est-à-dire un être de destruction, de danger, d'animalité et de nuit - à moins que ce ne soit le contraire, que l'homme n'ait bâti la cité à son image. Dans ce théâtre, pour paraphraser un mot célèbre de Georges Duhamel, la civilisation ne semble pas être dans le cœur de l'homme ; peut-être est-elle nulle part - cela expliquerait les nombreuses et curieuses utopies que développent les personnages pour exprimer leur mal de la civilisation, voire leur mal de l'humanité.

Cette thèse porte sur la production, l'articulation télévisuelle et la réception médiatique et populaire des dix-sept épisodes de la série Canada : A People's History/Le Canada, une histoire populaire, présentée sur les ondes de CBC/Radio-Canada en 2000-2002. La série est analysée sous l'angle novateur de la comparaison des scénarios originaux et finaux, des interactions multiples du son, de l'image, de la trame narrative et des 900 courriels envoyés au service à l'auditoire de la CBC/Radio-Canada par les téléspectateurs. La théorie du codage/décodage (Stuart Hall) nous sert à qualifier l'économie politique du média télévisuel et celle de la réaction des téléspectateurs. Notre analyse s'inscrit au coeur du courant des "cultural studies" (Critical race theory, critical multiculturalism theory, critical gender theory, critical journalism studies) dans sa volonté d'expliquer les représentations historiques à l'aune de la structure inégalitaire de la société canadienne. À la suite de nos analyses empiriques, nous constatons que la série est un mélange hétéroclite de nation-building passéiste et de nouveau multiculturalisme. À la confluence des représentations coloniales et postcoloniales, le récit de la série propose aux téléspectateurs une grandiose excursion dans le temps du Canada. Racontée sur le mode d'une grandiloquente narration, l'histoire fait la belle place aux paysages sauvages, aux "Great White Men", au patrimoine autochtone et à l'histoire de l'installation des migrants. Dans les faits, ces reconstitutions historiques spectaculaires obscurcissent cependant une réalité implacable, soit que la série constitue une refondation imaginaire de l'ordre libéral canadien, une mise en récit du passé telle que l'envisagent les élites libérales actuelles du pays. Ainsi, le récit télévisuel définitif ne conteste jamais la légitimité historique de l'État fédéral. De même, dans sa reconnaissance des torts causés aux minorités ethnoculturelles, il s'aligne plus directement sur le nouveau modèle du vivre-ensemble multiculturel. Par ailleurs, la censure - à l'interne de la production - de la violence des peuples autochtones et du racisme entre groupes ethnoculturels minoritaires fixe les limites de la paix sociale de la société libérale canadienne contemporaine. En définitive, cette mise en récit télévisuelle sert l'hégémonie culturelle des élites libérales anglo-canadiennes, surtout ontariennes, à laquelle le producteur délégué Mark Starowicz, les journalistes radio-canadiens et certains historiens de l'école historiographique des limited identities participent bon gré mal gré. Cette hégémonie culturelle n'est toutefois pas omnipotente : elle est fortement contestée, à l'intérieur même de la production tout autant que dans la société, par des historiens, des journalistes et des téléspectateurs qui s'opposent au récit proposé et à l'ordre libéral établi en vertu de leur antilibéralisme, de conceptions nationalistes franco-québécoises, d'un féminisme diffus, d'un anticolonialisme militant ou de régionalismes assumés. / This thesis focuses on the production, articulation and popular and media reception of the TV series Canada: A People's History, which consist of 17 episodes and was broadcast by the CBC/Radio-Canada network in 2000-2002. This TV series is analyzed using a ground-breaking approach, including: comparative analysis of original and final scripts; study of sound, image and narrative interactions; and examination of 900 e-mails sent by viewers to the CBC/Radio-Canada Audience Relations department. Stuart Hall's encoding/decoding theory is used to qualify the political economy of the television medium and viewer's reaction. Our analysis lies within the scope of cultural studies (Critical race theory, critical multiculturalism theory, critical gender theory, critical journalism studies) in its efforts to explain historical representations in terms ofthe unequal structure of Canadian society. Following our empirical analysis, we find that the series is an eclectic mix of old-fashioned nation-building and new multiculturalism. At the confluence of colonial and postcolonial representations, this TV narrative offers viewers a grand tour of Canada's past. The story's bombastic narration offers a unique endeavor composed of scenic landscapes, "Great White Men", Aboriginal heritage and history of migrant settlement. In fact, these spectacular reconstructions of history obscure an implacable reality. The series is an imaginary "refounding" of the Canadian liberal order, the transformation of the past into a narrative envisaged by today's liberal elites. This definitive TV narrative never denies the historical legitimacy ofthe federal state. Similarly, by recognizing wrongs caused to ethnoculrural minorities, it aligns itself more directly with new model of multicultural coexistence. Moreover, in-house censorship of indigenous peoples' violence and racism between ethnoculrural minority groups set the limits of social peace within contemporary Canadian liberal society. Ultimately, this TV transformation of the past into a narrative fits the cultural hegemony of English speaking Canadian liberal elites, mainly from Ontario; Executive producer Mark Starowicz, CBC journalists, and some historians belonging to the 'limited identities' historiographical school, are the participants of this hegemony, whether they were cognizant or not. This cultural hegemony is not omnipotent: it is highly contested by production members and society at large, including historians, journalists and viewers who oppose the TV narrative as much as the liberal order by virtue of their anti-liberalism, French-Québécois nationalist conceptions, diffuse feminism, militant anti-colonialism or strong regionalism.

L’objet de la présente recherche est la lecture de Mt 11, 28-30 dans les sermons 69 et 70 de saint Augustin. Par la méthode de l’analyse rhétorique, nous cherchons à montrer en quoi la perspective chrétienne a modifié le discours de la tradition classique. En mettant en relief les principaux éléments de la rhétorique classique, l’étude expose une forme d’argumentation basée sur la Bible et appelée « orchestration scripturaire ». Ce faisant, même si Augustin traite de sujets sublimes, son style s’apparente à celui du Sermo htmilis. Dans ce contexte, Mt 11, 28-30 permet de dégager la théologie sous-jacente à ces prédications, par la via humilitatis : chemin d’Incamation et voie de salut pour le chrétien. Par ailleurs, l’intérêt porté au cadre historique et aux parallèles avec des œuvres de la même époque s’avère une piste de choix pour favoriser la datation des écrits et l’interprétation des textes.