La construction identitaire de la majorité des jeunes francophones minoritaires s'organise selon les catégories linguistiques qui opposent les groupes majoritaires aux groupes minoritaires (Pilote et Magnan, 2012). Dans certains cas, une hiérarchie entre les différentes variétés s'installe dans les représentations. Des relations de pouvoir deviennent alors observables à travers les jugements de valeur sur la langue. Ces jugements composent en fait l'imaginaire linguistique des individus, un concept que l'on définit par le rapport du sujet à la langue - la sienne ou celle des autres (Houdebine-Gravaud, 1975-2008). Par l'entremise de la présente étude, notre objectif était de mieux comprendre comment se construisent les imaginaires linguistiques en francophonie canadienne. Avec des groupes de Québécois et d'Acadiens du Nouveau-Brunswick, nous avons mené des entretiens composés de questions portant sur leur rapport à la langue française. Le contexte de mobilité dans lequel se trouvent les participants favorise les contacts interlinguistiques et offre des données riches en représentations linguistiques. Une analyse de leur discours épilinguistique nous apprend que le rapport à la norme est différencié chez les deux groupes, ce qui vient ensuite informer les processus de catégorisation et de hiérarchisation de façon différente. Alors que les Québécois adoptent une position plus puriste (normes prescriptives), les Acadiens s'opposent à cet aspect formel pour favoriser l'intercompréhension langagière (normes communicationnelles). À la lumière des relations de pouvoir dont sont investis les locuteurs, nous proposons un cadre conceptuel à arrimer à la théorie de l'imaginaire linguistique avec les concepts de catégorisation verticale et horizontale qui permettent d'explorer la formation d'imaginaire linguistique différenciée.

La peur est traditionnellement comprise comme une « émotion fondamentale » ; en cette formule obscure on entend communément la peur comme une conséquence psycho-physiologique d'un stimulus objectif. La peur se voit ainsi définie en sa périphérie causaliste. Dès lors, l'antienne définitionnelle ne parvient jamais (ni ne cherche) à la cerner en sa phénoménalité. C'est en cette aporie que le présent travail s'insère. En outre, précisément, ladite aporie hante la philosophie durandienne (Durand, 1960) faisant de la peur à la fois une conséquence du temps ennemi et un profond et essentiel dynamisme de l'imaginaire. L'imaginaire trouverait ainsi son essence dans l'extériorité du monde perdant ainsi sa marque transcendantale. Toutefois, en s'affranchissant de la théorie ordinaire de la peur, en tentant de la comprendre en sa phénoménalité, et pour cela en s'appuyant sur la profonde réflexion henryenne dévoilant l'affectivité comme Essence de la Manifestation (Henry, 1963), il paraît possible d'enrayer cette progressive aliénation de l'imaginaire. L'affectivité, et conséquemment la peur, comprises comme cette essence transcendantale, l'imaginaire dynamisé par elles retrouve un ancrage éidétique stable. Ce dynamisme aux pieds ancrés dans la transcendantalité et aux mains qui façonnent structurellement les constellations d'images, c'est le schème ; non plus ce schème qui se perdait dans les mystères du réflexe, de l'instinct, de la pulsion, etc. mais ce schème issu du plus essentiel des savoirs – le savoir affectif immanent de soi : le schème est affectif, il est la transcendance affective qui de l'affectivité structure l'imaginaire, manifeste le monde. En empruntant les voies de la phénoménologie bachelardienne, ce schème affectif – ici anxiologique – peut être retrouvé. Nous verrons qu'il est double – pénétrant et constricteur – et qu'il se joue sur différentes voix (passive, intermédiaire, active). Afin de montrer l'étendue et l'efficace de cette schématique mais également afin de répondre aux exigences contextuelles qui portent le présent travail (partenariat avec le Commissariat à l'Énergie Atomique de Grenoble), nous parcourrons l'imaginaire anxiologique de la technologie RadioFrequency Identification (RFID). Loin de n'être qu'un simple et froid agrégat de silice permettant de nouvelles données et de nouveaux flux informationnels, la RFID est un produit technique, est un produit humain. Comme tel, elle n'a de réalité et de possibilité que sur le fonds anthropologique duquel elle émerge. Et ce fonds regorge d'yeux, de crocs et de venins pénétrants, de mains, de toiles et de filets constricteurs. / L'auteur n'a pas fourni de résumé en anglais.

En 1982, Ingmar Bergman avait pris la décision d’arrêter le cinéma avec une œuvre qu’il voulait ultime : Fanny et Alexandre. Il ne tint pas tout à fait parole et continua à réaliser des œuvres pour la télévision, ce qu’était déjà Fanny et Alexandre. Une fresque de 5h40, film somme et sommet cinématographique. Notre travail souhaite comprendre la complexité d’une œuvre qui renferme à elle seule tous les motifs du cinéaste. Notre désir est de l’étudier sous l’angle de deux notions : le visible et l’invisible. Ces notions viennent d’emblée interroger la présence et l’absence, le plein et le vide, le conscient et l’inconscient, le blanc, couleur de la transparence, et le rouge, celle de l’intérieur de l’âme. Il semble donc que les notions de visible et invisible sondent un univers clivé à l’image d’une œuvre qui, dans sa narration même, oppose la troupe de théâtre à la solitude de l’évêque, la foi dans l’imaginaire à la foi en Dieu, l’enfance à la vieillesse, la vie à la mort, le bien au mal, l’eau de la rivière au feu qui brûle vif le « diable ». Mais notre propos est de tenter de dépasser cette opposition formelle pour parvenir à démontrer sa réversibilité. Les dimensions de visible et d’invisible apparaissent finalement non comme duales mais complémentaires, elles sont un endroit et un envers, où l’invisible est la profondeur du visible. Nous supposons que cette réversibilité, c’est-à-dire un lien qui organise les opposés en manifestant en même temps leur interdépendance, montre comment l’esthétique baroque gouverne le cinéma bergmanien. / In 1982, Ingmar Bergman had decided to stop making movies with a piece of work he considered as final – Fanny and Alexander. He didn’t quite keep his word, and kept directing TV works – which he had already started to do with Fanny and Alexander. A 5h40-long epic, a comprehensive piece of work and a cinematic pinnacle. Our research tries to understand the complexity of a piece of work enclosing all of the filmmaker’s motifs. We wish to study it through two notions: the visible and the invisible. These notions immediately question the present and the absent, the full and the empty, the conscious and the unconscious, the white– the color of transparency –, and red as representing the inside of the soul. It thus seems that the notions of visible and invisible probe a divided universe, reflecting a piece of work which, in its very narrative, brings into opposition the theater troupe and the bishop’s solitude, belief in fantasy and faith in God, childhood and old age, life and death, right and wrong, the river stream and the fire that burns “the devil”… Yet, we wish to go beyond this formal opposition to demonstrate its reversibility. Indeed, the dimensions of the visible and the invisible eventually appear as being complementary rather than dual: they represent one side and its reverse, the invisible is the visible’s depth. From our study of the paradigmatic duo “the visible and the invisible”, we assume a reversibility, i.e. a bond that both structures opposites and brings out their interdependence – thus showing how baroque aesthetics reign over Bergman’s cinema.

Magie, monstres, vampires, héros, les images de l’extraordinaire sont omniprésentes et fascinent le grand public. Des librairies qui ouvrent à minuit pour la sortie du dernier Harry Potter, des cinémas bondés pour le dernier volet du Hobbit, des manifestations culturelles de plus en plus importantes, une forte expansion des jeux de rôles, ne sont autre que les indices sociétaux d’une évolution des nouvelles manières de vivre la quotidienneté, le présent. En constante mutation, ces « genres fictionnels de l’imaginaire », comme nous les nommons, ont pénétré de multiples sphères de la vie des individus. Dans cette perspective, nous nous attacherons à analyser et comprendre l’intérêt des publics pour ces genres, ce qu’ils suscitent, tant au niveau individuel que collectif. Nous nous positionnerons dans le cadre d’une sociologie compréhensive et utiliserons certains éléments de compréhension fournis par la sociologie de l’imaginaire notamment dans ce qu’elle apporte à l’étude du présentéisme et de l’être ensemble. / Magic, monsters, vampires, heroes, the representations of the extraordinary are pervasive and fascinate the crowd. Bookshops that open at midnight for the release of the last Harry Potter, crowded cinemas for the last movie of the Hobbit trilogy, growing cultural manifestations, role playing games and more, are only symptoms of a societal evolution of new ways to live in our era. In constant mutation, these “fictional literary genres of the imaginary”, as we call them, have penetrated many spheres of people’s lives. In this perspective, we will try to analyze and understand people’s interest for these genres, what they evoke in people’s minds at an individual level and at collective one. We will study this topic in a comprehensive sociology and will use some comprehension elements supplied by the imaginary sociology especially in what it brings to the study of presenteeism.

L’étude du thème de la nourriture conduit à analyser trois fonctions de l’alimentation dans l’œuvre de Cohen. La première, indissociable du cadre de la diégèse, concerne le cérémonial inhérent à la mise en scène des repas. Selon qu’ils se déroulent dans le milieu occidental ou au sein du groupe des Valeureux, ces moments de consommation débouchent rapidement sur une caractérisation des personnages et sur une mise à jour des liens socio-culturels qui les unissent ou les séparent. Partager un déjeuner ne constitue donc pas un simple geste de convivialité. C’est une action qui peut tendre vers la spiritualité d’une communion ou consacrer la rupture irrémédiable avec autrui. Mais c’est lorsque l’on quitte la table pour s’intéresser aux faits alimentaires ponctuels, multiples dans l’œuvre, que la nourriture de Cohen devient riche de significations. Constituant un réseau de signes symboliques qui affleurent dans les textes, l’alimentation correspond à une nouvelle forme de langage qui exprime les obsessions les plus intimes. Mère, religion, amour, réflexion sur le temps et sur l’absurdité de la vie, tous les domaines s’évaluent à l’aune de la nourriture : celle du passé et des souvenirs — tour à tour regrettée ou indésirable — celle du présent qui oscille entre le plaisir de l’instant et une lassitude existentielle, celle d’un futur incertain, qui ne garantit qu’une promesse de désillusions. De cet univers aux sombres perspectives émerge pourtant une figure de « vainqueur éternel », celle de Mangeclous. Le personnage burlesque est, en effet, celui qui a le dernier mot. Capable de sublimer l’art de la cuisine, il élabore une poétique aux accents parodiques qui se joue de la farce de l’existence. C’est en passant par la création de cet ogre mythique que l’auteur confère au champ alimentaire son unique et véritable richesse. / Focusing on the theme of food in Albert Cohen’s works allows us to identify three basic functions for food. The first function, which cannot be dissociated from the diegesis, has to do with the ceremony inherent in the staging of meals. Whether they take place in a Western setting or within the group of the Valeureux, these episodes of consumption often lead to a characterization of the protagonists and a presentation of the sociocultural links that both unite and separate them. Sharing a meal is much more than just enjoying a moment of conviviality. It can as easily result in a spiritual communion as in an irreversible break with someone else. Yet, food takes on a deeper meaning when studied in its multiple punctual manifestations rather than within the context of meals. Coalescing into a network of symbolic signs, food offers a new form of language through which the most intimate obsessions can be expressed.Motherhood, religion, love, time or the absurdity of life are so many themes that can be analyzed through the motif of food – be it the food of the past (either desired or scorned), the food of the present, which both provides a brief moment of pleasure and occasions an existential ennui, or the food of an uncertain future, mostly synonymous with a feeling of disillusionment. Out of this universe of somber prospects,however, emerges the figure of Mangeclous, the “eternal victor.” Indeed the last word belongs to this burlesque character. In his ability to transcend the art of cooking, Mangeclous conjures up a poetics with parodic overtones that mocks the masquerade of existence. It is only in creating this mythical ogre that Cohen manages to imbue the motif of food with its true richness.

Cette thèse propose d’observer l’imaginaire des dispositifs numériques dans les musées d’ethnographie confrontés à la réalisation de dispositifs numériques pour la médiation tels que les tablettes tactiles ou les navigateurs de réalité augmentée. Ce travail s’intéresse au positionnement des professionnels de musée face à la présence croissante d’outils numériques dans l’espace d’exposition, sous-tendue par un discours promotionnel technophile de la part des sphères journalistique et politique qui décrivent ces technologies comme fortement souhaitables. Une enquête ethnographique réalisée dans deux musées soumis à une injonction technologique (le Museon Arlaten d’Arles et le musée McCord de Montréal) interroge les attentes et les imaginaires qu’ont les professionnels du musée de ces dispositifs. À l’aune du concept de trivialité d’Yves Jeanneret, il s’agit de comparer les discours d’escorte portant sur le numérique avec les discours des professionnels de deux musée d’ethnographie, afin de mettre à jour les modes de circulation de ces discours et les imaginaires qui les fondent. Répondre à ce questionnement a nécessité une démarche en trois temps. Il s’est agi dans un premier temps de relever les différents discours d’escorte portant sur les dispositifs numériques au musée et les injonctions qu’ils véhiculent afin de comprendre à quelles prescriptions les professionnels étaient exposés. D’autre part, interroger les professionnels de musée afin de relever leur imaginaire des dispositifs technologiques a permis de connaitre leurs attentes et craintes vis-à-vis de ces supports. Enfin, questionner les enquêtés sur leurs pratiques concrètes lors de la conception effective de ces dispositifs a permis d’observer des processus d’ajustement, prenant la forme de logiques d’opposition, d’adaptation et d’invention. Après avoir comparé le discours des professionnels avec les discours d’escorte médiatiques et politiques, nous avons observé un décalage entre les discours d’escorte sur l’innovation technologique au musée et la façon dont les professionnels de ces institutions culturelles évoquaient ces questions. Le caractère révolutionnaire des discours décrivant les technologies n’est pas repris par les professionnels des musées mais il est fortement nuancé dans un imaginaire raisonné et pertinent des technologies, assorti d’un rapport ambigu à l’innovation qui interroge les enjeux symboliques du progrès technologique dans la médiation muséale. / This thesis observes and explores the imaginary of digital devices when the latter are introduced, in the form of tablets or augmented reality browsers, to support mediation work in ethnography museums. The thesis examines how museum professionals position themselves in relation to the growing presence of digital devices in the exhibition space, which is underpinned by a technophile promotional narrative spun by the media and politicians who present the introduction of these technologies as highly desirable. An ethnographic study in two museums faced with the imposition of such technological agendas – the Museon Arlaten in Arles and the McCord Museum in Montreal – allows for an analysis of the expectations towards and imaginary of these devices by museum professionals. The concept of triviality, as defined by Yves Jeanneret, is used to compare the accompanying discourses on digital technologies with the discourses of professionals in the two ethnography museums, in order to highlight how discourses circulate, as do the imaginaries underpinning them. There were three stages in this study. First, the various accompanying discourses on digital technologies in museums – from both inside and outside of the institutions – and the agendas they carry were identified, so as to understand what was dictated to the professionals. Besides, the museum professionals were interviewed in order to identify what their imaginaries of technological devices were, which allowed for an understanding of their expectations and fears regarding these devices. Finally, asking the interviewees about their concrete practices when effectively devising the devices made it possible to observe processes of adjustment, from opposition to adaptation to invention. The comparison between the professionals’ discourses and the accompanying discourses offered by the media and politicians revealed a discrepancy between the accompanying discourses on technological innovation in museums and the way in which the professionals from the cultural institutions talked about this issue. The narratives describing these technologies as revolutionary were not taken up by museum professionals; rather, they were significantly qualified by reasoned, adequate imaginary of technologies, alongside with an ambivalent perception of innovation, questioning the symbolic dimension of technological changes affecting mediation work in museums.

Notre thèse part de l’intelligibilité habituelle de la société haïtienne pensée dans un rapport de déterminité avec la colonie.Le sujet postcolonial est un sujet auto-enchaîné, autodestructeur et non émancipé par le fait que sa subjectivité serait produite par la colonialité. Par-delà ce schéma, nous émettons l’hypothèse que la Révolution haïtienne de 1804 peut être pensée comme une scène décoloniale dont la répétition peut être vérifiée dans l’Histoire et la radicalité susceptible de fonder une citoyenneté émancipatrice. Sa vérité se déploie dans une rencontre polémique avec la modernité. Elle devient le site d’un contre-imaginaire qui produit le détachement de l’imaginaire de la domination et une expérience de fondation et de commencement qui doit être étudiée en lien avec les conflictualités.L’oubli du citoyen vient de l’impossible croisement de la stásis et du dêmos contre l’ordre social de domination pour rendre effectifs de nouveaux droits face aux potentats au nom de l’égalité et de l’émancipation.La thèse est divisée en trois parties et neuf chapitres. La première partie traite du procès d’altérisation du sujet colonial en lien avec la subjectivité occidentale, les formes ambivalentes de ses revendications et de son auto-institution sans pouvoir s’auto-abolir. La deuxième aborde la question de l’interprétation de la Révolution et les formes de domination post-coloniale. La dernière partie retrouve la mémoire d’une exigence de fondation et de commencement au regard de l’idée de scène décoloniale porteuse d’une brèche-anarchique. Elle appréhende ensuite les rapports entre violence, pouvoir et conflictualités au regard d’une reconfiguration décoloniale du monde. / My doctoral thesis is a critical reading of the traditional intelligibility of the Haitian society which includes it in the relationship where its being is determined by the slave colony. The postcolonial subject is a self-chained subject, self-destructive and not emancipated one, because his subjectivity is produced by the coloniality. Beyond this interpretation, we hypothesize that the Haitian Revolution can be interpreted as a decolonial scene whose repetition can be verified in History and whose radicality can be found in an exigency of emancipating citizenship. Its truth manifests itself in the polemical encounter with the colonial modernity. It becomes the site of an against-imaginary which would bring the detachment of the imaginary of domination and a difficult experience of foundation/beginning which must be analyzed by taking into account the conflictualities. The forgetting of the citizen results of the impossible cross-road between stásis and dêmos against the social order of domination to make actual new rights in the name of equality and emancipation.The doctoral thesis is divided into three parts and nine chapters. The first part studies the othering process of the colonial subject in connection with Western subjectivity, the ambivalent forms of its claims and its self-institution not being able to self-abolition. The second part analyzes the interpretation of the Revolution and the post-colonial forms of domination. The last part finds the memory of a demand of foundation and beginning. It apprehends the relationships between violence, power and conflictualities with the aim of reconfiguration of the post colonial-world.

La thèse est divisée en deux parties. La première partie développe amplement le cadre épistémologique des interactions entre la géographie, la sociologie urbaine, la philosophie et la littérature. Les quatre premiers chapitres définissent le champ de recherche : l’étude de la ville comme objet d’investigation pluridisciplinaire, ainsi qu’un panorama, le plus exhaustif possible, des approches qui, dès les années 1940, ont analysé le paradigme de l’espace dans la tradition littéraire moderniste, et jusqu’aux contributions dans ce domaine de ces dernières décennies, à l'instar du spatial turn postmoderniste. La question de la relation entre l’espace et le texte littéraire est complexe car elle traverse toute l’histoire culturelle de l’Occident. Dans ce contexte, la représentation cartographique est un système de représentation qui a beaucoup en commun avec celui du récit littéraire, justement pour la capacité de l’un à entrer dans le tissu cognitif de l’autre et vice-versa. La deuxième partie est centrée sur la ville de Naples, sur son évolution urbanistique et la représentation littéraire qui lui est liée. Elle propose une interprétation critique de la technique géo-centrée adoptée. La deuxième partie présente donc, outre le cadre critique auquel il a été fait référence, des paragraphes consacrés à chaque auteure du corpus (Matilde Serao, Marguerite Yourcenar, Anna Maria Ortese, Elena Ferrante e Valeria Parrella), traversés par des lignes thématiques communes et caractérisés par un close-reading utile pour analyser dans le détail les lieux et l’espace dans les œuvres choisies (Telegrafi dello Stato, Anna, soror…, Il porto di Toledo, L’Amore molesto, Lo spazio bianco). / The thesis is divided into two parts. The first widely develops the epistemological framework of interactions between geography, urban sociology, philosophy and literature. The first four chapters present the scope of one's research: the study of the city as an interdisciplinary investigation object, but also a panorama, as exhaustive as possible, of the approaches that, since the 40s, have analyzed the paradigm of space in the modernist literary tradition, until the contributions in this epistemological area in recent decades, like the postmodernist spatial turn. The relationship between space and the literary text is a complicated issue because this question crosses the whole cultural history of the West. In this context, mapping is a system of representation that has much in common with the one of the literary story, in fact because of the ability of one to enter the cognitive fabric of the other and vice versa. The second part focuses on the city of Naples, its urban development and the literary representation related to it. We intend to carry out a critical interpretation of the adopted geo-centric technique. So in this second part, besides the critical framework to which we referred, , paragraphs dedicated to each author of the corpus (Matilde Serao, Marguerite Yourcenar, Anna Maria Ortese, Elena Ferrante e Valeria Parrella) are included. Paragraphs which are "crossed" by common thematic lines and characterized by a close-reading useful to analyze in detail the places and space in the selected works (Telegrafi dello Stato, Anna, soror ..., Il porto di Toledo, L’Amore molesto, Lo spazio bianco).

Henri Bosco a consacré une part importante de son œuvre à une enfance qu’il rêve « entre autobiographie et fiction ». L'ami imaginaire y fait figure de véritable compagnon de songes. L'enfance que la plume de Bosco rejoue sans cesse est une figure obsédante du Paradis Perdu. On y rencontre Pascalet, Antonin ou encore Constantin, les doubles fictifs de l’auteur, mais aussi Hyacinthe, Marie et Gatzo, les compagnons du songe enfantin, leurs hôtes intimes.L’imaginaire du double construit le personnage enfantin comme si l'identité du héros ne devait être complète que dans le jeu de miroir que provoque l'autre en soi. L'identité multiple et bien souvent androgyne que Bosco accorde à l'enfant peut être lue comme un don particulier de l'enfance, un don qui se perd, comme l'innocence des premiers temps bibliques, et que Bosco met en scène pour recréer un paradis terrestre profane: celui de l'enfance. L’enfance du double, temps fabuleux et primordial, fait aussi figure de hantise lorsque le personnage peuplé d’êtres intimes glisse vers un âge adulte obsessionnel, envahi par l’inquiétant étranger en soi. Les identités en expansion des personnages enfantins doublés par leurs compagnons imaginaires sont peut-être en elles-mêmes l'espace du paradis perdu de l'enfance que l’adulte ne peut plus capturer, ou seulement en songes... / Henri Bosco devoted a significant part of his works to a childhood that he dreams “between autobiography and fiction”. Amongst these works, the imaginary friend stands as a true dream companion. The childhood sketched over and over by Bosco’s quill is an obsessive figure of the Lost Eden. There, we can meet Pascalet, Antonin, or even Constantin, the fictive counterparts to the author, as well as Hyacinthe, Marie and Gatzo, companions of the childish dream, their private hosts. The fantasy of the double builds the childish character as if the hero’s identity shan’t be complete but for the specular split that is brought by the Other in the Self. The multiple – and often, androgynous – identity that Bosco grants to the child can be read as a peculiar gift of childhood. This gift can be lost, just like the innocence of biblical times, and is staged by Bosco in order to recreate a secular paradise: childhood. The double’s childhood, as a fabulous and primordial time, can also be haunting when the character – inhabited by intimate beings – is slowly sliding towards an obsessive adulthood, beset by the uncanny stranger within. The expanding identities of the childish characters, doubled up by their imaginary companions, might be the lost paradise of childhood, unseizable by the adult, otherwise in his dreams…

La nouvelle géographie symbolique de la santé mentale en Italie, étayant une prise en charge du bien-être psychique et social de l’individu par lui-même et la communauté, pourvoit une recomposition de la relation du corps en souffrance avec le corps social. Le désir de la reliance nourrit ainsi la création esthétique de soi par l’art autobiographique de personnes ordinaires, dévoilant des sujets en souffrance confrontés avec une nouvelle présence à eux-mêmes, les autres et le monde. La triangulation et l’analyse d’un corpus autobiographique d’écritures déposées auprès de la Fondation Archive National Journal Intime (Pieve Santo Stefano, Arezzo-Italie), et le corpus d’images, textes et autobiographies, réalisées dans le cadres des activités des Ateliers de l’Imaginaire Autobiographique (Catania-Italie), soutiennent une compréhension approfondie du désir d’autobiographie. L’analyse des syntaxes sensibles et des formes de sensibilités et consciences poétiques et mythiques collectives, découvre un imaginaire nocturne synthétique et dramatique étayant des corps autobiographiques qui prennent sens et support métaphorique et symbolique. Une sociologie de l’écriture de soi questionne ainsi des formes spécifiques de textualisation de l’imaginaire symbolique et social, nous montrant une société souhaitant d’être révélée à elle-même par ses errances dans la quête mythobiographique, découvrant le sens de notre existence et de notre époque. L’objet social et culturel mythanalysé des écritures de soi en souffrance, nous questionne en dernière analyse au sujet des transformations du système symbolique et des mutations des valeurs sociales. / The new symbolic geography of mental health in Italy, which sustains the psychic and social well-being of the individual through himself and the community, also favors the restructuring of the relationship of the body in distress with the social body. The desire of reliance feeds the aesthetic self-creation, the art of autobiography practiced by ordinary people, revealing suffering persons in relation with a new presence to themselves, others and the world. The triangulation and analysis of a autobiographical corpus of writing stored at the Fondazione Nazionale Archivio Diaristico (Pieve Santo Stefano, Arezzo-Italia), and the corpus of images, texts and autobiographies, carried out during the activities of the Ateliers dell’Immaginario Autobiografico (Catania-Italia), support a deep comprehension of the desire of autobiography. The analysis of sensitive syntax, the forms of sensitiveness and of the poetical, mythic and collective consciousness, discovers a synthetic and dramatic nocturnal imagery, revealing autobiographic body which acquires meaning and metaphorical and symbolic support. Therefore a sociology of the self-writing questions the specific forms of textualization of the symbolic and social imagery, showing us a society which tries to show itself through its wanderings of autobiographic research, discovering the meaning of our existence and of our time. The social and cultural subject myth-analyzed of the self-writings in suffering questions us finally regards the transformation of the symbolic system and the changings of social values.