Ce mémoire de maîtrise vise à expliquer l'influence de musiques exotiques dans la composition de trois de mes œuvres récentes: 1. Cuarteto de Cuerdas pour quatuor à cordes; 2. Hódidò Atòn pour ensemble de percussions; 3.The Unknown Rails pour orchestre. La première œuvre est influencée par le flamenco espagnol, laseconde par la musique d’Afrique de l'Ouest et la troisième par la musique indonésienne. Le but n'est pas de reproduire authentiquement la musique de ces cultures, mais d'intégrer de différentes façons certaines de leurs caractéristiques à mon propre style musical. Ces diverses formes d'intégration sont exemplifiées dans le mémoire à partir d'extraits ciblés des partitions. Le mémoire comporte (1°) une introduction où sont présentés le sujet général et les objectifs spécifiques de mon travail de création, (2°) un chapitre sur le rapport aux musiques exotiques chez certains compositeurs (Debussy, Messiaen, Stockhausen), (3°) trois chapitres où sont analysés pour chaque œuvre les principes généraux de l'influence de la musique exotique sélectionnée, et (4°) une conclusion synthèse. / This master's thesis aims to explain the influence of exotic music in the composition of three of my recent works: 1. Cuarteto de Cuerdas for string quartet; 2. Hódidò Atòn for percussion instruments; 3. The Unknown Rails for orchestra. The first work is influenced by Spanish flamenco, the second by West African music and the third by Indonesian music. These influences are, however, partial. The goal is not to authentically reproduce the music of these cultures, but to integrate in some ways some of their characteristics into my own musical style. These various forms of integration are exemplified in this master's thesis from extracts targeted partitions. This master's thesis contains (1°) an introduction where the general subject and the specific objectives of my creative work are presented, (2°) a chapter on the relation to exotic music by certain composers (Debussy, Messiaen, Stockhausen), (3°) three chapters in which are analyzed for each work the general principles of the influence of the selected exotic music, and (4°) a summary conclusion.

Après plus de vingt-cinq ans d'expérience en tant que saxophoniste ténor jazz, la façon dont je communique mon expression aux auditeurs à travers la musique, en particulier à travers l'improvisation, conserve une part de mystère. La faculté qu'a la musique à communiquer des affects est bien documentée. Cette communication se produit, entre autres, à travers un répertoire de signaux sonores issus de la performance instrumentiste : les gestes performanciels. Je me suis donc interrogé sur les gestes performanciels et dans quelle mesure ils peuvent communiquer l'expression d'un instrumentiste à travers l'improvisation jazz au saxophone ténor. Mon analyse des gestes performanciels se fonde sur le modèle phonostylistique de Serge Lacasse pour le chant en musique populaire (2010). Ce modèle permet, en effet, de déterminer le sonostyle d'un instrumentiste, c'est-à-dire son répertoire des gestes performanciels et leur signification. À partir d'une approche de recherche-création, j'adopte alternativement les rôles de chercheur et de créateur à travers l'analyse de mes propres improvisations, avec à l'appui une triangulation essentielle à toute démarche de recherche scientifique. Ce faisant, la création informe la recherche, et vice versa. Puisque le timbre est un élément incontournable du sonostyle d'un instrumentiste, le chapitre 1 est consacré à une expérience où est observé la manière dont les saxophonistes ténors jazz verbalisent les caractéristiques acoustiques des timbres-instrumentiste, et comment ces verbalisations pourraient se rapporter aux caractéristiques acoustiques de ces timbres. Les chapitres subséquents sont consacrés au relevé des affects communiqués à travers les gestes performanciels : celles des qualités premières identificatrices, c'est-à-dire ce qui relève des timbres-instrumentiste, du volume et du débit-instrumentiste (chapitre 2), et celles qui relèvent de la texture du timbre, des inflexions, du registre altissimo et des sons apériodiques (chapitre 3). Cette investigation nous permet d'observer que les gestes performanciels retrouvés dans l'improvisation jazz au saxophone ténor communiquent l'expression instrumentiste avec un haut degré d'efficience. / After over 25 years of playing as a jazz tenor saxophonist, there is still some mystery as to how I convey my expression to listeners through music, especially through improvisation. The power of music to communicate affects is well documented. This communication occurs, among other things, through a repertoire of sonorous signals resulting from the instrumentalist's performance: the performative gestures. I therefore investigated performative gestures and the extent to which they can communicate the expression of an instrumentalist through jazz improvisation on tenor saxophone. My analysis of performative gestures is based on Serge Lacasse's phonostylistic model for singing in popular music (2010). This model allows us to determine the sonostyle of an instrumentalist, i.e., his or her repertoire of performative gestures and their meaning. From a research-creation approach, I alternatively adopt the roles of researcher and creator through the analysis of my own improvisations, using a triangulation technique essential to any scientific research process. In doing so, creation informs research, and vice versa. Since timbre is an unavoidable element of an instrumentalist's sonostyle, chapter 1 is about an experiment where we observe how jazz tenor saxophonists verbalize the acoustical characteristics of instrumentalist's timbres, and how these verbalizations could relate to the acoustical characteristics of these timbers. The subsequent chapters are dedicated to the investigation of the affects communicated through the performative gestures: those of the primary qualities, i.e., those related to the instrumentalist's timber, the volume and the instrumentalist's flow (chapter 2), and those related to the timbre's textures, the inflections, the altissimo register and the aperiodic sounds (chapter 3). This investigation allows us to observe that the performative gestures found in jazz improvisation on tenor saxophone communicate the instrumentalist expression with a high degree of efficiency.

Inaug.-Diss. - Leipzig. / "Unchanged reprint of the original edition Leipzig 1901." Vita. Called "Göhler v." by the author in his "Verzeichnis der in den Frankfurter und Leipziger messkatalogen der jahre 1564 bis 1759 angezeigten musikalien", Leipzig, 1902. The four parts of the latter work constitute "Göhler I-IV."

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L'objectif général de cette recherche est d'élaborer un processus d'apprentissage d'accompagnement au piano jazz, dans le but de concilier mes deux instruments : le piano, de formation classique, et ma voix, entraînée au style jazz principalement. Elle fait état de mon parcours dans ma quête vers la synthèse de mes connaissances et le développement de ma personnalité artistique à travers la création jazz contemporaine. Celle-ci m'a menée vers l'étude de pianistes chanteurs modèles dont j'ai écouté et transcris la musique. Je me suis interrogée à savoir en quoi la transcription de chanteurs pianistes accompagnateurs peut influencer ma relation voix et piano à travers mes créations. Je suis allée plus loin dans ma compréhension grâce à l'étude de manuels théoriques, de cours maître/élève et de tutoriels. De là, j'ai pu déceler certains types de jeux majeurs en jazz pour l'accompagnement au piano de chanteurs. J'ai réuni ces types d'accompagnement en une typologie qui m'a servie tout au long de mon parcours de création. Dans ma pratique quotidienne, j'ai utilisé la recherche-action, qui se traduisait comme un processus itératif de développement - réflexion - correction. La relation entre mes deux instruments est devenue de plus en plus fusionnelle, créant ainsi un contrepoint polyphonique. Au fil des répétitions quotidiennes, j'ai apporté des modifications à mes créations comme le contrepoint entre la voix piano évoluait en un contrepoint polyphonique circulaire. En groupe, j'ai pu parfaire l'ensemble de mes œuvres, comptant cinq compositions et cinq arrangements originaux. Finalement, des similitudes qui unissent mes œuvres sont apparues, faisant émerger les caractéristiques de ma personnalité artistique. Cette recherche est une invitation aux vocalistes à s'auto-accompagner.

Le regard de la société sur les avancées technologiques a été la cible de multiples remises en question. Des premiers synthétiseurs aux allures monstrueuses et presque grotesques aux instruments virtuels, les compositeurs de musique de film ont souvent port. un regard curieux sur cet instrument énigmatique, aussi singulier que versatile. Un synthétiseur est un appareil musical électronique ou un logiciel utilisé pour générer et combiner des signaux audio par des processus analogiques ou numériques . (traduit de Devine, 2013). Par un processus d’expérimentation, certains compositeurs ont relevé le défi musical d’utiliser le synthétiseur dans la musique de film. Avec le temps, ils ont trouvé en lui un outil irremplaçable. / Society's view of technological advances has been the target of many questionings. From the first monstrous and almost grotesque looking synthesizers to virtual instruments, composers of film music have often taken a curious look at this enigmatic instrument, as singular as it is versatile. A synthesizer is an "electronic musical device or software used to generate and combine audio signals through analog or digital processes" (translated from Devine, 2013). Through a process of experimentation, some composers have taken on the musical challenge of using the synthesizer in film music. Over time, they have found in it an irreplaceable tool.

Les transformations engendrées par l’avènement des réseaux sociaux et des plateformes d’écoute musicale numériques ont vu naître de nouvelles pratiques de réception musicale. Ce mémoire de maîtrise porte sur l’une d’entre elles, exclusive aux admirateurs de musique populaire coréenne. Plus précisément, il traite d’une activité inédite du nom de mass-streaming, populaire au sein de la communauté d’admirateurs de K-pop (Korean Pop). Cette pratique consiste en l’utilisation de méthodes visant à faire augmenter le plus rapidement possible le nombre de lectures associées à une chanson sur les plateformes d’écoute musicale numériques. L’objectif de ce mémoire est de déterminer la mesure dans laquelle le mass-streaming influe sur l’industrie musicale et les admirateurs qui s’y adonnent. Plusieurs modèles théoriques sont employés afin de formuler une réponse à ce questionnement, notamment ceux des mondes de l’art (Becker 1984), de capital symbolique (Bourdieu 1994) et de capital sous-culturel (Thornton 2013). En guise d’étude de cas, c’est le boyband coréen Beyond The Scene (BTS) et sa communauté de fans qui sont observés. La collecte d’informations a été effectuée en deux phases. La première, qui s’est déroulée entièrement sur Twitter, a consisté en la création d’une collection de tweets sur le sujet du mass-streaming rédigés par des admirateurs. La seconde a été la tenue d’entrevues individuelles semi-dirigées avec des professionnels de l’industrie musicale. Afin de présenter un portrait complet du mass-streaming, une description du contexte historique menant à son avènement est effectuée, de même que la présentation des méthodes employées par les admirateurs ainsi que les causes de l’existence du mass-streaming. Finalement, les différents impacts de la pratique sont envisagés en tant que différents types de capital symbolique (économique, social, culturel, sous-culturel) afin de représenter le plus fidèlement possible les répercussions de cette activité sur les différents partis qui y sont impliqués. / The transformations brought upon by the rise of social networks and music streaming platforms have caused the birth of new ways to consume music. This thesis is about one of them, exclusive to fans of Korean popular music. More precisely, it is about a novel activity called mass-streaming, popular amongst the K-pop (Korean Pop) fan community. This practice consists in the use of specific methods that are geared towards the quickest rise possible in streams associated to a particular song on streaming platforms. The aim of this thesis is to determine the measure in which mass-streaming has an influence on the music industry and the fan community. Different conceptual models are applied in order to formulate an answer to that question, namely those of Monde des Arts (Becker 1984), symbolic capital (Bourdieu 1994) and subcultrual capital (Thornthon 2013). As a case study, it is Korean boyband Beyond The Scene (BTS) and its fan community that are studied. Data collection took place in two distinct phases. The first, which took place entirely on microblogging site Twitter, consisted in the creation of a collection of tweets about mass-streaming. The second was made up of a series of semi-directed interviews with music industry professionals. In order to present a complete picture of what mass-streaming is, a description of the historic context and causes that lead to its emergence is made, as well as the presentation of the methods used by fans. Finally, the different impacts of the studied practice are considered as different types of symbolic capital (economic, social, cultural, subcultural) in order to represent as precisely as possible the potential repercussions of this new practice on all parties involved in its functioning.

L'objectif général de cette recherche est d'élaborer un processus d'apprentissage d'accompagnement au piano jazz, dans le but de concilier mes deux instruments : le piano, de formation classique, et ma voix, entraînée au style jazz principalement. Elle fait état de mon parcours dans ma quête vers la synthèse de mes connaissances et le développement de ma personnalité artistique à travers la création jazz contemporaine. Celle-ci m'a menée vers l'étude de pianistes chanteurs modèles dont j'ai écouté et transcris la musique. Je me suis interrogée à savoir en quoi la transcription de chanteurs pianistes accompagnateurs peut influencer ma relation voix et piano à travers mes créations. Je suis allée plus loin dans ma compréhension grâce à l'étude de manuels théoriques, de cours maître/élève et de tutoriels. De là, j'ai pu déceler certains types de jeux majeurs en jazz pour l'accompagnement au piano de chanteurs. J'ai réuni ces types d'accompagnement en une typologie qui m'a servie tout au long de mon parcours de création. Dans ma pratique quotidienne, j'ai utilisé la recherche-action, qui se traduisait comme un processus itératif de développement - réflexion - correction. La relation entre mes deux instruments est devenue de plus en plus fusionnelle, créant ainsi un contrepoint polyphonique. Au fil des répétitions quotidiennes, j'ai apporté des modifications à mes créations comme le contrepoint entre la voix piano évoluait en un contrepoint polyphonique circulaire. En groupe, j'ai pu parfaire l'ensemble de mes œuvres, comptant cinq compositions et cinq arrangements originaux. Finalement, des similitudes qui unissent mes œuvres sont apparues, faisant émerger les caractéristiques de ma personnalité artistique. Cette recherche est une invitation aux vocalistes à s'auto-accompagner.

Ce mémoire de maîtrise porte sur l’intégration de l’improvisation dans la création de trois de mes œuvres récentes. Ces œuvres sont : Nyctophilia – minimum 11’00’’ – pour quatuor à cordes et soliste improvisateur ; Æther – 10’ – pour trio à instrumentation non définie ; Presqu’étoile – 10’ – pour grand orchestre. En guise d’introduction, je présente mes préoccupations artistiques, l’origine de mon travail ainsi que la dualité qui semble opposer l’improvisation et la composition. Je dresse ensuite, en lien avec mes influences personnelles, un bref portrait de l’improvisation dans le jazz et dans la musique savante axé sur la seconde moitié du 20e siècle. Finalement, les œuvres font l’objet d’une analyse ciblée afin de démontrer les moyens utilisés pour intégrer l’improvisation dans la composition. Chacune des trois œuvres expose un moyen spécifique issu de ma réflexion et de mes recherches afin de gérer l’improvisation : Nyctophilia – axe de gestion de l’information ; Æther – conversationnalité et improvisation libre ; Presqu’étoile – comprovisation à partir d’Æther. / The focus of this master’s thesis is the integration of improvisation in three of my recent pieces: Nyctophilia – minimum 11’00’’ – for string quartet and soloist improviser ; Æther – 10’’ – for a trio of undetermined instruments ; Presqu’étoile – for full orchestra. As an introduction, I present my artistic concerns, the origin of my work, and the seeming duality that places improvisation in opposition to composition. Then I draw, according to my personal influences, a brief portrait of improvisation in jazz and in art music, primarily in the second half of the 20th century. Finally, I analyze three of my pieces to show the means utilized to integrate improvisation into composition. Each piece exhibits a specific way to manage the inclusion of improvisation, these methods being the result of my reflections and research. Nyctophilia – axis as a means of information management ; Æther – conversationnality and free improvisation ; Presqu’étoile – comprovisation in relation to Æther.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdorales, 2015-2016 / Ce mémoire traite globalement du goût pour l’expérience désagréable. Plus précisément, il y est question de l’expérience de la musique noise en concert, à travers sa réception chez les auditeurs et auditrices d’Anvers, de Bruxelles et de Gand. Afin d’aborder ce phénomène, cet ouvrage observe les attentes et les évaluations de l’expérience esthétique, ainsi que les facteurs la facilitant. L’analyse présentée fait interagir différentes théories et différents concepts qui aident ensemble à comprendre la complexité de l’expérience du concert noise, autant aux niveaux affectif, évaluatif, identitaire que social. Partant, les comportements et les discours sont centraux pour la compréhension de ce phénomène. Nous verrons de la sorte le rapport particulier que le spectateur entretien avec l’objet de cette musique, et comment ce rapport facilite l’expérience et permet ultimement qu’on l’apprécie. / This master’s thesis deals globally with the taste for the unpleasant experience. Specifically, it discusses the experiences of noise music in concert, through its reception among listeners in Antwerp, Brussels and Ghent. To address this phenomenon, this work observes the expectations and evaluations of aesthetic experience, as well as the facilitating factors. The analysis made to interact different theories and concepts that help all to understand the complexity of the experience of noise music concert, both in the affective, the evaluative, the identity than the social levels. Consequently, behaviors and discourses are central to the understanding of this phenomenon. We will see in this way the special relationship that the spectator carries with this music's object, and how this relation facilitates the experience and ultimately helps its appreciation.