Le temps est à la fois une donnée objective, extérieure à l’homme, et une émanation de sa perception subjective. Dans son rapport au temps, l’homme est donc sans cesse pris dans une dialectique entre temps réel, qu’il subit, et temps imaginaire, qu’il crée. Le théâtre, œuvre d’imagination vouée à s’inscrire dans le temps réel de la représentation, est un terrain privilégié de l’observation de cette dialectique. Celle-ci se trouve d’autant plus aiguisée dans le cas d’une œuvre dramatique qui met au premier plan la psyché des personnages, et notamment leur perception subjective du temps. Or, cette question semble au cœur de l’oeuvre dramatique d’Arthur Schnitzler, Paul Claudel et Marguerite Duras. Leurs personnages manifestent de manière significative un désir d’échapper à l’irréversibilité de l’écoulement du temps, et la dramaturgie laisse voir une volonté de jouer avec lui, de se libérer de sa linéarité. L’idée que nous chercherons à défendre dans cette thèse est que le traitement du temps, dans les pièces de ces trois auteurs, est sous-tendu par le désir d’échapper à son écoulement. Sept parties composeront ce parcours. Nous partirons de la représentation linéaire pour étudier ensuite comment le temps, passé par le filtre de l’expérience subjective, se métamorphose en des formes nouvelles : « accordéon » du temps, temps répété, temps éternisé, temps recommencé, avant de nous demander si, pour ces auteurs, l’affranchissement ultime vis-à-vis de l’écoulement irréversible du temps ne se situerait pas dans la représentation théâtrale elle-même. / Time is both an objective idea, external to man and an emanation of its subjective perception. In his relation to time, man is consequently endlessly involved in a dialectic between the real time, that he is submitted to, and the imaginary time, that he creates. Drama - a work of imagination dedicated to be inscribed in the actual time of representation - is the privileged ground for the observation of this dialectic. The latter will be even more intense in the case of a dramatic work setting in the foreground the psyche of the characters and more particularly their subjective perception of time. Now, this question seems to lie at the heart of the dramatic works of Arthur Schnitzler, Paul Claudel and Marguerite Duras. The characters of their books show in a significant way a desire to escape the irreversible manner time is passing, and dramatic art lets us feel a will to play with it and to free itself from its linearity. The idea that I will try to demonstrated in this thesis is that the treatment of time, in the plays of these three writers, is underlain by the desire to escape the passage of time. Seven parts will compose this study. I will first focus on the linear representation of time, before studying how it takes a new shape once filtred by subjective experience : elastic time, repeated time, eternal time, and time started a new. I will eventually wonder if, for these authors, the ultimate emancipation towards the irreversible passage of time could lie in the dramatic representation itself.

Chez Anne Hébert, le désir est la chance donnée à l'individu de s'émanciper. Mais il aveugle parfois au point de ruiner la responsabilité et la conscience. C'est par leur refus de la soumission que les protagonistes féminins affirment, dans un premier temps, leur différence. Une telle opposition engendre une agitation fiévreuse qui rappelle l'enfance sauvage. Le délire, avec sa violence inouïe, et les retours obsédants au passé excitent la colère au point où elle devient destructrice. L'épreuve de la maladie permet aux héroïnes de mieux préparer leur révolte, à l'abri du regard des autres. L'excès qui suit la réclusion ébranle; la rage qui accompagne cette ardeur s'observe même physiquement. Aussi la métamorphose de ces femmes conduit-elle, dans un deuxième temps, à l'émergence d'une force renversante. Sur ce point, la thèse s'inspire des idées de Georges Bataille, qui voit dans la révolte une possibilité de sortir de soi, par l'épreuve du ravissement, indissociable de la peur née au contact de l'interdit. Le désir fait partie de la part maudite de l'humanité, parce qu'il permet de s'affranchir des contraintes ou, pour reprendre une expression chère à Bataille, d'accéder à la souveraineté. Cette mise en mouvement d'une acuité déchirante se déploie dans la nouvelle « Le torrent » (1950), de même que dans les romans Les chambres de bois (1958), Kamouraska (1970), Les enfants du sabbat (1975), Héloïse (1980), Les fous de Bassan (1982), L'enfant chargé de songes (1992) et Un habit de lumière (1999). Dans ces oeuvres narratives, vient un moment où la préoccupation n'est plus de respecter les convenances familiales et sociales, mais d'être disponible à l'expérience de la liberté. Dans le premier chapitre, la thèse traite de la dynamique transgressive depuis l'assujettissement des héroïnes jusqu'à leur comportement désinvolte, lorsqu'elles rient, séduisent ou réclament une vie plus impétueuse. Par un retour sur l'enfance qui ravive le désir sauvage, le deuxième chapitre étudie les conduites et les épreuves, face à l'autorité maternelle, distinctes selon que le personnage soit un homme ou une femme. La reconnaissance de la part irrévérencieuse en soi est une forme d'acquiescement au désordre. Les conduites immodérées sèment incompréhensions et douleurs. Ces moments de bascule font l'objet du troisième chapitre qui présente un sujet aux prises avec la trace ou le remous de présences mortes. Les hommes, en particulier, se font autres dans le désir. Leur curiosité les entraîne dans un chaos au même titre que le délire. Le quatrième chapitre vise à mieux décrire les expériences subversives du fantasme et ses effets dans Les enfants du sabbat. Au contact de la sorcière, des traumatismes resurgissent. Ils empruntent les formes de l'ivresse, de l'horreur et de l'effusion érotique. Cette coïncidence du mouvement du mal avec celui de la liberté est étudiée dans le cinquième chapitre. Les personnages masculins tentent en vain de surmonter leurs impulsions. La frustration de ne pas y parvenir laisse place à la révolte et parfois même au meurtre. Ils prennent alors les attributs du diable et de la bête. La rage a l'éclat d'une jouissance aussi bien que d'un aveuglement. Elle mène à un «envers du monde» où les êtres sont confrontés au fantastique. Le sixième chapitre décrit cette zone sauvage auquel le corps répond par le surgissement violent du désir. Les forêts, les villes et les villages sont autant de lieux susceptibles de mettre en évidence le lien intime entre érotisme, agressivité et transformation physique.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Les travaux présentés portent sur les étapes successives qui ont conduit au développement dans les années 1980 d'un modèle numérique qui simule l'évolution temporelle d'un manteau neigeux saisonnier en fonction des conditions météorologiques. Une première partie décrit le développement d'un modèle de neige multi-couches qui calcule les échanges d'énergie entre la neige et l'atmosphère et simule les principaux processus physiques qui contrôlent les échanges au sein du manteau neigeux.Une deuxième partie décrit comment ont été quantifiées les lois de métamorphose de la neige humide et de la neige sèche soumise à un faible gradient de température, de façon à compléter les connaissances existantes et proposer un jeu relativement complet de lois de métamorphoses de la neige saisonnière. Une troisième partie décrit l'implémentation de ces lois dans le modèle numérique, permettant ainsi de simuler la stratification du manteau neigeux, fonctionnalité qui n'existait dans aucun autre modèle à cette époque. Une évaluation détaillée de ce modèle sur le site du Col de Porte est présentée. La dernière partie introduit trois applications originales qui ont ensuite exploité les fonctionnalités de ce modèle : la simulation en temps réel de l'état caractéristique du manteau neigeux dans les Alpes françaises, l'étude de l'impact du changement climatique sur l'enneigement et la simulation de l'état du manteau neigeux dans un modèle hydrologique distribué / The thesis describes the different steps which lead during the 1980's to the development of an original numerical snow model. This model aimed at simulating the evolution of a seasonal snow cover as a function of the prevailing meteorological conditions. A first part describes the methods and algorithms used to compute the energy and mass exchange at the snow/atmosphere interface and inside the snowpack. The second part describes the experimental study which made possible the quantification of the metamorphism rate of snow samples submitted to weak temperature gradient and to liquid water content, in order to complete pre-existing knowledge on metamorphism. A third part describes the implementation of a set of metamorphism laws into the preliminary version of the snow model, which lead to the availability of the first numerical model able to simulate seasonal snowpack layering. The evaluation of the model at Col de Porte is presented. The last part introduces three applications of this model: real time monitoring of snowpack characteristics in the French Alps, assessment of the impact of climate change on snow climatology and simulation of the snowpack in a distributed hydrological model

Comment une figure antique comme celle de Psyché a-t-elle su trouver une place dans les littératures de langue anglaise? La réponse est multiple car les auteurs anglophones ont multiplié les approches, mais souvent en rapport avec la notion d'idéal. En effet, au fil des siècles, le mythe de Psyché s’est peu à peu inscrit dans une tradition idéaliste faisant de cette déesse une figure à la fois idéalisée, et à laquelle on a fait correspondre différents idéaux. Mais à l’inverse, Psyché a aussi vu son image être ternie. De nombreux auteurs ont voulu rompre avec la tradition idéaliste en cherchant à détourner l’histoire. Cette lecture nouvelle est souvent fondée sur une décomposition physique et morale du personnage. Cette dégradation lui permet alors de s’extraire du carcan que lui imposaient ses formes trop idéalisées, et d’investir de nouveaux champs littéraires plus modernes, dans des versions anti-idéalisées de ses aventures et de son mariage avec Cupidon. / How did an antique character such as Psyche, with a Mediterranean background, find a place within English-language literatures? English-writing authors have in fact multiplied the ways in which they have approached and ceaselessly reinvented the myth, generally around the notion of ideal. Indeed, throughout the centuries, the myth gradually brought about an idealistic tradition whereby this goddess became a figure both idealised and which was made to fit into various ideals.But conversely, Psyche also had this perfect image tarnished. Many writers decided to part with this idealistic tradition, looking for ways in which to distort the story. This rewriting is often based on a physical and moral decomposition of the character. This degradation thus releases her from her previous idealised and constraining forms, and enables her to enter new literary and modern fields, with anti-idealised versions of both her adventures and her marriage to Cupid.

La thèse « l’argent dans les Métamorphoses d’Apulée » est le fruit d’une accumulation de recherches. Apulée nous a paru de suite comme un auteur représentant plus d’une énigme entre sa vie et ses œuvres. Au lieu de faire le point sur les seuls sujets présents dans l’œuvre, nous avons choisi de nous concentrer sur les objets. L’argent nous est apparu comme un objet récurrent sous bien des formes. Nous avons dressé un relevé aussi complet que possible. Il nous a paru essentiel de rechercher l’origine étymologique de chacun. L’idée était de faire apparaître le sens du mot en lui-même et son utilisation en contexte. Quelle vision de l’argent et de la société pouvions-nous en tirer ? Utiliser un terme est effectuer un choix qu’un Romain de l’époque d’Apulée pouvait comprendre. C’était renvoyer à des concepts, à des positionnements, des réflexions qui faisaient sens à l’époque de l’œuvre. A alors surgi la question de l’époque et de la société d’Apulée. Dans quelle mesure l’univers économique et social du IIème siècle ap. J.-C. dépeint fictivement dans les Métamorphoses rejoignait-il la réalité de cette époque ? Restait pourtant un domaine bien difficile à manipuler : celui de la religion. Le domaine religieux n’apparaît pas seulement dans le livre XI. Entre les références à la magie, les cultes locaux, le recours à des pratiques magiques, les religions de Rome et de Grèce, les religions orientales… Dans quelle mesure cette thématique entre-t-elle en relation avec l’argent ? Finalement, l’argent semble participer à la construction de sens d’interprétation différents. C’est un des symboles qui permet des lectures renouvelées des Métamorphoses. / The thesis "Money in Apuleius’ Metamorphoses" is the result of an accumulation of research. Apuleius appeared to us immediately as an author representing more than one enigma between his life and his works. Instead of taking stock of the only subjects present in the work, we chose to focus on objects. Money has appeared to us as a recurring object in many forms. We have made a record as complete as possible. It seemed essential to us to seek the etymological origin of each one. The idea was to bring out the meaning of the word itself and its use in context. What vision of money and society could we draw from it? To use a term is to make a choice that a Roman of the time of Apuleius could understand. It was referring to concepts, positions, reflections that made sense at the time of the work. Then arose the question of the time and society of Apuleius. To what extent the economic and social world of the 2nd century AD J. - C. depicts fictitiously in the Metamorphoses it joined the reality of this time? However, there was one area that was difficult to manipulate: that of religion. The religious domain does not appear only in the book XI. Between the references to the magic, the local cults, the recourse to magic practices, the religions of Rome and Greece, the Eastern religions ... To what extent does this theme have any relationship with money? Finally, money seems to participate in the construction of different interpretations. It is one of the symbols that allow renewed readings of the Metamorphoses.

Les travaux présentés portent sur les étapes successives qui ont conduit au développement dans les années 1980 d'un modèle numérique qui simule l'évolution temporelle d'un manteau neigeux saisonnier en fonction des conditions météorologiques. Une première partie décrit le développement d'un modèle de neige multi-couches qui calcule les échanges d'énergie entre la neige et l'atmosphère et simule les principaux processus physiques qui contrôlent les échanges au sein du manteau neigeux.Une deuxième partie décrit comment ont été quantifiées les lois de métamorphose de la neige humide et de la neige sèche soumise à un faible gradient de température, de façon à compléter les connaissances existantes et proposer un jeu relativement complet de lois de métamorphoses de la neige saisonnière. Une troisième partie décrit l'implémentation de ces lois dans le modèle numérique, permettant ainsi de simuler la stratification du manteau neigeux, fonctionnalité qui n'existait dans aucun autre modèle à cette époque. Une évaluation détaillée de ce modèle sur le site du Col de Porte est présentée. La dernière partie introduit trois applications originales qui ont ensuite exploité les fonctionnalités de ce modèle : la simulation en temps réel de l'état caractéristique du manteau neigeux dans les Alpes françaises, l'étude de l'impact du changement climatique sur l'enneigement et la simulation de l'état du manteau neigeux dans un modèle hydrologique distribué

Le temps est à la fois une donnée objective, extérieure à l'homme, et une émanation de sa perception subjective. Dans son rapport au temps, l'homme est donc sans cesse pris dans une dialectique entre temps réel, qu'il subit, et temps imaginaire, qu'il crée. Le théâtre, œuvre d'imagination vouée à s'inscrire dans le temps réel de la représentation, est un terrain privilégié de l'observation de cette dialectique. Celle-ci se trouve d'autant plus aiguisée dans le cas d'une œuvre dramatique qui met au premier plan la psyché des personnages, et notamment leur perception subjective du temps. Or, cette question semble au cœur de l'oeuvre dramatique d'Arthur Schnitzler, Paul Claudel et Marguerite Duras. Leurs personnages manifestent de manière significative un désir d'échapper à l'irréversibilité de l'écoulement du temps, et la dramaturgie laisse voir une volonté de jouer avec lui, de se libérer de sa linéarité. L'idée que nous chercherons à défendre dans cette thèse est que le traitement du temps, dans les pièces de ces trois auteurs, est sous-tendu par le désir d'échapper à son écoulement. Sept parties composeront ce parcours. Nous partirons de la représentation linéaire pour étudier ensuite comment le temps, passé par le filtre de l'expérience subjective, se métamorphose en des formes nouvelles : " accordéon " du temps, temps répété, temps éternisé, temps recommencé, avant de nous demander si, pour ces auteurs, l'affranchissement ultime vis-à-vis de l'écoulement irréversible du temps ne se situerait pas dans la représentation théâtrale elle-même.

Le présent travail propose une étude diachronique des tragédies d’argument ovidien parues en France entre la moitié du XVIe et la fin du XVIIe siècle, ainsi qu’une étude ciblée des tragédies dont le sujet est tiré du recueil des Héroïdes.La littérature française de ces époques, on le sait, est liée intimement à l’œuvre d’Ovide : non seulement les écrits du poète connaissent une diffusion extraordinaire, mais leurs traductions, réécritures et imitations, leurs adaptations théâtrales et leurs transpositions figuratives sont légion. La diffusion et l’appropriation des œuvres d’Ovide ont contribué à la naissance de nouveaux genres littéraires et ont donné lieu à l’émergence de phénomènes d’émulation qui ont nourri notamment l’élaboration de l’esthétique galante et élégiaque dans la seconde moitié du XVIIe siècle, ainsi que Marie-Claire Chatelain l’a montré. Le caractère extrêmement capillaire et stratifié de la présence d’Ovide dans la culture française, par conséquent, impose la plus grande prudence.L’étude des tragédies d’argument ovidien montre, tout d’abord, que les auteurs ont la tendance à ne pas afficher leurs dettes envers Ovide dans leurs textes liminaires, en préférant mentionner des auteurs anciens considérés comme plus prestigieux. Pourtant, surtout dans la première moitié du XVIIe siècle, les cas d’imitation proche du modèle sont nombreux. Certes, l’étendue généralement modeste des morceaux poétiques qu’Ovide accorde aux mythes qu’il développe dans ses œuvres implique un travail d’amplificatio imposant, dans lequel l’intertexte ovidien peut finir par se délayer. Par ailleurs, les contraintes que le passage de genre impose aux dramaturges entraînent des changements non seulement aux niveaux de l’elocutio et de la dispositio mais aussi de l’inventio : tout n’est pas représentable sur la scène tragique française et, inversement, certains éléments qui peuvent manquer dans une épître ou un récit d’Ovide ne peuvent pas faire défaut dans une pièce théâtrale de certaines époques. La production de pièces de sujet ovidien est considérable dans les années 1620-1630 ; elle connaît une baisse remarquable dans les années 1640-1660, pour remonter à partir des années 1670 : l’essor de la tragédie lyrique, souvent de sujet métamorphique, entraîne la production de tragédies du même sujet par une dynamique d’émulation.Si l’influence des Héroïdes sur le théâtre tragique français est souvent tenue pour certaine, aucune étude systématique n’avait été menée pour le vérifier jusqu’à présent. Nous avons retenu, dans notre corpus, seulement les pièces traitant des héroïnes et des héros du recueil. Dans la première partie du XVIIe siècle on assiste généralement à des pratiques d’imitation proche du modèle ; au fil du siècle, en revanche, les auteurs prennent de plus en plus les distances du texte ovidien, en s’inspirant davantage des pièces de leurs prédécesseurs français. Environ la moitié des Héroïdes ne connaît pas de transposition théâtrale, et dans le cas de plusieurs personnages (Phèdre, Didon, Médée) les auteurs de théâtre négligent les relectures élégiaques proposées par Ovide en privilégiant les sources anciennes tragiques et épiques.Sans avoir la prétention de fournir des réponses exhaustives sur la question du rayonnement d’Ovide dans le théâtre tragique français des XVIe et XVIIe siècles, cette thèse ne constitue que la première étape d’un travail plus vaste. Cette première étape, néanmoins, aura permis de relever que les liens entre l’œuvre d’Ovide (notamment les Héroïdes) et le théâtre tragique français sont plus complexes que ce que l’on croit. / This thesis is a diachronic study of Ovidian tragedies published in France between the middle of the sixteenth century and the end of the seventeenth century, as well as a more focused study on those tragedies based on the Heroides.It is well known that French literature of this period is intimately linked to the Ovidian corpus: the poet’s writings were widely circulated and there was a proliferation of translations, rewritings and imitations, as well as theatrical adaptations and figurative transpositions. This diffusion and appropriation of Ovid’s works contributed to the birth of new literary genres and gave rise to the emergence of the phenomena of emulation which, as Marie-Claire Chatelain has shown, notably fostered the elaboration of the gallant and elegiac aesthetic in the second half of the seventeenth century. The extremely extensive and stratified nature of Ovid’s presence in French culture thus necessitates the utmost caution in this study.The study of these Ovidian tragedies firstly shows that the authors tended not to reveal their debt to Ovid in their liminary texts, preferring to cite classical authors that were considered more prestigious. Yet, especially in the first half of the seventeenth century, there are numerous cases of imitation that closely resemble the Ovidian model. Admittedly, the generally modest length of the poetic passages that Ovid grants to the myths he develops in his writings thus requires an impressive amount of amplificato, in which the Ovidian intertext is inevitably diluted. Moreover, the change in genre imposes certain constraints for the dramatist, inevitably leading to modifications not only at the level of elecutio and dispositio, but also inventio. While not everything can be represented on the French tragic stage, certain elements that may not feature in an Ovidian epistle or narrative inversely cannot be absent in a French tragedy of this period. The production of Ovidian tragedies was considerable in 1620 – 1630; it underwent a remarkable decline from 1640 – 1660 and then experienced a revival in the 1670s. The rise of lyrical tragedy, often on the subject of metamorphosis, led to the production of tragedies on this subject by a dynamic of emulation. If the influence of the Heroides on French tragic theatre is often held as certain, no systematic study had previously been carried out to verify this. The corpus of plays referenced here are those that deal with the heroines and the heroes of the collection. In the first half of the seventeenth century, one generally observes practices of imitation close to the model. Over the course of the century, however, authors increasingly distanced themselves from the Ovidian text, drawing more on the works of their French predecessors. Around half of the Heroides do not undergo a theatrical transposition and, in the case of several characters (Phèdre, Dido and Medea), the dramatists abandon the elegiac re-readings proposed by Ovid and instead draw from ancient tragic and epic sources.Without claiming to provide exhaustive answers to the question of Ovid’s influence on French tragedy of the sixteenth and seventeenth centuries, this thesis constitutes the first stage of a more extensive piece of work. This first step, however, reveals that the links between Ovid's work, with particular focus on the Heroides, and French tragedy are more complex than has been believed.

Le rapport des Métamorphoses d'Ovide à l'espace est analysé sous les trois angles du concept (espace géométrique), de l'expérience (espace pratique) et des représentations (espace métaphorique). Le mythe cosmogonique, premier récit de l’œuvre, pose la question des frontières entre les éléments, la naissance de l'homme pose celle de leur transgression. Le texte se construit dans une tension dont l'espace est le moteur. Les Métamorphoses proposent un trajet de lecture vers Rome, jalonné d'indices d'une romanisation progressive. L'espace de prédilection du texte est alors l'espace terrestre et sa géographie. Or, cette linéarité n'est qu'illusoire. La crainte d'un retour au chaos initial est forte et l’œuvre se construit autour de l'expression programmatique de la « discors concordia » (1,433). Les êtres qui peuplent le mundus participent de cette tension. Le mythe cosmogonique a posé une ontologie spatiale. Les espaces sont des seuils où se joue l'identité des êtres, dans une ontologie en mouvement qui lie changement d'espace et changement de nature. / The relationship between Ovid's Metamorphoses and the notion of space is analyzed in the three different directions of the concept (geometrical space), of the experience (practical space) and of representations (metaphorical space). The cosmogony, the first tale in the Metamorphoses, poses the question of the boundaries between the elements, while the birth of human beings poses that of their transgression. The text is constructed upon a tension within which space is the driving force. The Metamorphoses offer the reader a journey to Rome punctuated by indications of a progressive romanization. The chosen space of the text thus becomes the terrestrial space and its geography. But this is only an illusory kind of linearity. There is a strong sense of fear of a return to the initial chaos and the book is constructed around the programmatic expression of the «discors concordia» (1,433). The beings who inhabit the mundus take part in this tension. The cosmogony has laid the foundations for a spatial ontology. Spaces are thresholds where the identity of all beings is played out and questioned, in an ontology in movement that unites the transformations of space and nature.