Orientador: José Roberto Zan / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-27T18:13:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Freire_GuilhermeAraujo_M.pdf: 3785916 bytes, checksum: 7074b9f4c38144853c89de9e6f856bab (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: Este trabalho aborda e problematiza as diferentes fases da carreira artística do compositor e intérprete Tom Zé, situadas entre o lançamento do seu primeiro LP em 1968 e o final da década de 1990. Estabelecendo como foco central sua produção musical, concebida com uma postura crítica frente a certos cânones e padrões da canção de massa consolidados no mercado e com práticas criativas experimentais análogas às do repertório das vanguardas do pós-guerra, investigamos a relação tensa estabelecida entre o seu projeto estético experimental e a indústria cultural. Nesse sentido, a pesquisa tentou situar os discursos e quatro discos de Tom Zé nos respectivos contextos históricos e configurações da indústria fonográfica, buscando compreender melhor as especificidades de sua inserção no mercado de música popular, suas estratégias de atuação, o sentido de suas opções estéticas, bem como investigar as transformações ocorridas no seu projeto estético ao longo de sua trajetória / Abstract: This work broaches and problematizes the different phases of the artistic career of the composer and performer Tom Zé, located between the release of his first LP in 1968 and the late 1990¿s. Establishing as central focus his music production, conceived with a critical posture towards certain canons and mass song patterns consolidated in the market and with experimental creative practices analogous to the repertoire of the postwar avant-garde, we investigated the tense relationship established between his experimental aesthetic project and the cultural industry. In this sense, the research tried to position the discourses and four discs of Tom Zé in the respective historical contexts and configurations of the phonographic industry, seeking to better understand the specifics of his insertion in the popular music market, his acting strategies, the sense of his aesthetical options, as well to investigate the transformations occurred in his aesthetical project throughout his career / Mestrado / Música, Teoria, Criação e Prática / Mestre em Música

Los estudios tradicionales sobre la música en el cine no han abordado de una forma exhaustiva la decisiva aportación de las músicas populares en la conformación de la música cinematográfica. El planteamiento de estos textos ha estado, en gran medida, condicionado por una visión cultural eurocentrista que intentaba vincular la música sinfónica del cine clásico norteamericano (un cine que aspiraba a una narración realista y a una consideración artística) con la tradición musical culta europea, sin valorar adecuadamente la importancia de otras manifestaciones musicales norteamericanas de raíz popular, más fantasiosas y más imprevisibles a nivel narrativo. En este sentido, la trayectoria profesional de los hermanos Marx se revela como un medio óptimo para estudiar estas influencias musicales. Así, antes de su debut cinematográfico con The Cocoanuts (1929), los Marx habían atesorado una experiencia de más de veinte años en los escenarios del vaudeville y de la comedia musical. Sin embargo, las investigaciones realizadas hasta ahora sobre el cine marxiano han priorizado la etapa más exitosa de nuestros protagonistas (a partir de A Night at the Opera, 1935), una etapa censurada por el código Hays y controlada desde la producción de la Metro Goldwyn Mayer, descuidando sus primeros films donde la influencia musical popular vaudevillesque es mucho más notoria. Además, estos estudios sólo han abordado los contenidos musicales de una forma tangencial (a modo de inventario), separándolos de su contexto expresivo, e infravalorándolos artísticamente (desde una perspectiva etnocéntrica) debido a su sentido cómico y popular. Desde esta perspectiva, el propósito de nuestro trabajo ha sido constatar (o refutar) la siguiente hipótesis: los hermanos Marx utilizan las músicas populares en su cine, integrándolas en la representación según los recursos expresivos propios del vaudeville y es necesario conocer estos recursos para comprender la verdadera función expresiva y significación de esas músicas. Para ello, tras una semblanza biográfico-artística (Gehring, Louvish y Marx), hemos realizado una revisión exhaustiva del contenido musical de los espectáculos de vaudeville presentados por los Marx antes de llegar al cine, relacionándolos con la práctica habitual de la época (Snyder y Lott). Igualmente, hemos investigado las temáticas y las músicas (incidiendo en los aspectos sociológicos de una época muy convulsa) propias del cine de la época (Altman), así como del teatro musical de Broadway (Bordman y Jones) en el que también trabajaron los Marx. Por último, hemos realizado un análisis exhaustivo, desde una perspectiva musical (pero también social y cultural), de las siete primeras películas de los hermanos Marx, constatando, así, la importancia de los contenidos musicales populares en la construcción del significado expresivo. Además, hemos advertido la utilización de estas músicas como una reivindicación de las raíces populares de la identidad cultural, frente a la irrupción de la tradición musical europea en el cine clásico norteamericano. / Sanjuan Mínguez, R. (2014). La música en el primer cine de los hermanos Marx [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/38861 / TESIS

As mudanças políticas das décadas de 50, 60, 70 e 80 foram pano de fundo para a transformação da música nacional no Brasil e Nara Leão fez parte desse processo. Através de sua carreira artística podemos recontar a história da Música Popular Brasileira (MPB) e descobrir compositores antes não conhecidos e que vieram a luz através de sua performance. Nos anos 50, a Bossa Nova surgiu como uma mistura do samba, que não era aceito pela sociedade moderna por sua associação à pobreza, com o jazz americano, criando uma nova identidade na música. Nara fez parte do grupo que desenvolveu esse tipo de música que era o símbolo da sociedade moderna de classe média do Rio. Em uma nova fase de sua vida, percebeu que a vida era mais difícil para muitos e sentiu o desejo de usar a música para movimentar as massas para o bem comum, o que lhe levou a gravação do disco Opinião e a criação de um show inovador e extremamente político. Por ter um bom gosto e uma mentalidade aberta para diferentes estilos de música, Nara participou de parcerias memoráveis com Chico Buarque, que se tornou o maior símbolo da música politizada. Sempre a frente de seus colegas cantores, também fez parte do movimento Tropicália, movimento criado para quebrar todas as barreiras impostas na música e nas artes pelos ditadores e até mesmo intelectuais de esquerda, quando ainda era extremamente criticado pelos adeptos à MPB. Sua carreira foi marcada pela descoberta de novos estilos e a reinvenção de estilos existentes na música brasileira e por isso que Nara Leão se tornou um dos maiores nomes da música brasileira

La presente investigación nace motivada por la ausencia de un estudio relacionado con la influencia abakuá en las primeras producciones discográficas de la Asociación Cultural Perú Negro. En este sentido, el trabajo analiza los principales componentes rítmicos del tema “Juan de Mata”, incluido en Son de los diablos, producción discográfica del año 1974 de la Asociación Cultural Perú Negro, con el objetivo de identificar los elementos característicos de la cultura afrocubana abakuá presentes en dicho tema. El resultado de la investigación se sustenta en una exhaustiva búsqueda bibliográfica y el acceso a fuentes primarias, como grabaciones discográficas y entrevistas personales a músicos relacionados directamente con el tema. El texto presenta un acercamiento a la cultura abakuá: sus orígenes, características fundamentales, rituales e instrumentos. Incluye, además, una mirada cronológica sobre la consolidación de la música afroperuana, con especial atención en la agrupación Perú Negro. El análisis de fragmentos musicales desde el punto de vista rítmico, estructural, interpretativo, tímbrico y organológico permite evidenciar la presencia abakuá en la producción mencionada / Tesis

El canto lírico y el canto popular son estilos que por mucho tiempo se han considerado divergentes. Sin embargo, hace menos de 5 años surgió en la pedagogía vocal el término Vocal Cross-training, un tipo de entrenamiento que propone interrelacionar las herramientas de ambos estilos de canto con el fin de conseguir una retroalimentación entre ellos y una mejor ejecución vocal en general. Por ello, la presente investigación tiene como objetivo analizar cómo podría influenciar el Vocal Cross-training en la ejecución de cantantes populares en etapa de formación; para así brindar información podría resultar valiosa para las(os) estudiantes de la comunidad artística que desean optimizar su entrenamiento vocal, pedagogos vocales y profesionales de la voz en general. De esta forma la investigación, como herramienta metodológica, diseña un laboratorio en el que tres participantes se disponen a realizar el entrenamiento señalado, guiadas por dos maestras especialistas en canto lírico y canto popular. Finalmente, el análisis y discusión de resultados nos ha permitido concluir que el Vocal Cross-training influye favorablemente en la ejecución artística de las 3 cantantes populares del laboratorio. Los diversos ejercicios que propone el entrenamiento enriquecen considerablemente el manejo de aspectos de su técnica vocal como lo son: la coordinación fono respiratoria, los registros fonatorios, la resonancia, el rango vocal, flexibilidad y la producción vocal en general, logrando también la aplicación efectiva de estos al repertorio. Además, este permite desarrollar la propiocepción en las participantes, concediéndoles seguridad en ellas mismas respecto a sus voces y su capacidad para la interpretación en la performance.

La música, en tanto parte importante de la liturgia evangélica, ha sido objeto de discusión y controversia. Se conoce que la vertiente pentecostal y carismática de la iglesia evangélica ha mostrado apertura a los cambios musicales y a la apropiación de la música popular y sus diferentes géneros contemporáneos. El presente trabajo analiza desde una perspectiva histórica, musicológica y sociológica, el papel que tiene la llamada Música de Adoración Contemporánea conocida también con el nombre de “Alabanza y Adoración” dentro de la liturgia de la iglesia evangélica peruana. Para ello, investigo el proceso de apropiación que se dio en la década de 1980 en la iglesia evangélica Alianza Cristiana y Misionera de Lince. Asimismo, realizo un estudio de caso que explora y analiza la forma en que los actores musicales y religiosos de la iglesia Emmanuel, localizada en el distrito de San Isidro y originada por miembros de la primera iglesia mencionada, articulan en su experiencia “cultica dominical” el género musical que han denominado pop-rock contemporáneo como un medio para transmitir una identidad moderna ante la sociedad. La apropiación de este género musical en particular dentro de esta iglesia, ha sido objeto de encuentros y desencuentros. Por ello, este trabajo también explorará las tensiones, negociaciones y justificaciones generadas por esta apropiación musical. Por último, trato de comprender el significado, la autenticidad, así como las lógicas musicales locales y globales dentro de esta comunidad evangélica que posiblemente estén transformando las prácticas, la producción y la performance de la música cristiana dentro de su liturgia. / Tesis

La presente tesis tiene como objetivo experimentar a través del uso de la teoría de George Frederick McKay sobre la textura musical en la realización de un arreglo de una canción pop. Esta teoría se encuentra en el libro Creative Orchestration (1963) y describe nueve texturas musicales aplicadas a la orquesta sinfónica: monofónica, cordal, polifónica, homofónica, politemática, polirrítmica, heterofónica, onomatopéyica y la combinación textural. En ese sentido, esta investigación pretende explorar de qué manera se puede trasladar esta teoría originalmente aplicada a la música académica en la realización de un arreglo de música pop. En el presente documento se expone cómo es que se aplicó el marco teórico de McKay y con qué intención se hizo en la realización del arreglo. El resultado de la experimentación mostró que se pudo llevar a cabo el objetivo con la ayuda de distintas prácticas y herramientas de producción musical y que, a pesar de ser una teoría creada desde una perspectiva académica, se pudo mantener el aspecto estético y comercial de la música pop. / The purpose of this thesis is to experiment through the use of George Frederick McKay's theory on musical texture in the creation of an arrangement for a pop song. This theory is found in the book Creative Orchestration (1963) and describes nine musical textures applied to the symphony orchestra: monophonic, chordal, polyphonic, homophonic, polythematic, polyrhythmic, heterophonic, onomatopoeic, and textural combination. In this sense, this research aims to explore how this theory, originally applied to academic music, can be translated into the creation of a pop music arrangement. This document explains how McKay's theoretical framework was applied and the intention behind its use in the arrangement. The results of the experimentation demonstrated that the objective was achieved with the help of various music production practices and tools, and despite being a theory developed from an academic perspective, the aesthetic and commercial aspects of pop music were successfully maintained.

This dissertation focuses on a recent but growing movement in Argentina, state-sponsored formal institutions of popular music education. The musics taught in these schools – tango, jazz, and Argentine folk idioms – have historically been excluded from the country’s formal music education systems. Recent moves to standardize and legitimize these musics in this new institutional context raise questions of canon formation, pedagogical praxis, aesthetics and musical meaning that have implications far beyond the classrooms where they are implemented. I examine two of these schools based in and around the capital city of Buenos Aires: the Escuela de Música Popular de Avellaneda, and the Tango and Folklore department of the Conservatorio Superior de Música “Manuel de Falla.” I adopt an ethnographic approach that considers broad structural and policy issues of power distribution, state intervention, and cultural nationalism. I also examine how these structures play out in discourse and practice within and beyond the classroom, shaped by and in turn shaping students’ and teachers’ aesthetics, politics, and subject positions. I then analyze the output of several musical groups composed of current students and recent graduates of these programs, exploring the notion of an emerging institutional aesthetic and the extent to which these institutions act as homogenizing influences or engender creative divergence. Finally, applying Pierre Bourdieu’s concept of a field of cultural production, I question the extent to which this new “música popular” is truly popular, ultimately arguing that it occupies a sort of third space between mass culture and high culture, replicating some avant-garde assumptions about the role of art as anti-commercial, yet simultaneously embracing a symbolic economy that valorizes populist and subaltern identities and ideologies. / text

Submitted by Suemi Higuchi (suemi.higuchi@fgv.br) on 2009-07-30T18:03:38Z No. of bitstreams: 1 CPDOC2009GabrielaSandesBorgesdeAlmeida.pdf: 1333156 bytes, checksum: ae4e645b496961135796c984a3ffb01e (MD5) / Made available in DSpace on 2009-07-30T18:04:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 CPDOC2009GabrielaSandesBorgesdeAlmeida.pdf: 1333156 bytes, checksum: ae4e645b496961135796c984a3ffb01e (MD5) / This study investigates the role of the Projeto Pixinguinha within public policies intended to support, democratize and provide access to the cultural wealth of Brazil during two specific historical moments: the 1970s, when the project was created, and the first decade of the twenty-first century, focusing on the period between 2004 and 2007. Together with the study of this trajectory, some of those responsible for the project between 2004 and 2007 were interviewed, particularly those connected to public power at the municipal, state and federal levels. Using all this information, a panorama is traced of the work done by the project, its mission to popularize Brazilian music and its role in forming audiences. / Este estudo tem por objetivo investigar o papel do Projeto Pixinguinha no universo das políticas públicas de incentivo, democratização e acesso aos bens culturais no país, em dois momentos históricos específicos: os anos 1970, quando foi criado, e os anos 2000, com análise específica de 2004 a 2007. Aliado ao estudo dessa trajetória, foram colhidos depoimentos de alguns dos atores sociais envolvidos na execução do Projeto de 2004 a 2007, em especial aqueles ligados ao poder público nas esferas municipal, estadual e federal. Com a reunião desses elementos, foi traçado um panorama de atuação do Projeto Pixinguinha e sua missão de difundir a música brasileira e formar plateias.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:22Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2008-03-06Bitstream added on 2014-06-13T18:30:04Z : No. of bitstreams: 1 sbernijunior_c_me_fran.pdf: 338822 bytes, checksum: 8a271857dec3ca0308c5d826a5ac9fdb (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / O presente trabalho foi desenvolvido a partir dos questionamentos desdobrados do Álbum duplo Clube da Esquina de 1972, de Milton Nascimento e Lô Borges, que apresenta um forte caráter conceitual enquanto obra. E para entender os rumos da produção musical, privilegiamos o caminho que as técnicas de gravação e reprodução musical impuseram aos intérpretes e performers. Assim, procuramos abordar na idéia de Álbum a constituição de um conceito de obra, desdobrando-se em como foi a recepção dessa idéia de álbum no Brasil, adequando-se à dinâmica do formato e sua relação com o gênero e mercado fonográfico. A partir da década de 1970, podemos observar, nessas obras, inerentes possibilidades de diálogos e trocas culturais, que reproduziam de maneira particular os diálogos e a difusão de mensagens dos movimentos ligados à contracultura, disseminados transnacionalmente. O trabalho vislumbra os mecanismos de incorporação dessas diversas temáticas nas obras que se cruzam e estabelecem diálogos em suas canções no Brasil, a fim de perceber em que medida existe a incorporação desse aparato conceitual nas produções musicais / This paper was developed through questions deployed from the Corner Club 1972 Album and it consists a strong conceptual issue while work produced by Milton Nascimento and Lô Borges. To understand paths towards music production we emphasized the way which recording techniques and music reproduction were imposed to interpreters and performers. In this way, we focused to address the Album idea in the grouping elements of a concept of a work of such nature, considering how this idea was interpreted in Brazil adjusted by the dynamic of shape and its relation with the audio business. From 1970’s, we can recognize many possibilities of dialogues and cultural interchanges in these works that particularly reproduced dialogues and dissemination of messages from counter culture movements transnational known. Furthermore, it is relevant to see these joining mechanisms from different perspectives of works that cross themselves and establish dialogues in the Brazilian songs, in purpose to realize to what extent this joining conceptual perspective does exist in music productions