Uppsatsens avsikt är att undersöka hur posttraumatiskt stressyndrom, PTSD, gestaltas ifilmerna Batman Begins, The Dark Knight och The Dark Knight Rises genom karaktärernaBatman och Bane. Negativa porträtteringar av psykisk ohälsa har förekommit på film genomatt det gång på gång är skurken eller offret som lider av det, däremot har Christopher NolansBatman-trilogi inte blivit kritiserad för att gestalta PTSD på ett negativt sätt. Analyserandet avdessa filmer görs därför utifrån manualen DSM-5 där olika kluster beskriver de kriterier sombehöver vara synliga för att en person ska kunna diagnostiseras med PTSD. Scenerna därBatman och Bane möjligen visar prov på dessa kriterier analyseras genom karaktärernasdialoger, handlingar och mise-en-scène. Analysen görs för att ta reda på om gestaltandet skerpå ett sådant sätt att dessa filmer kan sägas ge en rättvis bild av PTSD. Genom enkaraktärisering av Batman och Bane utifrån dessa begrepp och metoder gick det att fastställaatt filmerna förhåller sig till DSM-5. Tack vare att både skurken och hjälten gestaltar tvåmöjliga sidor av PTSD ger de tillsammans en helhet och därmed en mer rättvis bild av PTSD generellt.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

I filmen Anna Karenina (Wright, 2012) används mise-en-scène för att skildra det sociala livet hos den ryska aristokratin i slutet av 1800-talet. Men på vilket sätt kan filmens narrativ förmedlas till publiken genom filmens visuella uttryck? Den här uppsatsen undersöker hur iscensättning kan använda symbolik för att skildra en films narrativ. Analysen utgår från sju scener ur Anna Karenina som tolkas efter dess scenografi, kostymering och ljussättning. Uppsatsen använder denotation och konnotation för att undersöka vilka tolkningar som kommer av filmens visuella uttryck. Analysen visar hur aristokraterna porträtteras i en teatral miljö för att skildra hur deras sociala interaktioner blir till ett framträdande, den teatrala miljön skildras genom både scenografi och ljussättning. Kostym tolkas bland annat utifrån färgsymbolik vilket kan ge flera olika tolkningar angående karaktärernas motiv och sinnesstämning. Undersökningens slutsats blir att filmens narrativ förstärks av dess scenografi, kostym och ljussättning men att det ofta finns flera möjliga tolkningar att göra gällande symboliken.

Syftet med denna uppsats är att undersöka dels vilka former av makt som den drivande karaktären Hans Landa i filmen Inglourious Basterds (2009) använder sig av i två utvalda förhörsscener, dels hur mise-en-scène i form av föremål, kostym och gester nyttjas för att presentera makt. Uppsatsen tar avstamp i en semiotisk bildanalys, med teorin om maktbas som grund. Analysen kommer fram till att karaktären Hans Landas makt framstår i de fyra olika maktbaserna legitim makt, tvingande makt, belöningsmakt och informationsmakt. Slutsatsen finner även likheter i scenerna, så som den vita färgen i föremål som mjölkglas och grädde samt dess konnotation till det oskyldiga. Föremål med vit färg är något Landa i båda scenerna förstör på olika sätt, vilket kopplas till hans position som SS-soldat.

Inom det akademiska forskningsfältet har den historiska spelfilmen länge betraktats som ren fantasi utan historiskt värde. Samtidigt verkar den historiska spelfilmen bli alltmer populär inom historieundervisningen. Tidigare didaktiskforskning har fokuserat på varför lärare använder historiska spelfilmer i sin undervisning, vilka sådana filmer är, och elevers erfarande av dem. Därför syftar studien att utifrån analys av historiska spelfilmer utveckla ett didaktiskt verktyg för historielärare, ämnat att främja elevers förståelse av historiebruk. Ett sådant syfte anses svara mot ett försummat område inom det svenska forskningsfältet och bidra med kunskap om hur historiska spelfilmer kan användas i praktisk undervisning. Förslag på historiska spelfilmer lämpade för undervisning samlades in genom en enkät riktad till historielärare. Filmerna Gladiator, Suffragette och Schindler’s List valdes sedan ut för en analys. De tre filmerna ansågs utgöra en variation av historiska spelfilmer, vilket i sin tur skulle utmynna i ett generaliserbart resultat. Filmanalysen genomfördes med stöd av ett teoretiskt analysredskap med en övre och undre tolkningsnivå. Genom att med den övre tolkningsnivån belysa relationen mellan filmskaparens intention och filmberättelsens funktion, inom vilken ett historiebruk tog form, granskade sedan den undre tolkningsnivån vilka narrativa och estetiska uttryck historiebruket gav upphov till. Sammanställningen av analysen resulterade i två skalor för tolkning av historiebruk i historiska spelfilmer. Den ena skalan består av en pendling mellan fiktiv historia och historisk fiktion, medan den andra skalan illustrerar förhållandet mellan historiskt spektakel och historisk rekonstruktion. Genom att kombinera skalorna genererades en teoretisk modell som formulerar fyra olika kategorier av historiebruk i historiska spelfilmer. I diskussionen beskrivs sedan hur lärare kan använda denna modell som ett verktyg vid planering av undervisning ämnad att främja elevers förståelse av historiebruk. Genom verktyget kan lärare få en djupare insikt i hur den historiska spelfilmen förhåller sig till autenticitet jämfört med underhållning. De olika kategorierna av historiebruk resulterar också i olika porträtt av historiska personer. Slutligen beskrivs även hur en historisk spelfilm kan fungera antingen som en primär- eller sekundärkälla beroende på historiebrukets sammanhang.

Ce mémoire rend compte du processus de création de la pièce de théâtre Monologues de Femm, processus qui s'est échelonné sur plus de huit mois, de l'idée initiale aux représentations finales. Présentée pour la première fois en octobre 2007, cette pièce rassemble sept extraits de textes tirés d'oeuvres de la littérature. Premièrement, j'aborde ce qui a guidé mes choix littéraires et la manière dont j'ai agencé, adapté et parfois même traduit ces fragments. Ensuite, j'explique comment j'ai créé Femm, placière rebelle, personnage principal de la pièce, dont le propos unit chacun des extraits entre eux. Suit la description de l'arrivée des trois comédiennes dans le processus de travail ainsi que la définition de la scénographie, élaborée à l'étape des lectures. Finalement, je décris la mise en scène du spectacle proprement dit ; depuis la direction d'actrices jusqu'à la création de la pièce au Théâtre de la Bordée, à Québec. Des traces du spectacle sont conservées sur un DVD qui accompagne cet essai.

Ce mémoire décrit un travail de recherche-création portant sur la mise en scène théâtrale et ses multiples enjeux. Il y est question du parcours entrepris pour créer le spectacle La vie comme un voyage à partir d'un collage de textes, avec pour objectif d'explorer toutes les étapes d'un processus de mise en scène, c'est-à-dire l'élaboration de la proposition dramaturgique qui découle du texte, l'idéation de l'environnement spatial avec une équipe de concepteurs professionnels (scénographie, costumes, éclairages, bande-son), la recherche, l'apprentissage et la création de projections animées de photos, l'élaboration des déplacements des comédiens, l'établissement de conventions avec les spectateurs et la direction d'acteurs. Tous les jalons de l'élaboration de ce spectacle sont décrits, y compris une première étape constituée de rencontres avec des metteurs en scène professionnels de Québec jusqu'à la présentation des résultats de recherche en laboratoire public. Cet essai inclut également un résumé des notions de mise en scène retenues et une évaluation des résultats obtenus.

Cette recherche-création traite de l’interprète musical dans les arts de la scène. Elle vise à définir et répondre aux problématiques posées par l’insertion de cette figure musicale dans une forme théâtrale. Elle propose, dans un deuxième temps, une création visant à intégrer le musicien de manière totale, en dégageant les stratégies de mise en scène pour y parvenir. Pourquoi faire le choix de convoquer un musicien sur scène, alors que l’on dispose aujourd’hui des technologies nécessaires pour diffuser du son dans un spectacle? Et en tant que metteur en scène, comment l’exploiter à son plein potentiel? Après avoir défini ce que l’on appelle l’interprète musical, un rapide historique de sa place dans les interrelations musique-théâtre permet de dégager des fonctions récurrentes de ce dernier. On aborde ainsi les tendances d’apparition et réapparition successives du musicien dans l’histoire du théâtre, les expérimentations de théâtralisation de celui-ci dans le domaine musical, ainsi que le théâtre instrumental, véritable exercice de « mise en jeu » de l’interprète. Par la suite, une étude de dix spectacles employant des musiciens permet de constater les tendances de traitement de ces derniers, et proposer une typologie des grandes postures possibles du musicien dans les arts vivants. Enfin, la dernière partie de ce mémoire fait état de la création menée en collaboration avec un musicien, et expose les différentes étapes nécessaires à l’élaboration de celle-ci. En parallèle, on peut voir comment s’est construite la méthodologie de travail, et quelles stratégies ont été mises en place pour mener à bien cette entreprise. Cette recherche-création vise donc à mieux comprendre et explorer une figure complexe, qui malgré sa présence fréquente sur les scènes contemporaines, n’est que très peu sujet d’ouvrages théoriques ou de travaux universitaires.

Titre de l'écran-titre (visionné le 6 septembre 2023) / L'étude s'inscrit dans le champ de la recherche-création en pratiques théâtrales, plus précisément j'examine les processus de création scénique d'une modalité de composition dramaturgique qui a été identifiée et nommée comme dramaturgies plurielles. Les dramaturgies plurielles cherchent à créer des scènes à plusieurs composantes, qui se caractérisent par la non-convergence, l'hétérogénéité, une hiérarchie variable, la préservation de la complexité et de la différence. Ceci afin de partager avec les spectateurs plusieurs lignes de composition, plusieurs chemins potentiels de sens, compréhension et sensation, parmi lesquels le spectateur doit naviguer et créer son propre montage. Cette approche défie les pratiques traditionnelles et dominantes de fabrication de la scène, qui ont été conçues pour répondre à un besoin d'unité dramatique et de sens. Les écritures scéniques plurielles, donc, demandent de nouvelles procédures, stratégies et postures de création pour être réalisées. Dans la quête d'offrir des chemins de réaction à ces défis, l'étude se base sur l'observation de deux laboratoires de recherche-création (réalisés entre 2018 et 2020) et du processus de création du spectacle Assemblée Générale Extraordinaire : l'effondrement de la compagnie Bureau de l'APA (entre avril 2019 et avril 2021). Les notes de ces observations sont mises en dialogue avec les références théoriques pour constituer un inventaire des pratiques qui peuvent favoriser la création de dramaturgies plurielles pour la scène. L'aboutissement de la recherche dans la forme d'un inventaire de pratiques de création est une tentative d'établir une base de recherche qui pourrait être approfondie ensuite, par la chercheure ou d'autres recherches. Aussi, l'inventaire promeut le maintien d'un certain degré d'ouverture et de fragmentation qui favorise la manipulation et la recombinaison de ces éléments, pouvant ainsi répondre aux besoins d'artistes et étudiantes en formation ou dans leurs propres processus de création. / The study is part of the field of practice-based research in theatrical practices, more precisely I examine the creative processes of a modality of dramaturgical composition that has been identified and named as plural dramaturgies. Plural dramaturgies seek to create multi-component scenes, which are characterized by non-convergence, heterogeneity, variable hierarchy and the preservation of complexity and difference. This, in order to share with the spectators several lines of composition, several potential paths of meaning, understandings and sensations, among which the spectator must navigate and create his own edit. This approach challenges traditional and dominant stage-making practices, which were designed to respond to a need for dramatic unity and meaning. Plural dramaturgies, therefore, require new procedures, strategies and postures in their creative processes to be produced. In the quest to offer some paths to these challenges, the study is based on the observation of two practice-based laboratories (carried out between 2018 and 2020) and the creative process of Assemblée générale extraordinaire: l'effondrement from the company Bureau de l'APA (between April 2019 and April 2021). The notes from these observations are put in dialogue with the investigation and the theoretical references to constitute an inventory of the practices which can support the creation of plural dramaturgies for the stage. The culmination of the research in the form of an inventory of creative practices is an attempt to establish a base of research that could be further developed later, by the researcher or others. Also, the inventory promotes the maintenance of a certain degree of openness and fragmentation that favors the manipulation and recombination of these elements, thus being able to meet the needs of artists and students in training or in their own creative processes.

Ce mémoire s’intéresse à la rencontre de l’objet-chanson et du théâtre dans le cadre d’un concert de chansons. Il le fait à travers trois corps: le chant-acteur, le musicien-acteur et le «corps» musical. La visée principale de cette recherche est de dévoiler et de tester des stratégies de théâtralisation brouillant la frontière entre les genres, avec le désir de donner au concert de chansons toute l’amplitude qu’il peut prendre, voire de lui ouvrir les portes d’un nouveau langage. Pour ce faire, après avoir analysé un corpus d’œuvres au profil hybridant, nous avons cherché des pistes de réponse à nos questions de recherche dans des ouvrages dédiés à la musique contemporaine. Les hypothèses issues de cette phase de travail ont été mises à l’épreuve lors de la création du spectacle expérimental Le spectacle raté de la chanteuse écrapoutie. Le présent essai retrace donc ce processus en mettant en évidence les stratégies qui nous ont semblé les plus efficaces, tant parmi celles que nous avions formulées au départ que parmi celles qui sont nées du travail de création lui-même. En annexe, le lecteur pourra consulter nos différents outils de travail, suivre notre processus de création en images et lire la partition finale du spectacle en version simple ou commentée. Un enregistrement du spectacle est aussi disponible.