Au 20e siècle en France et en Allemagne, l’art moderne prend son essor. Certains, comme Francastel, qualifient cet art de destruction d’un espace plastique classique. Cette destruction devient un vecteur de création chez plusieurs artistes qui, suite aux deux grandes guerres, remettent en question leur état « civilisé » et se tournent vers le « primitif » pour offrir une autre voie, loin de tout processus civilisateur. Cette admiration pour les peuples primitifs ainsi que pour les productions artistiques d’enfants, d’amateurs et de « fous » est visible chez plusieurs collectionneurs d’art. En constituant des collections d’art marginal, ces derniers défendaient une idéologie qui propose une autre forme de culture en remplacement d’une civilisation dépassée. Grâce à leurs collections, la libre expression se positionna contre le rationalisme occidental. On compte, parmi ces collectionneurs, le psychiatre Hans Prinzhorn, le marchand d’art Wilhelm Udhe et les artistes André Breton, Jean Dubuffet et Arnulf Rainer. Chacun d’eux a eu un impact sur la construction du récit de l’art moderne et de l’art contemporain. Leurs collections ont chacune sa spécificité et offrent des vocabulaires différents pour parler de productions artistiques marginales, c’est-à-dire se développant « hors culture ». C’est par l’analyse des terminologies employées par les collectionneurs, principalement la dénomination d’art pathologique, que nous tracerons un portrait de la construction historique de l’art marginal en lien avec l’art moderne / Modern art began its rise at the beginning of the twentieth century in both France and Germany. Somme art theorists like Francastel, propose an identifying characteristic of modern art is the deconstruction of the classic plastic space. During the two World Wars, many artists used this deconstructive process, thus reinvigorating art with ‘‘primitive’’ styles which challenged the ‘‘civilized’’ art of the day. This fascination with the ‘‘primitive’’, including art from children, amateurs, and the ‘‘mentally ill’’, is apparent in many art collections of the time. By collecting these forms of art, the collectors were supporting this new ideology in opposition to occidental rationalism. The psychiatrist Hans Prinzhorn, along with the art sellers Wilhelm Udhe and the artists Andre Breton, Jean Dubuffet and Arnulf Rainer, are a few of the notable collectors. They each influenced the progress of Modern Art; the impact of which is now evident in contemporary art. The individuality of their unique collections offers different interpretations of the marginalized ‘‘outsider art’’. By analyzing the terminologies employed by these collectors, particularly in regards to ‘‘pathological art’’, we may outline a portrait of the development of ‘‘outsider art’’ as it progressed along side modern art.

Au 20e siècle en France et en Allemagne, l’art moderne prend son essor. Certains, comme Francastel, qualifient cet art de destruction d’un espace plastique classique. Cette destruction devient un vecteur de création chez plusieurs artistes qui, suite aux deux grandes guerres, remettent en question leur état « civilisé » et se tournent vers le « primitif » pour offrir une autre voie, loin de tout processus civilisateur. Cette admiration pour les peuples primitifs ainsi que pour les productions artistiques d’enfants, d’amateurs et de « fous » est visible chez plusieurs collectionneurs d’art. En constituant des collections d’art marginal, ces derniers défendaient une idéologie qui propose une autre forme de culture en remplacement d’une civilisation dépassée. Grâce à leurs collections, la libre expression se positionna contre le rationalisme occidental. On compte, parmi ces collectionneurs, le psychiatre Hans Prinzhorn, le marchand d’art Wilhelm Udhe et les artistes André Breton, Jean Dubuffet et Arnulf Rainer. Chacun d’eux a eu un impact sur la construction du récit de l’art moderne et de l’art contemporain. Leurs collections ont chacune sa spécificité et offrent des vocabulaires différents pour parler de productions artistiques marginales, c’est-à-dire se développant « hors culture ». C’est par l’analyse des terminologies employées par les collectionneurs, principalement la dénomination d’art pathologique, que nous tracerons un portrait de la construction historique de l’art marginal en lien avec l’art moderne / Modern art began its rise at the beginning of the twentieth century in both France and Germany. Somme art theorists like Francastel, propose an identifying characteristic of modern art is the deconstruction of the classic plastic space. During the two World Wars, many artists used this deconstructive process, thus reinvigorating art with ‘‘primitive’’ styles which challenged the ‘‘civilized’’ art of the day. This fascination with the ‘‘primitive’’, including art from children, amateurs, and the ‘‘mentally ill’’, is apparent in many art collections of the time. By collecting these forms of art, the collectors were supporting this new ideology in opposition to occidental rationalism. The psychiatrist Hans Prinzhorn, along with the art sellers Wilhelm Udhe and the artists Andre Breton, Jean Dubuffet and Arnulf Rainer, are a few of the notable collectors. They each influenced the progress of Modern Art; the impact of which is now evident in contemporary art. The individuality of their unique collections offers different interpretations of the marginalized ‘‘outsider art’’. By analyzing the terminologies employed by these collectors, particularly in regards to ‘‘pathological art’’, we may outline a portrait of the development of ‘‘outsider art’’ as it progressed along side modern art.

Universiẗat, Diss., 2006--Regensburg.

Thesis (doctoral) - Universität, Osnabrück, 2004. / Includes bibliographical references (p. 317-376).

La thèse étudie les traductions en grec moderne de deux œuvres du mouvement des Lumières françaises. Elle explore les Lumières néohelléniques et appréhende les principaux points de l’idéologie de ce mouvement en relation avec le contexte socioculturel et historique du monde grécophone, afin de présenter les facteurs qui donnent naissance à la « question de la langue » et d’établir les conditions qui influent sur l’art de la traduction et sur la langue utilisés à l’époque. Les relations idéologiques du mouvement des Lumières néohelléniques avec l’œuvre de Montesquieu et de Voltaire et leur réception sont également explorées. Il est question de l’art de la traduction en même temps que de la langue utilisée dans le monde grécophone au XIXe siècle, dans une approche méthodologique originale. L’étude contrastée de la question de la langue avec l’univers idéologique de chaque type d’expression langagière, ainsi que la présentation pragmatologique des œuvres étudiées permettent d’étayer la relation des choix linguistiques avec le contexte socioculturel de leur apparition. L’étude conclut sur la présentation d’un travail à vocation lexicologique où les vocables sont interrogés sous un angle diachronique, et à partir du texte français, les traductions de deux œuvres sont analysées depuis le XIXème siècle jusqu’à l’âge contemporain. L’évolution sémantique des termes recherchés est présentée dans un souci de précision, à partir d’un corpus conséquent, mobilisant des sources primaires et des dictionnaires du XVIIIème au XXIème siècle. Ce travail permet de dégager des conclusions sur la langue, valables pour l’appréhension de l’évolution du vocabulaire néohellénique dans son ensemble. / The thesis studies the translations into Modern Greek of two works of the French Enlightenment. It examines the ideological hallmarks of the Greek Enlightenment in light of the sociocultural reality of the Greek-speaking world, in order to elucidate the origins of the language controversy as well as the various forces shaping translations and language at that time. It also explores the ideological affinities between Montesquieu, Voltaire and the Greek Enlightenment, as well as the reception of the two writers in Greece. The art of translation is separately analyzed and discussed, as is language as key to a novel methodological approach towards translation in the Greek-speaking world of the 19th century. Throughout the thesis, linguistic matters are addressed against the backdrop of ideological developments. The approach to the individual works is intended to reveal the linguistic choices that were made, how these affected the lexicological development of the language, and the sociocultural context in which this occurred. The thesis concludes with an extensive lexicological analysis of terms found in the corpus, predicated on a comparison of the different translations of the two works in question, from the 19th century to the present. The semantic evolution of the terms studied is traced in detail, using a wide range of literary sources and dictionaries, going back to the 1700s. Based on this historical cultural and lexicological groundwork, a number of conclusions are drawn. In the end, this study of the language and vocabulary reveals certain tendencies and, more generally, sheds new light on the dynamics and advancement of the Modern Greek lexicon as a whole.

Écrite d’abord en russe puis en anglo-américain, l’œuvre romanesque de Vladimir Nabokov (1899-1977), écrivain américain d’origine russe, fascine ses lecteurs, mais leur participation à l’achèvement de cette œuvre artistique a été singulièrement restreinte par sa réception. La publication de Lolita (1955) le transforme en précurseur du postmodernisme américain. Aboutissement de la quête moderne de l’autonomie de l’art et triomphe de l’autotélisme artistique, sa création se trouve alors interprétée en poétique « tyrannique » sur laquelle règne l’auteur en « dictateur absolu ». Vladimir Nabokov, pourtant, n’a cessé d’identifier dans l’Histoire et de combattre dans son œuvre deux questions politiques du vingtième siècle : celle de la soumission de l’art à l’idéologie (quelle qu’en soit le nom) et celle de la tyrannie (actualisée par les régimes politiques nazi et soviétique). Dès l’origine, sa création de langue russe, puis anglo-américaine, est synchronisée avec les conséquences, tant en Russie qu’en Occident, de la Révolution bolchevique, l’événement historique qui change le « partage du sensible » (Jacques Rancière) vingtiémiste. La nature autotélique de sa création, dont les caractéristiques sont à redéfinir en opposition aux formes artistiques prônant l’engagement de l’art, indique en réalité que Nabokov propose une nouvelle « politique de la littérature » (Jacques Rancière) de l’émancipation qu’il a lui-même appelée du nom de « démocratie magique » et fait d’elle un « art critique » dont l’effet politique passe par sa distance esthétique, incluant « dans la forme de l’œuvre la confrontation de ce que le monde est avec ce que le monde pourrait être » (Jacques Rancière). / Vladimir Nabokov (1899-1977), American writer of Russian origin, was the author of fiction written first in Russian and then in American English. His work has been a constant source of fascination for his readers, but their interpretation has been limited by its reception. Upon the publication of Lolita (1955), Nabokov is seen as a precursor of American postmodernism. His writings are interpreted as the climax of the modernist quest for artistic autonomy and a triumph of autotelic creation, and a poetic of “tyranny” is identified in his work, with the author reigning supreme as an “absolute dictator.”However, Nabokov had never ceased to be preoccupied with two political issues in 20th century History, which he continuously denounced in his writings: the issue of the submission of art to any kind of ideology and that of tyranny illustrated by the Nazi and Soviet political regimes. From the very beginning of his career, in his Russian texts and later in his American texts, Nabokov’s work examines the consequences of the Bolshevik Revolution, seen as the historical event that changes the “distribution of the sensible” (J. Rancière) in the 20th century. The autotelic nature of his work, whose features should be defined in opposition to aesthetic forms that celebrate the commitment of art, actually indicates that Nabokov defines a new “politics of literature” (J. Rancière) based on emancipation, which Nabokov calls “a magic democracy” and considers to be a “critical art” whose aesthetic effect is predicated on its distance, thus including “in the form of the work the confrontation between what the world is and what the world may become” (J. Rancière).

In der neuen Broschüre greift das Landesamt für Denkmalpflege Sachsen das Jubiläum „100 Jahre Bauhaus“ 2019 auf. Sachsen verfügt nur über wenige unmittelbare Bezüge zum Bauhaus. Jedoch haben sich im Lande zahlreiche Zeugnisse der Architekturmoderne erhalten, die die sächsische Denkmallandschaft bereichern. Die Auswahl der 32 in Fotografie und Text vorgestellten Objekte berücksichtigt sowohl Vorläufer als auch die verschiedenen parallelen Stilrichtungen, die die Architekturgeschichte des ersten Drittels des 20. Jahrhunderts prägten. Redaktionsschluss: 01.10.2018

Le mémoire de maîtrise intitulé Religion et développement : étude de cas sur le mouvement indien Swadhyay Parivar présente une description approfondie d'un mouvement socio-religieux, dont la vision de développement personnel et communautaire s'enracine dans le patrimoine culturel et spirituel de l'Inde. Il vise à démontrer que le développement endogène, qui tire pleinement partie [i.e. parti] des ressources matérielles et spirituelles locales peut constituer une option très viable en matière de développement. Cette recherche lance un double défi : celui de prendre en compte les multiples avantages du développement conçu par et pour les principaux bénéficiaires, en égard des modèles de développement importés de l'Occident.Le second défi consiste à reconnaître que le développement peut avoir intérêt à intégrer la dimension spirituelle et religieuse de la collectivité visée, moyennant une mise à jour du système religieux traditionnel dont certains éléments peuvent se révéler dysfonctionnels.

Le squelette de Nazlet Khater 2 (NK 2) a été découvert en 1980 dans la vallée du Nil (Egypte) lors des fouilles du Belgian Middle Egypt Prehistoric Project. Son association avec le site minier du début du Paléolithique supérieur de Nazlet Khater 4 (dont la période d'exploitation s'étale de 35 à 40 Ka) en fait le plus ancien squelette complet d'homme moderne du nord de l'Afrique durant le stade isotopique 3 (OIS 3). Les restes de NK 2 appartiennent à un adulte jeune de sexe masculin. Ils sont bien conservés à l'exception des parties distales des jambes et des os de pieds. Les analyses comparatives réalisées sur ce spécimen soulignent la complexité morphologique des hommes modernes de cette époque. NK 2 présente certains traits archaïques notamment au niveau de la face et de la mandibule. Les structures de son oreille interne possèdent des caractéristiques morphologiques propres qui se situent en marge de la variabilité actuelle. Les restes postcrâniens montrent des insertions musculaires marquées et sont adaptés à des contraintes biomécaniques élevées. En outre, NK 2 présentent des lésions vertébrales et des membres témoignant d'activités physiques intenses et spécialisées en relation avec les sites archéologiques miniers de NK 4. L'étude de ce spécimen offre une opportunité unique d'accroître notre connaissance de la variabilité des hommes modernes durant cette époque (OIS 3) pour laquelle peu de restes humains sont connus.

Partant du sonnet " À une passante " de Baudelaire pour aboutir aux écrits de Breton en parcourant un florilège de textes traitant de la première rencontre, nous avons exploré dans un premier temps les spécificités de la scène poétique relativement à la scène romanesque étudiée par Jean Rousset. Dans un second temps, nous avons cherché à saisir les nouvelles caractéristiques du scénario moderne par rapport aux configurations classique et romantique. En adressant à l'inconnue croisée dans une rue de Paris le poème qu'elle a suscité l'instant d'un coup d'œil fugitif, Baudelaire crée un poncif amoureux nouveau. Dans ce sonnet, le cadre spatio-temporel, les acteurs, la rencontre et l'amour portent l'empreinte de la modernité jusqu'à en devenir l'emblème. D'autres poètes reprendront sur le mode de l'imitation ou de la variation le modèle baudelairien, et notamment la figure de la passante. Le poème de la première rencontre devient alors le lieu de la célébration d'une nouvelle figure féminine mais surtout d'une nouvelle lyrique qui n'est rien de moins qu'une érotique de la distance séparatrice. Chaque poème nous montre à sa façon que l'unique scène signifiante est celle du désir (qui déchire le poète et son lecteur) et que l'écriture d'une rencontre sans issue est l'ultime échappatoire contre l'absence.