The aim of this thesis is to identify the potentials of nudging as a managerial method. The focus is on employees who have no basic apprenticeship in the area in which they operate. The work consists of a theoretical and a practical part. The theoretical part establishes a common understanding of central terms and creates a uniform basis as well as connecting points. Some forms of nudging, which come into question for the purpose of leadership, are presented. The following practical part tries to combine the insights described in the first part and illustrate them with some examples.

Notre travail se propose d’examiner la littérature roumaine dans l’esprit de la théorie de l’antimodernité énoncée par Antoine Compagnon dans son ouvrage Les antimodernes. De Joseph de Maistre à Roland Barthes (Gallimard, 2005). Après une partie consacrée à la théorie des formes sans fond, qui est le principal repère, dans le champ culturel roumain moderne, du débat modernité/antimodernité, notre étude dresse le portrait de quelques écrivains de première importance engagés dans cette polémique : Titu Maiorescu, Vasile Alecsandri, Ion Luca Caragiale, Beniamin Fundoianu (Benjamin Fondane), Mircea Eliade, Emil Cioran. Un chapitre à part est consacré à la façon dont fut accueilli dans la littérature roumaine Baudelaire, et aux disputes engagées à cette occasion autour de l’idée de modernité entre les partisans de celle-ci et ses adversaires.Je tiens à exprimer ma gratitude aux deux directeurs de cette thèse et à les remercier pour leur appui et leur disponibilité pendant les quatre années de son élaboration. / The purpose of this thesis is to apply to Romanian literature Antoine Compagnon’s theory upon antimodernity, as it is formulated in his study Les antimodernes. De Joseph de Maistre à Roland Barthes (Gallimard, 2005). We analyze the theory of „forms without substance”, the main illustration of the modernity-antimodernity debate in the Romanian culture, as well as different profiles of Romanian authors, such as Titu Maiorescu, Vasile Alecsandri, Ion Luca Caragiale, Beniamin Fundoianu (Benjamin Fondane), Mircea Eliade, Emil Cioran. The thesis also deals with the perception of Charles Baudelaire in Romanian literature, which further reflects the issues of modernity and its denial.I would like to thank both coordinators of my thesis for the support and kindness shown during our colaboration in the last four years.

L'objectif de la thèse est d'établir une physionomie du maximalisme musical présent dans le répertoire de la popular music, plus précisément celui du Rock Progressif au travers l'exemple de King Crimson. Je me suis appliqué, pour ce faire, à identifier quels sont les éléments de l'idiome rock soumis au processus de maximalisation, et quels éléments, présents dans le langage du Rock Progressif, sont empruntés à des genres musicaux extérieurs à la popular music.La thèse comporte deux grands chapitres. Le premier explore les techniques d’écriture et l’esthétique de la popular music, en s’intéressant de près aux questions du langage musical, de l’improvisation et du sens, dans un corpus allant du blues à la pop music. La seconde partie détaille la manière dont se manifeste le processus de maximalisation des structures musicales (harmonie, rythme, forme) dans le répertoire du Rock Progressif anglais. L’exemple de King Crimson est de ce fait particulièrement remarquable dans la mesure où la démarche des musiciens était de combiner l’énergie du rock afro-américain à un vocabulaire musical issu de la musique savante occidentale du début du XXe siècle. Ainsi sont utilisées des structures de hauteurs faisant intervenir une division de l’octave par l’intervalle de triton, qui engendre, entre autres, l’échelle octotonique. L’analyse de la composition « Larks’ Tongues in Aspic » montre comment se combinent des structures de natures différentes, telles que des cycles d’intervalles, des tétracordes, l’échelle octotonique et l’échelle diatonique. / He goal of the thesis is to establish a physiognomy of musical maximalism in popular music’s repertoire, specifically that of the Progressive Rock through the example of King Crimson. I applied, for that purpose, to identify what were the elements of the rock idiom subjected to the process of maximalization, and what features of the Progressive Rock’s language were borrowed from outside musical genres.The thesis comprises two major chapters. The first explores the writing techniques and the aesthetics of popular music, as interested in issues of musical language, improvisation and meaning, in a corpus ranging from blues to pop music. The second part details the way in which occurs the process of maximalization of musical structures (harmony, rhythm, form) in the English Progressive Rock’s repertoire. The example of King Crimson is noteworthy insofar as the approach of musicians was to combine the energy of African-American rock to a musical vocabulary derived from early 20th century Western art music. So are used pitch structures involving a division of the octave at the interval-class 6, which produces, among other things, the octatonic scale. The analysis of “Larks' Tongues in Aspic” shows how are combined different pitch structures, such as interval cycles, tetrachords, the octatonic scale and the diatonic scale.

La thèse souvre par le constat dune absence détudes véritablement consacrées à lhistoire du goût. La remarque peut surprendre, car les intitulés de la riche bibliographie des Food Studies laissent croire que les études gustatives foisonnent dans les bibliothèques, notamment depuis les travaux de Jean-Louis Flandrin qui, parmi les premiers, a contribué à faire de lalimentation un sujet digne dhistoire. Une analyse plus attentive du contenu révèle cependant une tendance massive des chercheurs à réduire le goût au seul registre culinaire, laissant dans lombre les autres dimensions quil pourrait prendre. Depuis peu cependant, un nouveau champ de recherches paraît émerger des Food Studies, majoritairement représenté par des ouvrages anglo-saxons, centré non sur ce qui se mange, mais sur ce qui se dit et se pense du goût, dans la mesure où ce qui se dit et se pense traduit une expérience collective et son intériorisation culturelle. Refusant de cantonner létude du goût au seul registre culinaire, létude proposée sinscrit dans cette perspective nouvelle, se situant au croisement de lhistoire culturelle des sensibilités, des Food Studies et de lanthropologie historique, utilisant notamment les réflexions fécondes de Philippe Descola. Plus que lhistoire de la cuisine, elle propose de mettre en lumière lhistoire dun sens, révélant dans son sillage lévolution dun rapport au monde des hommes dAncien Régime. Elle interroge notamment les raisons historiques qui ont permis lémergence de la gastronomie au XIXe siècle, témoignage dune valorisation inédite du goût sur la scène sociale. Consacrée à létude des représentations du goût dans l'aire culturelle française des XVIIe et XVIIIe siècles, la thèse se base sur lexploitation dun corpus documentaire large composé de sources de natures variées. Les discours philosophiques, religieux, culinaires et médicaux constituent les quatre registres principaux de cette étude. Explorant la genèse et la construction dune culture gustative moderne, elle révèle dabord la dévalorisation séculaire du goût. Situé traditionnellement au bas de la hiérarchie des sens, le goût est longtemps perçu comme un sens inférieur, matériel, corporel et animal. Il se réduit à la seule dimension de lextériorité, révélant la porosité des frontières entre lhomme et lanimal, que lhomme classique voudrait oublier. Considéré comme inutile au développement de la connaissance par rapport à un sens éminent comme la vue et dangereux pour la vertu avec la gourmandise , le goût est pendant longtemps laissé à la marge du savoir. Mais entre lépoque classique et celle des Lumières, des indices de représentations nouvelles apparaissent, témoins dun déplacement des significations culturelles du goût. Les premiers à le suggérer sont les cuisiniers qui, au milieu du XVIIe siècle, décident de consacrer les préfaces de leurs livres de recettes à des propos plus généraux sur le goût ou la cuisine, premières tribunes dune célébration des plaisirs gourmands. Les intellectuels trouvent par ailleurs désormais utile de consacrer de larges débats au goût, dès lors quil est doté dun sens figuré, propice à lémergence dun faisceau de métaphores les plus variées « goût de Dieu » des mystiques, « bon goût » de lhonnête homme et « Goût » esthétique. Toutes cependant, malgré leurs différences intrinsèques, se rejoignent pour révéler lémergence dune nouvelle modalité sensorielle, qui se caractérise par limmédiateté de son action et lémotion quelle occasionne. Mais surtout, le goût se caractérise par lindicible dun sens profondément individuel. Longtemps laissé à la périphérie des discours, le goût, désormais devenu une entité duelle, à la croisée du corps et de lesprit, se déploie dans lespace dune intériorité proprement humaine, ce qui lui permet dêtre pensé et discuté par les savants, les philosophes et le monde cultivé dans son ensemble.

Im Zentrum steht die Genese einer sich im 20. Jahrhundert zunehmend ideologisierenden Schia, deren wachsende diskursive Macht sich mit der Iranischen Revolution von 1979 durch die Schaffung realpolitischer Strukturen in Form der velayāt-e faqih niederzuschlagen vermag. Untersucht wird, unter welchen Bedingungen der gesellschaftspolitische Entwurf des schiitischen Klerus sich auch im Hinblick auf existierende nicht-religiöse Gegendiskurse seiner Zeit – etwa aus der staatlichen Bürokratie, Intellektuellenzirkeln oder aus linken und nationalen Bewegungen – wandelte. Wie begegnete der Klerus den drängenden gesellschaftlichen Fragen der Moderne und wie wird der politische Diskurs heute geführt?

L’objectif central de cette thèse est d’observer et de décrire le processus de naissance et d’institutionnalisation d’une nouvelle théorie de la peine : la théorie de la dénonciation. Cette théorie de la peine va naître à l’intérieur d’un système d’idées formé par d’autres théories de la peine déjà institutionnalisées. Ce système d’idées a été identifié et appelé par Alvaro Pires la « rationalité pénale moderne ». Notre contribution visera, elle, à observer d’une part le processus de naissance d’une autre théorie de la peine à l’intérieur de ce système d’idées et, d’autre part, la naissance et l’institutionnalisation de cette théorie dans divers discours : la philosophie et la doctrine juridique, les rapports des commissions de réforme du droit ou encore dans la jurisprudence (canadienne). Au cours de cette observation, nous aurons également la possibilité de voir comment une conception alternative de la dénonciation est apparue, mais sans réussir à prendre la forme stricte d’une « théorie de la peine » ni à s’institutionnaliser de façon stable et visible. Il s’agit de la dénonciation telle que l’a conçue la Commission de réforme du droit du Canada dans les années 1970. Cette manière de concevoir la dénonciation se situait à l’extérieur du système d’idées formé par la rationalité pénale moderne. Cette thèse fait plusieurs contributions à la fois, et de différents genres. Elle prétend contribuer entre autres à la description du processus de naissance et d’institutionnalisation d’une théorie (de la peine) du système de droit criminel en mettant en évidence comment cette théorie va s’opposer à une conception alternative portant le même nom et prédominer sur cette dernière. De plus, cette thèse va construire trois niveaux parallèles d’observation empirique. En effet, nous allons observer la naissance de cette théorie sur trois trames discursives distinctes et bien différenciées : (i) le discours de la philosophie, de la théorie du droit et de la sociologie (ou criminologie) ; (ii) le discours des commissions de réforme (« étatiques » et « non étatiques ») ; (iii) le discours de la jurisprudence.

L’objectif central de cette thèse est d’observer et de décrire le processus de naissance et d’institutionnalisation d’une nouvelle théorie de la peine : la théorie de la dénonciation. Cette théorie de la peine va naître à l’intérieur d’un système d’idées formé par d’autres théories de la peine déjà institutionnalisées. Ce système d’idées a été identifié et appelé par Alvaro Pires la « rationalité pénale moderne ». Notre contribution visera, elle, à observer d’une part le processus de naissance d’une autre théorie de la peine à l’intérieur de ce système d’idées et, d’autre part, la naissance et l’institutionnalisation de cette théorie dans divers discours : la philosophie et la doctrine juridique, les rapports des commissions de réforme du droit ou encore dans la jurisprudence (canadienne). Au cours de cette observation, nous aurons également la possibilité de voir comment une conception alternative de la dénonciation est apparue, mais sans réussir à prendre la forme stricte d’une « théorie de la peine » ni à s’institutionnaliser de façon stable et visible. Il s’agit de la dénonciation telle que l’a conçue la Commission de réforme du droit du Canada dans les années 1970. Cette manière de concevoir la dénonciation se situait à l’extérieur du système d’idées formé par la rationalité pénale moderne. Cette thèse fait plusieurs contributions à la fois, et de différents genres. Elle prétend contribuer entre autres à la description du processus de naissance et d’institutionnalisation d’une théorie (de la peine) du système de droit criminel en mettant en évidence comment cette théorie va s’opposer à une conception alternative portant le même nom et prédominer sur cette dernière. De plus, cette thèse va construire trois niveaux parallèles d’observation empirique. En effet, nous allons observer la naissance de cette théorie sur trois trames discursives distinctes et bien différenciées : (i) le discours de la philosophie, de la théorie du droit et de la sociologie (ou criminologie) ; (ii) le discours des commissions de réforme (« étatiques » et « non étatiques ») ; (iii) le discours de la jurisprudence.

La présente recherche est une étude ethnographique d'une danse de rue hip-hop appelée «breaking» (communément appelée «breakdance») à Montréal dans ses divers contextes et occurrences. En particulier, elle vise à déterminer les changements esthétiques et socio-culturels qui se manifestent lorsque le contexte social ou vernaculaire du «breaking» est reconfiguré en oeuvre de danse contemporaine. Un examen historique de la forme de danse encadre l'exploration du «breaking» dans quatre contextes précis: le «freestyle cypher,» le «battle» organisé, la mise en vedette «freestyle» et le spectacle de danse contemporaine. Le transfert ou le glissement de contexte de la danse se décline en plusieurs niveaux: les participants (qui), l'esthétique et la forme (quoi), le lieu (où), la relation au temps (quand) et la raison d'être (pourquoi). Ces cinq catégories d'examen sont empruntées de la Theory and Methods for an Anthropological Study of Dance de l'anthropologue de danse américaine Joann Kealiinohomoku. La compréhension du transfert de la danse en divers contextes est inspirée par des modèles théoriques d'études en danses folkloriques. Le «freestyle cypher» reflète le contexte original participatif de la danse folklorique, souvent désignée comme première manifestation de danse. Les contextes subséquents suivent approximativement les trois principes de théâtralisation adaptés par le folkloriste canadien Andrij Nahachewsky lui-même inspiré du folkloriste ukrainien Kim Vasylenko. Selon ces principes, différents niveaux ou approches d'adaptation de la danse folklorique au théâtre sont appliqués à la danse d'origine. Le dernier principe rejoint l'approche de chorégraphes en danse contemporaine qui fusionnent le vocabulaire et l'esthétique du «breakdance» avec ceux de la danse contemporaine et du ballet. Ce processus est démontré dans une recherche sur le travail de deux compagnies de danse montréalaises, Rubberbandance Group sous la direction de Victor Quijada et Solid State Breakdance Collective sous la direction d'un groupe de chorégraphes-interprètes féminines. Les ramifications socio-culturelles d'un tel transfert sont complexes, surtout dans le milieu des arts de la scène. Le glissement, notamment d'un art populaire ou d'une danse vernaculaire, au «High Art» sous-tend une reconnaissance et un soutien institutionnels. Les divisions de la reconnaissance et le soutien se font souvent selon les ethnies. Néanmoins, les formes de danse non-occidentales réussissent, depuis quelques années, à infiltrer la danse contemporaine. Le «breaking», bien qu'elle soit une forme de danse née en Occident, illustre cela. Elle a été créée par de jeunes noirs et hispanophones du Bronx, un quartier défavorisé de New York, avant d'être largement assimilée par de jeunes Canadiens d'origines ethniques semblables, aussi issus de milieux défavorisés. Le travail de Rubberbandance Groupe et celui de Solid State Breakdance Collective questionnent les hiérarchies et se jouent des catégories. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Breaking (b-boying/b-girling), Danse vernaculaire Africaine Américaine, Danse contemporaine, Danse de représentation, Danse de participation, Appropriation, Hip hop.

La présente étude explore les constructions de la santé d'interprètes professionnels en danse contemporaine et tente de mieux comprendre comment la pratique professionnelle de la danse contemporaine participe de ces constructions. Cette étude qualitative, de type ethnographique, s'appuie sur les témoignages de quinze danseurs professionnels contemporains de la région de Montréal, recueillis lors d'entrevues individuelles semi-dirigées entre l'été 2004 et le printemps 2005. L'analyse a été réalisée conformément à la méthode de théorisation ancrée. Les propos des danseurs rencontrés pour l'étude témoignent de l'importance d'être en santé et fonctionnel afin d'être disponible à la danse, en dépit de l'omniprésence de la blessure et de l'inconfort dans leur vie, et témoignent de la responsabilité individuelle de la santé que portent les interprètes par une attention soutenue à leurs habitudes de vie, qu'elles soient générales (nourriture, repos) ou spécifiques à la danse (entraînement, soins du corps). Toutefois, leurs commentaires révèlent également que l'importance qu'ils accordent à la santé est sans cesse négociée en relation à trois aspects de la pratique professionnelle de la danse contemporaine, trois contextes imposant eux-mêmes leurs propres impératifs: le contexte esthétique, le contexte relationnel et le contexte de travail. Les danseurs doivent donc composer quotidiennement avec des exigences multiples et concilier les demandes d'un corps en santé à celles d'un corps poétique, sans l'existence d'un filet de sûreté adéquat en termes de conditions de travail, et ce, à l'intérieur de relations étroites entre les différents acteurs du milieu, desquelles fait partie l'enjeu du pouvoir. Une telle problématisation de la relation entre santé et danse n'est pas indépendante des questions de genre et d'âge. Une quatrième dimension de la pratique s'est également imposée sans toutefois représenter un contexte à proprement parler, celle de l'amour, voire de la passion du métier. Nos résultats nous permettent d'affirmer que la pratique de la danse contemporaine participe des constructions de la santé des interprètes qui elles-mêmes, participent des pratiques artistiques du milieu. L'étude a permis de mettre en lumière que les impératifs contradictoires que vivent les interprètes rendent complexe et problématique l'association de la santé et de la danse telle que ceux-ci l'expérimentent au quotidien, alors que privilégier la santé (par exemple) peut être perçu comme une transgression des critères du milieu contemporain en danse mais comme un signe de conformité au discours dominant de la santé. En présentant un vaste portrait de la question de la santé dans le milieu de la danse contemporaine, l'étude met en relief plusieurs aspects de la problématique de la santé en danse et ouvre ainsi la voie à plusieurs possibilités de travaux futurs reliés à la question du genre, de la douleur, de l'identité ou encore du processus de syndicalisation au sein du milieu artistique de la danse contemporaine qui met en relation le «travail» de la danse et la «passion» de la danse.

J'ai choisi le thème de l'interconnexion impliquant le rapport entre la conscience humaine et les fondements du réel qui créent notre environnement physique. Ces fondements, qui relatent la création de toute matière, ont été établis par la science moderne. Pour ce projet, ils ont été mis en relation avec le mythe de la Genèse dans une installation performative multi-écrans. L'objectif de cette rédaction vise à comprendre les tenants et aboutissants de certains des principes fondamentaux de la physique quantique, du point de vue de la responsabilité des arts, dans un cadre plus large de questionnement éthique et philosophique. La connaissance de la réalité a toujours été intégrée à l'évolution de l'art, celui-ci ayant un rôle clé dans la vision du monde véhiculée par la société. Ce texte élabore la thématique de l'interconnexion d'un angle plus analytique sous l'égide des principes de la physique. Ces derniers ont été la source sous-jacente d'inspiration pour cette installation médiatique performative, alliant les arts de la scène et les arts médiatiques. Les principes de base de la physique moderne furent assimilés le mieux possible, grâce aux ouvrages de physiciens-théoriciens ou de philosophes de la science, pour les besoins de cette présente étude. L'objectif est d'interroger leur impact sur la culture, en corrélation avec la thématique d'interconnexion des phénomènes, et d'émettre une réflexion sur la fonction de l'art en rapport avec ce thème. La création de l'installation performative ne fut pas axée sur la portée du mythe en soi, mais sur des thématiques constitutives de ce mythe qui permettaient d'explorer indirectement certains principes de la physique moderne reliés à l'interconnexion: la complémentarité des contraires; l'intrication des phénomènes; la temporalité non-linéaire; et l'évolution de la conscience. Certaines des lois émergeant de la physique quantique peuvent être étrangement corrélées avec des composantes mythologiques anciennes. L'art est le langage à travers lequel nous percevons les nouvelles relations qui parsèment l'environnement, à la fois physique et métaphysique. Il est l'instrument essentiel dans le développement de la conscience. (Youngblood, 1970, p. 47) La vie elle-même ne devient-elle pas de l'art quand il n'y a pas de différence entre ce que nous sommes et ce que nous faisons? (Youngblood, 1970,p.42) ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Interconnexion, Environnement, Expérience, Immersion, Installation performative.