Cet écrit sur mon projet de recherche création implique ma pratique en arts visuels, plus spécifiquement la peinture transitant par l'image photographique. Il questionne les répercussions sur les plans sémantiques et formels de l'utilisation d'une image référentielle en peinture ou, plus précisément, les différents enjeux de la représentation d'une image photographique en peinture (émotionnels, temporels et visuels), de l'étape de la prise de vue photographique jusqu'à son interprétation. Mes tableaux émergeant de photographies issues de ma vie personnelle, des thèmes comme l'autobiographie, l' autoreprésentation et le rôle de la mémoire d'un moment vécu dans l' interprétation d'une image en peinture sont abordés. Ce travail vise à développer une réflexion pertinente sur la problématique de la représentation et de l' autobiographie en tant que pratique artistique dans la peinture. Il est une mise en théorie qui accompagne la production visuelle que j 'ai effectuée au cours de ma maîtrise en arts visuels

Le monde dont je fais partie me touche et me projette dans la confusion. Il me semble que mes idées sur celui-ci demeurent toujours partielles de par sa démesure et son infinité. C'est entre autres parce que j'y suis immergé, comme un élément constituant, et donc hanté par les choses qui m'entourent et m'habitent. Par un processus de création venant du corps connaissant les matériaux, il y a bien une méthode qui prévaut : celle du ± recyclage ¿. En soupesant la charge de possibles dans les matériaux, leurs énergies et leurs forces, j'opère une digestion massive du réel, de proche en proche, un remaniement chirurgical par incorporation - ce qui tient du sismographique ou du tellurique, de la mastication. Ce travail est un faire qui surgit d'une présence face aux choses, un mouvement pour habiter la matière. Il y a là une quête de connaissances et de compréhension de tout ou de n'importe quoi. La vision transperce tout objet et ne connaît aucune autre limite que la sienne, c'est-à-dire celle de l'individuation et de ses contingences. Ma peinture est mouvement de transgression : sortir des limites et aller ailleurs. La peinture, intrinsèquement événementielle, détourne toujours la volonté vers des inattendus. Ainsi elle est vécue comme une activité de l'ordre du trajet : trace et capture du réel en images plutôt que projet. La peinture ne reproduit pas le visible; elle rend plutôt les visions ou fantômes du corps sensible entreprenant, et donc une singularisation. Elle est une revendication vivante de liberté. Mon travail en peinture est un travail d'intensification ou d'infestation qui se pose en contraste, voire en opposition, au monde de la banlieue nord-américaine, de son amour de la neutralisation, de la séparation et de l'imitation. La ± schizophrénie ¿ qui découle du capitalisme contemporain contribue, dans la durée, au durcissement de modèles d'existences types, à une stereotypic de la pensée qui transforme la liberté d'où ces modèles semblent issus, en contraintes et en dépendances. Je m'appelle Benoît Blondeau et je viens des Saules.

Ce document se situe comme texte d'accompagnement de mes oeuvres et témoigne de la réflexion sur ma démarche de création plastique interdisciplinaire pendant la période de 1998 à 2000. Je présente quatre oeuvres qui ont pour titre «Passages», «Constance», «Parcours» et «Doute», en mettant en évidence quelques éléments qui animent ma production. Ces oeuvres sont de nature installative. Je les définis comme des unités construites. Les matériaux présents dans ces oeuvres sont le papier, le bois, le métal (fer ou acier) et la cire. Le discours qui supporte la réflexion sur ma pratique artistique intègre les concepts de collage, de fragment, de marque, de double et de passage, dans une perspective phénoménologique. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2014

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2006-2007 / Ce projet de recherche création implique essentiellement les arts visuels d'un point de vue interdisciplinaire (photographie, installation, peinture, sculpture) en relation avec une approche théorique spécifique qui s'alimente aux disciplines connexes (philosophie, littérature et histoire de l'art). Le noyau de cette relation complexe est l'aspect paradoxal et tragique de la photographie analogique directement liée à la nature mécanique de ce médium unique en arts visuels. En fait, c'est en développant les trois paradoxes ontologiques de la photographie (temporel, visuel et émotionnel) que cette recherche questionne l'intégralité visuelle de l'image photographique, plus précisément, la représentation dans le médium photographique, la relation entre la fiction et la réalité, et le rapport entre l'idée et le procédé technique employé dans le travail de création. Traitée à la fois par les écrits et par le biais d'une production artistique cette recherche soulève d'autres problématiques importantes pour parvenir à une conception plus juste et plus précise de la photographie en tant que médium qui cherche aujourd'hui sa nouvelle identité entre les procédés chimiques et les nouveaux procédés numériques. Concrètement, il s'agit des problématiques suivantes : la différence ontologique entre la photographie analogique et la photographie numérique, la spécificité de la photographie artistique par rapport à la photographie en général et la relation entre la photographie et les autres médiums. Ce travail vise à développer non seulement une réflexion pertinente sur le médium photographique, sur ses possibilités et ses limites, mais aussi à fermer un écart entre le discours sur l'art et le discours de l'art lui-même. Ainsi, par l'évolution visuelle d'une idée et son propos conceptuel il cherche à valoriser la théorie de la pratique et la pratique artistique elle-même comme étant les deux formes essentielles pour l'affirmation de l'art en soi, pour son émancipation totale de toutes les connaissances et de toutes les expériences qui lui sont extérieures.

Ce texte est la construction d'une pensée fondée sur une rupture avec ma pratique en design graphique et marque un passage progressif vers une création en dehors d'une problématique de commande. S'appuyant sur des données phénoménologiques et théoriques, il témoigne d'une expérience d'individuation associée au développement d'une démarche artistique multidisciplinaire. Il installe les bases d'une recherche inspirée par une méthode ludique et un regard poétique sur le monde, tout en cherchant à rendre compte de l'inattenduet du vide qui habite la dynamique des opposés à l'origine de la poésie. Il trace enfin les limites actuelles d'une pensée mouvante et propose un bref parcours à travers l'être, le faire et la matière au centre de mon œuvre

Fabriquer des objets : marionnette, pavillon-loge, petit théâtre d'ombres, patins de bois, qui sont à la fois les moteurs et les contraintes qui déterminent la nature de l'événement. Ils engagent des gestes qui portent une gravité faite de simplicité, qui jouent sur plusieurs plans poétiques. C'est sur cette base que se construit une série de très courts événements, en vérité des petits tableaux, à caractère allégorique. Ces petits tableaux sont des condensés, tels que l'entend la psychanalyse à l'égard des rêves et de ses représentations ; le temps y est réduit comme toute éternité, sans chronologie, c'est-à-dire sans action servant une montée dramatique; les éléments contextuels (soit les objets, l'espace) sont au même plan que le personnage lui-même, c'est-à-dire de valeur équivalente au sens de tonalité. Cela exige donc un engagement d'un autre mode de présence que celui où l'action est entièrement assurée par les «transports» de l'acteur. Il s'agit plutôt d'une sorte de retrait de la part du personnage qui ne doit apparaître que dans son rapport à l'ensemble des éléments, de façon à faire sentir également la dimension aléatoire de sa présence dans l'espace autant que dans la durée. C'est un travail de silence en quelque sorte, une manière de laisser les choses entre elles alors qu'on est en leur sein. C'est pourquoi aucune action ne doit prendre trop d'ampleur afin de ne pas déplacer la dimension dramatique vers l'acteur exclusivement : S'il y a un drame il doit sourdre de toute part, il doit tout couvrir! / Québec Université Laval, Bibliothèque 2014

Ce texte se veut une mise en théorie, accompagnant la production visuelle réalisée lors de mes deux années à la maîtrise. Cette recherche se base principalement sur l'exploration des modes de présentation d'une œuvre et de ses conséquences ou répercussions sur les plans formels, perceptifs et sémantiques. J'y questionne, plus particulièrement, le dispositif d'installation spatiale d'un tableau ou d'une séquence de tableaux que permet la peinture-installation. Cet écrit relate donc ma pensée sur la notion de peinture-installation et ce qu'elle implique dans mon travail pictural.

Les approches normatives et traditionnelles de signalétique comportent certaines limites et exclusions. Elles ne sont pas en mesure notamment de rendre compte de la richesse des lieux, fait de réel et d'imaginaire, et de certains modes archétypals d'organisation de la pensée à l' oeuvre dans l' expérience quotidienne. L'approche présentée dans ce mémoire, selon une perspective expérientielle, se fonde sur le concept de parcours d'expérience d 'appropriation qui s'appuie sur deux notions: l' habiter et le récit. Ce concept favorise l'ouverture des approches de signalétique à la richesse de l'expérience de l'individu dans son environnement, permet à l'individu de se l'approprier, notamment d'y projeter un sens, ce qui contribue à nourrir sa capacité à ± l'habiter ¿, bref à s'orienter. Cette étude vise à jeter les bases d'un concept en vue d'opérationnaliser de nouvelles façons d'appréhender l'orientation. Les possibilités d'articulations et de mise en oeuvre de ce concept sont explorées dans le contexte d'un projet de conception et d'élaboration d'un parcours urbain.

356181\u Ce mémoire est une réflexion philosophique sur l’infini et l’indéfini, champ de recherche en arts visuels en relation avec ma pratique personnelle. Je vous propose une recherche basée sur les enjeux impliqués dans la construction, la présentation et la représentation de mes œuvres produites au cours de ma maîtrise, soit de 2017 à 2019. Ce projet d’écriture accompagne l’exposition «Reproduire l’improbable », qui a pour but d’amplifier l’appréciation de l’objet abstrait en présentant son portrait en peinture.

Ce mémoire traite du processus de graphisme d'auteur et de ses aboutissements lors de la création d'affiches. La première partie présente le corpus théorique. Tout d'abord y est défini le graphisme d'auteur, suivi d'une proposition de classification de l'affiche en cinq catégories basée sur les spécificités propres à chacun des contenus: l'affiche informative, culturelle, sociale, engagée et de propagande. Par la suite, sont abordés les contrastes, éléments fondamentaux du design graphique. La présentation de grilles d'analyse semiologique et rhétorique vient compléter la première section. La deuxième partie est la présentation et l'analyse du projet de création, composé de dix affiches conçues en paires qui s'articulent autour des concepts de la dualité et du contraste entre l'exclusion sociale et l'idée de vivre ensemble en société. L'affiche est privilégiée, car c'est un support offrant une surface d'exploration inspirante propice à la communication visuelle des thématiques.