Zugl.: Erlangen, Nürnberg, Univ., Diss., 2008

SILVA, Isaac Nobre Lima da. A trombeta de Gabriel. 2016. 81 f. Dissertação (Mestrado em Matemática em Rede Nacional) – Centro de Ciências, Universidade Federal do Ceará, Fortaleza, 2016. / Submitted by Rocilda Sales (rocilda@ufc.br) on 2016-11-28T15:07:38Z No. of bitstreams: 1 2016_dis_inlsilva.pdf: 1783384 bytes, checksum: 9807cb282cde2e26b6a58afc292d73ef (MD5) / Approved for entry into archive by Rocilda Sales (rocilda@ufc.br) on 2016-11-28T15:08:56Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_dis_inlsilva.pdf: 1783384 bytes, checksum: 9807cb282cde2e26b6a58afc292d73ef (MD5) / Made available in DSpace on 2016-11-28T15:08:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_dis_inlsilva.pdf: 1783384 bytes, checksum: 9807cb282cde2e26b6a58afc292d73ef (MD5) Previous issue date: 2016 / Infinity is a concept which often defies our intuition and leads us to making mistakes, for we have the idea that infinite is necessarily related to something unlimited. On Differential and Integral Calculus, for instance, we determine definite integral f x dxbaconsidering a continuous function f in a closed and limited interval [a, b]. However, in some applications we face cases where the interval is infinity or the function f has an infinite discontinuity in the interval. In both cases, we have an improper integral. Evidence of this problem have been observed in the seventeenth century, where in 1641, the Italian physicist and mathematician Torricelli noted that an infinite area, if submitted to a rotation around an axis of its plan, can sometimes provide a solid of revolution with a finite volume. Can something infinite generate something finite? This triggers a controversy about the nature of infinite and generates a real paradox. One of these fascinating solids of revolution is the Gabriel's Horn or Torricelli‟s Trumpet, generated out of an equilateral hyperbole, which can be enunciated as the Painter‟s Paradox and Gabriel's Horn: "If an infinite area bordered by the hyperbola xy = 1, the line x = 1 and the abscissa is rotated around the axis, the solid volume generated by this rotation is finite. Since this area is infinity, an infinite amount of paint would be necessary to paint it, however, a finite amount of ink would be enough to fill it, once the volume is finite." Intuitively, we could fill it with ink, but not even all the paint in the world would be enough to paint its surface. Without a doubt this is a counterintuitive example involving infinity. With that in mind, this paper aims to present through the Painter's Paradox and Gabriel's Trumpet an approach to teaching improper integrals for both, higher education and high school students who wish to deepen their studies on calculus. For this end, a content recall is done on subjects like length of a curve, surface of revolution area, solid of revolution volume and hyperbola. Furthermore, it is proposed a discussion about the importance of Calculus on basic education and the widely known "failure at teaching Calculus. / O infinito é um conceito que por muitas vezes desafia nossa intuição e nos faz cometer erros, pois temos a ideia que o infinito está necessariamente ligado a algo ilimitado. No Cálculo Diferencial e Integral, por exemplo, definimos integral definida f x dxba considerando uma função f contínua num intervalo fechado e limitado [a,b]. Porém, em algumas aplicações nos deparamos com casos em que o intervalo é infinito ou a função f tem uma descontinuidade infinita no intervalo. Nesses dois casos, temos uma integral imprópria. Indícios desse problema já foram observados, no século XVII, onde em 1641, o físico e matemático italiano Torricelli notou que uma área infinita, se submetida a uma rotação em torno de um eixo de seu plano, pode às vezes fornecer um sólido de revolução de volume finito. Algo infinito pode gerar algo finito?! Isso desencadeia uma controvérsia sobre a natureza do infinito e gera um verdadeiro paradoxo. Um desses fascinantes sólidos de revolução é a Trombeta de Gabriel ou de Torricelli que é gerado a partir de uma hipérbole equilátera e podemos enunciar como o Paradoxo do Pintor e a Trombeta de Gabriel : “Se uma área infinita, limitada pela hipérbole xy = 1, a reta x = 1 e o eixo das abscissas é girada em torno do eixo, o volume do sólido gerado com essa rotação é finito. Dado que tal área é infinita, seria necessária uma quantidade infinita de tinta para poder pintá-la, porém, bastaria uma quantidade finita de tinta para poder preenchê-la, uma vez que o volume é finito.” De modo intuitivo, poderíamos enchê-la de tinta, mas nem toda tinta do mundo poderia pintar sua superfície. Sem dúvida um exemplo contraintuitivo que envolve o infinito. De posse disso, o presente trabalho deseja apresentar através do Paradoxo do Pintor e a Trombeta de Gabriel uma abordagem para o ensino de integrais impróprias tanto para alunos do Ensino Superior, quanto para alunos do Ensino Médio que desejam aprofundar os seus estudos de Cálculo. Para isso, fazemos um resgate de conteúdos como comprimento de curva, área de superfície de revolução, volume de um sólido de revolução e hipérbole. Além disso, propomos uma discussão sobre a importância do Cálculo no Ensino Básico e o tal propalado “fracasso do ensino de Cálculo”.

Submitted by Fabio Sobreira Campos da Costa (fabio.sobreira@ufpe.br) on 2016-07-14T13:40:53Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Tese_COMPLETA_Finizola_BC.pdf: 15017973 bytes, checksum: ec16e9c5e202e4748ef88679ad0dbd31 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-07-14T13:40:53Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Tese_COMPLETA_Finizola_BC.pdf: 15017973 bytes, checksum: ec16e9c5e202e4748ef88679ad0dbd31 (MD5) Previous issue date: 2015-02-27 / Manifestações espontâneas provenientes do design informal caminham lado a lado com a produção do design formal e por vezes se perdem na sua efemeridade por falta de registro ou por falta de reconhecimento pela academia e pelo mercado. Os letreiramentos populares podem ser incluídos neste universo e se caracterizam como artefatos de comunicação que figuram na paisagem urbana de inúmeras cidades, desde o centro à periferia. Elaborados por meio de processos manuais, são executados em sua grande maioria por artífices anônimos, caracterizando-se como interferências tipográficas urbanas. Assim, esta pesquisa tem como objetivo geral o estudo da tradição do letreiramento popular no Estado de Pernambuco, a partir da análise de seus aspectos formais e de sua prática, bem como da investigação inicial de suas origens, buscando traçar um perfil da produção destes artefatos nesta região, com ênfase em seus aspectos tipográficos. Para isso, foi desenvolvido um mapeamento dos letreiramentos e de seus originadores — os pintores de letras — em seis cidades de Pernambuco: Recife, Gravatá, Caruaru, Arcoverde, Salgueiro e Petrolina. Portanto, este projeto se propôs a dar continuidade à pesquisa de mestrado Panorama Tipográfico dos Letreiramentos Populares – Um estudo de caso na cidade do Recife, parte integrante do projeto de pesquisa Memória Gráfica Brasileira: Uma análise comparativa das cidades do Rio de Janeiro, São Paulo e Recife (PROCAD/CAPES), ampliando, desta forma, o seu corpus analítico e aperfeiçoando seus instrumentos de análise, a fim de validar, em outros territórios, as hipóteses e conclusões da pesquisa anterior, bem como reunir novas informações a respeito deste tema. Ao longo da extensa pesquisa de campo realizada, foram registradas mais de mil imagens e entrevistados doze pintores de letras da região. Também foram visitados alguns acervos de livros e imagens da Fundação Joaquim Nabuco, do Instituto Ricardo Brennand e do Museu da Cidade do Recife. Ao final da pesquisa, os dados coletados nos permitiram: (1) Investigar a presença e características dos letreiramentos na paisagem urbana do Estado entre o final do século XIX até a década de 1950; (2) Validar os aspectos tipográficos dos letreiramentos populares, bem como a classificação elaborada por Finizola em 2010 para os letreiramentos populares do Recife, abordando um corpus analítico mais amplo; (3) Entender a prática do ofício do pintor de letras no Estado de Pernambuco, suas inspirações, processo de aprendizado, materiais e técnicas empregadas, entre outros aspectos. / Spontaneous manifestations from the universe of informal design go hand in hand with the production of formal design, and very often become lost within their own ephemerality because either they remain unrecorded or they receive no academic or market recognition. Vernacular lettering and graphics may be included within this universe and are characterized as communication artefacts that figure across the urban landscape of many cities, extending from the city centers out to the suburbs. Developed through the use of manual processes, they are mostly undertaken by anonymous craftsmen, and categorized as typographical urban interference. The main aim of this research has been to study the tradition of vernacular lettering in the state of Pernambuco, analyzing both the formal and practical aspects, as well as an initial investigation into its origins, seeking to trace a profile of the production of these artifacts within this region, emphasizing their typographic aspects. In order to do this, we have mapped out the lettering, together with the originators - the sign painters – across six cities/towns within the state of Pernambuco: Recife, Gravatá, Caruaru, Arcoverde, Salgueiro and Petrolina. Thus, this project proposes a continuation of the master’s research entitled A typographic panorama of vernacular lettering - a case study in Recife, which was an integral part of the research project The Brazilian graphic memory: a comparative analysis of the cities of Rio de Janeiro, Sao Paulo and Recife (PROCAD/CAPES). Hence, we have broadened the analysis and improved the analytical tools in order to validate the hypotheses and conclusions of previous studies in other territories, as well as gathering fresh information regarding this theme. Throughout the extensive field research, we collected more than 1000 photographic records and interviewed 12 craftsmen. We also visited several book and image collections at the Joaquim Nabuco Foundation, the Ricardo Brennand Institute and the Museum of Recife. On conclusion of our research, the collected data has permitted us: (1) to investigate the presence and characteristics of vernacular lettering within the urban landscape of the state between the end of the 19th century and the 1950s; (2) to validate, within a broader analytical sense, the typographical aspects of vernacular lettering and the classification developed by Finizola in 2010 for vernacular lettering in Recife, and (3) to understand, amongst other items, the craft of lettering in the state of Pernambuco, its inspirations, the learning process and the materials and techniques employed.

Ce travail de thèse s'articule autour d'une définition historique qui a été formulée par Cesare Pavese, lorsqu'il a défini les années 30 et 40 du XXe siècle comme les deux décennies de la traduction par excellence. Si les études menées jusqu'à aujourd'hui se sont penchées de manière approfondie presque seulement sur la traduction des romans et cela en choisissant comme langue source privilégiée l'anglais ou le français, nous avons concentré notre analyse sur la traduction, l'écriture et la critique poétiques réalisées dans la période s'étalant de l'entre-deux-guerres jusqu'à la fin des années 40. La poésie était en effet le lieu critique, traductif et créatif le plus fréquenté. Un véritable besoin de poésie animait les cénacles des intellectuels italiens à Florence comme à Milan, à Parme, à Rome et également à Turin. Les échanges entre les artistes, critiques, poètes et traducteurs se jouaient pour la plupart sur le terrain de la poésie, sans être, au moins jusqu'au milieu des années 30, particulièrement entravés par la censure fasciste. En effet l'Italie devait, même aux yeux du fascisme, connaître un Baudelaire, un Rimbaud et un Eliot parlant italien. La poésie prenait une place sans précédents dans la vie culturelle et littéraire de l'époque et devint aussi un champ d'action concret : écrire en vers bouleverse autant l'ordre syntactique de la langue que l'habitude à concevoir la réalité de manière univoque et sans opacités.La poésie, pour reprendre une pensée d'Henri Meschonnic, est « contre le maintien de l'ordre », et se propose comme une forme d'engagement profond qui implique les consciences et leur prise de position face à la réalité. Dans une perspective plus large, le discours poétique s'entrelace avec le discours politique, si par politique on présuppose tout effort visant à garantir le bien-être de l'homme et la création des conditions qui permettent la réalisation au degré le plus haut de la liberté de tout individu.L'objet d'intérêt de la traduction poétique fusionne inévitablement avec la poésie tout court, ne serait-ce que parce que toute poésie est en tout cas toujours une traduction. Faire et construire en poésie sont devenus ainsi les axes de cette étude qui essaye de rendre compte constamment des voix de plusieurs personnalités qui étaient à la fois poètes, traducteurs et critiques littéraires. La partie finale de ce travail se concentre ainsi sur la naissance d'un nouveau type d'intellectuel qui est poète, traducteur et critique, et qui, très souvent, est aussi un éditeur. Sa participation à la vie sociale, politique et éditoriale du pays devient de plus en plus significative et fera de la poésie le sujet de plusieurs collections éditoriales et de nombreuses autres publications.Nous avons essayé de montrer quel type d'engagement peut émaner de l'écriture des poèmes et de la pratique de la traduction poétique, en décrivant quel militantisme profond et passionné peut surgir de la 'fréquentation' de la poésie, qui se propose comme une constellation de sens constamment “constructible”, comme une présence jamais définitive. Cette mise en valeur de l'inachevé contribue à la mise en question de l'identité du sujet et à la poursuite de son salut, à la multiplication des hypothèses, et à l'ouverture des horizons. En se proposant avec son corps mouvant et émouvant, la poésie sera, pendant le fascisme, un levier d'indisciplinarité face à la règle, s'imposant comme un insoupçonnable instrument de contestation et de résistance. / This thesis focuses on a historical definition given by Cesare Pavese, when he defined the 30s and 40s of the twentieth century as the translation's period par excellence in Italy. The previous studies have looked extensively on the translation of novels and most of these researches choose English or French as principal language sources. This Phd thesis concentrates instead the analysis first of all on poetic translation and also on writing poetry as well as on poetic criticism ‘made' in the inter-war period until the late 40s. Poetry was incontestably the critical, translational and creative locus. Poetry was the main interest of the circles of Italian intellectuals in Florence and in Milan, in Parma, in Rome and in Turin also. Exchanges between artists, critics, poets and translators played mostly in the field of poetry, more or less without being particularly hampered by the fascist censorship, until the mid-30s. Poetry became a field of concrete action because it upsets language's syntactic order and this encourages a new conception and design of the reality, as well a way to fight every monolithic solution refusing opacity and incompleteness.Using an expression of Henri Meschonnic poetry is “against the maintenance of the order”, and presents itself as a form of deep commitment (in order words a form of “engagement”) that involves awareness and taking a stand against reality. In a poetic discourse the political element is closed involved. In fact we assume that “politics” is any attempt to fight for the welfare of man and every attempt to achieve the highest degree of freedom of every individual.The subject of criticism and translating poetry inevitably merge with poetry at all, and it is to consider that poetry is in any case always a translation. Poetry and its effects have become the axes of this study that tries to present consistently the voices of several people who were poets, translators and literary critics at the same time. The final part of this work concentrates on the birth of a new type of intellectual who is a poet, a translator, a critic and often also a publisher.We tried to show also what type of engagement may trigger the writing of poems and the practice of poetic translation, describing how deep and passionate activism may arise 'attending' poetry. Poetry is always proposed as a constellation of meaning constantly "building" as a presence never definitive. This enhancement of the unfinished contributes to the questioning of the subject's identity and to the pursuit of his salvation. Every poetic multiplication of hypotheses allows the opening of a lot of horizons. Offering her moving body poetry has been, even during Fascism, a lever of great indisciplinarity face to the rule settled by the dictatorship and it has been an unsuspected instrument of protest and resistance.

Made available in DSpace on 2016-04-25T20:21:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ana Maria Barbosa de Faria Marcondes.pdf: 16239377 bytes, checksum: 5816ab4ee4a8a37a1a300a15b8999710 (MD5) Previous issue date: 2006-10-19 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / Hegemonic relations characterized the arts in the city of Sao Paulo in the beginning of twenty century. At this time, the modernistas were the center of everybody s attention which obfuscated the work of other artists in the city. It was not the case of painter Waldemar Belisário Pellizzari. Stigmatized as an Italian-immigrant blooded painter, Pellizzari was an outsider. His works not only revealed considerable points of tangency in the social circle of paulista aristocracy but also brought him close to Tarsila do Amaral and other artists of his time. In spite of that besides of becoming the godson of Lídia and José Estanislau do Amaral, the parents of Tarsila , Pellizzari remained in the condition of a henchman. In order to rebuild the trajectory of Waldemar Belisário Pellizzari,. this dissertation is divided in four chapters. The first one studies the construction of sociability made by the triangle Tarsiwald Pagu Belisário. Such construction demanded a cutting in the formation of the cultural/social capital as elements of demarcation of the frontiers of sociability (which is the name of the chapter). The Space in the Arts chapter II explores the difficulties faced by the painter and his friends to realize the Primeira Exposição Geral de Belas Artes , which would be his chance of becoming part of the Paulista artistic circuit. The conflict among the expositions of 1922 stresses out the geographic spaces filled by the two groups. Chapter III stresses out Pellizzari s opposition to the marchands and his struggle through his Travessias toward the freedom of the artist/artesian. Chapter IV explores the touch of the painter in the construction of the artistic scenario, pointing out the expositions in which he participated and the building of social nets (also known here as triangles of sociability ). We reconstruct both Pellizzari s artistic trajectory and biography by examining the formation and evolution of artistic environment in Sao Paulo (1922, 1951 and 1975). For doing so, we use both the historical and the sociological method of investigation. The first is to examine printed (newspapers, magazines and catalogs) and personal documents (letters, objects, photos, clippings, postal cards and official documents), and, the latter, to systematize interviews, rebuild trajectories and nets of power relations / No centro das relações hegemônicas da cidade de São Paulo no começo do século XX, onde tudo parecia girar no entorno dos modernistas de modo a obnubilar os demais artistas existentes em São Paulo, a trajetória artística do pintor Waldemar Belisário Pellizzari revelou significativos pontos de tangência no círculo de sociabilidade da aristocracia paulista. A temática problematizase nas condições outsiders do pintor estigmatizado como filho de imigrantes italianos, cujas fronteiras de sociabilidade pontuam relações de antiguidade entre as famílias paulistanas em oposição aos recém-chegados na cidade. No âmbito do laço familiar de Tarsila do Amaral o artista gozou de um certo privilégio como afilhado de batismo de Lídia e José Estanislau do Amaral, pais da renomada pintora, sem conseguir ultrapassar, no entanto, a sua condição de agregado. A dissertação apresenta quatro capítulos estruturados para reconstituir a trajetória de Waldemar Belisário. O capítulo I trata da formatação do triângulo de sociabilidade estabelecido entre o casal Tarsiwald Pagu Belisário que exigiu um recorte na formação do capital cultural e social como fatores de demarcação das fronteiras de sociabilidade , nome dado ao capítulo. O Espaço nas Artes - (capítulo II) - acentua as dificuldades enfrentadas pelo pintor e por seus amigos para realizar a I Exposição Geral de Belas Artes como garantia de sua inserção no circuito artístico paulista. O conflito entre as exposições de 22 acentua o espaço geográfico ocupado pelos dois grupos. O capítulo III disserta sobre o posicionamento do pintor Belisário na contramão dos marchands, frente à liberdade do artista-artesão em suas Travessias . O IV capítulo trata do Tangenciamento do Pintor na Construção do Cenário Artístico apontando as exposições das quais o artista participou e a importante formação de redes sociais a que chamo de triângulos de sociabilidade. O fator periférico supera os determinantes socioeconômicos e culturais para situar, através de sua criação, a expressão artística existente no interior de sua obra. A biografia do artista é reconstituída e sua trajetória artística confirmada mediante o exame dos sucessivos momentos por que passou o campo artístico em sua formação em São Paulo, tomando como balizas temporais 1922, 1951, 1975. A recorrência ao método historiográfico deve-se ao exame de documentos impressos (jornais, revistas, catálogos) e ao exame de documentos pessoais (cartas, objetos, fotos, recortes, cartões postais e documentos oficiais pessoais). O método sociológico serviu para melhor estruturar as entrevistas com o objetivo de reconstruir trajetórias e redes de relações e poder; além do estudo de instituições (academias, salões, ateliês, escolas). Com o suporte do método da história da arte examinamos as obras de arte em seus aspectos temáticos e estilísticos para fundamentar, com bases em estudos sobre a pintura do circuito paulista, a arte de Waldemar Belisário

Made available in DSpace on 2016-04-26T14:56:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ana Maria Barbosa de Faria Marcondes.pdf: 16239377 bytes, checksum: 5816ab4ee4a8a37a1a300a15b8999710 (MD5) Previous issue date: 2006-10-19 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / Hegemonic relations characterized the arts in the city of Sao Paulo in the beginning of twenty century. At this time, the modernistas were the center of everybody s attention which obfuscated the work of other artists in the city. It was not the case of painter Waldemar Belisário Pellizzari. Stigmatized as an Italian-immigrant blooded painter, Pellizzari was an outsider. His works not only revealed considerable points of tangency in the social circle of paulista aristocracy but also brought him close to Tarsila do Amaral and other artists of his time. In spite of that besides of becoming the godson of Lídia and José Estanislau do Amaral, the parents of Tarsila , Pellizzari remained in the condition of a henchman. In order to rebuild the trajectory of Waldemar Belisário Pellizzari,. this dissertation is divided in four chapters. The first one studies the construction of sociability made by the triangle Tarsiwald Pagu Belisário. Such construction demanded a cutting in the formation of the cultural/social capital as elements of demarcation of the frontiers of sociability (which is the name of the chapter). The Space in the Arts chapter II explores the difficulties faced by the painter and his friends to realize the Primeira Exposição Geral de Belas Artes , which would be his chance of becoming part of the Paulista artistic circuit. The conflict among the expositions of 1922 stresses out the geographic spaces filled by the two groups. Chapter III stresses out Pellizzari s opposition to the marchands and his struggle through his Travessias toward the freedom of the artist/artesian. Chapter IV explores the touch of the painter in the construction of the artistic scenario, pointing out the expositions in which he participated and the building of social nets (also known here as triangles of sociability ). We reconstruct both Pellizzari s artistic trajectory and biography by examining the formation and evolution of artistic environment in Sao Paulo (1922, 1951 and 1975). For doing so, we use both the historical and the sociological method of investigation. The first is to examine printed (newspapers, magazines and catalogs) and personal documents (letters, objects, photos, clippings, postal cards and official documents), and, the latter, to systematize interviews, rebuild trajectories and nets of power relations / No centro das relações hegemônicas da cidade de São Paulo no começo do século XX, onde tudo parecia girar no entorno dos modernistas de modo a obnubilar os demais artistas existentes em São Paulo, a trajetória artística do pintor Waldemar Belisário Pellizzari revelou significativos pontos de tangência no círculo de sociabilidade da aristocracia paulista. A temática problematizase nas condições outsiders do pintor estigmatizado como filho de imigrantes italianos, cujas fronteiras de sociabilidade pontuam relações de antiguidade entre as famílias paulistanas em oposição aos recém-chegados na cidade. No âmbito do laço familiar de Tarsila do Amaral o artista gozou de um certo privilégio como afilhado de batismo de Lídia e José Estanislau do Amaral, pais da renomada pintora, sem conseguir ultrapassar, no entanto, a sua condição de agregado. A dissertação apresenta quatro capítulos estruturados para reconstituir a trajetória de Waldemar Belisário. O capítulo I trata da formatação do triângulo de sociabilidade estabelecido entre o casal Tarsiwald Pagu Belisário que exigiu um recorte na formação do capital cultural e social como fatores de demarcação das fronteiras de sociabilidade , nome dado ao capítulo. O Espaço nas Artes - (capítulo II) - acentua as dificuldades enfrentadas pelo pintor e por seus amigos para realizar a I Exposição Geral de Belas Artes como garantia de sua inserção no circuito artístico paulista. O conflito entre as exposições de 22 acentua o espaço geográfico ocupado pelos dois grupos. O capítulo III disserta sobre o posicionamento do pintor Belisário na contramão dos marchands, frente à liberdade do artista-artesão em suas Travessias . O IV capítulo trata do Tangenciamento do Pintor na Construção do Cenário Artístico apontando as exposições das quais o artista participou e a importante formação de redes sociais a que chamo de triângulos de sociabilidade. O fator periférico supera os determinantes socioeconômicos e culturais para situar, através de sua criação, a expressão artística existente no interior de sua obra. A biografia do artista é reconstituída e sua trajetória artística confirmada mediante o exame dos sucessivos momentos por que passou o campo artístico em sua formação em São Paulo, tomando como balizas temporais 1922, 1951, 1975. A recorrência ao método historiográfico deve-se ao exame de documentos impressos (jornais, revistas, catálogos) e ao exame de documentos pessoais (cartas, objetos, fotos, recortes, cartões postais e documentos oficiais pessoais). O método sociológico serviu para melhor estruturar as entrevistas com o objetivo de reconstruir trajetórias e redes de relações e poder; além do estudo de instituições (academias, salões, ateliês, escolas). Com o suporte do método da história da arte examinamos as obras de arte em seus aspectos temáticos e estilísticos para fundamentar, com bases em estudos sobre a pintura do circuito paulista, a arte de Waldemar Belisário

O presente estudo investiga, nos romances O Pintor de Retratos, de Luiz Antonio de Assis Brasil (Brasil, 2002) e Satolep, de Vitor Ramil (Ramil 2008), a relação entre o gênero romanesco e a Fotografia. Ambos os textos têm como um de seus temas a imagem fotográfica, mas a abordam de maneira distinta: Assis Brasil, de maneira mais tradicional, verbalmente descreve as imagens, enquanto Ramil introduz materialmente fotografias na estrutura de sua obra. Neste sentido, objetivamos descobrir em que medida há um entrecruzamento de linguagens, de categorias epistêmicas, que interfira na estrutura profunda do gênero romanesco. Para buscar respostas aos questionamentos que guiaram esta pesquisa, recorremos ao amparo teórico provindo da teoria do romance, teoria da fotografia, além de investigarmos o processo criativo dos autores. Ademais, para homogeneizar elementos teóricos tão heterogêneos, buscamos amparo na interdisciplinaridade (além de estudos interartes, intermídias, etc.). Verificamos que efetivamente a introdução de elementos fotográficos, em ambos os textos, produziram alterações em categorias fundamentais da estrutura do romance. Sofreram alterações elementos como a trajetória do protagonista, função do narratário, construção da memória e do passado, a maneira de inserção dos intertextos, o próprio trabalho do escritor (que passara a trabalhar com, pelo menos, duas matérias primas), etc. Deste modo, confirmaram-se as hipóteses iniciais, a forma romanesca, sempre permeável à relação com outros gêneros e outras séries, recebeu aqui não apenas um elemento acessório em sua composição, mas um adendo que alterou seu lastro estrutural, mas sem que ele deixasse, ainda sim, de preservar sua primordial condição de gênero romanesco. / El presente trabajo investiga, en las novelas O Pintor de Retratos de Luiz Antonio de Assis Brasil (Brasil, 2002) y Satolep, de Vitor Ramil (Ramil 2008), la relación entre el género novelístico y la fotografía. Los dos textos tienen en común la temática de la imagen fotográfica, pero la tratan de distintos modos: Assis Brasil, de una manera más tradicional, verbalmente describe las imágenes, mientras Ramil introduce materialmente fotografías en la estructura de su obra. En este sentido, buscamos descubrir de qué manera ocurre el entrecruzamiento de lenguajes, que interfiera en la estructura profunda del género novelístico. Para contestar los cuestionamientos que guiaron esta pesquisa, buscamos amparo teórico en la teoría de la novela, teoría de la fotografía, además de estudiar el proceso creativo de los escritores. Al mismo tiempo, para homogenizar elementos teóricos tan distintos, usamos proposiciones de la interdisciplinaridad (además de los estudios interartísticos, intermídias, etc.). Descubrimos que, en realidad, la introducción de elementos de la fotografía en las dos novelas generara cambios en categorías fundamentales de la novelística. Se alteraron elementos como la trayectoria del protagonista, la función del narratario, la composición del pasado y de la memoria, el modo de inserción de los intertextos, el propio trabajo del escritor (que tuvo que trabajar con, por lo menos, dos materiales), etc. Logramos confirmar nuestras hipótesis originales, la novelística, siempre abierta a la relación con otros géneros y otras series culturales, no recibió solamente un elemento accesorio, pero una suma que ha cambiado su estructura básica, pero manteniendo su condición narrativa, estos textos siguen siendo novelas.

Nesta tese, estudamos os vasos cerâmicos produzidos pelo Pintor de Gela, um artista ático, cujo período de atividade vai da última década do século VI a meados do século V. Esse Pintor pertence à geração de artistas tradicionalistas que prossegue produzindo vasos de figuras negras no período em que a técnica de figuras vermelhas é introduzida e adotada por diversos artistas em Atenas. O Pintor de Gela pode ser considerado um artista completo, uma vez que tanto molda como decora seus vasos com a mesma dedicação; ele pensa como um ceramista, porque ele é um deles, consciente do volume sobre o qual ele coloca os elementos da imagem que constrói, consciente assim da natureza do objeto suporte da imagem e das manipulações e rotações que serão feitas ao longo de sua utilização. Em sua obra, o Pintor apresenta qualidades artísticas interessantes e importantes que devem ser levadas em conta sob diversos aspectos: a originalidade técnica com a qual produz vasos em que se percebe a preocupação com simetria, volume e proporção; a capacidade de abstração e ordenação de imagens; a criatividade e liberdade artísticas com que apresenta novas representações e versões de temas desenvolvidos por outros artistas e oficinas contemporâneos a ele. A produção desse Pintor merece uma revisão e novas interpretações já que o que possuímos de publicações dedicadas ele é muito pouco em relação à sua importância como artista pertencente a um período tão produtivo da arte grega. Apontamentos sobre qualidade artística, estilo, produção e cronologia podem ser feitos a partir do estudo sistemático de seus vasos, inseridos no universo de artistas e da produção de vasos áticos de figuras negras. O conhecimento da produção desse artista, tanto no nível formal quanto imagético, contribui para uma caracterização e maior conhecimento do desenvolvimento técnico e artístico pelos quais passa a cerâmica grega, permitindo questionamentos sobre o que conhecemos da arte, tecnologia e iconografia gregas do período / This thesis deals with the pottery vases produced by the Gela Painter, an attic artist who worked from the last decade of the sixth to the beginning of the fifth century BC. This painter belongs to a generation of traditional artists who keeps on producing black figured vases when the red figured technique is introduced and adopted by many artists in Athens. The Gela Painter can be considered a complete artist due to the fact that he makes and decorates his vases with the same dedication. He thinks as a ceramist because he is one - he is aware of the volume in which he creates the elements of image, conscious of the nature of the object in which the image is placed and of the manipulations and shifts that will happen during its use. In his work, the Painter shows interesting and important artistic qualities which have to be considered under different aspects: the technical originality used to produce his vases through which it is possible to notice his worries about symmetry, volume and proportion; the capacity of abstracting and arranging images; the artistic creativity and liberty with which he shows new representations and versions of the same theme developed by other contemporary artists and workshops. This Painter\'s production deserves to be reviewed and re-interpreted due to the fact that all the works dedicated to him are really few when we take into account his importance as an artist belonging to such a fruitful period of the Greek art. Considerations about artistic quality, style, production and chronology can be taken out studying his vases systematically, always having in mind the production of attic black figured vases universe. The knowledge of this Painter\'s production, taking into account both its form and imagery characteristics, contributes to a better characterization and a greater understanding of the artistic and technical development seen in the Greek ceramic production, allowing us to question what we know about art, technology and iconography of this period

O presente estudo investiga, nos romances O Pintor de Retratos, de Luiz Antonio de Assis Brasil (Brasil, 2002) e Satolep, de Vitor Ramil (Ramil 2008), a relação entre o gênero romanesco e a Fotografia. Ambos os textos têm como um de seus temas a imagem fotográfica, mas a abordam de maneira distinta: Assis Brasil, de maneira mais tradicional, verbalmente descreve as imagens, enquanto Ramil introduz materialmente fotografias na estrutura de sua obra. Neste sentido, objetivamos descobrir em que medida há um entrecruzamento de linguagens, de categorias epistêmicas, que interfira na estrutura profunda do gênero romanesco. Para buscar respostas aos questionamentos que guiaram esta pesquisa, recorremos ao amparo teórico provindo da teoria do romance, teoria da fotografia, além de investigarmos o processo criativo dos autores. Ademais, para homogeneizar elementos teóricos tão heterogêneos, buscamos amparo na interdisciplinaridade (além de estudos interartes, intermídias, etc.). Verificamos que efetivamente a introdução de elementos fotográficos, em ambos os textos, produziram alterações em categorias fundamentais da estrutura do romance. Sofreram alterações elementos como a trajetória do protagonista, função do narratário, construção da memória e do passado, a maneira de inserção dos intertextos, o próprio trabalho do escritor (que passara a trabalhar com, pelo menos, duas matérias primas), etc. Deste modo, confirmaram-se as hipóteses iniciais, a forma romanesca, sempre permeável à relação com outros gêneros e outras séries, recebeu aqui não apenas um elemento acessório em sua composição, mas um adendo que alterou seu lastro estrutural, mas sem que ele deixasse, ainda sim, de preservar sua primordial condição de gênero romanesco. / El presente trabajo investiga, en las novelas O Pintor de Retratos de Luiz Antonio de Assis Brasil (Brasil, 2002) y Satolep, de Vitor Ramil (Ramil 2008), la relación entre el género novelístico y la fotografía. Los dos textos tienen en común la temática de la imagen fotográfica, pero la tratan de distintos modos: Assis Brasil, de una manera más tradicional, verbalmente describe las imágenes, mientras Ramil introduce materialmente fotografías en la estructura de su obra. En este sentido, buscamos descubrir de qué manera ocurre el entrecruzamiento de lenguajes, que interfiera en la estructura profunda del género novelístico. Para contestar los cuestionamientos que guiaron esta pesquisa, buscamos amparo teórico en la teoría de la novela, teoría de la fotografía, además de estudiar el proceso creativo de los escritores. Al mismo tiempo, para homogenizar elementos teóricos tan distintos, usamos proposiciones de la interdisciplinaridad (además de los estudios interartísticos, intermídias, etc.). Descubrimos que, en realidad, la introducción de elementos de la fotografía en las dos novelas generara cambios en categorías fundamentales de la novelística. Se alteraron elementos como la trayectoria del protagonista, la función del narratario, la composición del pasado y de la memoria, el modo de inserción de los intertextos, el propio trabajo del escritor (que tuvo que trabajar con, por lo menos, dos materiales), etc. Logramos confirmar nuestras hipótesis originales, la novelística, siempre abierta a la relación con otros géneros y otras series culturales, no recibió solamente un elemento accesorio, pero una suma que ha cambiado su estructura básica, pero manteniendo su condición narrativa, estos textos siguen siendo novelas.

O presente estudo investiga, nos romances O Pintor de Retratos, de Luiz Antonio de Assis Brasil (Brasil, 2002) e Satolep, de Vitor Ramil (Ramil 2008), a relação entre o gênero romanesco e a Fotografia. Ambos os textos têm como um de seus temas a imagem fotográfica, mas a abordam de maneira distinta: Assis Brasil, de maneira mais tradicional, verbalmente descreve as imagens, enquanto Ramil introduz materialmente fotografias na estrutura de sua obra. Neste sentido, objetivamos descobrir em que medida há um entrecruzamento de linguagens, de categorias epistêmicas, que interfira na estrutura profunda do gênero romanesco. Para buscar respostas aos questionamentos que guiaram esta pesquisa, recorremos ao amparo teórico provindo da teoria do romance, teoria da fotografia, além de investigarmos o processo criativo dos autores. Ademais, para homogeneizar elementos teóricos tão heterogêneos, buscamos amparo na interdisciplinaridade (além de estudos interartes, intermídias, etc.). Verificamos que efetivamente a introdução de elementos fotográficos, em ambos os textos, produziram alterações em categorias fundamentais da estrutura do romance. Sofreram alterações elementos como a trajetória do protagonista, função do narratário, construção da memória e do passado, a maneira de inserção dos intertextos, o próprio trabalho do escritor (que passara a trabalhar com, pelo menos, duas matérias primas), etc. Deste modo, confirmaram-se as hipóteses iniciais, a forma romanesca, sempre permeável à relação com outros gêneros e outras séries, recebeu aqui não apenas um elemento acessório em sua composição, mas um adendo que alterou seu lastro estrutural, mas sem que ele deixasse, ainda sim, de preservar sua primordial condição de gênero romanesco. / El presente trabajo investiga, en las novelas O Pintor de Retratos de Luiz Antonio de Assis Brasil (Brasil, 2002) y Satolep, de Vitor Ramil (Ramil 2008), la relación entre el género novelístico y la fotografía. Los dos textos tienen en común la temática de la imagen fotográfica, pero la tratan de distintos modos: Assis Brasil, de una manera más tradicional, verbalmente describe las imágenes, mientras Ramil introduce materialmente fotografías en la estructura de su obra. En este sentido, buscamos descubrir de qué manera ocurre el entrecruzamiento de lenguajes, que interfiera en la estructura profunda del género novelístico. Para contestar los cuestionamientos que guiaron esta pesquisa, buscamos amparo teórico en la teoría de la novela, teoría de la fotografía, además de estudiar el proceso creativo de los escritores. Al mismo tiempo, para homogenizar elementos teóricos tan distintos, usamos proposiciones de la interdisciplinaridad (además de los estudios interartísticos, intermídias, etc.). Descubrimos que, en realidad, la introducción de elementos de la fotografía en las dos novelas generara cambios en categorías fundamentales de la novelística. Se alteraron elementos como la trayectoria del protagonista, la función del narratario, la composición del pasado y de la memoria, el modo de inserción de los intertextos, el propio trabajo del escritor (que tuvo que trabajar con, por lo menos, dos materiales), etc. Logramos confirmar nuestras hipótesis originales, la novelística, siempre abierta a la relación con otros géneros y otras series culturales, no recibió solamente un elemento accesorio, pero una suma que ha cambiado su estructura básica, pero manteniendo su condición narrativa, estos textos siguen siendo novelas.