Ce mémoire porte sur le recueil de poèmes La terre est ici d’Élise Turcotte. Il s’attache à analyser les modalités par lesquelles le foyer de perception des sujets poétiques engendre un déplacement de la notion de « paysage » dans l’œuvre de Turcotte. Le premier chapitre étudie l’énonciation afin de retracer comment les subjectivités de La terre est ici investissent le langage et construisent le réel qui les entoure pour en donner une perception singulière. Le second chapitre analyse la création de cet espace visuel unique qui se déploie autour de la notion de « détail », tandis que le troisième et dernier chapitre s’intéresse à la remise en cause du statisme de la vision engendrant un « art de faire » qui tend plutôt vers la mise en scène et le mouvement. L’étude de cette scène comme convocation des sujets dans le langage permet de développer la conception de l’espace comme lieu pratiqué, où les multiples perceptions des sujets composent un « paysage » à la fois visuel, tout en donnant lieu à une possibilité d’action. / This M.A. thesis concerns the collection of poems La terre est ici of the poet Élise Turcotte. It studies the modalities by which the perception of the poetic subjects displaces the notion of « landscape » in the work of Turcotte. The first chapter, in studying enunciation, tries to understand how the subjectivities of La terre est ici invest the language and build the reality that surrounds them to create a singular perception. The second chapter analyzes the creation of this unique visual space which deploys itself around the notion of « detail », whereas the third and last chapter questions the vision engendering an « art de faire » which aims towards direction and movement. The study of this stage as a way to convoke the subjects in the language introduces the idea of the space as a practised place. Thus, the multiple perceptions of the subjects compose a « landscape », understood in a visual sense and as possibility of action.

Ce mémoire porte sur les deux premiers recueils de Raoul Duguay (ruts et or le cycle du sang dure donc). Il cherche à examiner les liens étroits qu’entretient la poésie de Duguay avec la production parallèle du poète, qui s’oriente dès la fin des années 1960 vers la chanson. Le mémoire s’attachera d’abord, dans le premier chapitre, à présenter l’histoire des liens entre les poètes et la chanson au Québec afin de relever les points de contact significatifs au cours des années 1960 et de poser le cadre théorique de la chanson comme objet d’étude. Dans un deuxième temps, l’analyse des deux premiers recueils de poèmes de Duguay nous mènera à une réflexion sur la présence de la métaphore du chant, puis de la parole poétique en poésie québécoise, qui annonce un changement de paradigme dans l’approche du lyrisme et du sujet lyrique. Enfin, le troisième chapitre se penchera sur le contexte contre-culturel québécois, pour examiner le discours et le contre-discours sur la poésie, pour expliquer le phénomène de décloisonnement des genres qui conduit Raoul Duguay à investir le champ de la culture populaire de sa poésie. Il y sera aussi question du sujet « dans le langage », de l’expérience de la langue et de la subjectivité de la voix. / This thesis addresses the early works of Raoul Duguay. Our study focuses on the first two collections of poem (ruts [1966] and or le cycle du sang dure donc [1967]), while examining Duguay’s parallel production as an experimental musical artist and eventually songwriter. Hereby, our study wishes to unveil the close ties between poetry and what could be considered as its popular derivatives: songwriting. Indeed, a significant number of poets wrote songs, especially among the proponent of the counterculture. Therefore, the first chapter will present a portrayal of Quebec’s cultural history that underlies the ties between songwriters, poets and artists in general in the 1960s. Furthermore, it will lay the theoretical framework to address the song as a study object. The second chapter studies the notion of lyricism in Quebec’s early modern poetry. It will study the use of song – or singing – as a metaphor, to demonstrate how it later loses its relevancy in regard of the modern poetry, which prefers the use of speech as metaphor. This shift heralds a change of paradigm in approaching lyricism and the lyrical subject. However, it will appear that Duguay persists in using song and singing metaphors – as well as speech – as he experiences language in its vocal and oral undertone. The third chapter studies the context – Quebec’s counterculture – in which the ties between poetry and song are tighten around the question of their function. It addresses the notion of popular art and its legitimacy.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Notre thèse tente de dégager une structure globale, un espace de la mort en lien avec l’écriture du deuil qui serait propre à la poésie québécoise telle qu’elle est représentée par Anne Hébert (1916-2000), Fernand Ouellette (1930 –), Jacques Brault (1933 –) et Denise Desautels (1945 –). La notion d’hétérotopie de Michel Foucault constitue le cœur de notre approche théorique parce qu’elle fait le pont entre un lieu localisable et un lieu non localisable dans le réel. Nous l’utilisons pour montrer l’« espace imaginaire de la mort » (Michel Ragon) de chaque poète. Deux notions bachelardiennes – le retentissement et la résonance – guident notre compréhension des images poétiques dans l’écriture de la perte. La mort n’étant pas un sujet ni un thème comme les autres, en faire un concept nous permet de tenir compte de sa particularité philosophique puisqu’il « vise à dégager l’essence d’une notion d’abord perçue comme noyée dans une gangue de contingences multiples » (Claude Bremond). D’un poète à l’autre, l’hétérotopie révèle le passage d’un imaginaire utopique de la mort à une thématisation plus axée sur la problématique de la dépouille. C’est ainsi que la traversée des ténèbres entreprise par Anne Hébert pour naître à la parole vivante ouvre la porte à l’angoisse d’une fin définitive que Fernand Ouellette apaise par sa foi en un au-delà. Son espace de la mort rejoint la notion d’horizon de Michel Collot. De son côté, Jacques Brault thématise la mort comme la fin d’un chemin marqué de nombreux deuils que seule la mémoire peut surmonter. Quant à Denise Desautels, ses poèmes-cimetières sont de petits théâtres construits d’objets et de voix qui rompent la solitude de cet être de langage qu’est la mort.

Notre thèse tente de dégager une structure globale, un espace de la mort en lien avec l’écriture du deuil qui serait propre à la poésie québécoise telle qu’elle est représentée par Anne Hébert (1916-2000), Fernand Ouellette (1930 –), Jacques Brault (1933 –) et Denise Desautels (1945 –). La notion d’hétérotopie de Michel Foucault constitue le cœur de notre approche théorique parce qu’elle fait le pont entre un lieu localisable et un lieu non localisable dans le réel. Nous l’utilisons pour montrer l’« espace imaginaire de la mort » (Michel Ragon) de chaque poète. Deux notions bachelardiennes – le retentissement et la résonance – guident notre compréhension des images poétiques dans l’écriture de la perte. La mort n’étant pas un sujet ni un thème comme les autres, en faire un concept nous permet de tenir compte de sa particularité philosophique puisqu’il « vise à dégager l’essence d’une notion d’abord perçue comme noyée dans une gangue de contingences multiples » (Claude Bremond). D’un poète à l’autre, l’hétérotopie révèle le passage d’un imaginaire utopique de la mort à une thématisation plus axée sur la problématique de la dépouille. C’est ainsi que la traversée des ténèbres entreprise par Anne Hébert pour naître à la parole vivante ouvre la porte à l’angoisse d’une fin définitive que Fernand Ouellette apaise par sa foi en un au-delà. Son espace de la mort rejoint la notion d’horizon de Michel Collot. De son côté, Jacques Brault thématise la mort comme la fin d’un chemin marqué de nombreux deuils que seule la mémoire peut surmonter. Quant à Denise Desautels, ses poèmes-cimetières sont de petits théâtres construits d’objets et de voix qui rompent la solitude de cet être de langage qu’est la mort.

Je suis une voiture est un recueil de nouvelles qui s’articulent depuis différents lieux du Québec. Le rapport qu’entretient la narratrice —la même pour chaque texte— avec ces différents espaces est réfléchi depuis un point d’ancrage montréalais. L’objectif des textes est moins de décrire les lieux que de les faire ressentir et d’en restituer l’ambiance. Parce qu’ils sont issus du monde sensible, les lieux permettent d’ancrer les textes dans le réel. Le travail de réalisme passe aussi par le personnage de la narratrice qui permet de présenter plusieurs motifs récurrents de la vie humaine : l’amour surtout, l’amitié, mais aussi la perte, la colère, la tristesse... Je suis une voiture se présente comme une collection de souvenirs qui se croisent et se mêlent. L’ordre des textes n’est pas chronologique, mais propose un itinéraire où chaque escale est une fenêtre sur une époque de la même vie. L’essai « L’écriture du fleuve dans la poésie de Mahigan Lepage et de Pierre Nepveu » interroge trois recueils de poésie pour répondre à la question : comment écrire le fleuve? De Lepage a été retenu le fleuve colère et de Nepveu La dureté des matières et de l’eau ainsi que Romans-fleuves. Ces textes ont l’avantage d’offrir trois formes poétiques différentes : la fable, les vers et la prose. Dès lors, chacun des poèmes devient une réponse possible à la question. Cet essai s’applique à montrer que, pour écrire le fleuve, il faut reconstituer dans le poème les caractéristiques principales de ce corps hydrographique pour les transposer dans le texte. L’essai en retient principalement deux : l’eau et le mouvement et l’analyse adopte un double point de vue thématique et formel. / Je suis une voiture is a collection of short stories that take place in different places of Québec. The relation between the narrator —she is the same in every text— and these places is thought with Montreal as a starting point. The objective of the short stories is not so much to describe the places as it is to give a measure of their ambiance. Because they exist in the sensitive world, to mention them anchors the texts in reality. The work of realism also transpires in the character of the narrator, who allows the representation of different motifs of human life: mostly love, but also friendship, loss, anger, sadness... Je suis une voiture is also a collection of memories that intersect and sometimes connect. As it is not chronological, the order of the texts presents itself as an itinerary where each stop is an episode of the same life. The essay, « L’écriture du fleuve dans la poésie de Mahigan Lepage et de Pierre Nepveu » examines three collections of poems to answer the question: “how to write a river?” From Lepage was chosen le fleuve colère and from Nepveu La dureté des matières et de l’eau and Romans-fleuves. The texts have the advantage of being written in three different genres: the fable, verses, and prose. Each poem can then become a possible answer to the question. The essay tends to present that to write a river, one must reform its main characteristics and transpose them in the text. Two of them are the main focus of this essay: water and motion and the analysis takes a dual thematic and formal point of view.

La première partie de ce mémoire intitulé Nous étions les nerfs rêvant d’une émeute, propose une suite de poèmes dont le corps est le principal thème exploré. Il s’agit d’un corps mis à mal, remis en cause, mis en danger et en déséquilibre. Le corps est l’élément déclencheur des tensions. Il est détaillé dans son rapport physique à l’autre par le désir et la sensualité. Le corps physique et pensant est dépeint comme étant lui-même un monde entier traversé par les blessures, le temps, la maladie. Le texte devient corps. Les images, comme moyen de dire en résistance à la langue commune, révèlent la relation amoureuse d’une manière à la fois crue et sensuelle. La seconde partie de ce mémoire s’intéresse à l’image du corps dans la poésie de Roger Des Roches, et plus précisément dans les recueils Le Soleil tourne autour de la Terre et Tout est normal, tout est terminé. Ces derniers, qui s’inscrivent dans le paysage de la tendresse, de l’érotisme et du formalisme, explore le corps, surtout celui de la femme, comme moteur d’écriture. On y lit le rêve littéraire, c’est-à-dire la pulsion d’écrire. Chez Des Roches, le corps est écrivant, frontière, idéalisé. Il compare la jouissance sexuelle à la jouissance textuelle. / The first part of this memoir entitled Nous étions les nerfs rêvant d'une émeute, proposes poems with the body as the central theme. A bruised and beaten down body, constantly challenged, put in danger, out of its equilibrium. The body is also the trigger of many tensions. It's being detailed in its physical relationship with the other through desire and sensuality. The physical and thinking body is depicted as being a world by itself, a world marked by injuries, the passage of time and sickness. The text here is the body. The images, as means of saying in resistance with common language, reveals the love relationship in a crude and sensual way. The second part of this memoir analyzes the image of the body in the poetry of Roger Des Roches, more precisely in two books : Le Soleil tourne autour de la Terre and Tout est normal, tout est terminé. Set in a perspective of tenderness, eroticism and formalism, theses books explore mostly the female body as writing vector where we can read the literary dream, namely the drive of writing. In Des Roches poems, the body is a text, a frontier and an ideal. It compares sexual and textual pleasure.

Le recueil intitulé Triangle noir sur triangle blanc développe un imaginaire du désir amoureux, de la féminité et de l’intériorité. Ses poèmes succincts et dépouillés laissent place à un témoignage mélancolique qui prend forme au-delà du dicible. Expérience trouble défend l’hypothèse selon laquelle, dans La Beauté pourrit sans douleur (1989), les poèmes de François Charron, que je qualifie d’ordinaires, font surgir un sentiment d’étrangeté chez le lecteur. Après des analyses discursive et formelle, une analyse des effets de lecture et diverses considérations philosophiques et théoriques (Bégout, Freud, Rancière), j’en conclus que cette poésie à la fois ordinaire et étrange témoigne d’une conscience de l’absurde (Camus) qu’elle transmet à son lecteur. / This poetry collection entitled Triangle noir sur triangle blanc [Black Triangle over White Triangle] builds an imaginary of love desire, femininity, and interiority. Its succinct and unadorned poems give way to a wistful testimonial that takes shape beyond the realm of words. Expérience trouble [Confused Experience] supports the hypothesis that in La Beauté pourrit sans douleur (1989), François Charron's poems, which I consider ordinary, bring out a sense of uncanniness in the reader. After discourse and formal analyses, an analysis of the effects of reading and various philosophical and theoretical considerations (Bégout, Freud, Rancière), I have come to the conclusion that this poetry both ordinary and uncanny testifies to an awareness of the absurd (Camus) that it conveys to the reader.

Ce mémoire propose une étude du dernier recueil du poète québécois Paul-Marie Lapointe, intitulé Espèces fragiles, en y détaillant la présence d’un intertexte scientifique et en dégageant les effets de sens liés à la juxtaposition de postures intertextuelles variées. Nous suggérons que l’idée d’une intertextualité dite « externe » jumelée à la notion de la « référencialité » peut aider à comprendre les enjeux d’une intertextualité scientifique en poésie. En regard de la place du sujet et de l’objet dans la poésie de Lapointe, nous montrons que la présence d’un intertexte littéraire est directement liée à l’élaboration de l’intertexte archéologique dans Espèces fragiles. Finalement, nous proposons que les effets de lecture issus des tonalités plurielles du recueil accentuent la critique des logiques économiques contemporaines présentée par Lapointe. Le détournement de l’intertexte scientifique fait ainsi valoir la nécessité d’une mémoire culturelle forte, marquée par la résurgence constante du passé dans un présent en devenir. / The present master’s thesis consists in a study of Quebecois poet Paul-Marie Lapointe’s last collection, Espèces fragiles. This study examines the presence of scientific intertextuality in this work by pointing to the semantic effects produced by the juxtaposition of a variety of intertextual postures. Following an analysis of the theoretical framework in which previous studies in this field are couched, I argue that the notion of so-called “external” intertextuality combined to that of “referenciality” allows us better to understand the issues surrounding scientific intertextuality in poetry. With regard to the roles of the subject and the object in Lapointe’s poetry, I will show that the presence of literary intertextuality is directly related to the articulation of an archeological intertext in Espèces fragiles. Ultimately, the stylistic effects issuing from the plural tonalities of the collection make it possible to intensify Lapointe’s critique of the economic rationality which predominates in contemporary society. The poet’s appropriation of the scientific intertext is thus mobilized to highlight the need for a strong cultural memory, characterized the perpetual resurgence of the past in an ever emergent present.

Ce mémoire cherche à dévoiler le mode d’habitation singulier que développe le sujet poétique dans Les vies frontalières et Rabatteur d’étoiles de Rachel Leclerc par l’intermédiaire de l’analyse du motif du « domaine », récurrent dans les deux œuvres. Il s’agira donc de clarifier ce à quoi fait référence ce motif particulier en dégageant les différentes structures le sous-tendant et en tentant d’observer comment son élaboration se fait en parallèle étroit avec celle de la subjectivité des recueils de Leclerc. Ainsi, les trois premiers chapitres du présent ouvrage s’attardent à expliciter l’importance de la structure d’horizon, terme emprunté à Michel Collot, pour saisir la façon unique dont le sujet poétique perçoit l’espace, la temporalité et sa propre subjectivité. Le quatrième chapitre est quant à lui consacré à ce qu’on peut qualifier de structure du chemin, qui vient recouper et enrichir celle de l’horizon. Le croisement de ces deux lignes trace enfin l’espace du domaine et dessine une sorte de T qui supporte l’entreprise poétique dans son ensemble. / This masters thesis’s objective is to reveal the poetic subject’s unique way of occupying space in Rachel Leclerc’s Les vies frontalières and Rabatteurs d’étoiles by analysing the “domain’s” motif, recurrent in the two poetical pieces. Clarifying the meaning of this specific motif will be accomplished through the identification of its different underlying structures and by defining how its development is closely linked to that of the poetic subjectivity in Leclerc’s work. The three first chapters of the present thesis intend to shed light on the importance of the “horizon’s structure”, term barrowed from Michel Collot’s works, to highlight the distinctive manner in which the poetic subject appreciates spatiality, temporality and his own subjectivity. As for the fourth chapter, it expands on what can be called the “road structure” that crosscuts and completes the horizon’s structure. The junction of these two lines creates the domain’s space and its T form supports the poetic undertaking in its full spectrum.