Quel est le rôle et la place de la poésie des femmes des décennies 1910, 1920 et 1930 dans le processus d'évolution de la poésie québécoise? C'est à cette question fondamentale, à laquelle la critique de toutes les époques semble incapable de fournir de réponse satisfaisante, que tente de répondre cette thèse. La notion de modernité, qui, au fil du temps, est de plus en plus présente dans les articles critiques, donne toutefois un indice intéressant. Il semble, en effet, que cette poésie doive non seulement être située dans le cadre du mouvement moderne au Québec, mais qu'elle soit aussi à l'origine d'une tradition moderne qui s'épanouira au cours de la décennie suivante dans les œuvres des premiers poètes modernes québécois tels Saint-Denys Garneau et Alain Grandbois, notamment. C'est à partir de cette hypothèse que s'organise toute la recherche qui explore deux aspects importants du phénomène de la poésie des femmes des décennies 1910, 1920 et 1930. Dans un premier temps, il s'agira d'établir ce que Pierre Bourdieu appelle « le champ littéraire » dans lequel sont nées les œuvres qui ont été produites par ces poétesses. Cette partie explore, du plus général au plus particulier, tous les éléments qui ont contribué à la naissance et au développement du discours féminin dans la poésie de cette époque ainsi que tous ceux qui structurent le champ littéraire. Dans un second temps, il s'agira de proposer une relecture de cette poésie à partir de l'analyse de quelques poèmes de quatre poétesses qui marquent les grandes étapes de la formation de ce discours : Léonise Valois, Blanche Lamontagne-Beauregard, Eva Sénécal et Medjé Vézina. L'analyse de chacun de ces deux axes contribue à cerner d'un peu plus près les véritables enjeux de cette poésie de même qu'elle permet de découvrir son rôle et sa place dans le développement de la poésie québécoise. Ainsi, l'établissement du champ littéraire permet de voir comment cette poésie à influé sur l'évolution de ce denier vers l'autonomie et l'analyse des divers éléments qui ont présidé à l'émergence et au développement de cette poésie permet d'en faire ressortir les deux grandes caractéristiques : la modernité et le féminin. De son côté, l'analyse des poèmes révèle les éléments qui illustrent ces grandes caractéristiques, tels la naissance et le développement du sujet lyrique moderne, la création d'un espace littéraire particulier, la déconstruction et la reconstruction de la divinité qui règne sur la poésie afin de répondre aux besoins du féminin et l'entrée en scène du corps dans la poésie. Ces deux grandes parties permettent, en effet, de vérifier l'hypothèse de départ selon laquelle la poésie des femmes des décennies 1910, 1920 et 1930 doit non seulement être située dans le cadre du mouvement moderne au Québec, mais qu'elle a amené également la poésie québécoise au seuil de la modernité, étant à l'origine d'une tradition qui s'épanouira au cours de la décennie suivante dans les œuvres des premiers poètes modernes québécois. Elles permettent de vérifier l'hypothèse de départ, mais aussi de la dépasser, puisque cette poésie est également le creuset de ce qui plus tard s'appellera l'écriture au féminin. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : modernité, poésie, femmes, Québec.

Ce mémoire a pour objectif l'exploration en deux temps (volets créatif et réflexif) d'une écriture au féminin qui cherche à composer avec une identité trouble. La première partie, qui est la partie créative du mémoire, présente un sujet lyrique féminin aux prises avec des désirs particuliers et qui est en quête d'un ailleurs. Sur un ton alternant entre l'ironie et la mélancolie, le recueil se présente sous forme de fragments poétiques et de poèmes en vers. La partie réflexive s'attache également à mieux comprendre un sujet qui compose avec une identité instable, voire marginale, à travers l'étude de figurations monstrueuses au féminin dans trois oeuvres de Josée Yvon : La chienne de l'hôtel Tropicana, publié en 1977 aux Herbes rouges, Les laides otages, en 1990, et La cobaye, en 1993, tous deux chez VLB éditeur. Cette partie du mémoire se divise en deux chapitres : "Les personnages" et "Lieux sordides et formes éclatées", qui abordent le monstrueux à partir de l'étude des corps, des caractères et des comportements, des lieux et de la forme des récits et poèmes.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l’Université de Montréal / Dans ce mémoire, nous analysons la revue de création poétique Gaz Moutarde (1989-1995). Nous l'étudions à travers le prisme d'une notion : la «communauté», laquelle apparaît comme le leitmotiv sous-jacent aux trois parties qui composent ce mémoire. L'analyse institutionnelle, la philosophie, l''esthétique et la poétique ont constitué les principaux champs disciplinaires auxquels nous avons eu recours. Nous nous attachons d'abord au discours manifestaire de la revue. L'hypothèse, au premier chapitre, est que Gaz Moutarde met en crise la tradition du manifeste, se l'approprie pleinement. En tenant compte du contexte institutionnel et socio-littéraire dans lequel a émergé Gaz Moutarde à la fin des années 1980, nous essayons de montrer à quel point il s'est moins agi pour la revue de prendre et de défendre une position (dans le champ des revues) par l'intermédiaire du manifeste que d'en exploiter le potentiel expressif et poétique. Le second chapitre est central, et d'une importance capitale. Il permet de comprendre sur quelles prémisses et sur quelle éthique se fonde notre étude du périodique. Pour nous, line revue telle que Gaz Moutarde met en œuvre l'idée d'une «communauté» paradoxale, où l'«être-en-commun» et la «singularité» produisent une aporie constante. Par le biais du concept philosophique de «communauté», au sens que lui donne Jean-Luc Nancy, nous tentons de décrire la pratique contemporaine et particulière de la revue. L'hypothèse qui préside au troisième chapitre est celle-ci : s'il existe dans Gaz Moutarde une «communauté» au sens plus courant du terme, c'est-à-dire un partage fusionnel entre des êtres, c'est surtout virtuellement, fictivement et poétiquement, dans les poèmes eux-mêmes qu'elle se donne à lire (et non pas entre les poètes gazmoutardiens, non plus entre leurs poèmes). Ainsi, les poèmes de David Hince mettent en scène une communauté avant-gardiste; ceux de Mario Cholette une communauté de corps souffrants; ceux de José Acquelin une communauté apocalyptique.

Ce mémoire porte sur le recueil de poèmes La terre est ici d’Élise Turcotte. Il s’attache à analyser les modalités par lesquelles le foyer de perception des sujets poétiques engendre un déplacement de la notion de « paysage » dans l’œuvre de Turcotte. Le premier chapitre étudie l’énonciation afin de retracer comment les subjectivités de La terre est ici investissent le langage et construisent le réel qui les entoure pour en donner une perception singulière. Le second chapitre analyse la création de cet espace visuel unique qui se déploie autour de la notion de « détail », tandis que le troisième et dernier chapitre s’intéresse à la remise en cause du statisme de la vision engendrant un « art de faire » qui tend plutôt vers la mise en scène et le mouvement. L’étude de cette scène comme convocation des sujets dans le langage permet de développer la conception de l’espace comme lieu pratiqué, où les multiples perceptions des sujets composent un « paysage » à la fois visuel, tout en donnant lieu à une possibilité d’action. / This M.A. thesis concerns the collection of poems La terre est ici of the poet Élise Turcotte. It studies the modalities by which the perception of the poetic subjects displaces the notion of « landscape » in the work of Turcotte. The first chapter, in studying enunciation, tries to understand how the subjectivities of La terre est ici invest the language and build the reality that surrounds them to create a singular perception. The second chapter analyzes the creation of this unique visual space which deploys itself around the notion of « detail », whereas the third and last chapter questions the vision engendering an « art de faire » which aims towards direction and movement. The study of this stage as a way to convoke the subjects in the language introduces the idea of the space as a practised place. Thus, the multiple perceptions of the subjects compose a « landscape », understood in a visual sense and as possibility of action.

Ce mémoire porte sur les deux premiers recueils de Raoul Duguay (ruts et or le cycle du sang dure donc). Il cherche à examiner les liens étroits qu’entretient la poésie de Duguay avec la production parallèle du poète, qui s’oriente dès la fin des années 1960 vers la chanson. Le mémoire s’attachera d’abord, dans le premier chapitre, à présenter l’histoire des liens entre les poètes et la chanson au Québec afin de relever les points de contact significatifs au cours des années 1960 et de poser le cadre théorique de la chanson comme objet d’étude. Dans un deuxième temps, l’analyse des deux premiers recueils de poèmes de Duguay nous mènera à une réflexion sur la présence de la métaphore du chant, puis de la parole poétique en poésie québécoise, qui annonce un changement de paradigme dans l’approche du lyrisme et du sujet lyrique. Enfin, le troisième chapitre se penchera sur le contexte contre-culturel québécois, pour examiner le discours et le contre-discours sur la poésie, pour expliquer le phénomène de décloisonnement des genres qui conduit Raoul Duguay à investir le champ de la culture populaire de sa poésie. Il y sera aussi question du sujet « dans le langage », de l’expérience de la langue et de la subjectivité de la voix. / This thesis addresses the early works of Raoul Duguay. Our study focuses on the first two collections of poem (ruts [1966] and or le cycle du sang dure donc [1967]), while examining Duguay’s parallel production as an experimental musical artist and eventually songwriter. Hereby, our study wishes to unveil the close ties between poetry and what could be considered as its popular derivatives: songwriting. Indeed, a significant number of poets wrote songs, especially among the proponent of the counterculture. Therefore, the first chapter will present a portrayal of Quebec’s cultural history that underlies the ties between songwriters, poets and artists in general in the 1960s. Furthermore, it will lay the theoretical framework to address the song as a study object. The second chapter studies the notion of lyricism in Quebec’s early modern poetry. It will study the use of song – or singing – as a metaphor, to demonstrate how it later loses its relevancy in regard of the modern poetry, which prefers the use of speech as metaphor. This shift heralds a change of paradigm in approaching lyricism and the lyrical subject. However, it will appear that Duguay persists in using song and singing metaphors – as well as speech – as he experiences language in its vocal and oral undertone. The third chapter studies the context – Quebec’s counterculture – in which the ties between poetry and song are tighten around the question of their function. It addresses the notion of popular art and its legitimacy.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

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Notre thèse tente de dégager une structure globale, un espace de la mort en lien avec l’écriture du deuil qui serait propre à la poésie québécoise telle qu’elle est représentée par Anne Hébert (1916-2000), Fernand Ouellette (1930 –), Jacques Brault (1933 –) et Denise Desautels (1945 –). La notion d’hétérotopie de Michel Foucault constitue le cœur de notre approche théorique parce qu’elle fait le pont entre un lieu localisable et un lieu non localisable dans le réel. Nous l’utilisons pour montrer l’« espace imaginaire de la mort » (Michel Ragon) de chaque poète. Deux notions bachelardiennes – le retentissement et la résonance – guident notre compréhension des images poétiques dans l’écriture de la perte. La mort n’étant pas un sujet ni un thème comme les autres, en faire un concept nous permet de tenir compte de sa particularité philosophique puisqu’il « vise à dégager l’essence d’une notion d’abord perçue comme noyée dans une gangue de contingences multiples » (Claude Bremond). D’un poète à l’autre, l’hétérotopie révèle le passage d’un imaginaire utopique de la mort à une thématisation plus axée sur la problématique de la dépouille. C’est ainsi que la traversée des ténèbres entreprise par Anne Hébert pour naître à la parole vivante ouvre la porte à l’angoisse d’une fin définitive que Fernand Ouellette apaise par sa foi en un au-delà. Son espace de la mort rejoint la notion d’horizon de Michel Collot. De son côté, Jacques Brault thématise la mort comme la fin d’un chemin marqué de nombreux deuils que seule la mémoire peut surmonter. Quant à Denise Desautels, ses poèmes-cimetières sont de petits théâtres construits d’objets et de voix qui rompent la solitude de cet être de langage qu’est la mort.

Notre thèse tente de dégager une structure globale, un espace de la mort en lien avec l’écriture du deuil qui serait propre à la poésie québécoise telle qu’elle est représentée par Anne Hébert (1916-2000), Fernand Ouellette (1930 –), Jacques Brault (1933 –) et Denise Desautels (1945 –). La notion d’hétérotopie de Michel Foucault constitue le cœur de notre approche théorique parce qu’elle fait le pont entre un lieu localisable et un lieu non localisable dans le réel. Nous l’utilisons pour montrer l’« espace imaginaire de la mort » (Michel Ragon) de chaque poète. Deux notions bachelardiennes – le retentissement et la résonance – guident notre compréhension des images poétiques dans l’écriture de la perte. La mort n’étant pas un sujet ni un thème comme les autres, en faire un concept nous permet de tenir compte de sa particularité philosophique puisqu’il « vise à dégager l’essence d’une notion d’abord perçue comme noyée dans une gangue de contingences multiples » (Claude Bremond). D’un poète à l’autre, l’hétérotopie révèle le passage d’un imaginaire utopique de la mort à une thématisation plus axée sur la problématique de la dépouille. C’est ainsi que la traversée des ténèbres entreprise par Anne Hébert pour naître à la parole vivante ouvre la porte à l’angoisse d’une fin définitive que Fernand Ouellette apaise par sa foi en un au-delà. Son espace de la mort rejoint la notion d’horizon de Michel Collot. De son côté, Jacques Brault thématise la mort comme la fin d’un chemin marqué de nombreux deuils que seule la mémoire peut surmonter. Quant à Denise Desautels, ses poèmes-cimetières sont de petits théâtres construits d’objets et de voix qui rompent la solitude de cet être de langage qu’est la mort.