Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Cette recherche vise à comprendre de quelle manière le dispositif de la web-série autoproduite crée une interdépendance entre créateurs et communautés de spectateurs. Elle se fonde sur l’analyse des commentaires et des interactions relevés sur les plateformes de diffusion d’un corpus de web-séries françaises, relevant de la science-fiction, du fantastique ou de l’heroic fantasy. Les web-séries font partie intégrante d’un champ de création sur le web qui ne cesse de s’élargir. Depuis plus de dix ans, elles ont bâti des univers fictionnels qui ont su fédérer des communautés de spectateurs. Pourtant, leur réalisation est encore loin d’être évidente et leur parcours de production souvent jalonné de difficultés, principalement financières. Nombreuses sont les équipes qui choisissent, volontairement ou à défaut, le circuit de l’autoproduction, que leurs membres soient des professionnels de l’audiovisuel ou des amateurs. Les communautés que parviennent à former et à mobiliser certaines web-séries deviennent alors les rouages indispensables d’un dispositif qui repose sur la visibilité et l’interaction pour exister. Elles possèdent une valeur aussi symbolique que matérielle, et leur engagement est déterminant dans la viabilité de l’objet. Les échanges des communautés sur les différentes plateformes où existent les web-séries, témoignent d’une véritable appropriation de celles-ci et sont marqués par un rapport de proximité avec leurs créateurs. Ainsi, les actions produites par ces communautés tendent à façonner l’image et l’identité de l’objet autour duquel elles se mobilisent dans une perspective collaborative, autant que le dispositif de la web-série conditionne leurs activités. / This research aims to understand how the device of the self-produced web-series is generating interdependence between creators and communities of spectators. It is based on the analysis of the comments and the interactions recorded on the platforms of diffusion of a corpus of French web-series, all belonging to sci-fi, fantastic or heroic fantaisy fields. Web-series are part of a web creative field, which constantly grows. For more than a decade, they have built fictionnal universes that were able to federate communities of spectators and lived beyond the web. Yet, their making is still far from easy and their production path is often marked with difficulties, mainly financial. A lot of crews choose, volontarily or not, a self-produced system, wether their members are audiovisual professionals or amateurs. The communities that managed to form and to mobilize certain web-series then become the essential cogs of a device that relies on visibility and interaction to exist. These communities possess a value as symbolic as material, and their commitment is decisive in the viability of the object. The exchanges of communities on the different platforms where the web-series exist show a real appropriation of these and are marked by a relation of closeness with their creators. Thus, the actions produced by these communities tend to shape the image and the identity of the object around which they unite, in a collaborative perspective, as much as the device of the web-series conditions their activities.

Le serious game d'apprentissage utilisé dans le monde professionnel se doit de lier la pratique du jeu à la pratique métier. Cet enjeu concerne les concepteurs, ainsi que les responsables de formation ou responsables des ressources humaines, tous intéressés par la transmission ou l'évaluation des compétences. Mais alors que les serious games simulant des relations interpersonnelles convoquent les notions de fiction, d'immersion, de réalisme ou encore de référentialité, ils réactivent des problématiques rencontrées par le cinéma documentaire. Thèse défendue : cette thèse propose que les théories et pratiques du cinéma documentaire puissent servir l'intention pédagogique du concepteur de serious game pour favoriser l'acquisition de nouvelles compétences chez l'utilisateur. Objectifs : sur le plan cognitif, l'objectif est d'explorer l'apprentissage lié à la confrontation de points de vue divergents (conflit sociocognitif), par l'intermédiaire d'un serious game monojoueur. L'objectif communicationnel associé est d'expliquer la construction d'un interlocuteur, fictif ou réel, capable d'opposer un point de vue à l'utilisateur. Pour répondre à ces objectifs, le cheminement historique et socioculturel du cinéma documentaire renseignera différentes formes discursives et relationnelles du serious game. Méthode : 4 configurations du même serious game EHPAD ont été expérimentées dans un quasi-plan d'expérience sur une période de 5 mois, auprès de 250 utilisateurs issus de 10 établissements médicaux. Notre enquête s'est appuyée sur des questionnaires auto administrés et l’enregistrement de traces d'activités. Aux traitements statistiques qui découlent de l’enquête s'ajoutent 5 focus groups, 3 entretiens individuels et des rapports d'observation. Principaux résultats : premièrement, une série de transpositions théoriques soutient l'analogie entre serious game et cinéma documentaire. Sur le plan empirique, notre enquête confirme cette analogie en soulignant que l'utilisation du serious game en contexte professionnel est propice à l'enclenchement d'une lecture documentarisante. Deuxièmement, la comparaison des configurations du jeu EHPAD démontre l'influence significative de deux figures narratives (mise en abyme et métalepse) sur l'accroissement de la documentarité et de la confrontation des points de vue. Au final, notre recherche aboutit à une "grammaire narrato-cognitive" permettant aux concepteurs de passer d'une écriture documentée, à une écriture documentaire : la compétence visée n'est plus cantonnée dans une fiction, mais étendue de manière réflexive aux énonciateurs réels. / Serious games for learning, used in the professional world, link both game and work practices. This issue concerns designers as well as training managers and human resources managers, all interested in transferring and evaluating professional skills. But serious games, simulating interpersonal relationships through notions of fiction, immersion, realism or referentiality, are also reactivating some problems encountered by documentary films. Thesis defended: This thesis suggests that the theory and practice of documentary cinema can serve the educational intent of the designer of serious game to facilitate the acquisition of new skills by the user. Objectives: On the cognitive level, the purpose is to explore the learning related to confrontation of viewpoints (sociocognitive conflict) through serious game on a single-player mode. The associated communicative purpose is to explain the construction of an interlocutor, a fictitious or a real one, who is able to oppose his point of view to the user. In order to meet these objectives, the sociocultural and historical processes of documentary filmmaking will advise different discursive and relational forms of the serious game. Method: 4 configurations of the same serious game EHPAD were tested in a quasi-experimental plan over a period of 5 months, with 250 users from 10 medical institutions. Our investigation is based on self-administered questionnaires and on an activity tracking system. To the statistical treatment arisen from the investigation, 5 focus groups, 3 individual interviews and observational reports are added. Main results: First, a series of theoretical transpositions supports the analogy between serious games and documentary filmmaking. On the empirical side, our investigation confirms this analogy by pointing out that the use of serious games in a professional context is favorable to engage a documentarizing reading. Second, the comparison between the 4 configurations of the game EHPAD demonstrates the significant influence of two narrative figures (mise en abyme and metalepsis) on the increase of "documentarity" and viewpoints confrontation. Finally, our research leads to a "narrato-cognitive grammar" allowing designers to move from a documented to a documentary writing: the targeted competency is no longer confined to fiction but extended by reflexivity to the real enunciators.

A travers une approche sémio-pragmatique, cette thèse propose d'analyser la circulation et la répétition pluri-médiatiques des images dans la sphère médiatique. Notre étude de cas prend pour exemple les images de l'émission Star Academy 4 transférées dans la presse magazine et sur Internet. Les images sont l'objet de reprises institutionnelles, personnelles et communautaires largement visibles sur les blogs, forums et sites perso de l'Internet. La première partie de ce travail concerne la structuration des transferts d'images de l'émission et les effets de ces transferts sur les lectures ; la seconde partie s'intéresse aux usages des images transférées. L'analyse révèle un nombre important de reprises d'images du corps vectrices d'émotion, envers lesquelles s'exercent des processus d'identification et de projection adolescentes. Les appropriations des images par des usagers " technophiles " sont à la fois physiques et symboliques, et renvoient à la maîtrise de l'image en tant qu'objet largement investi affectivement. Les usages révèlent également des contaminations graphiques, d'un support à un autre, qui engendrent une nécessaire et continuelle adaptation des répertoires visuels des lecteurs. Les reprises d'images visibles en lignes se regroupent pour beaucoup au sein de structures de partage communautaire et débouchent sur des créations de "Fan Art " qui montrent une modélisation des pratiques et des usages des images.

La politique vietnamienne de promotion de l’héritage culturel, mise en œuvre depuis le « Renouveau » (1986) conformément aux objectifs de valorisation et de sauvegarde des sites du Patrimoine mondial classés par l’UNESCO, a occasionné ces dernières décennies une floraison inouïe de fêtes rituelles, festivals folkloriques et cérémonies cultuelles témoignant d’un phénomène qui, sans être nouveau, demeure significatif dans le Vietnam contemporain : le retour aux sources et aux valeurs traditionnelles. Cette « retraditionalisation idéologique » (C. Geertz) vise à exalter le nationalisme culturel à l’aune du modèle de l’État-nation moderne dans l’optique de renouveler et renforcer la légitimité du Parti communiste vietnamien (PCV). Le projet nationaliste s’impose dès les premiers jours de la libération nationale et de la construction du nouvel État : la République démocratique du Vietnam (en 1945). Il puise sa force motrice dans les « mytho-moteurs » (J. Armstrong) de la tradition pérenne de la nation et révèle ainsi une continuité, et non une rupture, de la politique du PCV avec l’Histoire de longue durée. Or, loin d’être une continuité naturelle, ce retour aux sources relève bel et bien d’une stratégie symbolique du régime actuel, consistant à revaloriser l’héritage du passé ainsi qu’à retravailler et inventer la tradition (E. Hobsbawm). La présente étude s’efforce d’éprouver l’hypothèse selon laquelle, les informations du JT de 19 heures de la Télévision nationale sont le révélateur de la construction de mythes essentialistes qui, au-delà des images mentales et typifiées, constituent une force conductrice, une forme sensible et un processus d’appartenance communautaire. Le recours à une anthropologie des médias comme cadre explicatif et conceptuel est incontournable dans la mesure où les médias ˗ un faiseur de mythe de l’ère moderne ˗ sont inséparables de la culture et de l’histoire nationale. À l’instar de L. Quéré, nous considérons l’espace médiatique comme un « tiers symbolisant » ou un espace référentiel plutôt qu’un espace de représentations. Cette approche permet d’examiner, dans une perspective phénoménologique et pragmatique, l’apparition, la publicisation et la transformation des mythes en problèmes publics et actions collectives. Nous avons construit trois modèles heuristiques afin d’examiner les aspects performatifs et générateurs de sens de la production télévisuelle des mythes : l’espace public de communion (analyse discursive) ; le mode mythificalisant (analyse sémio-pragmatique du dispositif télévisé) et le récit identificatoire (analyse narratologique de la temporalisation du récit mythique). La narrativité de la propagande communiste qui reste prégnante dans le journal, opère quant à elle un glissement progressif du discours propagandiste vers l’univers du mythe national : elle se situe au niveau du métalangage barthésien, sans être pour autant dénuée de pragmatisme. Loin de l’approche instrumentale de la manipulation, nous adhérons à l’approche culturaliste de l’ethno-nationalisme, en avançant que le recours aux idées ethno-nationalistes relèverait de facto d’une croyance effective du manipulateur en tant que membre de la communauté ethnique : le ressort culturel mobilisé pour manipuler autrui s’incorpore à son propre système de croyance. Cependant, puisque son « programme de vérité » correspond à des « régimes de croyance » (P. Veyne) différents, le mythe possède autant de force de structuration que de déstructuration et, par conséquent, rend fragile et incertain l’avenir de toute idéologie nationaliste. / Since the ʺRenovationʺ era (1986), Vietnam has been promoting its cultural heritage in full compliance with UNESCO’s objective of cultural renewal and protection through its World Heritage programme. Over the past decades, this policy has brought about an unheard-of blossoming of ritual celebrations, folk festivals and cult ceremonies. Such a nationwide phenomenon of revisiting its origins and traditional values, though not new, is quite significant in contemporary Vietnam, where this type of ʺideological re-traditionalizationʺ (C. Geertz) aims at exalting cultural nationalism in the light of the modern Nation-State with a view to renewing and strengthening the legitimacy of its Communist Party (VCP). This nationalist undertaking, which has proved vital from the early days of the National Liberation and the establishment of the new State ‒ the Democratic Republic of Vietnam (1945) ‒ draws its driving force from the ʺmythomoteursʺ (J. Armstrong) of the perennial national tradition, thus revealing a continuity, not a breach, of the VCP policy within the long-term history. However, far from being inherent, this continuity is indeed a symbolic strategy developed by the regime in order to renew the country’s heritage, redraft and contrive its folklore (E. Hobsbawm). In this study, we attempt to test the hypothesis whereby the Vietnamese Television’s 7 pm TV newscast is a pointer of an essentialist myth-building which, beyond the formation of mental and typified images, organizes a driving force, a sensitive form and a community-belonging process. Utilizing media anthropology as an explanatory and conceptual framework is crucial insofar as the media –makers of myth in the modern era – cannot be separated from the national history and culture. Following L. Quéré, we consider the media sphere as a ʺsymbolising third-partyʺ or a referential sphere rather than one of representations. By virtue of this approach, we can examine from a phenomenological and pragmatic perspective the appearance, publicization and transformation of myths into public problems and collective actions. We have developed three heuristic models in order to examine the performative and meaning-generating aspects of televisual myth-making: the public sphere of communion (discursive analysis); the myth-making mode (semio-pragmatic analysis of the televisual apparatus); and the identificatory story (narratological analysis of the temporalization of the mythical narrative). The tale of the Communist propaganda, still prevalent in the TV newscast, is assuming a gradual shift, from the discourse of propaganda towards the realm of national myths: its level is that of the Barthesian meta-language, yet not without pragmatism. Rather than to the instrumental approach of manipulation, we adhere to the culturalistic approach of ethno-nationalism, and argue that resorting to ethno-nationalist ideas may fall de facto within the true belief of the manipulator as a member of the ethnic community: the cultural resource summoned to manipulate others is integrated into his own belief system. However, since its ʺprogramme of truthʺ matches different ʺsystems of beliefʺ (P. Veyne), myth holds a destructuring as much as a structuring force, conveying any kind of nationalist ideology frailty and unpredictability.

Ce mémoire se concentre sur les génériques d’ouverture et sur les techniques proposées par les concepteurs de ce segment filmique visant à inviter le spectateur à entrer dans la fiction. Cette étude cherche à catégoriser les génériques d’ouverture étudiés selon les éléments montrés à l’écran pour présenter un univers divergent du nôtre. Les films américains contemporains fantastiques sont mis de l’avant afin d’analyser la présentation d’un nouvel univers. À partir de théories et de définitions sur les génériques, l’analyse se développera à l’aide des bases de la sémio-pragmatique de Roger Odin. L’intérêt de cette recherche est de comprendre les opérations effectuées par le générique pour que le spectateur entre dès le départ en phase avec l’œuvre. / This dissertation focuses on the opening credits and the techniques proposed by the designers of this filmic segment to invite the audience into the fiction. This study seeks to categorize the opening credits studied according to the elements shown on the screen to present a universe divergent from our own. Contemporary American fantasy films are put forward to analyze the presentation of a new universe. Starting with theories and definitions of generics, the analysis will be developed using the foundations of Roger Odin's semio-pragmatics. The interest of this research is to understand the operations carried out by the credits so that the spectator can be in phase with the work.

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Si la manière de produire une image depuis la reproductibilité technique a toujours été profondément déterminée par la captation d’une réalité physique, le numérique (qui constitue une méthode d’inscription visuelle distincte) devrait, en théorie, modifier la relation du spectateur à ces « nouvelles images ». Toutefois, en pratique, le spectateur fait-il l’expérience des images numériques d’une manière différente de celles issues de la captation? Afin de répondre à cette question, ce mémoire analyse, à l’aide de l’approche sémio-pragmatique, comment le spectateur a conditionné son regard à travers les techniques de la captation (photographie, cinéma et vidéo). Ensuite, cette étude compare les habitudes et les attentes visuelles engendrées par ces techniques aux images numériques. Enfin, cette étude situe le problème de la rupture dans une perspective plus large que celle des techniques afin de poser le questionnement dans toute une tradition de la représentation artistique. / The means of producing an image have always been influenced by the inscription of a tangible physical reality. The digital image, which is a distinct method of visual rendering, should therefore change our relationship to visual representations. However, in reality, is the viewer’s experience of digital images in any way different from those issued by the recording techniques? To answer this question, this thesis mainly analyzes, using the semio-pragmatic approach, how the viewer's perception is conditioned through the recording techniques (photography, film and video). Then, this study compares the habits and visual expectations generated by these techniques with digital images. Finally, this study attempts to expand the problem of digital rupture into a broader perspective, and establish the question in the global tradition of artistic representation.

Cette recherche interroge les figures du sujet écoutant en jeu dans les mutations des espaces musicaux sur Internet de 2007 à 2014, afin de penser l’écoute en ligne dans ses spécificités philosophiques et communicationnelles. On étudie un dispositif industriel et logiciel de recherche et de recommandation musical complexe, l’interface de programmation d’ Echonest, pour en saisir les effets esthétiques, c’est-à-dire pour comprendre dans quelle mesure la culture numérique contemporaine façonne l’expérience musicale. Trois angles sont successivement abordés : une archéologie de l’écoute montre les héritages de son expérience en ligne, une étude des politiques de l’archive et de l’algorithme incite à penser les axiologies industrielles de machines du goût, enfin une analyse sémio-pragmatique met en exergue le régime fictionnel de l’écoute à l’écran. Face à l’émergence d’une forme médiatique, le streaming, ces trois temps décrivent un régime numérique contemporain de la perception (sensorium digital) comme une discipline de l’écoutable qui s’appuie sur des modes fictionnels de production de sens en ligne. / This research questions the figures of the listening subject in the context of the transformations of musical spaces on the Internet from 2007-2014, in order to consider the question of online listening from the perspective of the fields of philosophy and communications. I study the industrial and logical disposition (dispositif) of the API of The Echo Nest, a complex musical search and recommandation engine. I seek to grasp the aesthetic effects of this technoogy as a means of understanding the extent to which contemporary digital culture shapes musical experience. This is approached from three perspectives: an archeology of listening, which shows what is inherited in the online listening experience; a critical reading of the politics of digital archiving and algorithms,which incites us to think about the industrial axiologies of « machines of taste » ; and lastly, a semiotic-pragmatic analysis, which draws attention to the fictional modalities involved in mediated listening. With the emergence of music streaming as a new form of radio, this dissertation traces a contemporary regime of digitized perception (digital sensorium) that becomes a « discipline oflistenable » supported by the fictional mode of online production of meaning.