No description available.

No description available.

[ES] En el presente trabajo se estudia la relación de las estrategias narrativas de la música atonal en la ópera de la Escuela de Viena y el cine de la segunda mitad del Siglo XX. Como muestra de la información transmitida en los usos musicales de cada género dramático, se realiza un análisis audiovisual y comparativo de las óperas Erwartung, Wozzeck, Lulú y Moses und Aron junto con las películas Force of evil, The cobweb, Doctor Faustus y The man with the Golden arm. El principal propósito es mostrar las distintas formas en las que se establece la narratividad musical como parte del transcurso histórico del SXX, así como definir la forma en la que afectan al cine y la ópera sus posibilidades y limitaciones dramáticas. / [CA] Al present treball s'estudia la relació de les estratègies narratives de la música atonal a l'òpera de l'Escola de Viena i junt al cinema a la segona meitat del segle XX. Com a mostra de la informació transmesa als usos musicals de cada gènere dramàtic, es realitza un anàlisi audiovisual i comparatiu de les òperes d'Erwartung, Wozzeck, Lulú i Mosses und Aron junt amb les pel·lícules Force of evil, The cobweb, Doctor Faustus i The man with the Golden arm. El principal propòsit es mostrar les distintes formes en les que s'establix la narrativitat musical com a part del transcurs històric del segle XX, així com definir la manera en la que afecten al cinema i l'òpera les seves possibilitats i limitacions dramàtiques. / [EN] This paper will focus on the relationship between the narrative strategies of atonal music in the opera of the Viennesse School and the cinema of the second half of the twentieth Century. By using a sample of the information transmitted in the musical uses of each dramatic genre, an audiovisual and comparative analysis will be made, based on the operas Erwartung, Wozzeck, Lulú and Moses und Aron and the films Force of evil, The cobweb, Doctor Faustus and The man with the Golden arm. The purpose of this analysis is to show the different ways in which musical narrativity is established as part of the historical course of the past century, as well as to define the way in which their dramatic possibilities and limitations affect cinema and opera. / Martín Quintanal, R. (2023). El atonalismo como música incidental: un estudio comparativo sobre la ópera de la Escuela de Viena y el cine de la segunda mitad del Siglo XX [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/195694

The human voice holds a significant position in works of Arnold Schönberg. My dissertation focuses on the use of a voice technique, the so-called Sprechstimme (Spoken-voice) in the musical piece Pierrot Lunaire, op. 21 (1912). I confront the term Sprechstimme with the term Sprechgesang (Spoken-singing) in the very opening of my study. In addition, Schönberg's use of human voice in the pieces written before Pierrot, are briefly mentioned. I am peripherally exploring the other melodramas written by Schönberg, namely Ode to Napoleon Buonaparte, op. 41 (1942) and A Survivor from Warsaw, op. 46 (1947) at the conclusion of this dissertation. I am clarifying why the author has chosen this type of voice technique and also where it is used in musical and aesthetical contexts. I explain the term Sprechmelodie (Spoken-melody) in the area of analysis and focus on the composer's approach to the text material in the ambit of rhythmical component, articulation, dynamics, agogic and the verbal directions for the narrator. Sprechstimme represents one of two fundamental composers approaches towards the human voice and becomes some sort of parallel to the purely vocal composition attitude during the composition time.

Obwohl die genaue Kenntnis der Tonartenverwandtschaften für die Modulationslehre wesentlich ist, verschwand dieses Thema im 19. Jahrhunderts allmählich aus den Harmonielehren, bis sich die Messung von Verwandtschaftsgraden in der Musiklehre des 20. Jahrhunderts fast nur noch auf das Kriterium des Quintenzirkels beschränkte. Der Blick zurück ins 18. und 19. Jahrhundert ergibt ein weitaus differenzierteres Bild in der Beurteilung von Verwandtschaftsgraden. Zwei Tendenzen lassen sich feststellen: Erstens führt die Orientierung der Theorie an der kompositorischen Praxis zu einer stetig sich erweiternden Legitimierung entfernter Tonarten als nahe Verwandte. Zweitens ist bis Jacob Gottfried Weber eine Zunahme an Verwandtschaftskriterien zu konstatieren, deren Differenzierung in der Folgezeit zugunsten einer wachsenden Integration fremder Tonarten wieder zurückgeht. Differenzierung der Kriterien und Integration von Tonarten verhalten sich gegenläufig zueinander. / Despite the intrinsic significance of key relationships on the conceptualization of modulation, this topic gradually disappeared from treatises in the nineteenth century until the measurement of key relationships was eventually restricted almost exclusively to the circle of the fifths in twentieth-century teachings. A glance back at the eighteenth and nineteenth centuries reveals a far more differentiated picture regarding the judgement of key relationships. Two tendencies can be discerned: first, the orientation of theory on compositional practice led to a continually expanding legitimization of distantly related keys as more closely related ones; second, until Jacob Gottfried Weber one can detect an increase in relational criteria whose differentiation in the following years declines again in favor of an expanding integration of foreign keys. Thus differentiation of criteria and integration of keys exist in opposition to one another.

Das Thema dieses langsamen Satzes ist asymmetrisch: Sein Nachsatz ist doppelt so lang wie sein Vordersatz. Eine genetisch-rekonstruktive Analyse zeigt den Nachsatz als Auskomponierung einer Mittelgrundstruktur, die auch in auskomponiertem Zustand nicht mehr als vier Takte zu messen bräuchte. Diese Deutung allerdings besagt nichts über die innerkompositorischen Gründe der besagten Asymmetrie – eine explanatorische Lücke, die der vorliegende Beitrag durch eine quasi Schönberg’sche Deutung des strukturanalytischen Befundes zu füllen sucht: Der Vordersatz des Mozart’schen Themas enthält einen verborgenen dreistimmigen Kanon. Eine Stimme dieses Kanons bricht vorzeitig ab. Der erste Melodieton des Nachsatzes reagiert auf diese Störung, indem er die letzte stehengelassene Tonhöhe dieser Stimme aufgreift. Dies aber erzeugt eine neuerliche Störung, die hinreichend auszubalancieren voller acht Takte bedarf. / The theme of this slow movement is asymmetrical: its consequent is twice as long as its antecedent. A genetic-reconstructive analysis reveals the consequent to be a composing-out of a middle-ground structure that would need not measure more than four bars when fully composed. This interpretation, however, says nothing about the true compositional reasons for the asymmetry in question. The present contribution attempts to fill this explanatory gap using a quasi-Schoenbergian interpretation of the analyzed structure: the opening movement of Mozart's theme contains a hidden three-part canon, except that one voice of this canon breaks off prematurely. The first melody tone of the consequent reacts to this disturbance by picking up where the other voice left off. This, however, creates a new disturbance that requires eight bars to be sufficiently balanced.

Dass sich die Kategorie »Klang« im 20. Jahrhundert emanzipiert habe, ist ein Gemeinplatz. Aufgabe der musikologischen Diskussionen ist es dabei, zu präzisie­ren in welcher Hinsicht diese »neuen« Zugangs­weisen zu Klang sich tatsächlich von der »Klangkomposition« vergangener Jahr­hun­derte unterscheiden und vor welchen kompositionsästhetischen, kulturgeschichtlichen und wahrnehmungstheoretischen Diskursen sie sich entwickelt haben. Die Beiträge des vorliegenden Bandes, zurückgehend auf ein Symposium im Jahr 2011 an der Kunst­universität Graz, umkreisen die Interaktionen zwischen Klang und Wahrnehmung aus musikanalytischen, musikhistorischen, theoriegeschichtlichen, musikästhetischen und psychoakustischen Perspektiven. Von der (differenziert vorgetragenen) Diagnose einer »Klangver­gessenheit« in Musiktheorie und -wissenschaft ausgehend, werden dabei mit je unterschiedlichen Akzenten Desiderate und Anregungen für künftige Forschungen formuliert.

No description available.

No description available.

Le modèle formel de la variation sur thème, qui est célèbre surtout à cause de son emploi en tant que principe de composition musical – notamment pour les développements que y ont apporté des artistes comme Bach, Beethoven ou Schönberg -, toutefois n’épuise pas ses potentialités expressives exclusivement dans le cadre de cet art.Dans le roman, notamment, l’adoption du principe de composition nommé variation sur thème, qui implique la présentation du même thème (ou motif) par de perspectives différentes (que peuvent correspondre au point de vue des diverses personnages ou à la distance temporelle différente prise en rapport à la narration du même événement), semble se présenter comme un expédient idéalement fonctionnel à l’obtention de l’objectif cognitif le principal de cet art, qui concerne le dévoilement de la substantielle relativité de toutes les vérités apparentes. Alors que de romanciers tel que Milan Kundera ou Danilo Kiš, dans leurs œuvres, semblent avoir interprété le modèle des variations comme un principe fonctionnel à la réalisation d’une structure organique et unitaire, parfaitement concentrée autour du thème, dans d’autres romans contemporains, par exemple dans Si une nuit d’hiver un voyageur (1979) de Italo Calvino o dans Les variations Goldberg (1981) di Nancy Huston, les variations assument une disposition de type sériel.Dans ces derniers cas, la forme de la variation sur thème est utilisée, plutôt que comme un modèle de composition, comme un principe de désagrégation de la matière romanesque. / Theme and variation, a formal technique that is popular mainly through its applications within music, in particular thanks to contributions by artists such as Bach, Beethoven or Schönberg, nevertheless has expressive potentials that go beyond the boundaries of this art. In particular, it is in the novel that the use of variation as a composing principle, implying the presentation of a single central theme or motif by different perspectives (that may correspond to the point of view of different characters, or to different amounts of time elapsed from the actual happening of an event to its narration), seems to lend itself as the ideal device to achieve the main cognitive objective of this art, that is the unveiling of the substantial relativity of all things.While novelists such has Milan Kundera or Danilo Kiš seem to have developed, in their work, the theme and variation technique as a principle that is functional to an organic and uniform form of composition, ideally focused on a single theme, in other novels, such as If on a winter's night a traveler (1979) by Italo Calvino or Variations Goldberg (1981) by Nancy Huston, the variations are disposed so as to acquire a serial connotation. In those latter cases, the theme and variation technique is used as a functional principle for the disaggregation of the matter of the novel, rather than as a composition technique.