Em que medida é possível pensar a elaboração de um discurso cênico desvinculada dos procedimentos e meios técnicos aplicados a ela? Ou, por outro lado, até que ponto a escolha de procedimentos e técnicas específicas determinam um fazer poético? No teatro ocidental, o tema do entrecruzamento de procedimentos com a construção do discurso poético passa a ser problematizado a partir do final do século XIX com o advento da encenação, possibilitando a construção de um novo diálogo entre encenação e pedagogia e o desenvolvimento de várias reflexões sobre o trabalho do ator. Tadashi Suzuki, encenador japonês contemporâneo, se insere nesse contexto ao sistematizar um treinamento para atores que lhes permita viabilizar seus objetivos estéticos e a criação de seus espetáculos. Além de proporcionar a aproximação com o trabalho deste encenador que, embora mundialmente conhecido, ainda é pouco divulgado no Brasil, o projeto se insere nas reflexões teórico-práticas surgidas a partir do trabalho de Suzuki e que são pertinentes ao teatro contemporâneo. Reflexões que dizem respeito às articulações entre material técnico e material poético na escritura cênica, à pedagogia teatral e, especialmente, às pesquisas da linguagem da encenação que tomam o ator como fonte geradora de códigos performáticos. / To what extent is it possible to think of the elaboration of a scenic speech separately from the procedures and technical means applied to it? Or, on the other hand, to what point does the choice of procedures and specific techniques determine a poetic work? In the Western theater, the theme of crossing technical procedures with the construction of a poetic speech has become a problem in the theaters as from the 19th century with the arrival of staging, what made the construction of a new dialogue between staging and pedagogy and the development of various reflections about the actors work possible. Tadashi Suzuki, a contemporary Japanese director, becomes relevant in this context when he systematizes a training for actors, one that permits the practicability of their esthetic objectives and a creation of their spectacles. Apart from allowing an approche to this directors work, which despite being known worldwide is still not so publicized in Brazil, the project collaborates with theoreticalpractical reflections that arose from Suzukis work and that are pertinent to contemporary theater. Reflections that refer to the articulations between technical material and poetic material in the dramaturgy of the scene, to theatrical pedagogy and to the researches of the staging language that take the actor as a source of performance codes.

Em que medida é possível pensar a elaboração de um discurso cênico desvinculada dos procedimentos e meios técnicos aplicados a ela? Ou, por outro lado, até que ponto a escolha de procedimentos e técnicas específicas determinam um fazer poético? No teatro ocidental, o tema do entrecruzamento de procedimentos com a construção do discurso poético passa a ser problematizado a partir do final do século XIX com o advento da encenação, possibilitando a construção de um novo diálogo entre encenação e pedagogia e o desenvolvimento de várias reflexões sobre o trabalho do ator. Tadashi Suzuki, encenador japonês contemporâneo, se insere nesse contexto ao sistematizar um treinamento para atores que lhes permita viabilizar seus objetivos estéticos e a criação de seus espetáculos. Além de proporcionar a aproximação com o trabalho deste encenador que, embora mundialmente conhecido, ainda é pouco divulgado no Brasil, o projeto se insere nas reflexões teórico-práticas surgidas a partir do trabalho de Suzuki e que são pertinentes ao teatro contemporâneo. Reflexões que dizem respeito às articulações entre material técnico e material poético na escritura cênica, à pedagogia teatral e, especialmente, às pesquisas da linguagem da encenação que tomam o ator como fonte geradora de códigos performáticos. / To what extent is it possible to think of the elaboration of a scenic speech separately from the procedures and technical means applied to it? Or, on the other hand, to what point does the choice of procedures and specific techniques determine a poetic work? In the Western theater, the theme of crossing technical procedures with the construction of a poetic speech has become a problem in the theaters as from the 19th century with the arrival of staging, what made the construction of a new dialogue between staging and pedagogy and the development of various reflections about the actors work possible. Tadashi Suzuki, a contemporary Japanese director, becomes relevant in this context when he systematizes a training for actors, one that permits the practicability of their esthetic objectives and a creation of their spectacles. Apart from allowing an approche to this directors work, which despite being known worldwide is still not so publicized in Brazil, the project collaborates with theoreticalpractical reflections that arose from Suzukis work and that are pertinent to contemporary theater. Reflections that refer to the articulations between technical material and poetic material in the dramaturgy of the scene, to theatrical pedagogy and to the researches of the staging language that take the actor as a source of performance codes.

Em Busca de uma Poética do Vazio é uma pesquisa teórico-prática fomentada no Núcleo de Pesquisa Beckett-we – espaço de criação, desconstrução e de transbordamentos criativos a partir do universo de Samuel Beckett. Criado no ano de 2012 em Canoas/RS, o Núcleo dá voz aos aqui chamados esgotados, sujeitos contemporâneos que encontram em Beckett uma possibilidade de diálogo e caos. Os participantes não são atores, nem bailarinos, nem pesquisadores, são PIM: massa de corpos que não aguentam mais, unidos por uma pequena vida – extrato de existência em comum, que transcende as referências culturais, geográficas, étnicas ou históricas – PIM é plural. Este escrito é composto pelas vozes de esgotados, de Beckett, por minha voz, por fluxos de pensamento que me atravessaram durante a pesquisa e pela voz de referências significativas neste estudo: Gilles Deleuze, Suely Rolnik, Peter Pál Pelbart, dentre outros tantos. São analisadas performances criadas durante três anos do Núcleo, a partir dos textos: Todos os que Caem (Beckett - 1957) que se transformou em Eu, Ser Pulsante e Semivivo (2013) e Eleutheria (Beckett - 1947) metamorfoseado em sobre.vida (2015), Ensaio sobre a Liberdade (2014) e inspiração (2014). Buscando fazer um paralelo estrutural com a obra Como É (Beckett, 1961), que se passa em um buraco enlameado, no qual um personagem procura seu parceiro – PIM -, esta pesquisa se propõe a investigar os caminhos que foram inventados durante as práticas, visando se aproximar de uma possível metodologia que se encontra no vazio, buscando constantemente a instabilidade – seja através da tentativa de esvaziamento de referências, no diálogo com os esgotados que são desconhecedores de Beckett ou na renovação constante de PIM. No ato de esvaziar-se e se deixar atravessar pelas vozes e impulsos dos envolvidos, alimentados pelo universo beckettiano, esta dissertação sugere a figura do cartógrafo, desenvolvida por Rolnik, como um possível caminho para a prática criativa no vazio. / In Search of a Poetic of Emptiness is a theoretical-practical research fomented in the Núcleo de Pesquisa Beckett-we (Research Group Beckett-we) - space of creation, deconstruction and creative overflows based on the universe of Samuel Beckett. Created in the year of 2012 in Canoas/RS, the group gives voice to the ones here called the exhausted , contemporary subjects that find in Beckett a possibility of dialogue and chaos. The participants are not actors, nor dancers, nor researchers, they are PIM: a mass of bodies that cannot bear anymore, united by a little life - extract of a common existence, that transcends the cultural, geographical, ethnic or historical references - PIM is plural. This writing is composed by the voices of the exhausted, Beckett’s voice, my own voice, by flows of thoughts that crossed me while researching and by the voice of significative references in this study: Gilles Deleuze, Suely Rolnik, Peter Pál Pelbart, among so many others. Here we analyse performances created during the three years of the group, based on the texts: All that fall (Beckett - 1957) that became Eu, ser pulsante e semivivo [Me, pulsing being and halfalive (2013) and Eleutheria (Beckett - 1947) metamorphosed in sobre.vida [about.life] (2015), Ensaio sobre a Liberdade [Essay about Freedom] (2014) and inspiração [inspiration] (2014). Aiming to create a structural parallel with the work How it is (Beckett - 1961), that passes in a muddy hole, in which one character looks for his partner - PIM -, this research proposes itself to investigate the paths that were invented during the practices, aiming to approach a possible methodology found in the emptiness, searching constantly the instability - be it through the attempt of emptying references, in the dialogue with the exhausted who are unfamiliar with Beckett or in the constant renovation of PIM. In the act of emptying itself and letting it be crossed by the voices and impulses of the involved, fed by the beckettian universe, this dissertation suggests the figure of the cartographer, developed by Rolnik, as a possible path for the creative practice in the emptiness.

Partindo do caráter híbrido do Teatro de Animação, o presente estudo analisa aspectos de procedimentos criativos que se apresentam como especificidades na trajetória do ator rumo à criação da cena nesta linguagem. Para tanto, vale-se de pesquisa de campo realizada nos seguintes grupos teatrais dedicados ao Teatro de Animação e atuantes na cidade de São Paulo: Cia. Truks, Sobrevento, Morpheus Teatro e Seres de Luz Teatro. Neles foram observados processos de criação de espetáculos, bem como procedimentos em treinamentos e oficinas. O estudo ampara-se ainda em pesquisa de escopo teórico referente às relações estabelecidas entre artes plásticas e cênicas no Teatro de Animação contemporâneo e aos métodos de trabalho e preparação do ator, bem como aspectos concernentes a sua atuação com objetos, bonecos, máscaras e outros materiais. O resultado revela uma reflexão verticalizada em direção às particularidades que se apresentam nos procedimentos de criação da cena pelo ator-manipulador. / Considering the hybrid nature of the Theater of Animation , this present work analyzes the scene conception through specific creative procedures usually performed by the actor of this kind of language. In order to achieve this aim, it presents a field survey accomplished at the following Theater of Animation companies of São Paulo: Cia. Truks, Sobrevento, Morpheus Teatro e Seres de Luz Teatro. In these companies processes of scene conception were registered, as well as procedures applied in trainings and workshops. This study is based in theoretical research about the relationship between visual arts and theater art in the contemporary Theater of Animation and the working method of the actor. It also investigates his relationship with objects, puppets, masks and other materials. The result reveals a deep reflection about the peculiarities of scene creation procedures performed by the puppeteer actor.

Ce travail porte sur le spectacle “Les Aveugles”, de Maurice Maeterlinck, mis-en-scène par Denis Marleau, il se propose d’étudier l’effet de présence de l’acteur. Cet effet est produit par des masques vidéographiques. Sur scène les images de deux acteurs sont projetées sur douze masques en taille réelle et en trois dimensions, ce qui donne la sensation de présence aux corps physiquement absents des acteurs. Par ailleurs, la voix et les bruits étant mis en valeur, l’univers sonore contribue à l’effet de réalité. En outre, il s’agit de la concrétisation du rêve de l’auteur d’un théatre d’androïdes à travers les “fantasmagories technologiques” du metteur en scène. Ce mémoire met en évidence les potentialités des nouveaux moyens technologiques au service des arts scéniques. / A pesquisa analisa o espetáculo “Os Cegos”, de Maurice Maeterlinck, encenado por Denis Marleau, a fim de discutir o efeito de presença do ator gerado através das máscaras videográficas. Na peça, as imagens de dois atores projetadas em doze máscaras, de tamanho real e em três dimensões, dão a sensação de presença de seus corpos ausentes, uma vez que os atores não estão presentes fisicamente na cena. Além disso, como o ambiente sonoro potencializa a voz e os ruídos, a sonoridade do espetáculo contribui com este efeito de realidade. Outra questão é a concretização do sonho do autor por um teatro de androides através das “Fantasmagories Technologiques” do encenador. O trabalho evidencia as novas possibilidades surgidas nas artes cênicas em função dos novos recursos tecnológicos.

Juntoudeunisso investiga possíveis relações entre práticas cênicas desenvolvidas no ambiente escolar e procedimentos da produção artística contemporânea, mediante a reflexão sobre um projeto pedagógico realizado pela pesquisadora junto a crianças de quarta série do Ensino Fundamental, numa Instituição Educacional da Rede Privada de Porto Alegre. A análise entretece descrições de uma performance do artista Elcio Rossini e de duas intervenções urbanas elaboradas pelos alunos, depoimentos concedidos por algumas das crianças participantes e teorizações a partir de autores como Lehmann, Pupo e Desgranges, para citar alguns. Como marcas do trabalho, destacam-se: o caráter processual, a reflexão sobre o processo criativo, a radicalização da experiência de criar coletivamente, as aproximações com elementos presentes na denominada cena pós-dramática, o trânsito entre diferentes formas de expressão artística e a preocupação com o “lugar” do espectador na cena contemporânea. Ao refletir sobre questões motivadoras do projeto realizado, traçando relações entre propostas desenvolvidas na escola e conceitos presentes em investigações cênicas contemporâneas, o texto insere-se no debate sobre a presença do fazer teatral nas instituições escolares em geral. / Juntoudeunisso examines possible connections between scenic practices developed at the school environment and contemporary artistic productions by pondering over a pedagogical project developed by the researcher in a fourth grade group of a private elementary school in Porto Alegre. The analysis proposed by this research interweaves descriptions of an Elcio Rossini’s performance and two city interventions designed by the students, some students’ testimonials and theory based on Lehmann, Pupo, Desgranges, among others. Some highlighted features of this research are: the emphasis in the process, the radicalization of the collective creation experience, the connective tissue of postdramatic scene elements, the concern with the spectator’s role in the contemporary scene, the transition among different ways of artistic expression and the creative process reflection. This research is inserted in the debate about the presence of contemporary scenic investigations of the scenic practices in schools through reflection about some triggering questions of the project analyzed and through relating activities developed in school to concepts found in contemporary theatrical investigations.

Em Busca de uma Poética do Vazio é uma pesquisa teórico-prática fomentada no Núcleo de Pesquisa Beckett-we – espaço de criação, desconstrução e de transbordamentos criativos a partir do universo de Samuel Beckett. Criado no ano de 2012 em Canoas/RS, o Núcleo dá voz aos aqui chamados esgotados, sujeitos contemporâneos que encontram em Beckett uma possibilidade de diálogo e caos. Os participantes não são atores, nem bailarinos, nem pesquisadores, são PIM: massa de corpos que não aguentam mais, unidos por uma pequena vida – extrato de existência em comum, que transcende as referências culturais, geográficas, étnicas ou históricas – PIM é plural. Este escrito é composto pelas vozes de esgotados, de Beckett, por minha voz, por fluxos de pensamento que me atravessaram durante a pesquisa e pela voz de referências significativas neste estudo: Gilles Deleuze, Suely Rolnik, Peter Pál Pelbart, dentre outros tantos. São analisadas performances criadas durante três anos do Núcleo, a partir dos textos: Todos os que Caem (Beckett - 1957) que se transformou em Eu, Ser Pulsante e Semivivo (2013) e Eleutheria (Beckett - 1947) metamorfoseado em sobre.vida (2015), Ensaio sobre a Liberdade (2014) e inspiração (2014). Buscando fazer um paralelo estrutural com a obra Como É (Beckett, 1961), que se passa em um buraco enlameado, no qual um personagem procura seu parceiro – PIM -, esta pesquisa se propõe a investigar os caminhos que foram inventados durante as práticas, visando se aproximar de uma possível metodologia que se encontra no vazio, buscando constantemente a instabilidade – seja através da tentativa de esvaziamento de referências, no diálogo com os esgotados que são desconhecedores de Beckett ou na renovação constante de PIM. No ato de esvaziar-se e se deixar atravessar pelas vozes e impulsos dos envolvidos, alimentados pelo universo beckettiano, esta dissertação sugere a figura do cartógrafo, desenvolvida por Rolnik, como um possível caminho para a prática criativa no vazio. / In Search of a Poetic of Emptiness is a theoretical-practical research fomented in the Núcleo de Pesquisa Beckett-we (Research Group Beckett-we) - space of creation, deconstruction and creative overflows based on the universe of Samuel Beckett. Created in the year of 2012 in Canoas/RS, the group gives voice to the ones here called the exhausted , contemporary subjects that find in Beckett a possibility of dialogue and chaos. The participants are not actors, nor dancers, nor researchers, they are PIM: a mass of bodies that cannot bear anymore, united by a little life - extract of a common existence, that transcends the cultural, geographical, ethnic or historical references - PIM is plural. This writing is composed by the voices of the exhausted, Beckett’s voice, my own voice, by flows of thoughts that crossed me while researching and by the voice of significative references in this study: Gilles Deleuze, Suely Rolnik, Peter Pál Pelbart, among so many others. Here we analyse performances created during the three years of the group, based on the texts: All that fall (Beckett - 1957) that became Eu, ser pulsante e semivivo [Me, pulsing being and halfalive (2013) and Eleutheria (Beckett - 1947) metamorphosed in sobre.vida [about.life] (2015), Ensaio sobre a Liberdade [Essay about Freedom] (2014) and inspiração [inspiration] (2014). Aiming to create a structural parallel with the work How it is (Beckett - 1961), that passes in a muddy hole, in which one character looks for his partner - PIM -, this research proposes itself to investigate the paths that were invented during the practices, aiming to approach a possible methodology found in the emptiness, searching constantly the instability - be it through the attempt of emptying references, in the dialogue with the exhausted who are unfamiliar with Beckett or in the constant renovation of PIM. In the act of emptying itself and letting it be crossed by the voices and impulses of the involved, fed by the beckettian universe, this dissertation suggests the figure of the cartographer, developed by Rolnik, as a possible path for the creative practice in the emptiness.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-27T21:00:19Z No. of bitstreams: 1 Dissertação de LILIANE CURI SOARES DE OLIVEIRA versão para impressão e encardenação.pdf: 2391596 bytes, checksum: 38c093b6a56b14505d5fed8f0de96606 (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-08-28T01:32:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação de LILIANE CURI SOARES DE OLIVEIRA versão para impressão e encardenação.pdf: 2391596 bytes, checksum: 38c093b6a56b14505d5fed8f0de96606 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-28T01:32:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação de LILIANE CURI SOARES DE OLIVEIRA versão para impressão e encardenação.pdf: 2391596 bytes, checksum: 38c093b6a56b14505d5fed8f0de96606 (MD5) / Pesquisa de caráter teórico que propõe o reconhecimento do espectador “itinerante”, tipo de público forjado a partir do ponto de vista do espectador comum e do “espectador de profissão”, o encenador. A proposição deste sujeito itinerante parte de um percurso artístico que tem base na linguagem da performance, através dos trabalhos Na Cinza das Horas, Misericórdia e corre-dorde- frida, e nas encenações Yo soy o que a água me deu Frida e Quatro Luas Pelas Pedras; experiências estéticas que tiveram como princípio o trânsito entre territórios fronteiriços (cinema, fotografia, artes plásticas, teatro, instalação, entre outros). A complexidade desta configuração de pesquisa permitiu atravessar teorias e campos de estudo diversos que englobam desde a produção à recepção. / Theoretical research that suggests the recognition of the “itinerant” viewer, kind of audience forged from the standpoint of the average viewer and the “professional spectator”, the director. The purpose of this “itinerant” public came from an artistic route that is based on performance art, through the works, Na Cinza das Horas, Misericórdia, corre-dor-de-frida and the mise en scènes Yo soy o que a água me deu Frida and Quatro Luas Pelas Pedras; aesthetic experiences that had as principles the transit between border areas (cinema, photography, visual arts, theater, installation etc). The complexity of this research configuration passes through theories and fields of study that range from the production to reception.

Orientador : Profª. Drª. Célia Arns de Miranda / Dissertação (mestrado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em Letras. Defesa: Curitiba, 31/10/2016 / Inclui referências : f. 165-168 / Resumo: A montagem teatral realizada por Robert Wilson a partir do texto-fonte A dama do mar (1888), de Henrik Ibsen, e de sua reescritura por Susan Sontag (1997) coloca em foco elementos como a voz, a luz, o cenário, a movimentação, a sonoplastia, ou seja, dá ênfase à visualidade e sonoridade. Este estudo analisa os mecanismos utilizados na transposição da obra original para a obra final, passando pela adaptação textual por Sontag, no contexto dos estudos da adaptação. É analisado o processo como a peça é transformada a partir das escolhas de Sontag, como os monólogos de frente para a plateia e a inclusão de textos folclóricos, e da estética de Wilson, que potencializa o substrato simbólico da peça com seu cenário e iluminação repletos de poesia, atuações que simulam o movimento de marionetes, gestual preciso e diálogos e movimentos propositadamente artificiais. Dentre os recursos utilizados para a análise, destaca-se a gravação em DVD do espetáculo apresentado em São Paulo em 2013 e a memória do espetáculo assistido ao vivo pela autora no mesmo ano; a peça de Susan Sontag publicada no Brasil pela editora n-1; entrevistas com atores da montagem, com o tradutor do texto de Sontag e o biógrafo da escritora, entre outras, e críticas sobre o espetáculo publicadas na mídia geral e especializada. A fundamentação teórica é proporcionado pelos estudos de Patrice Pavis, Linda Hutcheon, Robert Stam, Hans-Thies Lehmann, entre outros. Palavras-chave: A dama do mar. Adaptação. Robert Wilson. Henrik Ibsen. Susan Sontag. Teatro contemporâneo. / Abstract: The staging by Robert Wilson using the source text The Lady from the Sea, by Henrik Ibsen (1888), and its rewrite by Susan Sontag (1997) highligths elements such as voice, scenery, sound, lights and movement, which means it emphasizes visuality and sonorical aspects. This study analyzes the mechanisms used in the transposition of the original play to the final work, by means of the textual adaptation by Sontag, in the context of the studies of adaptation. The play is transformed because of Sontag's choices, such as the monologues facing the public and the insertion of folk texts. It is furthermore transformed by Wilson's aesthetics, which empowers the simbolic substrate of the original play with his scenery and lights full of poetry, acting that reminds the movement of puppets, precise gesture and artificial dialogue. Among the resources used for this analysis are the recording of the play presented in São Paulo in 2013 as well as the memory of the live show to wich the author attended in the same year; Susan Sontag's Lady from the Sea, published in Brazil by n-1 editions; interviews with actors from the play, its translator to Portuguese and Sontag's biographer, among others, and critic texts about the staging published in the general and specialized media. The theoretic writings of Patrice Pavis, Linda Hutcheon, Robert Stam and Hans-Thies Lehmann were used, among others. Key-words: Lady from the Sea. Adaptation. Robert Wilson. Henrik Ibsen. Susan Sontag. Contemporary theater.

Juntoudeunisso investiga possíveis relações entre práticas cênicas desenvolvidas no ambiente escolar e procedimentos da produção artística contemporânea, mediante a reflexão sobre um projeto pedagógico realizado pela pesquisadora junto a crianças de quarta série do Ensino Fundamental, numa Instituição Educacional da Rede Privada de Porto Alegre. A análise entretece descrições de uma performance do artista Elcio Rossini e de duas intervenções urbanas elaboradas pelos alunos, depoimentos concedidos por algumas das crianças participantes e teorizações a partir de autores como Lehmann, Pupo e Desgranges, para citar alguns. Como marcas do trabalho, destacam-se: o caráter processual, a reflexão sobre o processo criativo, a radicalização da experiência de criar coletivamente, as aproximações com elementos presentes na denominada cena pós-dramática, o trânsito entre diferentes formas de expressão artística e a preocupação com o “lugar” do espectador na cena contemporânea. Ao refletir sobre questões motivadoras do projeto realizado, traçando relações entre propostas desenvolvidas na escola e conceitos presentes em investigações cênicas contemporâneas, o texto insere-se no debate sobre a presença do fazer teatral nas instituições escolares em geral. / Juntoudeunisso examines possible connections between scenic practices developed at the school environment and contemporary artistic productions by pondering over a pedagogical project developed by the researcher in a fourth grade group of a private elementary school in Porto Alegre. The analysis proposed by this research interweaves descriptions of an Elcio Rossini’s performance and two city interventions designed by the students, some students’ testimonials and theory based on Lehmann, Pupo, Desgranges, among others. Some highlighted features of this research are: the emphasis in the process, the radicalization of the collective creation experience, the connective tissue of postdramatic scene elements, the concern with the spectator’s role in the contemporary scene, the transition among different ways of artistic expression and the creative process reflection. This research is inserted in the debate about the presence of contemporary scenic investigations of the scenic practices in schools through reflection about some triggering questions of the project analyzed and through relating activities developed in school to concepts found in contemporary theatrical investigations.