Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-10-18Bitstream added on 2014-06-13T19:48:47Z : No. of bitstreams: 1 matias_lb_me_ia.pdf: 2044349 bytes, checksum: 541444de750a41bab159e48761d70337 (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / O estudo aborda características do teatro narrativo desenvolvido a partir de meados do século XX, no que se convencionou denominar pós-modernidade. Considerado o contexto do capitalismo multinacional, são apresentados possíveis motivadores sociais, políticos e econômicos, que influenciaram na dificuldade de comunicação, na fragilização da organização de coletivos e na redução da importância dada à memória. Demonstrou-se a intensa ligação entre arte e mercado, especialmente por meio da publicidade e de importações culturais, em uma era marcada pela globalização das redes de informação. Entretanto, percebeu-se que, da mesma maneira como na sociedade, paulatinamente, estruturam-se grupos de reivindicação face às exigências do sistema, na arte se desenvolvem manifestações de oposição às produções vinculada ao consumo de produtos ou ideologias. O teatro narrativo é discutido neste contexto; considerado como uma das possibilidades de restabelecer a comunicação, de propor a discussão e de promover o compartilhamento de experiências entre atores e público. Tais potenciais residem no fato de que ele, embora se configure por aspectos da arte pós-moderna, pressupõe simultaneamente a revalorização da fábula. A estes elementos soma-se o predomínio de aspectos provenientes do gênero épico, bem como a possibilidade de interlocução com o lírico e o dramático. O teatro narrativo é uma das formas de hibridização de linguagens que se desenvolveu no período; lida com elementos de outros momentos históricos e vertentes artísticas e se diferencia pela maneira de organizá-los. Além disso, mesmo diante de pausada caracterização da vertente teatral narrativa, a fim de que a discussão dos expedientes fosse suficientemente clara, optou-se pela exemplificação de duas possibilidade de articulação dos elementos cênicos por meio de espetáculos... / The study deals with narrative theatre characteristics, developed after the middle of XX century, during what is a convention to call post-modernity. Considered the context of the multinational capitalism, there are presented possible social, political and economic reasons that influenced in the difficulty of communication, in the weakness of collective organization and in the reduction of the importance given to memory. It was demonstrated the intense connection between arts and market, especially by publicity and cultural importation, in a time when prevails globalization and information nets. Nevertheless, it was noticed that, in the same way in society there are vindication groups before system requirements, in arts they were developed oppositional manifestations to the production related to products and ideology consumption. Narrative theatre is analyzed in this context; considered as one of the possibilities to re-establish communication, to propose discussions and to promote experience sharing between actors and audience. These potential exist because, even if narrative theatre has aspects of post-modern arts, it also presupposes fable valorization. To this element, they are added up the predominance of epic aspects, as well as the possibility of dialogue also with dramatic and lyric genders. Contemporary narrative theatre is one of the hybrid language forms appeared in XX century; it deals with elements from other historical moments and different artistic slops, and what makes it particular is its way of organizing the procedures. Moreover, in order to let concept considerations comprehensible enough, it was chosen to utilize two procedure articulation examples found in São Paulo’s plays, Mire Veja, by Companhia do Feijão, and Hysteria, by Grupo XIX de Teatro

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ROSI.pdf: 1409310 bytes, checksum: 183fc9e585da323d0f839c3c07854ee3 (MD5) Previous issue date: 2012-05-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research presents a reflection of Brazilian feminist theater, a theatrical experience that seeks different forms of creation in its esthetics. The poetics involved in making this kind of theater focuses towards issues that refer to the social organization of women, be it within personal or social realms, for both these are related to political and social issues. Being that one of its characteristics is polysemy, feminist theater opens different possibilities in its creative process. Feminist theater can be considered a political theater because it deals with feminist issues, consequently dealing with the idea of polis, therefore constitutes a possible tool for triggering educational attitudes. Although the debate surrounding this theme has been sedimented in the United States and England since the 1960´s, in Brazil it is still in the process of being diffused within the academic realm, and for this reason receives due attention in this work. In order to carry forward this discussion, it became necessary to comprehend what feminism is, being that it is a term (whose concept presents itself) with certain incompleteness. Therefore, a choice was made to present historical passages of the feminist movement, which also provided insight into the implied ideologies, in order to understand the development of their proposals, as well as some of the important transformations that occurred in the social structure. To understand what feminist theater is, in relation to referrals from discussions of activists in the theater, the construction of the image of women in society, and the routing of criticism in artistic productions in respect to the representability of women in the scene, it was necessary to conduct a survey of critical theories and practices of the U.S. and British experiences, to discuss ideological, aesthetic and poetic issues within the relationship between theater and feminism. The object of this research is devoted to the discussion of the scenario of Brazilian feminist productions. In relation to this type of theater, the work of two Brazilian actresses are presented: Colla and Azevedo, legitimizing the presence and voice of these actresses, as well as giving visibility to their artistic productions. A dialogue is established with the work of these actresses in order to articulate the theory of feminist theater, with its aesthetic, poetic and ideological practices, bringing to Brazil the discussion of feminist theater. Finally, some perspectives are drawn to contribute to the improvement of Brazilian theater production, giving it visibility and promoting its growth / Esta pesquisa traz a reflexão sobre o teatro feminista brasileiro, uma prática teatral que busca diferentes formas de criação em sua estética. A poética desse fazer teatral está voltada para questões referentes à mulher na organização social, sejam elas pessoais ou de ordem social, pois ambos os tipos estão relacionados a questões políticas e sociais. Tendo como uma das características a polissemia, o teatro feminista abre diferentes possibilidades para seu processo de criação. O teatro feminista pode ser considerado um teatro político, pois trata de questões da agenda feminista, consequentemente referentes à polis, e assim constitui possível ferramenta para o desencadeamento de atitudes pedagógicas. Embora a discussão em torno da temática aqui em questão se encontre sedimentada nos Estados Unidos e Inglaterra desde os anos 1960, no Brasil ainda está em processo de difusão em âmbito acadêmico, e por isso recebe, neste trabalho, a devida atenção. Para levar a termo esta discussão tornou-se necessário compreender melhor o que é feminismo, por se tratar de um termo que apresenta certa incompletude como conceito. Assim sendo, fez-se a opção por apresentar algumas passagens históricas do movimento feminista, o que propiciou também o esclarecimento sobre as ideologias implicadas, de modo a compreender como ocorreu o desenvolvimento de suas propostas, assim como algumas das importantes transformações ocorridas na estrutura social. Para compreender o que é teatro feminista, em relação aos encaminhamentos das discussões das ativistas no teatro, à construção da imagem da mulher na sociedade, e ao encaminhamento da crítica em suas produções artísticas no que diz respeito à representatividade da mulher na cena, foi preciso realizar um levantamento sobre as teorias críticas e as práticas das experiências das estadunidenses e britânicas, que discutem questões ideológicas, estéticas e poéticas na articulação entre teatro e feminismo. O objeto de pesquisa é voltado à discussão em torno das encenações brasileiras de caráter feminista. Com relação a esse tipo de teatro, são apresentados os trabalhos de duas atrizes brasileiras: Colla e Azevedo, legitimando a presença e voz dessas atrizes, assim como dando visibilidade a suas produções artísticas. É estabelecido um diálogo com o trabalho dessas atrizes com o objetivo de articular a teoria do teatro feminista com suas práticas estéticas, poéticas e ideológicas, localizando no Brasil a discussão sobre o teatro feminista. Finalmente, são traçadas algumas perpectivas visando contribuir com o aperfeiçoamento da produção teatral brasileira, dando-lhe visibilidade e promovendo seu incremento

Em Busca de uma Poética do Vazio é uma pesquisa teórico-prática fomentada no Núcleo de Pesquisa Beckett-we – espaço de criação, desconstrução e de transbordamentos criativos a partir do universo de Samuel Beckett. Criado no ano de 2012 em Canoas/RS, o Núcleo dá voz aos aqui chamados esgotados, sujeitos contemporâneos que encontram em Beckett uma possibilidade de diálogo e caos. Os participantes não são atores, nem bailarinos, nem pesquisadores, são PIM: massa de corpos que não aguentam mais, unidos por uma pequena vida – extrato de existência em comum, que transcende as referências culturais, geográficas, étnicas ou históricas – PIM é plural. Este escrito é composto pelas vozes de esgotados, de Beckett, por minha voz, por fluxos de pensamento que me atravessaram durante a pesquisa e pela voz de referências significativas neste estudo: Gilles Deleuze, Suely Rolnik, Peter Pál Pelbart, dentre outros tantos. São analisadas performances criadas durante três anos do Núcleo, a partir dos textos: Todos os que Caem (Beckett - 1957) que se transformou em Eu, Ser Pulsante e Semivivo (2013) e Eleutheria (Beckett - 1947) metamorfoseado em sobre.vida (2015), Ensaio sobre a Liberdade (2014) e inspiração (2014). Buscando fazer um paralelo estrutural com a obra Como É (Beckett, 1961), que se passa em um buraco enlameado, no qual um personagem procura seu parceiro – PIM -, esta pesquisa se propõe a investigar os caminhos que foram inventados durante as práticas, visando se aproximar de uma possível metodologia que se encontra no vazio, buscando constantemente a instabilidade – seja através da tentativa de esvaziamento de referências, no diálogo com os esgotados que são desconhecedores de Beckett ou na renovação constante de PIM. No ato de esvaziar-se e se deixar atravessar pelas vozes e impulsos dos envolvidos, alimentados pelo universo beckettiano, esta dissertação sugere a figura do cartógrafo, desenvolvida por Rolnik, como um possível caminho para a prática criativa no vazio. / In Search of a Poetic of Emptiness is a theoretical-practical research fomented in the Núcleo de Pesquisa Beckett-we (Research Group Beckett-we) - space of creation, deconstruction and creative overflows based on the universe of Samuel Beckett. Created in the year of 2012 in Canoas/RS, the group gives voice to the ones here called the exhausted , contemporary subjects that find in Beckett a possibility of dialogue and chaos. The participants are not actors, nor dancers, nor researchers, they are PIM: a mass of bodies that cannot bear anymore, united by a little life - extract of a common existence, that transcends the cultural, geographical, ethnic or historical references - PIM is plural. This writing is composed by the voices of the exhausted, Beckett’s voice, my own voice, by flows of thoughts that crossed me while researching and by the voice of significative references in this study: Gilles Deleuze, Suely Rolnik, Peter Pál Pelbart, among so many others. Here we analyse performances created during the three years of the group, based on the texts: All that fall (Beckett - 1957) that became Eu, ser pulsante e semivivo [Me, pulsing being and halfalive (2013) and Eleutheria (Beckett - 1947) metamorphosed in sobre.vida [about.life] (2015), Ensaio sobre a Liberdade [Essay about Freedom] (2014) and inspiração [inspiration] (2014). Aiming to create a structural parallel with the work How it is (Beckett - 1961), that passes in a muddy hole, in which one character looks for his partner - PIM -, this research proposes itself to investigate the paths that were invented during the practices, aiming to approach a possible methodology found in the emptiness, searching constantly the instability - be it through the attempt of emptying references, in the dialogue with the exhausted who are unfamiliar with Beckett or in the constant renovation of PIM. In the act of emptying itself and letting it be crossed by the voices and impulses of the involved, fed by the beckettian universe, this dissertation suggests the figure of the cartographer, developed by Rolnik, as a possible path for the creative practice in the emptiness.

Ce travail porte sur le spectacle “Les Aveugles”, de Maurice Maeterlinck, mis-en-scène par Denis Marleau, il se propose d’étudier l’effet de présence de l’acteur. Cet effet est produit par des masques vidéographiques. Sur scène les images de deux acteurs sont projetées sur douze masques en taille réelle et en trois dimensions, ce qui donne la sensation de présence aux corps physiquement absents des acteurs. Par ailleurs, la voix et les bruits étant mis en valeur, l’univers sonore contribue à l’effet de réalité. En outre, il s’agit de la concrétisation du rêve de l’auteur d’un théatre d’androïdes à travers les “fantasmagories technologiques” du metteur en scène. Ce mémoire met en évidence les potentialités des nouveaux moyens technologiques au service des arts scéniques. / A pesquisa analisa o espetáculo “Os Cegos”, de Maurice Maeterlinck, encenado por Denis Marleau, a fim de discutir o efeito de presença do ator gerado através das máscaras videográficas. Na peça, as imagens de dois atores projetadas em doze máscaras, de tamanho real e em três dimensões, dão a sensação de presença de seus corpos ausentes, uma vez que os atores não estão presentes fisicamente na cena. Além disso, como o ambiente sonoro potencializa a voz e os ruídos, a sonoridade do espetáculo contribui com este efeito de realidade. Outra questão é a concretização do sonho do autor por um teatro de androides através das “Fantasmagories Technologiques” do encenador. O trabalho evidencia as novas possibilidades surgidas nas artes cênicas em função dos novos recursos tecnológicos.

Ce travail porte sur le spectacle “Les Aveugles”, de Maurice Maeterlinck, mis-en-scène par Denis Marleau, il se propose d’étudier l’effet de présence de l’acteur. Cet effet est produit par des masques vidéographiques. Sur scène les images de deux acteurs sont projetées sur douze masques en taille réelle et en trois dimensions, ce qui donne la sensation de présence aux corps physiquement absents des acteurs. Par ailleurs, la voix et les bruits étant mis en valeur, l’univers sonore contribue à l’effet de réalité. En outre, il s’agit de la concrétisation du rêve de l’auteur d’un théatre d’androïdes à travers les “fantasmagories technologiques” du metteur en scène. Ce mémoire met en évidence les potentialités des nouveaux moyens technologiques au service des arts scéniques. / A pesquisa analisa o espetáculo “Os Cegos”, de Maurice Maeterlinck, encenado por Denis Marleau, a fim de discutir o efeito de presença do ator gerado através das máscaras videográficas. Na peça, as imagens de dois atores projetadas em doze máscaras, de tamanho real e em três dimensões, dão a sensação de presença de seus corpos ausentes, uma vez que os atores não estão presentes fisicamente na cena. Além disso, como o ambiente sonoro potencializa a voz e os ruídos, a sonoridade do espetáculo contribui com este efeito de realidade. Outra questão é a concretização do sonho do autor por um teatro de androides através das “Fantasmagories Technologiques” do encenador. O trabalho evidencia as novas possibilidades surgidas nas artes cênicas em função dos novos recursos tecnológicos.

Juntoudeunisso investiga possíveis relações entre práticas cênicas desenvolvidas no ambiente escolar e procedimentos da produção artística contemporânea, mediante a reflexão sobre um projeto pedagógico realizado pela pesquisadora junto a crianças de quarta série do Ensino Fundamental, numa Instituição Educacional da Rede Privada de Porto Alegre. A análise entretece descrições de uma performance do artista Elcio Rossini e de duas intervenções urbanas elaboradas pelos alunos, depoimentos concedidos por algumas das crianças participantes e teorizações a partir de autores como Lehmann, Pupo e Desgranges, para citar alguns. Como marcas do trabalho, destacam-se: o caráter processual, a reflexão sobre o processo criativo, a radicalização da experiência de criar coletivamente, as aproximações com elementos presentes na denominada cena pós-dramática, o trânsito entre diferentes formas de expressão artística e a preocupação com o “lugar” do espectador na cena contemporânea. Ao refletir sobre questões motivadoras do projeto realizado, traçando relações entre propostas desenvolvidas na escola e conceitos presentes em investigações cênicas contemporâneas, o texto insere-se no debate sobre a presença do fazer teatral nas instituições escolares em geral. / Juntoudeunisso examines possible connections between scenic practices developed at the school environment and contemporary artistic productions by pondering over a pedagogical project developed by the researcher in a fourth grade group of a private elementary school in Porto Alegre. The analysis proposed by this research interweaves descriptions of an Elcio Rossini’s performance and two city interventions designed by the students, some students’ testimonials and theory based on Lehmann, Pupo, Desgranges, among others. Some highlighted features of this research are: the emphasis in the process, the radicalization of the collective creation experience, the connective tissue of postdramatic scene elements, the concern with the spectator’s role in the contemporary scene, the transition among different ways of artistic expression and the creative process reflection. This research is inserted in the debate about the presence of contemporary scenic investigations of the scenic practices in schools through reflection about some triggering questions of the project analyzed and through relating activities developed in school to concepts found in contemporary theatrical investigations.

Orientador: Sara Pereira Lopes / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-13T04:19:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aleixo_FernandoManoel_D.pdf: 14243299 bytes, checksum: 5718cefaf9890fee8358830bd13f3b41 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: O texto aqui apresentado é resultado de pesquisa que investigou uma possibilidade de constituição do que acabamos por denominar Vocabulário Poético do Ator. O percurso do trabalho foi constituído pela identificação, elaboração, aplicação e verificação de um conjunto de atividades práticas reflexivas voltadas para o desenvolvimento técnico-criativo do ator, a partir da perspectiva da corporeidade da voz e da dramaturgia do corpo. Nesta trajetória, os procedimentos adotados cobriram estudos teóricos e todo o processo da montagem do espetáculo teatral Transparência da Carne, produzido pelo grupo República Cênica. Como resultado - conceitual e de proposições práticas -, foi elaborada uma proposta de abordagem técnico-poética amparada no princípio da corporeidade como acontecimento. Esta sistematização foi estruturada a partir de dimensões circunstanciais - tríplice circunstância - por meio das quais os princípios do silêncio, da rasura e da escrita delimitaram um campo de estudo do saber sensível como fundador da escrita poética da cena. / Abstract: The text presented here is the result of a research that investigated a possibility for the constitution of what we called Actor's Poetic Vocabulary. Our work consisted in identifying, elaborating, applying and verifying a set of theoretical-practical activities directed towards the technical-creative development of the actor, from the perspective of the bodily voice and the body's dramaturgy. In this work, the procedures adopted comprised theoretical studies and the creative process of the theatrical performance Transparência da Carne, produced by the theatrical company República Cênica. As a result - with both conceptual and practical implications -, a tecnhical-poetical approach was elaborated, supported by the principles of bodily as happening. The structural system of such approach consists of three-dimensional circumstances in which the principles of silence, of erasure and of writing delimited a field of study of sensitive knowledge as a founder of the poetical writing scene. / Doutorado / Artes Cenicas / Doutor em Artes

Partindo do caráter híbrido do Teatro de Animação, o presente estudo analisa aspectos de procedimentos criativos que se apresentam como especificidades na trajetória do ator rumo à criação da cena nesta linguagem. Para tanto, vale-se de pesquisa de campo realizada nos seguintes grupos teatrais dedicados ao Teatro de Animação e atuantes na cidade de São Paulo: Cia. Truks, Sobrevento, Morpheus Teatro e Seres de Luz Teatro. Neles foram observados processos de criação de espetáculos, bem como procedimentos em treinamentos e oficinas. O estudo ampara-se ainda em pesquisa de escopo teórico referente às relações estabelecidas entre artes plásticas e cênicas no Teatro de Animação contemporâneo e aos métodos de trabalho e preparação do ator, bem como aspectos concernentes a sua atuação com objetos, bonecos, máscaras e outros materiais. O resultado revela uma reflexão verticalizada em direção às particularidades que se apresentam nos procedimentos de criação da cena pelo ator-manipulador. / Considering the hybrid nature of the Theater of Animation , this present work analyzes the scene conception through specific creative procedures usually performed by the actor of this kind of language. In order to achieve this aim, it presents a field survey accomplished at the following Theater of Animation companies of São Paulo: Cia. Truks, Sobrevento, Morpheus Teatro e Seres de Luz Teatro. In these companies processes of scene conception were registered, as well as procedures applied in trainings and workshops. This study is based in theoretical research about the relationship between visual arts and theater art in the contemporary Theater of Animation and the working method of the actor. It also investigates his relationship with objects, puppets, masks and other materials. The result reveals a deep reflection about the peculiarities of scene creation procedures performed by the puppeteer actor.

O presente trabalho é a explicitação do percurso de pesquisa em torno da forma lírica do teatro, com a intenção de construir procedimentos de pesquisa e protocolos de funcionamento para o aprofundamento no objeto. O trabalho gerou ainda a criação de acervo multimídia organizado e catalogado / The present work is the explicitation of the path of research on the lyrical form of theater, building research procedures and protocols of operation for a deeper study on the object. The work has also generated multimedia collection, organized and cataloged.

A análise aborda o fenômeno artístico e cultural que é o teatro de Liev Tolstói no limiar entre a literatura e a história do teatro russo. A ênfase recai em apenas uma peça e suas quatro versões cênicas, permitindo, por um lado, abranger um grande período de tempo e observar as transformações que ocorrem com O Cadáver Vivo no decurso de um século de história russa; por outro lado, visa aprofundar o estudo dedicado a uma faceta específica da arte de Liev Tolstói. / The analysis addresses the artistic and cultural phenomenon that is the theater of Leo Tolstoy on the threshold between literature and history of Russian theater. The emphasis is in one piece and its four scenic versions, allowing one hand, cover a large period of time and observe the changes that occur with The Living Corpse over a century of Russian history, on the other hand, seeks to deepen study dedicated to a specific facet of the art of Leo Tolstoy.