Seminario de investigación para optar al grado de Licenciado en Comunicación Social / La noción de coherencia parece estar lejos de ser un tema de acuerdo entre los especialistas del lenguaje y la comunicación humana; no se ha podido llegar a establecer un punto de vista general ni se han incluido en las investigaciones todos sus componentes. La coherencia es una noción compleja y sus intrincadas relaciones en la interacción humana no nos permite tener una visión clara. Además, parece que la noción de incoherencia no está siquiera considerada como un fenómeno existente en el intercambio comunicacional. Sin embargo, existen dos aspectos en los cuales los investigadores están de acuerdo. En primer lugar, las personas se comunican sobre la base de la coherencia: se asume que el mensaje que una persona transmite a su interlocutor tiene significado, intención, y está enfocado hacia el logro de un objetivo, y que a su vez, el que recibe el mensaje debe proporcionar una respuesta coherente para así completar el intercambio comunicacional. Este estudio intenta dar un paso más allá en el examen de algunos aspectos verbales de la coherencia en el discurso y en particular se trata de investigar la naturaleza del discurso incoherente, a través de la descripción funcional de la coherencia cuando se emplea en la interacción verbal humana; para este fin se analizan dos obras dramáticas, Sabor a Miel, que pertenece al teatro realista, y Esperando a Godot, del género conocido como teatro del absurdo.

Orientador: Renata Soares Junqueira / Banca: Elizabete Sanches Rocha / Banca: Flávia Nascimento Falleiros / Banca: Maria Lúcia Outeiro Fernandes / Banca: Sonia Aparecida Vido Pascolati / Resumo: Depois do término da Segunda Guerra, o teatro português, tendo como meta a negação do naturalismo, inicia um processo de renovação da dramaturgia e da cena; no entanto, as atividades da arte dramática eram totalmente controladas pela censura imposta pelo regime político ditatorial (1926-1974), forçando dramaturgos e encenadores a buscar formas teatrais que fossem ao mesmo tempo inovadoras do panorama cênico e autorizadas pela censura. No final dos anos de 1950, o teatro épico-brechtiano e o teatro do absurdo constituíram as duas principais tendências teatrais que interessaram sobremaneira os dramaturgos portugueses; o primeiro foi intensamente interditado pela censura e o segundo alcançou os palcos a partir de 1959, influenciando a criação dramatúrgica dos novos autores que surgiam, dentre eles Helder Prista Monteiro (1922-1994), que teve algumas de suas peças encenadas durante a ditadura e foi considerado pela crítica um dos expoentes do teatro do absurdo em Portugal. Considerando os pressupostos do teatro do absurdo, as relações desse teatro com a censura e as questões discutidas no âmbito da crítica acerca das formas teatrais em voga no país, a obra dramática de Prista Monteiro constitui o corpus da presente tese, cujo principal objetivo é a análise das peças escritas antes da Revolução dos Cravos, com o intuito de lançar uma nova luz sobre a dramaturgia do autor e comprovar que nela estão refletidas as tentativas de renovação teatral e de objeção ao regime político vigente na altura de sua produção / Abstract: After the end of World War II, portuguese theater refused the conventions of naturalism theater and started a renewal process of dramaturgy and scene. These Dramatic Art activities, however, were totally controlled by the censorship practiced by the dictatorial political regime (1926-1974), thus forcing playwrights and directors to quest for theatrical forms that could at the same time innovate the theatrical background and be approved by the censorship committee. By the end of the 1950's, the Brechtian epic theater and the theater of the absurd were the two main theatrical tendencies that interested portuguese playwrights. While the first one was sorely forbidden by the censors, the second one reached the stage since 1959, influencing the dramaturgical creations of new emerging playwrights. Among them was Helder Prista Monteiro (1922-1994) who had some of his plays presented during the dictatorial period and was considered by critics one of the exponents of the theatre of the absurd in Portugal. Considering the assumptions of the theater of the absurd, the relationship of that theater with censorship and the issues discussed by critics about the theatrical forms in vogue in the country, the theatrical work of Prista Monteiro constitutes the corpus of this thesis. Its main goal is to analise the plays written before the Carnation Revolution, with the intention of shedding a new light over the dramaturgy of this author and to prove that on it are reflected the attempts of a theatrical renewal along with the opposition to the political regime present on the time of its production / Doutor

Orientador: Renata Soares Junqueira / Banca: Maria Lúcia Outeiro Fernandes / Banca: Flávia Cristina de Souza Nascimento / Resumo: Sabe-se que a dramaturgia constitui um gênero que ainda não ocupa, nos currículos de Letras das universidades brasileiras, o mesmo espaço privilegiado que é dedicado ao estudo da poesia e da narrativa, e se isto é um fato que afeta mesmo o teatro produzido no Brasil, o que dizer então do teatro produzido além-fronteiras? O que dizer, por exemplo, do teatro produzido em Portugal ao longo do século XX? E o que dizer então daquela dramaturgia que é marginal no quadro deste teatro contemporâneo? É claro que pouco ou nada ouvimos falar, no Brasil, da literatura dramática de autoria feminina produzida em Portugal durante os tempos difíceis da ditadura salazarista. No entanto, pelo menos uma das dramaturgas que tentaram inserir seu nome no teatro produzido nesse período é merecedora de uma posição de destaque pelas peças que compôs. Natália Correia foi poetisa, ensaísta, romancista e dramaturga e é reconhecida principalmente por suas poesias. Porém, apesar de não ser reconhecida como dramaturga tanto quanto é como poetisa, a autora escreveu peças teatrais que merecem ser destacadas em meio à dramaturgia portuguesa devido ao caráter inovador de algumas das suas composições. A variedade de recursos cênicos nas suas peças, bem como a presença de elementos surrealistas e de características do Teatro do Absurdo, demonstram um certo vínculo estabelecido pela autora com estas duas estéticas. A nossa proposta, para a Dissertação de Mestrado, é a de um estudo de duas das peças teatrais produzidas por Natália Correia - O Homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) -, com o intuito de esmiuçar os seus elementos componentes, relacioná-los com o Surrealismo e o Teatro do Absurdo e mostrar a inovação formal que caracteriza seu teatro / Abstract: We know that, the theatre is not so much studied in Brazilian Universities. And if this happens here in Brazil, what can we say about the plays that were produced in Portugal during the 20 century? And what can we say about those plays that are considered marginal among the contemporary theatre? We sure don't hear almost anything about the dramatic literature produced by Portuguese women during the difficult period of the salazarista dictatorship. But, at least one of the women who tried to insert their names among the theatre that was produced during this period, deserves being highlighted because of the plays she wrote. Natália Correia wrote poems, novels essays and plays and she is known around the world especially as a poet, but she should be known as a playwright as well because of her singular plays that show formal innovation. The large quantity of scenic resources used by the playwright in her plays and some characteristics from the Surrealism and the Theatre of the Absurd show that she is linked to these aesthetics. Our aim in this dissertation is to study two of the plays written by Natália Correia - O homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) intending to show all their component elements, relating them to the Surrealism and the Theatre of the Absurd and show the formal innovation which is one of the main characteristics of her plays / Mestre

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:23Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-03-03Bitstream added on 2014-06-13T19:32:24Z : No. of bitstreams: 1 abib_jr_me_arafcl_prot.pdf: 470315 bytes, checksum: aee73f979451fa2d1e4b6c02a865ab74 (MD5) / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Sabe-se que a dramaturgia constitui um gênero que ainda não ocupa, nos currículos de Letras das universidades brasileiras, o mesmo espaço privilegiado que é dedicado ao estudo da poesia e da narrativa, e se isto é um fato que afeta mesmo o teatro produzido no Brasil, o que dizer então do teatro produzido além-fronteiras? O que dizer, por exemplo, do teatro produzido em Portugal ao longo do século XX? E o que dizer então daquela dramaturgia que é marginal no quadro deste teatro contemporâneo? É claro que pouco ou nada ouvimos falar, no Brasil, da literatura dramática de autoria feminina produzida em Portugal durante os tempos difíceis da ditadura salazarista. No entanto, pelo menos uma das dramaturgas que tentaram inserir seu nome no teatro produzido nesse período é merecedora de uma posição de destaque pelas peças que compôs. Natália Correia foi poetisa, ensaísta, romancista e dramaturga e é reconhecida principalmente por suas poesias. Porém, apesar de não ser reconhecida como dramaturga tanto quanto é como poetisa, a autora escreveu peças teatrais que merecem ser destacadas em meio à dramaturgia portuguesa devido ao caráter inovador de algumas das suas composições. A variedade de recursos cênicos nas suas peças, bem como a presença de elementos surrealistas e de características do Teatro do Absurdo, demonstram um certo vínculo estabelecido pela autora com estas duas estéticas. A nossa proposta, para a Dissertação de Mestrado, é a de um estudo de duas das peças teatrais produzidas por Natália Correia – O Homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) –, com o intuito de esmiuçar os seus elementos componentes, relacioná-los com o Surrealismo e o Teatro do Absurdo e mostrar a inovação formal que caracteriza seu teatro / We know that, the theatre is not so much studied in Brazilian Universities. And if this happens here in Brazil, what can we say about the plays that were produced in Portugal during the 20 century? And what can we say about those plays that are considered marginal among the contemporary theatre? We sure don’t hear almost anything about the dramatic literature produced by Portuguese women during the difficult period of the salazarista dictatorship. But, at least one of the women who tried to insert their names among the theatre that was produced during this period, deserves being highlighted because of the plays she wrote. Natália Correia wrote poems, novels essays and plays and she is known around the world especially as a poet, but she should be known as a playwright as well because of her singular plays that show formal innovation. The large quantity of scenic resources used by the playwright in her plays and some characteristics from the Surrealism and the Theatre of the Absurd show that she is linked to these aesthetics. Our aim in this dissertation is to study two of the plays written by Natália Correia – O homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) intending to show all their component elements, relating them to the Surrealism and the Theatre of the Absurd and show the formal innovation which is one of the main characteristics of her plays

La figura del gran ausente es una de las principales influencias de Esperando a Godot del irlandés Samuel Beckett en la obra El señor Galíndez del argentino Eduardo Pavlovsky. A través de un cotejo entre los grandes ausentes de ambas obras se puede delinear mejor cómo el teatro del absurdo europeo estaba preocupado especialmente por condiciones humanas abstractas, mientras el latinoamericano retrataba realidades inmediatas, especialmente, realidades políticas. Las características de la puesta en escena de El señor Galíndez en Lima en 2007, con la “peruanización” del gran ausente, revela que la reflexión sobre la realidad política desde el teatro peruano responde a una tendencia de las artes limeñas a la reflexión por el pasado conflicto interno, particularmente, después de la publicación del Informe de la Comisión de la Verdad y la Reconciliación.

Tesis para optar al grado de Magíster en Filosofía / La presente investigación tiene como objetivo analizar el fenómeno de la puesta en escena y su actual potestad en el campo de los estudios teatrales. Para esto, se establecerá un análisis de la obra teatral de Eugène Ionesco, con el fin de elaborar ciertos conceptos que nos permitan entender el por qué de la preponderancia hoy en día por los recursos técnicos a la hora de la materialización escénica, demostrando no sólo una confirmación de la autonomía de la puesta en escena por sobre el texto dramático sino, además, la producción de una experiencia estética planteada como acontecimiento por parte del espectador. La pregunta por la técnica, establecida por el filósofo alemán Martin Heidegger, los pensamientos de Walter Benjamin y su respectivo análisis político-cultural que determina una tecnificación del arte, los aportes de Erika Fisher-Lichte en relación a la ciencia teatral, el análisis histórico de la puesta en escena de André Veinstein, y las investigaciones estéticas de Sergio Rojas anunciando el agotamiento histórico, se entrecruzarán con la obra de Ionesco para entender qué es hoy la puesta en escena, cuya reflexión radica en que viene a detectar el agotamiento del arte teatral, exponiendo así de manera apocalíptica su actual crisis.

Made available in DSpace on 2015-08-20T17:10:10Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-04-17. Added 1 bitstream(s) on 2015-08-20T17:25:51Z : No. of bitstreams: 1 000841184.pdf: 3358374 bytes, checksum: 0c6362892f7b33a184256c8d8c69d255 (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / Depois do término da Segunda Guerra, o teatro português, tendo como meta a negação do naturalismo, inicia um processo de renovação da dramaturgia e da cena; no entanto, as atividades da arte dramática eram totalmente controladas pela censura imposta pelo regime político ditatorial (1926-1974), forçando dramaturgos e encenadores a buscar formas teatrais que fossem ao mesmo tempo inovadoras do panorama cênico e autorizadas pela censura. No final dos anos de 1950, o teatro épico-brechtiano e o teatro do absurdo constituíram as duas principais tendências teatrais que interessaram sobremaneira os dramaturgos portugueses; o primeiro foi intensamente interditado pela censura e o segundo alcançou os palcos a partir de 1959, influenciando a criação dramatúrgica dos novos autores que surgiam, dentre eles Helder Prista Monteiro (1922-1994), que teve algumas de suas peças encenadas durante a ditadura e foi considerado pela crítica um dos expoentes do teatro do absurdo em Portugal. Considerando os pressupostos do teatro do absurdo, as relações desse teatro com a censura e as questões discutidas no âmbito da crítica acerca das formas teatrais em voga no país, a obra dramática de Prista Monteiro constitui o corpus da presente tese, cujo principal objetivo é a análise das peças escritas antes da Revolução dos Cravos, com o intuito de lançar uma nova luz sobre a dramaturgia do autor e comprovar que nela estão refletidas as tentativas de renovação teatral e de objeção ao regime político vigente na altura de sua produção / After the end of World War II, portuguese theater refused the conventions of naturalism theater and started a renewal process of dramaturgy and scene. These Dramatic Art activities, however, were totally controlled by the censorship practiced by the dictatorial political regime (1926-1974), thus forcing playwrights and directors to quest for theatrical forms that could at the same time innovate the theatrical background and be approved by the censorship committee. By the end of the 1950's, the Brechtian epic theater and the theater of the absurd were the two main theatrical tendencies that interested portuguese playwrights. While the first one was sorely forbidden by the censors, the second one reached the stage since 1959, influencing the dramaturgical creations of new emerging playwrights. Among them was Helder Prista Monteiro (1922-1994) who had some of his plays presented during the dictatorial period and was considered by critics one of the exponents of the theatre of the absurd in Portugal. Considering the assumptions of the theater of the absurd, the relationship of that theater with censorship and the issues discussed by critics about the theatrical forms in vogue in the country, the theatrical work of Prista Monteiro constitutes the corpus of this thesis. Its main goal is to analise the plays written before the Carnation Revolution, with the intention of shedding a new light over the dramaturgy of this author and to prove that on it are reflected the attempts of a theatrical renewal along with the opposition to the political regime present on the time of its production

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:42:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luis Henrique Fanti.pdf: 1595724 bytes, checksum: a9548bc502a849946a1a9bf7ae6a7687 (MD5) Previous issue date: 2012-12-11 / Instituto Presbiteriano Mackenzie / The current paper has the goal to trace the relationship between Francis Schaeffer's thinking in relation to the counter-culture; the counter-culture movement from the 60's, especially related to the years of 67-69 with the 'beatniks', Flower Power, Timothy Leary and its more remarkable unfoldings; and, finally, the counter-cultural expressions in drug usage in The Beatles record, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, and in the Teatro do Absurdo (The Absurd Theater). We have the art as the expression of the spirit of that time in the development of the human thinking, which we treat here manifested in the daily life of each time. So we intend to close this paperwork showing some aspects that make possible the convergence of all these elements in the XXI century, tracing along the way the consequences of this way of thinking and dealing with the world. / O presente trabalho presta-se a traçar, a estabelecer uma relação entre o pensamento de Francis Schaeffer ao movimento da contracultura; o movimento contracultural da década 60 principalmente relativo aos anos de 67-69 com os beatniks, o Flower Power, Timothy Leary e seus desdobramentos mais marcantes; e, por fim, as expressões contraculturalistas no uso das drogas, no álbum dos The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band e no Teatro do Absurdo. Tendo a Arte como a expressão do espírito das épocas do desenvolvimento do pensamento humano que tratamos aqui, manifestadas no cotidiano de cada época. Procuramos fechar nosso estudo demonstrando alguns aspectos que tornam possível a convergência de todos esses elementos na produção da cultura do homem do século XXI, traçando, ao longo do caminho, as consequências desta forma de pensar e atuar no mundo.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-27T20:01:21Z No. of bitstreams: 1 dissertação em PDF.pdf: 5429702 bytes, checksum: efcf64e84167396b79eb8ea327b05653 (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-08-27T21:48:40Z (GMT) No. of bitstreams: 1 dissertação em PDF.pdf: 5429702 bytes, checksum: efcf64e84167396b79eb8ea327b05653 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-27T21:48:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertação em PDF.pdf: 5429702 bytes, checksum: efcf64e84167396b79eb8ea327b05653 (MD5) / Esta dissertação tem a intenção de investigar, analisar e registrar o processo de encenação dos espetáculos de Clown, GODÔ, TRATTORIA e JOGUETE, criados a partir de textos dramatúrgicos do teatro do absurdo, a fim de suscitar uma reflexão sobre os procedimentos adotados na montagem dos mesmos. O processo de encenação é construído através das interrelações e da união entre as teorias e as técnicas de Dario Fo, Lecoq e Burnier; através dos métodos de Stanislavski e de Viola Spolin, de textos do teatro do absurdo, contendo, ainda, a influência do cinema mudo, desenho animado e circo. Através do aprendizado com os mestres Nair D’Agostini, Inês Marocco, Thomas Leabhart, Kai Berthold e Ana Elvira Wuo, os processos de encenação ganharam “corpo” na intertextualidade formadora da escritura cênica das montagens de GODÔ; TRATTORIA e JOGUETE, espetáculos criados a partir de uma dramaturgia escrita (“Esperando Godot” de Samuel Beckett, “O Montacarga” de Harold Pinter e “Fim de Jogo” de Samuel Beckett – na ordem respectiva), utilizada como impulso para um vôo criativo tanto do encenador, quanto do ator. / Cette dissertation se veut étudier, analyser et enregistrer le processus de mise en scène des spectacles de clown - GODÔ, TRATTORIA et JOGUETE - qui furent créés à partir de textes dramaturgiques du théâtre de l´absurde, l’objectif étant de susciter une réflexion sur les formes adoptées lors du montage de ces derniers. La mise en scène est construite selon des relations qui peuvent faire parler les théories et les techniques de Dario Fo, Lecoq e Burnier ainsi que les méthodes de Stanislavski et de Viola Spolin. On se souviendra que le théâtre de l’absurde fait référence au cinéma muet, aux dessins animés et au cirque. D’enseignements de maîtres comme Nair D’Agostini, Inês Marocco, Thomas Leabhart, Kai Berthold e Ana Elvira Wuo, la mise en scène gagne « corps » lors de l`écriture scénique des montages de GODÔ; TRATTORIA e JOGUETE, spectacles créés à partir de dramaturgies tels que : « En Attendant Godot » et “Fin de Partie” de Samuel Beckett, et “Le Monte Plats” de Harold Pinter. Ceux-ci donnant l’élan d’un vol créatif pour le metteur en scène que pour l’acteur.

Esta investigación desde la práctica escénica busca indagar y reflexionar sobre cómo el contexto causado por la pandemia de la enfermedad del COVID-19 en Lima entre los años 2020 y 2021 puede ser interpretado desde los elementos del teatro del absurdo a través de la creación de una escena virtual. Esta pandemia tomó por sorpresa al mundo entero y causó que las rutinas cotidianas cambiaran, lo cual provocó una nueva normalidad en la que se afrontaron diversas pérdidas humanas. La desolación, ansiedad e inseguridad que atravesaban los seres humanos durante el proceso de la pandemia mundial por el COVID-19 podrían compararse con la situación que propició el inicio del teatro del absurdo hacia el año 1940 luego de la Segunda Guerra Mundial. Es por ello que encontré un nexo entre este género teatral y el contexto de la pandemia actual para poder brindar una mirada más positiva hacia lo ocurrido y decidí llevar a cabo una investigación en la cual explorar los elementos centrales y las posibilidades de creación del teatro del absurdo para poner a prueba el nexo hallado y su utilidad en la actualidad. Para ello, diseñé una metodología de investigación y experimentación que incluyó realizar entrevistas a teatristas del Perú sobre sus experiencias desde la dirección, la actuación y la producción de este arte y realicé la creación desde la escritura hasta el montaje y presentación de la obra virtual Truenos tristes, combinando los elementos del teatro del absurdo con situaciones inspiradas en el contexto limeño de la pandemia. A través de esta exploración, el humor resultó un elemento clave para poder vincular al espectador con la obra creada y brindarle esperanza desde la visión del teatro del absurdo. Así, esta investigación deja un precedente de la vigencia del teatro del absurdo para poder transmitir e identificarse con situaciones actuales a pesar de los años transcurridos desde su aparición.