José Sanchis Sinisterra met en œuvre une poétique des intercesseurs qui déborde le drame conventionnel et l'entraîne vers son dehors, là où il est possible d'instaurer des zones de voisinage avec d'anciennes traditions théâtrales et d'autres domaines de création. Cette recherche passe par l’actualisation d'un théâtre baroque populaire tel qu'il se manifeste en Espagne au XVIIème siècle. Il s'agit de revendiquer une conception carnavalesque du drame faisant échec au « bel animal » aristotélicien. En pratiquant l'adaptation, le dramaturge cherche également à confronter la théâtralité à des œuvres porteuses d'un renouveau formel au profit d'une déconstruction remettant en cause les procédés dramatiques traditionnels. Son intérêt pour l'écriture de Kafka participe de ce mouvement général : l'adaptation lui permet d'importer dans le champ théâtral une poétique du discontinu qui déroge aux principes de cohérence, d'unité et de complétude de l'aristotélisme. Poussant cette recherche au-delà des limites littéraires, José Sanchis intègre également les sciences(notamment la physique quantique et la médecine) à sa réflexion afin de faire évoluer les conceptions admises du temps, de l'espace et de l'observation. On remarque que ces trois notions,qui sont celles que la physique quantique redéfinit en marge de la pensée cartésienne, sont généralement traitées au théâtre comme des réalités immanentes. La supposée unité de l'espace-temps marque un seuil au-delà duquel la forme théâtrale ose rarement s'aventurer. Or, c'est cette frontière que le dramaturge souhaite repousser, en développant une représentation du monde inspirée de conceptions scientifiques. Celles-ci constituent dès lors un nouvel intercesseur à même d'alimenter cette déconstruction théâtrale. / José Sanchis Sinisterra builds an intercessor poetics which brims over conventional drama pushing its boundaries beyond the theatre and overlapping with ancient theatre traditions and other creationfields. This search involves updating popular baroque drama, namely as it unfolds in XVII century Spain, claiming a carnival drama conception as opposed to the Aristotelian “beautiful animal.” Through dramatisation, the playwright also aims to confront theatricality to other works bearingformal novelty in favour of a deconstruction that questions traditional drama writing processes. The attention brought to Kafka's works forms part of this general approach: dramatisation allows the author to bring a poetics of discontinuity into dramaturgy, breaking with the Aristotelianprinciples of coherence, unity, and completeness. Sanchis then takes his search beyond literary boundaries as he brings science (quantum physics and medicine in particular) into his thought tomake current conceptions of time, space, and observation evolve. These three concepts, that quantum physics redefines outside the Cartesian logic, are usually dealt with in drama as immanent realities. The assumed space-time unity draws indeed a threshold drama rarely dares to cross. However, this is the very limit the playwright seeks to overstep by building a representation of the world based on scientific conception. These three concepts form thereon a new intercessor likely to fuel this drama deconstruction.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Le présent mémoire explore la figure du theatrum mundi telle qu'elle se développe dans le théâtre religieux de Pedro Calderón de la Barca, et la manière dont, par le concours de l'auto sacramental Le grand théâtre du monde, un tournant s'effectue dans la longue tradition de cette métaphore. Lieu commun de la philosophie classique et de la théologie chrétienne, lié à un régime mimétique de représentation empreint d'idéalisme platonicien, le rapprochement du théâtre et du monde trouve dans le théâtre du Siècle d'or -théâtre global et total à l'intention de l'ensemble de la société- un espace de consécration et de transformation. On sait que l'auto sacramental, genre exclusivement espagnol, était un véhicule de propagande catholique d'une grande envergure à l'époque de la Contre-réforme. On sait aussi que Calderón de la Barca, en tant que maître incontesté de cette forme, et poète favori du roi, mais aussi en tant qu'homme de théâtre aux multiples ressources, était à même de construire une oeuvre religieuse d'une grande complexité dramatique. En conséquence, ce mémoire examine la manière dont le motif du théâtre du monde devient, à travers une pièce de l'art de propagande catholique, l'expression d'un régime matérialiste de la représentation, et comment le personnage allégorique du Monde dans Le grand théâtre du monde devient l'incarnation scénique d'un langage dramatique et pratique en déprise de la tradition métaphysique qui le suscite. Grâce notamment à la théologie des pères de l'Église et à la philosophie baroque de Leibniz, on aura l'occasion de voir se constituer en image affirmative de la création et du théâtre, cette pièce qui, vivante jusqu'à nous, aura su séduire aussi, par l'amplitude sémantique de ses figures et la richesse de sa poésie, le Nouveau Théâtre Expérimental québécois et la plume de Jean-Pierre Ronfard. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Caldérón de la Barca Pedro (1600-1681), Théâtre et littérature baroque, Théologie, Tertullien, Représentation, Theatrum mundi, Ronfard Jean-Pierre, Le grand théâtre du monde, Siècle d'or espagnol.

Cette thèse a pour objet d’étudier le personnage de la reine transgressive sur la scèneespagnole du Siècle d’Or à partir d’un corpus de huit comedias publiées entre 1609 et 1653 pardes dramaturges célèbres (Virués, Tirso de Molina, Guillén Rojas Zorrilla, Lope de Vega,Calderón de la Barca). L’introduction permet d’asseoir les bases d’une réflexion qui entendfaire émerger des types de reines particulières, des figures héritées d’une traditionmythologique, biblique ou historique. Un double critère a contribué à sélectionner le corpus età établir un plan : le rapport du personnage féminin au pouvoir et son lien avec une violencequi conduit nécessairement à un ou plusieurs crimes. Les chapitres de la première partie del’étude prennent en compte le cadre historique, social et idéologique de la figure de la reinedans la lignée des gender studies et analysent des exemples de souveraines qui à la foisdérangent, troublent mais fascinent. Notre référence-clé est celle de la reine-roi, un personnageexcessif qui subvertit les normes du genre et de l’autorité jusqu’à devenir un rôle d’exceptionpour les actrices de l’époque. La deuxième partie s’intéresse aux accès au pouvoir de la reineroi,à son exercice et à ses dérives tyranniques. L’analyse porte essentiellement sur les outilspropres à la scénographie, le travestissement mais aussi à la rhétorique. Dans une dernière partie sont abordées les perspectives psychologiques, criminologiques et judiciaires des violencescommises par les reines. Nous postulons des déviances parfois proches de folies ou depathologies irréversibles qui trouvent un dénouement exceptionnel sur la scène, à la hauteur de ces femmes hors normes. / The object of this thesis is to examine the character of the transgressive queen on theSpanish stage of the Golden Age, from a corpus of eight comedias published between 1609 and1653 by well-known dramatists (Virués, Tirso de Molina, Guillén de Castro, Rojas Zorrilla,Lope de Vega, Calderón de la Barca). The introduction helps to lay the foundations of a thoughtprocess which aims to bring out specific types of queens, inherited figures from a mythological,biblical or historical tradition. Two criteria contributed to selecting the corpus and shaping aplan - the female character’s relationship with power and her ties to violence which inevitablylead her to commit one or more crimes. The chapters in the first part of the study take intoaccount the historical, social and ideological representations of the Queen in line with thegender studies, and analyse examples of sovereigns that are both disturbing and unsettling andyet fascinating. Our key reference is the Queen-King – an excessive character subverting thegender and authority standards and whose role will be exceptional for actresses at the time. Thesecond part looks into the Queen-King access to power, her reign and her tyrannical outbursts.The analysis mainly pertains to the tools of scenography, of distortion but also of rhetoric. Thelast part deals with the psychological, criminal and judicial perspectives of violence, committedby the queens. We claim that some of the deviances occasionally border on madness orirreversible pathologies which find an exceptional outcome on stage, worthy of theseoutstanding women.

Cette thèse souhaite reconstituer l’histoire du Nouveau Théâtre Espagnol, courant marginalisé de la scène en son temps, dans une double optique : celle de la diffusion —dans ses multiples aspects— et celle de la caractérisation éthique et esthétique. Incluant aussi les pièces censurées et inédites, l’étude propose de faire revivre un mouvement dramatique et scénique novateur qui s’est développé en Espagne pendant le franquisme tardif et le début de la Transition (1967-1978), artistiquement expérimental, culturellement anticonformiste, esthétiquement anti-conventionnel et politiquement antifranquiste. La recherche de nouvelles propositions et de solutions scéniques a provoqué l’apparition d’une néo-avant-garde à la fin de la dictature ; ces productions étaient impossibles à contenir dans les limites structurelles du théâtre commercial (œuvres classiques, comédies d’évasion), ni même dans celles des propositions du Réalisme contemporain. La transformation voulue de la scène dramatique passait par une prise de conscience progressive de groupe —marginalisé de diverses manières— ainsi que par la création de nouvelles formes non aristotéliciennes (parfois inspirées de l’avant-garde scénique européenne et américaine) et de nouveaux modes d’expressions fondés sur la création langagière, la provocation verbale, l’allégorie et le symbole. Ce travail propose une réflexion sur la dénomination et le concept même du Nouveau Théâtre Espagnol, sur son contexte socio-culturel et politique —décisifs pour son essor et son développement— et veut offrir une approche d’analyse stylistique afin de préciser les caractères définitoires du mouvement. / This Ph. D. thesis tries to reconstruct, under a double perspective, the history of the Spanish New Theatre, an artistic manifestation marginalised from the scenes on its times; the essay considers its extent –on multiple aspects– and its ethic and aesthetic characterisation. Including also censored and unpublished plays, this study intends to revive an innovative scenic and dramatic movement which developed in Spain during the late Francoism and the early Spanish Transition (1967-1978); it was artistically experimental, culturally non-conformist, aesthetically unconventional and politically anti-Francoist. The search for new scenic propositions and solutions provoked the appearance of a new avant-garde at the end of the dictatorship; its productions were incomprehensible within the structural limits of commercial theatre (classic drama, light comedies) or even contemporary Realism’s propositions. The transformation of the dramatic scene implied a progressive awareness of group –marginalised in many ways– and generated the creation of multiple non-Aristotelic forms (sometimes inspired in the European and American avant-gardes); it supposed also new modes of expression based on a creative language, verbal provocation and an extended use of allegory and symbol. These pages propose a reflection about the Spanish New Theatre’s name and very concept, on its socio-cultural and political context –capital for its birth and development– offering a stylistic analysis approach in order to specify the movement’s defining features.

Le monde théâtral de Miguel Romero Esteo, sans doute l’un des dramaturges espagnols les plus importants de la deuxième moitié du XXe siècle, ouvre sur des espaces qui apparaissent comme des univers inconnus encore jamais explorés. Son œuvre, composée de pièces qu’il nomme lui-même « grotescomachies », il invente une dramaturgie nouvelle, festive, rituelle et baroque, qui puise à diverses traditions littéraires, théâtrales, picturales et musicales. L’usage pléthorique de l’intertexte dans ce théâtre polymorphe, hybride et postmoderne avant la lettre – où le chercheur peut glaner les traces d’une anthropologie culturelle – souligne ce que le Moi doit à l’Autre dans toute appréhension esthétique et idéologique du monde. C’est le traitement de la langue qui retiendra notre attention car l’engendrement de la parole dramatique emprunte des chemins de traverse et esquisse des tracés inhabituels. Romero Esteo se livre à une déconstruction du langage et crée ainsi un espace imaginaire inédit, où la poésie et la musique occupent une place centrale. L’auteur crée une fête des sens et du sens, à la fois sonore et poétique, mais aussi critique et grotesque, où chacun des éléments de la structure dramatique s’inscrit dans une forme de jeu particulière qui, loin de dessiner une aire ludique singulière, repousse les limites de l’espace-temps théâtral. Théâtre en liberté, théâtre de la liberté, cette langue autre où se confondent l’animal et l’humain, le spirituel et le corporel, la folie et la raison, la terre et le ciel, construit un univers atemporel qui permet de mieux apprécier et de railler en permanence les traits caractéristiques de la condition humaine. / The theatrical universe of Miguel Romero Esteo, undoubtedly one of the most influential spanish playwrights of the second half of the 20th century, opens up spaces that emerge as unknown worlds no one has ever explored. In his work, consisting of plays he himself calls « grotescomachies », he invents a new dramaturgy, festive, ritual and baroque, which draws on various literary, theatrical, pictorial and musical traditions. The abundant usage of intertextuality in this polymorphous and hybrid theater, post-modern ahead of his time – where the researcher can gather traces of a cultural anthropology – underlines what the Self owes to the Other in every aesthetic and ideological perception of the world. Our primary focus will deal with the treatment of language, as the creation of the dramatic speech ventures off the beaten path and outlines routes that are unusual. Romero Esteo engages in a true deconstruction of speech and thus creates an unprecedented imaginary space, where poetry and music hold a central place. The author creates a celebration of sense and senses, at once loud and lyrical, but also critical and grotesque, where every single element of the dramatic structure falls within a specific form of play which, far from just materializing a unique playground, redefines the boundaries of the theatrical space-time.« Free-range » theater, theater of freedom… this unrivalled language, which mingles animal and human, spiritual and physical, insanity and reason, earth and sky, builds a timeless universe that allows for better appreciation and constant mockery of the distinctive features of the human condition.

Ce mémoire de maîtrise comprend une recherche basée sur l’œuvre dramatique ¡Ay, Carmela !, du dramaturge et directeur du théâtre espagnol contemporain, José Sanchis Sinisterra. Mise en scène pour la première fois en 1987, ¡Ay, Carmela ! est considérée une des plus importantes créations théâtrales représentées depuis l’après-guerre espagnole. Reconnue à l’échelle internationale, ¡Ay, Carmela ! illustre les conséquences de la guerre civile espagnole (1936-1939). À travers l’étude de la structure temporelle et spatiale, ainsi que de l’analyse des caractéristiques des personnages de cette pièce dramatique, le présent travail de recherche essaie de démontrer que les manifestations de la récupération de la mémoire historique se reflètent dans ¡Ay, Carmela !, de telle sorte que la pièce peut être considérée comme précurseur artistique de la « Loi de la mémoire historique » (Ley 52/2007, également appelée la Declaración de reparación y reconocimiento personal). On y retrouve ainsi une forte critique du pacte de silence de la transition démocratique espagnole (1975-1978). Ce travail a comme base méthodologique les outils théoriques de la sémiologie théâtrale (Bobes, García Barrientos, Rubiera) et aussi les écrits de P. Ricœur y de J. Derrida, sur le fonctionnement des mécanismes de la mémoire, de l’oubli et du pardon. Cette recherche se conclut avec une brève étude comparative entre l’œuvre de Sinisterra et l’adaptation cinématographique ¡Ay, Carmela! du réalisateur Carlos Saura. / This MA thesis embodies a research undertaken relative to the play ¡Ay, Carmela !, written by José Sanchis Sinisterra, a Spanish playwright and theatrical director. Staged for the first time in 1987, ¡Ay, Carmela ! is considered one of the most important dramas created since the post-war era. This work, which gained international recognition, perfectly illustrates the consequences of the Spanish Civil War (1936-1939). By examining both time and space, as well as analyzing the characters of this play, the present research intends to prove that the manifestations through which historical memory is recuperated throughout the play ultimately transform it into the forerunner to the “Historical Memory Law” (Ley 52/2007, also known as the “Declaración de reparación y reconocimiento personal”). Moreover, this thorough examination of the play will demonstrate within it a strong critique of the Pact of Silence signed during the Democratic Transition (1975-1978). Two main methodological approaches will be used to do so: that of theatre semiotics (specifically the theories of Bobes, García Barrientos, Rubiera) as well as comparisons to the writings of P. Ricœur y de J. Derrida, which will help support the ideas related to the memory, the forgetting and the forgiveness. Finally, this Master’s thesis will end with a short comparative study between the aforementioned play and the movie ¡Ay, Carmela!, directed by Carlos Saura.

À partir d’une étude descriptive et comparative des pièces dramatiques Les Feluettes (1987) et Les Muses orphelines (1988) de Michel Marc Bouchard (Québec) ainsi que Feliz cumpleaños, señor ministro (1992) et Madre amantísima (2003) de Rafael Mendizábal (Espagne), le présent mémoire traite de la représentation des homosexualités à travers les relations amoureuses et familiales, les subversions du genre, l’homophobie, ainsi que la pandémie de sida et son impact au niveau théâtral et littéraire. L’approche méthodologique employée est la perspective des études du genre et des études queer. Comme conclusions, on constate que les relations amoureuses sont marquées par la valorisation paradoxale du cadre de l’amour romantique classique, entre libération et homonormativité, en plus d’une représentation de la sexualité articulée par des rôles polarisés. Les relations familiales, pour leur part, s’organisent autour de la figure paternelle associée avec d’importantes nuances au discours dominant hétérosexiste, et se décline parallèlement en la figure du père absent et désintéressé. De même, les figures maternelles sont majoritairement absentes ou effacées, bien que ce constat soit renversé par une figure maternelle traditionnelle particulièrement forte. Dans tous les cas, la figure maternelle reste idéalisée. Les identités de genres sont étudiées sous l’angle des identités dichotomiques lesbiennes et de l’effémination entant que subversions des normes dominantes du genre et l’articulation sexiste du phénomène de l’homophobie, motivé par le tabou de l’homoérotisme et son poids en scène. / Based on a descriptive and comparative study of Michel Marc Bouchard’s Les Feluettes (1987) and Les Muses orphelines (1988) from Quebec, along with Rafael Mendizábal’s Feliz cumpleaños, señor ministro (1922) and Madre amantísima (2003) from Spain, this study deals with the representation of homosexualities in theatre through love and family relationships, gender subversions, homophobia, as well as the AIDS pandemic and its literary and theatrical impact. The methodological framework borrows from queer and gender studies. This study concludes that homoerotic love relationships are defined by the paradoxical valorisation of the frames of classical romantic love, between liberation and homonormativity, and a representation of sexuality articulated on polarized roles. For their part, family relationships are organized around the father-figure linked in different shades to the dominant, heterosexist discourse, alongside the figure of the absent and uncompromised father. Likewise, the maternal figures are mainly absent or self-effacing, even though this statement is reversed by an especially strong maternal figure. In all cases, mother-figures remain idealized. Gender identities are studied from the angle of lesbian dichotomous identities and effemination as subversions of dominant norms of gender, and also considering the sexist articulation of homophobia, strengthened by the taboo of homoerotism and its weight in the theatrical discourse. / A partir de un estudio descriptivo y comparativo de las obras Les Feluettes (1987) y Les Muses orphelines (1988) del quebequense Michel Marc Bouchard y de Feliz cumpleaños, señor ministro (1992) y Madre amantísima (2003) del español Rafael Mendizábal, esta memoria trata de la representación de las homosexualidades a través las relaciones amorosas y familiares, las subversiones del género, la homofobia así como la pandemia de sida y su impacto a nivel teatral y literario. El marco teórico en el que se inscribe este estudio son los estudios de género y los estudios queer. Como conclusiones de este estudio, se constata que las relaciones amorosas son marcadas por la paradójica valorización del marco del amor romántico clásico, entre liberación y homonormatividad, además de una representación de la sexualidad articulada en roles polarizados. Por su parte, las relaciones familiares se enredan alrededor de la figura del padre asociada a diferentes grados al discurso dominante heterosexista, y que también se declina en la figura del padre ausente. Del mismo modo, las figuras maternas son mayoritariamente ausentes o borrosas, aunque una figura materna particularmente fuerte sea la excepción de la regla. En todos los casos, la figura materna permanece idealizada. Las identidades de género son estudiadas a partir de las identidades lesbianas dicotómicas y de la afeminación como subversio-nes de las normas dominantes del género y la articulación sexista del fenómeno de la homofobia, motivado por el tabú del homoerotismo y su peso en el escenario. / A partir de um estudo descritivo e comparativo das peças teatrais Les Feluettes (1987) e Les Muses orphelines (1988) do quebequense Michel Marc Bouchard e de Feliz cumpleaños, señor ministro (1992) e Madre amantísima (2003) do espanhol Rafael Mendizábal, esta tese discurre sobre a representação das homossexualidades no teatro a través das relações amorosas e familiares, das subversões do gênero, da homofóbia assim como da pandemia de sida e do seu impacto à altura do teatro e da literatura. O quadro teórico no que este estudo se encaixa são os estudos de gênero e os estudos queer. Nas conclusões, parece que as relações amorosas são marcadas pela valorização paradoxal do marco do amor romántico clássico, entre liberação e homonormatividade, além de uma representação da sexualidade articulada em funções polarizadas. Pela sua parte, as relações familiares enmaranham-se em torno à figura do pai-de-família, associada com maior o menor força ao discurso dominante heterossexista, que também fica presente sob a figura do pai ausente. Da mesma maneira, as figuras maternáis são ausentes u apagadas en maioria, mesmo se uma figura maternal notadamente forte seja a excepção da regla. Em todo caso, a figura da mãe fica sendo idealizada. As identidades de gênero são estudadas a partir das identidades lésbicas dicotómicas e da afeminação como subversões das normas dominantes do gênero e a articulação sexista do fenómeno da homofobia, motivada pelo tabu do homoerotismo e o seu peso no cenário. / Основываясь на описательно-сравнительном анализе пьес Мишеля Марка Бушара (Квебек) Les Feluettes 1987 году и Les Muses orphelines 1988 году, а также Рафаэля Мендисабаля (Испания) Feliz cumpleaños, señor ministro 1992 году и Madre amantísima 2003 году, данное эссе затрагивает тему гомосексуализма через любовь и семейные отношения, искажение половых ролей, гомофобию, распространение СПИДа, и его влияние в литературе и театре. Любовные отношения определены главным образом рамками классической романтической любви между освобождением и гомонормативностью, наряду с представлением о сексуальности, выраженном в противоположных ролях. Семейные отношения строятся вокруг фигуры отца, олицетворяющей доминирующие общественные нормы и табу гомосексуализма, или фигуры рассеянного и отвлеченного отца. Таким же образом, фигуры матери в основном незначительны или незаметны, однако это утверждение может быть опровержено присутствием особенно сильной материнской фигуры в других пьесах. В любом случае, фигуры матери остаются идеализированы. Гендерная пренадлежность изучаются с точки зрения двоякого понимания личности лесбиянок как искажения доминирующих половых ролей, а также учитывая сексистское выражение гомофобии, укрепленное табу гомоэротизма и его значения в рамках театра. / انطلاقا من دراسة وصفية و مقارنة لأعمال الزنابق والمصادر الروحية اليتيمة لميشال مارك بوشارد (كيبيك ) وكذلك عيد ميلاد سعيد والسيد الوزير و الأم المحبة لرفايل مونديزبال (إسبانيا ) ، تعالج هذه الأطروحة موضوع المثلية الجنسية عبر علاقات الحب و العلاقات العائلية، فتن الجنس، فوبيا المثلية، و كذلك وباء السيدا و تأثيرها على المستوى المسرحي و الأدبي . تتميز علاقات الحب بتعزيز متناقض لإطار الحب الرومانسي الكلاسيكي، بين حرية و رؤيا منفتحة و عادية للمثلية الجنسية، بالإضافة إلى تمثيل النشاط الجنسي بناء على أدوار الإستقطاب . فيما يخص العلاقات العائلية، فإنها تنظم حول شخص الأب المرتبط بفوارق دقيقة و هامة ضمن الخطاب المهيمن للمغايرة الجنسية، و يتمحور بشكل موازي في هيئة الأب الغائب و غير المهتم . من خلال الرؤيا ذاتها تبقى شخوص الأمهات غائبة أو محذوفة على الرغم من أن هذه النتيجة تم الإطاحة بها من طرف شخصية الأم التقليدية القوية . في جميع الأحوال تبقى شخصية الأم نموذجية . تمت دراسة الهويات الجنسية من . زاوية الهويات المثلية الإنقسامية و التخنث كتخريب للمعايير المهيمنة للجنس و التعبير الجنسي للمثلية بدافع تحريم الشهوة المثلية والتأثير الناجم عنه في المشهد المجتمعي

Ce mémoire de maîtrise comprend une recherche basée sur l’œuvre dramatique ¡Ay, Carmela !, du dramaturge et directeur du théâtre espagnol contemporain, José Sanchis Sinisterra. Mise en scène pour la première fois en 1987, ¡Ay, Carmela ! est considérée une des plus importantes créations théâtrales représentées depuis l’après-guerre espagnole. Reconnue à l’échelle internationale, ¡Ay, Carmela ! illustre les conséquences de la guerre civile espagnole (1936-1939). À travers l’étude de la structure temporelle et spatiale, ainsi que de l’analyse des caractéristiques des personnages de cette pièce dramatique, le présent travail de recherche essaie de démontrer que les manifestations de la récupération de la mémoire historique se reflètent dans ¡Ay, Carmela !, de telle sorte que la pièce peut être considérée comme précurseur artistique de la « Loi de la mémoire historique » (Ley 52/2007, également appelée la Declaración de reparación y reconocimiento personal). On y retrouve ainsi une forte critique du pacte de silence de la transition démocratique espagnole (1975-1978). Ce travail a comme base méthodologique les outils théoriques de la sémiologie théâtrale (Bobes, García Barrientos, Rubiera) et aussi les écrits de P. Ricœur y de J. Derrida, sur le fonctionnement des mécanismes de la mémoire, de l’oubli et du pardon. Cette recherche se conclut avec une brève étude comparative entre l’œuvre de Sinisterra et l’adaptation cinématographique ¡Ay, Carmela! du réalisateur Carlos Saura. / This MA thesis embodies a research undertaken relative to the play ¡Ay, Carmela !, written by José Sanchis Sinisterra, a Spanish playwright and theatrical director. Staged for the first time in 1987, ¡Ay, Carmela ! is considered one of the most important dramas created since the post-war era. This work, which gained international recognition, perfectly illustrates the consequences of the Spanish Civil War (1936-1939). By examining both time and space, as well as analyzing the characters of this play, the present research intends to prove that the manifestations through which historical memory is recuperated throughout the play ultimately transform it into the forerunner to the “Historical Memory Law” (Ley 52/2007, also known as the “Declaración de reparación y reconocimiento personal”). Moreover, this thorough examination of the play will demonstrate within it a strong critique of the Pact of Silence signed during the Democratic Transition (1975-1978). Two main methodological approaches will be used to do so: that of theatre semiotics (specifically the theories of Bobes, García Barrientos, Rubiera) as well as comparisons to the writings of P. Ricœur y de J. Derrida, which will help support the ideas related to the memory, the forgetting and the forgiveness. Finally, this Master’s thesis will end with a short comparative study between the aforementioned play and the movie ¡Ay, Carmela!, directed by Carlos Saura.

La production théâtrale du Siècle d’Or espagnol com-prend de nombreuses pièces traitant de sujets historiques con-temporains. L’intérêt pour cette matière historique s’observe particulièrement chez un dramaturge emblématique de cette période : Lope de Vega. Bien que la finalité de cet emploi puisse être variée, elle possède souvent un intérêt extra dra-matique. Le choix des événements mis en scène par Lope de Vega est souvent en lien avec des événements correspondant au moment de l’écriture de la pièce. La comedia Carlos V en Francia, écrite en 1604, fait partie de ces pièces historiques où l’on constate une altération des événements en lien avec l’actualité politique de l’époque. Le travail de thèse ici présenté propose une édition critique annotée de Carlos V en Francia de Lope de Vega, précédée d’une étude introductive centrée, premièrement, sur son aspect historique et son intérêt extra dramatique, puis sur les spécificités des mécanismes drama-tiques mis en œuvre dans cette pièce par le dramaturge no-tamment en ce qui concerne dans le système des person-nages, la versification et la structure. / The theatrical production of the Spanish Golden Age pro-poses numerous plays dealing with contemporary historical subjects. The interest for this historical material can be particu-larly observed in a symbolic playwright of this period: Lope de Vega. Although the purpose of this material can vary, it often possesses an extradramatic interest. The choice of events staged by Lope de Vega is often connected to corresponding events at the time of writing. The play Carlos V en Francia, written in 1604, is a part of these historical plays where we notice an alteration of events in connection with the political current events of Lope de Vega’s time. The work of the thesis presented here proposes a critical edition with notes of Carlos V en Francia by Lope de Vega, preceded by an introductory study which focuses foremost on its historic aspect and its extradramatic interest; and on the dramatic mechanisms de-veloped by the playwright in the system of the characters, the versification and the structure.