Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / Théorie de la pratique - pratique de la théorie, cette thèse oscille entre ces deux pôles en dégageant différentes avenues d'utilisation de l'image animée (vidéo) au théâtre, d'où le terme vidéoscénique. Le théâtre des dernières années s'est beaucoup tourné vers les nouvelles technologies, particulièrement vers ces médias de l'image et du son, afin de renouveler à la fois le langage dramatique et scénique. Peu d'ouvrages ont été consacrés aux diverses relations entre cet art de présence qu'est le théâtre et cet art de la reproduction visuelle qu'est la vidéo. Pour arriver à bien circonscrire cette rencontre intermédiatique, beaucoup d'approches sont possibles et cette thèse prend le parti pris d'une approche médiologique afin de globaliser l'impact d'un média autonome sur un autre. Selon Régis Debray, ± Une médiologie n'a pas pour finalité la délivrance d'un message. Elle se contente d'étudier les procédés par lesquels un message s'expédie, circule et trouve preneur ¿.1 Il est donc question d'observer comment la vidéoscénique se manifeste techniquement puis comment elle s'inscrit dans l'espace et dans le temps. En prenant appui sur un modèle de communication développé par Maletzke, il s'agit ensuite d'examiner et de saisir les objectifs des créateurs qui ont recours à un pareil média et finalement prendre en considération les incidences systémiques inhérentes à la réception de cette médiation. Dans un premier temps, une mise en contexte des usages vidéoscéniques s'impose et le champ d'études, même s'il s'agit d'une théorie générale de la pratique, examine essentiellement la production théâtrale québécoise répartie sur trente-cinq années (1967-2002).

La culture occidentale ayant favorisé l'émergence d'un théâtre voué spécifiquement aux enfants, il semble logique de penser que celui-ci est la manifestation d'une conception particulière de l'enfance, soit une catégorie sociale distincte des autres âges de la vie. Cette étude anthropologique vise essentiellement à faire ressortir les diverses conceptions de l'enfance qui influencent les créateurs à travers leur pratique théâtrale. La présente recherche se veut exploratoire. Elle souhaite d'abord et avant tout offrir un angle d'approche original sur une dimension de la société québécoise encore peu documentée. Afin de répondre à l'objectif de recherche, dix-sept créateurs, issus de quatorze compagnies de théâtre, ont été rencontrés au cours d'entrevues réalisées entre les mois de juin et novembre 2002. Les similitudes et les différences de leur rapport à l'enfance seront examinées plus attentivement.

Ce mémoire de maîtrise en études françaises se penche sur la représentation de la figure du zombie au cinéma et au théâtre et s’interroge sur le fait que, malgré la popularité actuelle du monstre, peu de médiums autres que le septième art l’exploite avec efficacité. Le zombie serait-il donc une figure essentiellement filmique? La première partie du mémoire, Bunker, consiste en une courte pièce de théâtre en un acte. Prenant la forme d’un huis clos, la pièce met en scène six humains réfugiés dans un abri nucléaire, pour le meilleur et pour le pire, alors que leur univers est bouleversé par l’apparition d’un virus qui transforme les personnes atteintes en zombies cannibales. La seconde partie se concentre sur, d’une part, les origines du zombie filmique et, d’autre part, sur l’évolution de cette figure monstrueuse, appuyée par l’analyse de trois films issus de trois époques charnières pour la figure du zombie, soit White Zombie (1932) de Victor Halperin, Night of the Living Dead (1968) de George A. Romero et 28 Days Later (2002) de Danny Boyle. Le mémoire s’achève sur une réflexion sur ma propre création, laquelle se penchera principalement sur le processus d’intégration de la figure très filmique qu’est le zombie dans une pièce de théâtre.

L’objectif de cette thèse est, en premier lieu, de tenter de problématiser et de définir le phénomène général de l’adaptation, à la fois comme une pratique intertextuelle et comme une forme de réécriture. Pour ce faire, on se fondera, d’une part, sur l’apport des théories (sémiotique, psycho-linguistique, génétique…) afin de comprendre les opérations mises en œuvre au cours de ce processus de transformation et, d’autre part, sur les témoignages des adaptateurs eux-mêmes. Ce qui nous permettra de montrer que l’adaptation est une pratique que l’on peut décrire à l’aide de règles générales, mais dont il faut aussi considérer les variétés dans sa réalisation selon les époques et les auteurs. Précisons que nous étudierons en particulier les adaptations dont le terme d’arrivée est le théâtre avec ce que cela comporte comme spécificité générique. L’objectif de cette thèse est, en second lieu, à l’aide de la modélisation des pratiques adaptatives élaborée dans la première partie, d’analyser les pratiques d’adaptation réalisées dans le champ de la littérature de jeunesse contemporaine : textes adaptés, publics visés, buts poursuivis, transformations opérées… Le troisième objectif alloué à notre thèse est didactique, au sens où l’on traitera de la place que l’enseignement du français attribue, aujourd’hui, à l’adaptation. Il s’agira d’interroger ce que disent les instructions officielles en la matière, de décrire le traitement de la notion par les manuels scolaires et de rendre compte de pratiques auxquelles elle donne lieu dans le cadre des classes de collège. Nous chercherons plus précisément à déterminer, d’un point de vue didactique, en quoi la pratique de l’adaptation peut être une aide pour l’acquisition de compétences en lecture et en écriture / The purpose of this thesis is firstly, to attempt to problematize and to define the general phenomenon of adaptation as an intertextual practise and as a rewriting form. In order to do this, we will base ourselves on the contribution of theories (semiotic, psycholinguistic, genetic…) on the one hand, in order to understand the processes implemented during the transformation. On the other hand, we will base our argument on adapters’ accounts. This will allow us to prove that the practise of adaptation can be described by general rules whose diversities as regards realization must also be taken into account according to eras and authors. The fact that we will study adaptations which lead to theatre with its generic specificities must be pointed at. Secondly, thanks to the modelling of elaborate adaptative practises in our first part, the purpose of this thesis is to analyse adaptation practises in contemporary literature for children: adapted texts, target audience, purposes, changes that have been carried on… The third purpose of our thesis is didactic, as we will deal with the place teaching assigns, today, to adaptation. We will question the official instructions of the board of Education on the subject, describe its handling in school books and give an account of the practises it leads to in secondary school classes. We will more specifically try to determine, from a didactic point of view, how the practise of adaptation can be an aid to the reading and writing acquisition

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

La recherche Palcos da Vida1: le vidéo en tant que document sur le théâtre étudie les processus de la production et de l'expérimentation théâtrale, à Porto Alegre, aux années 80, à partir d'enregistrements vidéo réalisés par TVE/RS. Au cours des trois dernières années de cette décennie, la télévision publique a enregistré plusieurs représentations théâtrales qui ont été exposées dans la ville. L’émissions intitulée Palcos da Vida, présentait, à chaque fois scènes des spectacles et témoignages des commédiens et metteurs en scène. Ce mémoire jette un regard sur ce moment historique et, en enployant d'enregistrements, souligne l’importance du vidéo en tant que document sur le théâtre. Ce sont analysés les spetacles A Mãe da Miss e o Pai do Punk (mise en scène par Luiz Arthur Nunes), A Verdadeira História de Édipo Rei (Troupe Gregos & Troianos), Escondida na Calcinha (mise en scène par Patsy Cecato), Império da Cobiça (Troupe TEAR), O Ferreiro e a Morte (Troupe Face & Carretos), Ostal (Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz) e Tangos e Tragédias (de Hique Gomez et Nico Nicolaiewsky). Cet extrait configure un tableau de l'art dramatique qui établie un important ensemble de la prodution et de la mise en scène du Rio Grande do Sul. On constate que le domaine abordé est caraterisé par la coexistence des plusiers mouvements dramatiques, marqués par des propositions et styles les plus divers, par la variété du répertoire et l'hybridité des genres, comme la comédie, la comédie musicale et le théâtre expérimental. Autre aspect abordé c’est le rapport entre le théâtre et la télévison: le rôle des médias comme médiateurs entre le spectacle et le public. La recherche est fondée sur des travaux théoriques de Marco De Marinis et Patrice Pavis. Comme référence supplémentaires, on remarque le travail des noms tels que Michel de Certeau, Sandra Pesavento, Dominique Wolton et Jesús Martín-Barbero. / A pesquisa Palcos da Vida: o vídeo como documento do teatro investiga os processos de produção e de experimentação teatral, em Porto Alegre, nos anos 1980, a partir de registros em vídeo feitos pela TVE/RS. Nos últimos três anos daquela década, a emissora pública de televisão gravou diversos espetáculos teatrais que estavam em cartaz na cidade. Os programas, com o título Palcos da Vida, apresentavam cenas das peças e depoimentos de atores e diretores. Este trabalho lança um olhar sobre aquele momento histórico e, por meio das gravações, ressalta a importância do vídeo como documento do teatro. São enfocados os espetáculos A Mãe da Miss e o Pai do Punk (direção de Luiz Arthur Nunes), A Verdadeira História de Édipo Rei (Grupo Gregos & Troianos), Escondida na Calcinha (direção de Patsy Cecato), Império da Cobiça (Grupo TEAR), O Ferreiro e a Morte (Grupo Teatral Face & Carretos), Ostal (Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz) e Tangos e Tragédias (de Hique Gomez e Nico Nicolaiewsky). O conjunto traça um painel das artes cênicas do Rio Grande do Sul, constituindo-se em um importante acervo sobre a produção e a encenação teatrais. Constata-se que o campo teatral estudado caracteriza-se pelo convívio de formas cênicas marcadas pela diversidade de propostas e estilos. A variedade de repertório e hibridismo de gêneros ocorre por meio de comédias, musicais e experiências estéticas da cena alternativa. Outro aspecto abordado é a relação entre teatro e televisão: os meios de comunicação como mediadores entre espetáculo e público. A pesquisa tem como base teórica obras de Marco De Marinis e Patrice Pavis. Como referenciais complementares, destaca-se o trabalho de nomes como Michel de Certeau, Sandra Pesavento, Dominique Wolton e Jesús Martín-Barbero.

À travers le prisme des impuretés esthétiques et poétiques L'art cinématographique d'Ingmar Bergman : une poétique d’impureté considérée dans quelques uns de ses films, Elena Tysuhova met en évidence les liens subtils, plus ou moins manifestes que les œuvres cinématographiques et télévisuelles du réalisateur suédois entretiennent avec les autres arts. En prenant en charge des considérations théoriques générales, préalables principiels, conceptuels et méthodologiques aux analyses filmiques, ainsi que les théories littéraires, linguistiques et esthétiques majeures, tout en déplaçant et situant le propos dans des pensées proprement cinématographiques, cette thèse de doctorat considère les films de Bergman en répondant à une « esthétique-poétique » ou à une « poétique-esthétique ». Les propos développés s'inscrivent résolument dans une perspective deleuzienne, privilégiant à la fois les singularités et les transversalités, s'attachant aux formes et configurations sensibles, dégageant les idées-formes, tout en s'intéressant aux liens d'impuretés noués avec d’autres arts, voire aux tentatives d'hybridations avec eux (selon l’idée d'Alain Badiou que l'art du cinéma est la tentative toujours renouvelée, bien qu'impossible, de fusionner les arts entre eux). / Through the prism of aesthetic and poetic cross-fertilizations, Ingmar Bergman's Cinematic Art: A Poetics of Impurity Considered in Some of His Films highlights the subtle, more or less obvious links that the film and television works of the Swedish director maintain with other arts. By taking into account general theoretical considerations, prior conceptual and methodological principals to the film analyze, as well as the major literary, linguistic and aesthetic theories, while displacing and situating the subject of the thesis in properly cinematographic thoughts, this doctoral thesis considers the films of Bergman in accordance with a "poetic aesthetic" or an "aesthetic poetics". The developed analyses communicate a Gilles Deleuze perspective. They privilege both the singularities and the transversalities, focus on aesthetic forms and sensitive configurations, emit “idea-forms,” and reveal the links of impurity to other arts and the attempts to hybridize with them (according to the idea of Alain Badiou for whom cinematic art is the constantly repeated but impossible attempt to merge together the different arts).

Cette réflexion accompagne la création de Par la fenêtre, la forêt, une mise à l'épreuve scénique du procédé de fragmentation. Elle s'intéresse au théâtre dans ses fonctions critiques et transitives. Elle questionne les liens entre l'individualisme dans notre société et la fragmentation au théâtre, pour entrevoir comment le théâtre peut aujourd'hui réunir les individus et les amener à interroger ensemble leur rapport au monde. L'hypothèse de départ est que le procédé de fragmentation du discours théâtral, en privilégiant la discontinuité, le désordre et les trous dans le récit, laisse le spectateur plus libre dans sa réception. Ce dernier, avide de signification, doit tisser des cercles de référence et participe ainsi activement à la création du sens de l'oeuvre et aux questionnements proposés. Le premier chapitre situe l'avancé de l'individualisme dans notre société. Il dresse un bref panorama de l'évolution moderne et post moderne. Il permet de faire resurgir ce que peut exiger une éthique de l'individualisme post moderne. Le deuxième chapitre agit similairement au premier, mais s'intéresse, lui, à la fragmentation au théâtre. Pour cela, le passage du théâtre dramatique au théâtre postdramatique, qui voit apparaître le procédé de fragmentation, est ausculté. Ce chapitre permet d'observer les dangers et les possibilités de ce procédé. Les deux derniers chapitres étudient le respect des exigences éthiques sur deux oeuvres fragmentées. Dans un premier temps, sur le texte Lalla (ou la Terreur) de Didier-Georges Gabily et, dans un second temps, sur la représentation théâtrale de Par la fenêtre, la forêt qui a été créée pour expérimenter la recherche de ce mémoire. Dans les deux cas, l'application du procédé de fragmentation et les conditions qui ont permis à l'oeuvre de contribuer à l'élévation de la culture individualiste sont exposées. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Théâtre, Éthique, Fragmentation, Postdramatique, Postmoderne.

Le présent mémoire regroupe trois portraits de troupes de théâtre québécoises liées au mouvement de la création collective des années 1960 et 1970. Le Grand Cirque Ordinaire, le Théâtre Euh ! et le Théâtre expérimental de Montréal illustrent, dans leurs orientations spécifiques, différentes tendances de ce phénomène aux confluents des nombreux bouleversements sociopolitiques et culturels propres à leur époque. Nous nous sommes principalement intéressé aux discours « parathéâtraux » de chacune de ces troupes, c'est-à-dire à leurs prises de parole livrées en marge de leurs activités de création. Pour chaque troupe, nous avons constitué un corpus de différents documents (entrevues, articles, manifestes) où les membres du GCO, du Euh! et du TEM, de façon individuelle ou collective, s'expriment sur leur propre parcours ou affichent leurs positions sur différents aspects du milieu théâtral québécois. La masse protéiforme que constitue cette documentation, bien que parfois difficile à analyser, est également indicielle de la multitude des approches de la création dans le mouvement de la création collective. Le choix de cette démarche trouve sa justification dans deux caractéristiques importantes du contexte théâtral québécois de cette époque: la grande popularité de l'improvisation dans le processus créateur et la prolifération des prises de parole des praticiens dans différentes publications. Le milieu théâtral reflète en ce sens de nombreux aspects de la société post-Révolution tranquille, où bon nombre de Québécois s'évertuent à créer, par eux-mêmes et pour eux-mêmes, de nouvelles structures politiques, sociales et culturelles tout en développant, à travers une panoplie de nouvelles tribunes, les discours qui sous-tendent ces réformes. Chaque troupe fait l'objet d'un chapitre divisé comme suit: un historique retraçant les principales productions et les événements marquants du parcours du collectif ; une description des différents documents constituant le corpus étudié ; une analyse du discours global de la troupe où nous tentons de cerner à la fois la nature du projet initial, les principales lignes de force du parcours et les possibles raisons conduisant à la séparation du collectif. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Création collective, Théâtre québécois, Improvisation, Années 1970.

Avant d'accéder au langage, la pensée se développe et s'élabore dans les lieux multiples et les réseaux complexes du corps. Il s'ensuit des arrêts, des glissements, des fractures de ce qui cherche à se structurer pour devenir langage. Celui-ci peut aussi bien être libération de l'expression que mensonge et détournement de ce qui ne peut être entendu. Ces lieux de tension où le chaos cherche un ordre se retrouvent à la fois au théâtre (rapport au texte et sous-texte) et en danse (langage chorégraphique et intentionnalité). Le non-dit apparaît donc comme une possible passerelle entre les deux arts. Cette passerelle est la préoccupation première qui anime la réflexion théorique qui a nourri, stimulé et orienté le processus de création. La partie création de ce mémoire a été intitulée Les mots de là!. L'intuition, qui demande à être confirmée, est que le non-dit prend les chemins du corps. « La science n'est pas là pour découvrir, mais pour confirmer l'intuition. » (Reeves dans le film Conteur d'étoile de Cadrin-Rossignol, 2002.) Afin de vérifier que c'est bien le corps qui détient le non-dit, il a été primordial de définir le concept du non-dit et il s'est avéré nécessaire de préciser non seulement les bases neurobiologiques du langage, mais aussi les enjeux d'une définition du langage comme espace relationnel. Nous avons cherché à définir la perception du non-dit dans ses dimensions conscientes et inconscientes afin de situer le besoin de dire dans une approche corporelle globale. Le non-dit se définit par rapport au dit et se manifeste dans le corps à notre insu. La juxtaposition du théâtre et de la danse semblait faciliter la perception du non-dit. Un espace scénique où cohabitent le texte dramatique et le mouvement dansé a donc été exploré. La recherche théorique préalable a servi à construire une banque de connaissances qui a alimenté le travail d'exploration et a permis de diriger des acteurs dans un cadre chorégraphique et théâtral où le non-dit est l'enjeu principal de la création. Le phénomène du non-dit y est amplifié par l'entremise de la danse en situation de représentation théâtrale. « Comment réunir sur la même scène le théâtre et la danse à partir du concept du non-dit? » est la question principale de cette recherche. Les sous-questions ont été analysées comme suit: Comment peut-on rendre le non-dit perceptible? En l'exprimant par des mouvements dansés? Comment l'implicite est-il exprimé par la voix et le corps? Comment un comédien peut-il exprimer les tensions, qui sont sous-entendues dans le texte théâtral, par le biais de la danse? Comment le non-dit dansé est-il perçu par le spectateur? Comment manifester des mouvements dansés au théâtre? Quelles sont les transitions les plus efficaces pour passer de la danse au théâtre? Faut-il choisir de travailler avec des danseurs ou des acteurs? Faut-il trouver l'inspiration dans le mouvement dansé ou dans le texte théâtral? La plupart de ces questions ont été explorées dans la partie création. Les difficultés rencontrées dans la démarche de cette recherche résident dans le besoin de trouver des stratégies d'exploration en ateliers, le désir d'innover, le besoin de décrire et d'isoler le non-dit à l'intérieur de situations théâtrales et d'en présenter les convergences et les divergences avec le non-dit en danse afin de voyager du théâtre à la danse.