Avec le soulèvement de 1946 (février-mars) débute en Égypte une crise politique qui dure jusqu’à la mise en place du système nassérien (1952-1954) où se mêlent velléités de changement social et d’indépendance. Les 18 et 19 janvier 1977, l’insurrection spontanée, contre la diminution des subventions publiques sur vingt-cinq produits de consommation, révèle le rejet massif du nouvel ordre moral que Sadate souhaite imposer. Les manifestants rappellent le Président de la République aux promesses nassériennes que la défaite de 1967 dans la guerre contre Israël a fait voler en éclat. Réflexion sur les façons de vivre et de transmettre l’expérience révolutionnaire, cette thèse présente, depuis Alexandrie, les épisodes insurrectionnels de 1946 et de 1977 qui ont secoué les grandes villes d’Égypte. Au travers d’une enquête orale auprès de militants alexandrins et des sources de nature diverses, les événements sont présentés tantôt sous l’angle du temps court, tantôt dans leur conjoncture.C’est à distance de la chronologie, dans les interstices des différents registres d’énonciation (témoignages et discours politiques, récit d’histoire ou de fiction, etc.), que cette thèse explore les traces du « trésor » : expérience collective de la liberté chère au poète René Char, « rejetée » par ceux qui la vivent une fois qu’elle se termine. On voit se dessiner des notions, des institutions et des expériences collectives au travers desquels se forgent, dans la seconde moitié du XXe siècle, l’idée du changement social, de ses limites et les moyens par lesquels des personnes ordinaires peuvent y participer. / The uprising of 1946 (February-March) initiates a political crisis in Egypt that lasts until the implementation of the Nasserian system (1952-1954) and involves both hopes of social change and national independence. The spontaneous uprising that happens in January 18th and 19th 1977 against the reducing of price subsidies of 25 consuming products, reveals a massive rejection of the new moral order that Sadat wishes to impose. The demonstrators remind their President to the Nasserian promises that the 1967’s defeat in the war against Israel demolished.This thesis seeks to develop a reflexion on the ways of living and transmitting the revolutionary experience based on the events of the Egyptian urban uprisings of 1946 and 1977 from the point of view of Alexandria. It presents the events in the short time and in their conjunctures through an oral inquiry among Alexandrian activists and sources of several natures, as part of constant concern for documenting the effects of scale between individual history and collective history, as well as the historicity of insurrection.Away from linear chronology, in the interstices between the categories of expression (testimonies, stories and political discourses, history and fiction, etc.), this research explores the tracks of the “treasure”, a word that the poet Rene Char uses to describe a collective experience of liberty, rejected by whom lives it as soon as it ends. It reveals a network of notions, institutions and collective experiences which defines social change, its limits and the ways by which ordinary people get involved in it, through the second part of the XXth century.

Cette thèse de doctorat ne vise pas tant à questionner la pertinence de la formule d'École romaine (Scuola Romana) appliquée à un groupe de peintres et de sculpteurs actifs à Rome dans l'entre-deux-guerres qu'à tenter de comprendre le succès de cette étiquette jusqu'à nos jours. Différentes méthodes sont utilisées pour aborder les écrits de critique d'art et les discours scientifiques, mais aussi les productions textuelles plus liées à la fiction et au témoignage. D'autre part, ce travail analyse les carrières singulières des artistes ainsi que le devenir des œuvres afin de replacer l'École romaine par rapport à une histoire du goût en Italie et au-delà. L'étude suit une progression chronologique. Elle porte d'abord sur la réception de l'École romaine du temps de son activité, entre 1918 et 1945, puis interroge la place des artistes du mouvement dans l'Italie de l'après-Seconde Guerre mondiale, dans un contexte marqué par les divisions politiques. Enfin, à partir des années 1980, l'on assiste à une tentative de revalorisation marchande de l'École romaine sans précédent. Il s'agit alors d'évaluer les résultats de cette action et de comprendre ce qui l'a rendue possible. Les questions de la modernité artistique ainsi que celles des liens de la scène artistique romaine avec le fascisme puis avec la mémoire du régime sont au cœur de cette recherche, constituant des approches neuves pour étudier un objet encore mal connu en France. / This PhD thesis questions the label « Ecole romaine » (also known as Scuola romana) used to designate a group of painters and sculptors in Rome between 1918 and 1945. We aim to understand the reasons for the success of this expression until now. We use various methods in order to investigate the discourses of both art critics and scholars as well as more fictional texts, often written as testimonies. Furthermore, this work analyses the singular career of each artist and the reception of their works in order to consider the Ecole Romaine within a history of taste in Italy and abroad. Our study follows a chronological development. First, we analyse the reception of the School when active, between 1918 and 1945. Then, we examine the place of our artists in post-war Italy, in a context of great political divisions. Finally, we study how, in the early 1980s, various actors on the artistic scene tried to raise the value of the Ecole Romaine's works on the art market. What were the results of their attempt, and to what extent this renewal of interest had a lasting impact, especially in the museums field ? The questions of artistic modernity and of the relationship between the Ecole Romaine and the fascist regime are central in this research. These constitute new approaches to a theme which has remained relatively unknown outside of Italy.

Dans la représentation collective, les monuments aux morts sont construits au lendemain de la Grande Guerre pour supporter les mémoires des victimes du conflit. Pour beaucoup ils constituent aussi une partie du patrimoine communal. Pourtant, cette définition est réductrice et n'englobe pas la réalité de cet objet mémoriel. Sa genèse est à discuter et la multiplicité de ses formes sont à prendre en compte pour comprendre ses fonctions anciennes et actuelles. Ce travail insiste sur l'évolution de ces constructions en un siècle. Il ne se conçoit pas uniquement le cadre de la commune puisque les paroisses et des groupements privés sont également à l'origine d'édifices. De nombreux conflits sont à l'origine de nouveaux édifices ou de modifications sur d'anciennes constructions. Les deux guerres mondiales ne sont pas les seules à générer une mémoire matérialisée par ces monuments et les guerres liées aux décolonisations ou encore les OPEX sont désormais à prendre en considération.Depuis la Grande Guerre, un monument aux morts est l'expression d'un hommage envers ceux qui ont combattu pour la France et qui en sont morts, quelque soit la période et le lieu concernés. Il convenait donc d'en savoir davantage sur les conditions de décès au cours des guerres, ainsi que la manière dont les défunts et les endeuillés sont gérés. Les questions matérielles et organisationnelles de la construction sont aussi à analyser pour mieux comprendre la diversité des résultats obtenus. Enfin l'étude des inaugurations puis des commémorations permettent d'appréhender les utilisations successives de ces monuments. Il convenait d'analyser ces points en fonction des conflits concernés pour dresser le bilan sur un siècle d'évolution et d'adaptation d'un objet de célébration et de commémoration de la mort collective au combat. / In the collective representation, war memorials have been built after the Great War to support the memories of the victims of both world wars. For many they are also a part of the city heritage. However, this definition is simplistic and does not include the reality of this object. Its genesis is to discuss and the multiplicity of its forms is to be considered to understand its past and current functions. This work emphasizes the evolution of these structures over a century. It does not only perceive the framework of the city since parishes and private groups are also behind buildings. Old memorials have been altered and new ones have been built so as to include several new conflicts. The two World Wars are not the only ones to generate a memory embodied by these objects and wars related to decolonization or External Operations are now to be taken into consideration.Since the Great War, a war memorial has been an expression of tribute to those who fought for France and who died of it, whatever the period. It was therefore appropriate to inquire about the conditions of death in war, and how the deceased and its close relations in mourning are taken care of. The material and organisational issues of the construction are also analyzed to better understand the diversity of results. Finally the study of inaugurations and commemorations allows to understand the successive uses of these monuments. These points based on the involved conflicts had to be analysed in order to evaluate an object of celebration and commemoration of collective death in battle over one century of evolution and adaptation.

104f. / Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-05-15T13:57:08Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao Celso Oliveira Jr..pdf: 490842 bytes, checksum: 9f7edcaaec7f31b637755643010da97b (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva(sivalda@ufba.br) on 2013-05-16T17:56:37Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertacao Celso Oliveira Jr..pdf: 490842 bytes, checksum: 9f7edcaaec7f31b637755643010da97b (MD5) / Made available in DSpace on 2013-05-16T17:56:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Celso Oliveira Jr..pdf: 490842 bytes, checksum: 9f7edcaaec7f31b637755643010da97b (MD5) Previous issue date: 2005 / A fundamentação teórica e literária sobre os conceitos de estupor, de fraturas narrativas e de interrupção de fluxo narrativo. Os estudos sobre o efeito de estupor sob o ponto de vista da psiquiatria e da psicanálise, do ritmo e efeitos da narrativa. O estudo crítico sobre o estupor em William Shakespeare, Anton Tchekhov e Samuel Beckett. O sentido e a evolução dos pressupostos fundamentais da tragédia. O estupor como hýbris. A precipitação trágica do drama beckettiano a partir destes pressupostos. Uma gênese da poética beckettiana, através das suas relações filosóficas e da sua experiência como crítico literário e de arte. O retrato do artista enquanto crítico. As relações filosóficas de Beckett e a constituição do Beckett-escritor a partir do Beckett-crítico. Leitura dos escritos críticos de Beckett sobre a obra de James Joyce, de Marcel Proust e de pintores modernos, em articulações com exemplos da obra dramatúrgica e ficcional do autor Leitura crítica do drama Eleutheria, escrito por Samuel Beckett em 1947. O estupor, enquanto hýbris, atuando como estratégia de libertação e motivo de ruína. / Salvador

Educators are in a distinctive position of influencing children's appreciation for diverse cultures and heritages of the world. A number of exceptional texts are utilized in American libraries and schools portraying the African American struggle for equality. Many of those texts focus on the significant societal and political heroes such as Martin Luther King, Jr. and Rosa Parks. While these titles are essential to the story of the Civil Rights experience, this article explores lesser known texts, yet they provide gateways to understanding and empathetic perspectives for men who struggled to play baseball in the equal manner to their white counterparts. Rube Foster, Cool Papa Bell and Satchel Paige are some of baseball's most interesting characters; sadly, very few children know about them. This article examines the stories of men with a special page in history: The Negro Leagues, 1920-1960.

Chez D. H. Lawrence, le non-humain correspond à la fois à une forme de vitalité primordiale et aux créatures végétales et animales que cette vitalité anime bien davantage que les hommes, étouffés par une civilisation moderne qui les rend inertes. Le non-humain apparaît comme le dépositaire d‘une présence pure, existant avant ou hors de la culture. Lawrence est donc confronté à la difficulté de représenter cette présence pure par un moyen intrinsèquement « humain », le langage poétique. Il ne se pose alors pas simplement en anti-humaniste : son écriture poétique du non-humain procède d‘un conflit permanent entre la volonté de se libérer du carcan humain et la nécessité de demeurer dans la sphère humaine, voire de réinstaurer la limite entre humain et non-humain. Ce conflit s‘exprime déjà dans le non-humain comme simple matière vivante, sous la forme d‘une tension entre une conception de la matière comme pure présence extérieure à tout discours humain et une vision de la matière comme objet scientifique par excellence. Dans l‘évocation des créatures, le conflit incite Lawrence à réinventer spécifiquement pour elles des rapports au monde (émotions, perception, agentivité) qui leur permettent de préserver leur présence. Dans le rapport de Lawrence aux créatures non-humaines, le conflit demeure car Lawrence remet en question la limite qui le sépare du non-humain mais la réaffirme également. Enfin, la dialectique entre la volonté de saisir la présence du non-humain et la crainte de l‘abstraire complètement en l‘incluant dans le langage semble particulièrement présente dans ce que nous tentons de définir comme un langage poétique propre au non-humain, au-delà de sa simple utilisation chez Lawrence. / In D. H. Lawrence‘s poetry, the non-human is both a form of primordial vitality and the living world of non-human creatures. Non-human creatures are seen as more able to embody this vitality than modern men, stifled by their civilization. The non-human stands outside the sphere of culture, and its mode of existence is consequently an untouched, pure form of presence. Therefore, Lawrence faces the difficulty of representing this pure presence through an inherently ―human‖ means, poetic language. However, his stance is not entirely anti-humanist: his poetic writing of the non-human is founded on an unceasing conflict between the will to break free from the constraints of humanity and the necessity to remain within a human sphere, and even to reinstate the limit between human and non-human. In the representation of the non-human as mere living matter, this conflict is already manifest, taking the shape of a tension between matter as existing completely outside human discourse, and matter as a scientific object par excellence. When Lawrence evokes the creatures, this conflict brings about a reconfiguration of specific non-human modes of being in the world (emotions, perception, agency), which allow the creatures to interact with each other without diminishing or abstracting their presence. In the poet‘s own relationship with the non-human creatures, the conflict appears again as Lawrence questions the limit between human and non-human while reinstating it. At last, the dialectic between a will to capture non-human presence and the fear of abstracting it when including it within the sphere of language seems particularly present in what we have attempted to establish as a poetic language specific to the representation of the non-human, in Lawrence and other poets.

Du recueil A Boy’s Will (1913) au recueil In the Clearing (1962), l’œuvre du poète américain Robert Frost (1874-1963) déploie sa réflexion sur le concept d’écart, et le présente comme principe majeur de son esthétique et de sa stratégie d’écriture. Utilisant une approche fondée sur la micro-lecture des poèmes, cette thèse entend mettre en lumière la richesse d'une thématique frostienne qui permet de repenser la dialectique entre centre et marge à différents niveaux d'analyse : cette dialectique semble à l’œuvre non seulement dans la représentation poétique des espaces nord-américains mais aussi dans le rapport des textes à l'espace métaphorique du canon, ainsi que dans l'ambiguë mise en scène du sujet dans son rapport aux espaces intime, social et politique. Nous souhaitons montrer que le poète et les personae multiples qu’il adopte au fil des recueils privilégient un positionnement détaché, qui n’est ni complètement au centre ni complètement à l’écart, mais pour ainsi dire dans l’écart. Cette position de léger retrait, à la fois sereine et équilibriste, dessine ainsi un triple autoportrait du poète. Il fait le portrait d’un artiste chez qui la tension entre tradition et modernité, entre formes fixes et libre expérimentation, relève d'une position compliquée et féconde, qui permet à Frost de se situer à la fois à l'intérieur et légèrement à l'écart du genre de la poésie pastorale ; d'autre part, il esquisse le portrait « bougé » d'un sujet en mouvement au sein du paysage de Nouvelle-Angleterre, sujet que des tentatives d’ancrage dans certains territoires installent dans une position de voisinage méfiant avec son prochain, à la fois contre les autres et tout contre eux. Enfin, l’œuvre laisse apparaître en filigrane l’autoportrait d’un Américain utilisant la stratégie de l’écart dans l’habile mise en scène de sa propre iconisation. / From the collection A Boy’s Will (1913) to the collection In the Clearing (1962), the works of American poet Robert Frost (1874-1963) can be viewed as a reflection on the concept of deviation, presenting it as a major principle in his aesthetics and writing strategy. This doctoral dissertation provides a close reading of many poems, with a view to highlighting the highly seminal quality of the Frostian theme of the slight deviation, which allows one to rethink the dialectic between the center and the margins at different levels of analysis. This dialectic appears not only in the poetic representation of North American space, but also in the established connection between the texts and the metaphorical space of the canon, as well as in the ambiguous presentation of the poetic figure in relation to the intimate, social or political spheres. We wish to show that the poet together with the multiple personae that he uses in the collected poems, favor a specific vantage point, a detached position which is neither in the center nor completely in the margin, but rather within the limits delineated by some deviation. This slightly withdrawn position, which is both dispassionate and perilous, sketches out a triple self-portrait of the poet. It is the self-portrait of an artist for whom the tension between tradition and modernity, between fixed forms and free poetic experiments, creates a complicated but fertile position which allows Frost to position himself both within, and slightly on the margin of, the genre of pastoral poetry. Frost's poems also depict the portrait of a moving poetic figure in the New England landscape, a figure who is put, because of his attempts at settling in certain territories, in a situation where neighbors are both aware and wary of each other. Lastly, the poems could be regarded as the self-portrait of an American posturing as a marginal figure in the skillful staging of his own iconization.

Associée d'habitude avec la tragédie comme genre littéraire et théâtral, la catégorie du tragique est en réalité une catégorieembrassant tous les genres d'arts. Elle est aussi l'objet de différentes sciences : philosophiques, littéraires, théâtrales.Premièrement, notre réflexion portera sur le tragique en tant que vision du monde, en tant que catégorie en mêmetemps, comme le montre bien Lucien Goldmann, d'ordre théorique, affectif et impensable sans ses rapports avec le systèmede valeurs. Deuxièmement, nous étudierons le conflit tragique étant à la base de cette vision comme un conflit insolubleentre l'homme et le monde, l'être et l'existence. Au cours de notre examen de la vision tragique, nous montrerons sa parentéavec la vision existentialiste telle qu'elle est présentée chez Albert Camus.Notre étude abordera les différents aspects du tragique, en particulier sa nature, l'opposition de la vision tragique àla vision rationaliste, les conditions de l'apparition du tragique, ses rapports avec le Mythe et avec les catégories pessimismeoptimisme,la question de la sortie éventuelle du tragique, etc.Nous examinerons le tragique sous le jour des concepts théoriques des auteurs de notre corpus critique, dans lesformes qu'il prend dans la tragédie grecque, la tragédie de Racine, dans le roman de Dostoïevski et dans l'oeuvre de Camus / The category of tragedy is usually linked with tragedy as a literary and theatrical type. In reality, it is a category embracingall types of arts. Besides, it is the object of different sciences: philosophical, literary, theatrical.Firstly, our reflexion will be focused on tragedy as vision of the world, as category at the same time, as illustratedby Lucien Goldmann, of theoretical, emotional order. Tragedy is unthinkable without its relation to the value system.Secondly, we will study tragic conflict at the root of this vision as insolvable conflict between the man and the world, thebeing and existence. During our review of the tragic vision, we will show his kinship with the existentialist vision aspresented in Albert Camus's work.Our study will address various aspects of the tragedy in particular: its nature, the opposition of the tragic vision tothe rationalist vision, the conditions for the appearance of the tragic, its relationship with the Myth and optimism-pessimismcategories, the question of the eventual disposition of the tragic etc.We will examine tragedy under the light of theoretical concepts of the authors of our critical corpus, in forms whichit takes in Greek tragedy, tragedy of Racine, in novel of Dostoïevski and in the Camus's work.

Si d'aucuns pensent que la tragédie est morte, le tragique quant à lui reste une catégorie théâtrale toujours actuelle. Chez Eugène Ionesco, dramaturge de la deuxième moitié du XXe siècle, nous retrouvons le sens du tragique dans ses oeuvres même si celui-ci diffère de l'époque antique. Le tragique ionescien s'inspire sur une vision du monde fondamentalement absurde. Ainsi, à l'instar de ses contemporains comme Samuel Beckett par exemple, Eugène Ionesco propose un tragique humble (cf. Jeux de massacre : tragique = absence d'issue), un tragique politique à la mesure des bouleversements du siècle (cf. Rhinocéros, Le Roi se meurt, Macbett, etc.). A la place des héros combattants, on a chez Ionesco des fantoches qui gesticulent, des objets qui prolifèrent (cf. Les Chaises) ; un langage humain qui est mis en cause (cf. La Cantatrice chauve « tragédie du langage »). Le théâtre d'Eugène Ionesco naît plutôt de la crise de l'humanisme. / If some people think that the tragedy died, the tragic as for him rest an always current theatrical category. At Eugène Ionesco, playwright of the second half of the XXth century, we find the sense (direction) of the tragic in its works even if this one differs from the antique time (period).The ionescien tragic is inspired on a vision of the world fundamentally absurd. So, following the example of his contemporaries as Samuel Beckett for example, Eugène Ionesco proposes a tragic humble (cf. Games (sets) of massacre: tragic = absence of outcome (exit)), a tragic political in the measure of the upheavals of the century (cf. Rhinoceros, King is dying, Macbett, etc.). On the place (square) of the heroes fighters, we have at Ionesco the marionettes which gesture, objects which proliferate (cf. Chairs); a human language which is questioned (implicated) (cf. The bald Opera singer "tragedy of the language"). The theater of Eugène Ionesco arises rather from the crisis of the humanism.

A pesquisa sobre as figurações do Carnaval fundamenta uma das estratégias textuais dos escritores no primeiro tempo modernista, motivados pelo desejo de minimizar o sentimento de inautenticidade oriundo da emulação sistemática de matrizes estéticas europeias. A adoção da festividade momesca, por parte dessa geração, ocorre após a leitura dos poemas coligidos por Manuel Bandeira no volume Carnaval, em 1919, o que motiva significativas enunciações em poemas e manifestos literários de Mário de Andrade, Oswald de Andrade e outros escritores e artistas iconográficos coetâneos. Essa visada nacionalista crítica assegura-se numa permeabilidade com as manifestações culturais desvinculadas das abordagens academicistas, entre as quais estão os registros do cancioneiro popular, poesiacantada em que as figurações carnavalescas são profusas. Na análise desse conjunto de poemas, constatamos a emergência de uma poética do mascaramento, em que três constantes o corpo, o tempo e os humores (a melancolia e a alegria) são submetidas a outramentos, o que suscita a hipótese de que esses poetas inventam uma tradição objetivando a positivação da originalidade nativa, tendo a festa de Carnaval e suas variantes míticas como motivação literária. No decênio de 1930, as figurações carnavalescas tornam-se rarefeitas na poesia escrita para livros, estabelecendo a palavra cantada como espaço de permanência. Com Orfeu da Conceição, em 1956, Vinicius de Moraes faz convergir ambas as vertentes, fragilizando a fronteira que as separava . Nesse percurso, constatamos que as figurações momescas obedecem a uma gramática do mascaramento, o que, por analogia, favoreceu o delineamento das singularidades da categoria brasilidade. / The research about the images of Carnaval founds one of the textual strategies of the early modernist writers, who were driven by the desire of minimizing the feeling of inauthenticity originated from the systematic emulation of the European aesthetical matrices. The adoption of the Carnaval-related festivity by this generation occurs after the reading of the poems assembled by Manuel Bandeira in the book Carnaval, in 1919, which motivates significant enunciations in poems and literary works of Mário de Andrade, Oswald de Andrade, amongst other poets and contemporary iconographic artists. This nationalist critique assures itself in permeability with the cultural manifestations that were unlinked from the academic approaches, among which are the registers of popular songbook, sung-poems in which Carnaval-related images become plentiful. In the analysis of this set of poems, we can notice the emerging of a poetry of masking, where three recurrences body, time and mood (melancholy and joy) are exposed to otherness, raising the hypothesis that these poets had invented a tradition, which aimed for a native originality, having the celebration of Carnaval and its mythical variants as its literary motivation. During the 1930s, the Carnaval-related images became rare in the poetry written for books, stablishing the sung poems as a permanent ground. With Orfeu da Conceição, in 1956, Vinicius de Moraes converges these two elements, making fragile the remaining of the boundaries that set them apart. In this way, we have noted that the images of Carnaval follow a grammar of masking in analogy to an attempt of outlining the singularities of Brazilianity.