En la presente tesis, analizo la imagen del actor cómico en la obra ¡A ver, un aplauso! del dramaturgo peruano César de María. Dicha imagen se construye a través del drama del protagonista, Noé, quien utiliza su cuerpo y voz para interpretar a Tripaloca, un payaso charlatán. De esa manera, el cuerpo de Tripaloca se convierte en signo y símbolo, y la palabra e imaginación en mecanismos de supervivencia. La capacidad de narración y el poder de su imaginación permiten a Tripaloca escapar de la muerte momentáneamente y seguir junto al público para contarle su historia. En consecuencia, la muerte es burlada y el tiempo detenido gracias al poder de la palabra y la imaginación (recursos del teatro), y se desestabiliza la jerarquía según la cual la muerte domina al hombre. Además, Tripaloca emplea el humor y la parodia para hacer reflexionar al espectador sobre su mirada prejuiciosa hacia el espectáculo del cómico callejero y el teatro. En resumen, César de María, mediante la ficción, revaloriza y hace visible el espectáculo del cómico callejero, al plantear reflexiones y transmitir verdades incómodas al espectador, al cual invita a asumir un rol activo y responsable frente al espectáculo.

Esta investigación basada en la recolección de fuentes académicas y de entrevistas se enfoca en el estudio de las herramientas de vinculación y desvinculación de la emoción en tres escenarios prácticos: al iniciar y finalizar una obra, en el paso entre escenas y dentro de escena. La investigación surge de la necesidad de encontrar herramientas de vinculación y desvinculación de la emoción ante la escasez de fuentes académicas sobre este tema. Asimismo por la necesidad de una respuesta ante la problemática del bloqueo emocional que pueden experimentar los actores y actrices al no contar con herramientas para abordar una escena que requiera llegar a un estado emocional intenso y herramientas para abandonar ese estado emocional. Es por ello que recopilamos las diversas herramientas existentes tanto teóricas como prácticas para la vinculación y desvinculación de la emoción en los tres escenarios prácticos. Luego, sistematizamos esta información según su utilidad y por último analizamos los elementos de cada herramienta. Nuestra investigación busca ser una guía para actores y actrices donde puedan consultar cómo emplear de manera práctica diversas herramientas para vincularse o desvincularse de la emoción según sus propias necesidades.

La presente investigación tiene como principal objetivo poder brindar al actor otra herramienta a la cual pueda acudir en el proceso de la construcción de un personaje demandante1 basándose en la técnica de Improvisación Testimonial. La investigación tiene como finalidad a largo plazo poder sistematizar el proceso del trabajo de texto y la Improvisación Testimonial, este proceso es el primer paso para sentar las bases de un laboratorio como este. De esta manera la investigadora, propone desarrollar un laboratorio práctico de Improvisación Testimonial que busque llegar al objetivo planteado. Así mismo esta investigación desarrolla dicho proceso de laboratorio estructurado en seis sesiones. Para el desarrollo del mismo se contará con la participación de tres actrices, que cursen entre el cuarto y séptimo ciclo de la Facultad de Artes Escénicas de la PUCP, teniendo como requisito básico el haber participado del curso de “Actuación”, específicamente en el módulo de “Creación de personajes” y que de esta manera puedan ser capaces de acudir a la técnica brindada en este curso, comparando así la interpretación inicial, y la que resultó luego de aplicar las herramientas ofrecidas en el laboratorio, tanto desde el punto de vista de las actrices como el de la investigadora y la guía del laboratorio. Dentro de este laboratorio se abordará un personaje y un texto, previamente explorado2. Las actrices participantes recibirán el texto y personaje para que sea presentado de manera libre, según sus experiencias y conocimientos. Y luego de haber realizado ciertos ejercicios en el laboratorio, las actrices presentarán el texto previamente mencionado, se observará a detalle cada uno de los procesos y en base a las necesidades de cada actriz, se reforzará el trabajo de texto con las herramientas propuestas en el laboratorio. El laboratorio de Improvisación Testimonial, busca ser un espacio de exploración para las actrices, un proceso de autoconocimiento, un espacio en el que puedan explorar cada parte de ellas que no conocían, retarse y salir de su zona de confort. La actriz en un estado vulnerable podrá crear con mayor libertad, el proceso del laboratorio la ayudará a expandir sus límites, sensibilizarse y refrescar la memoria; finalmente luego de conocerse mejor, podrá estar en contacto con ella misma, se reconocerá en distintas facetas y podrá comenzar a crear a partir de ella, lo cual la ayudará en su proceso de construcción de personaje y le permitirá llegar a una interpretación verdadera. 1 En la presente investigación se entiende que un personaje demandante es aquel personaje ajeno al actor que lo interpreta, tanto temporal como espacialmente y con características demográficas diferentes. 2 Al hacer referencia al texto previamente explorado, nos referimos a un monólogo que ya ha sido trabajado previamente por las actrices en el curso de actuación, lo cual nos brinda una oportunidad para poder notar de qué manera la herramienta propuesta aporta a los recursos que las actrices ya poseen.

La presente investigación se enfoca en la observación del estado vulnerable en la interrelación actoral, con el fin de utilizarlo como herramienta para abordar un diálogo dramático en un espacio de exploración. Debido a nuestra experiencia como actores dentro de una formación artística-académica, consideramos que el trabajo de interpretación de un texto dramático involucra los campos racional, físico y emotivo. Para nuestra investigación consideramos que el campo emotivo tiene una importancia particular, ya que compromete al actor de manera personal y humana en la medida que involucra las emociones como herramientas para la interpretación. La vulnerabilidad es un estado que nos permite conectar con la fragilidad que compromete nuestras emociones, fragilidad a la que en muchos casos nos es difícil acceder porque somos propensos a optar por una postura que nos cuide de cualquier estímulo que amenace contra su condición frágil, haciendo que constantemente nos protejamos ejerciendo resistencia y control sobre lo que sentimos. Situándonos en un plano artístico, como actores y actrices hemos querido estudiar los mecanismos para despertar la consciencia del proceso que conlleva el estado vulnerable. Para ello tomamos el ejercicio de la repetición de Sanford Meisner como plataforma práctica para esta investigación porque permite a través de la dinámica de la interrelación actoral, entendida como la relación consecuente del encuentro entre dos actores y/o actrices comprometidos emocionalmente y de manera directa, el despertar la consciencia del estado vulnerable. Con este propósito, los investigadores abrimos un laboratorio de exploración práctica para observar el fenómeno de la vulnerabilidad y su implicancia en la interrelación actoral, para así descubrir su impacto a la hora de abordar un diálogo dramático que requiera, por sus circunstancias, una condición particular entre los personajes. Con esta investigación pretendemos generar un aporte a las artes escénicas que sirva de motivación e inspiración para nuevas investigaciones en torno a los aspectos que comprometen el trabajo de interpretación actoral.

Desde inicios del siglo hasta la actualidad, en el Perú, se viene desarrollando un incremento de la creación y producción cinematográfica, así como de su consumo nacional y alcance internacional. Frente a ello, la dirección de actores es un área determinante en la representación de los universos ficticios de las películas de ficción del cine peruano. Por lo que consideramos urgente explorar el tema de manera práctica y teórica. Este trabajo se alinea en esa dirección, ya que propone generar un primer registro académico de la dirección de actores en el cine peruano para dar pie a nuevos cuestionamientos y conversaciones. Así, en un futuro, se crearán métodos de dirección de actores en cine aplicables a la realidad de las producciones peruanas. Esta investigación cualitativa analiza las características que asume la dirección de actores en las películas peruanas de ficción producidas entre 2000 - 2022 según el tipo de producción del cine peruano. El objetivo se alcanza a través del desarrollo de un análisis comparativo de la información recogida en las entrevistas semiestructuradas hechas a directores y directoras de cine peruano. Se concluye que la dirección de actores en las películas peruanas de ficción, producidas entre 2000 - 2022, según el tipo de producción del cine peruano, en términos generales, responde a las demandas y circunstancias económicas y artísticas de la producción / From the beginning of the century to the present, in Peru, an increase in cinematographic creation and production has been developing, as well as its national consumption and international reach. Faced with this, the direction of actors is a determining area in the representation of the fictional universes of fictional films of Peruvian cinema. Therefore, it is urgent to explore the subject practically and theoretically. This work is aligned in that direction since it proposes to generate the first academic record of the direction of actors in Peruvian cinema to give rise to new questions and conversations. Thus, in the future, methods of directing actors in cinema applicable to the reality of Peruvian productions will be created. This qualitative research analyzes the characteristics assumed by the direction of actors in Peruvian fiction films produced between 2000 - 2022 according to the type of production of Peruvian cinema. The objective is achieved by developing a comparative analysis of the information collected in the semi-structured interviews made to Peruvian film directors and directors. It is concluded that the direction of actors in Peruvian fiction films produced between 2000 - 2022, according to the type of production of Peruvian cinema, in general terms, responds to the demands and economic and artistic circumstances of the production

Esta investigación trata sobre el uso del gesto y el movimiento cotidiano como vínculo para generar una relación entre el espectador y la danza contemporánea. Para lograr tal propósito, se analizó la obra de danza contemporánea Quita pesar, dirigida por Ana Chung y estrenada en el 2018, la cual aborda el uso de las acciones cotidianas con el objetivo de crear reflexión sobre el cuerpo y la comunicación que el movimiento puede generar en las personas. Asimismo, se tomaron como principales referentes a la coreógrafa Pina Bausch y el colectivo de danza post moderna Judson Dance Church, ya que ambos sirvieron para indagar la causa de la aparición del gesto y el movimiento cotidiano en la danza, su historia y evolución. Como material de análisis se realizó un trabajo de campo donde se estudió cada función realizada, la opinión de los espectadores y se llevaron a cabo entrevistas a los intérpretes con el objetivo de demostrar si existe la posibilidad de generar una relación de cercanía entre el espectador y la danza contemporánea mediante el uso del gesto y el movimiento cotidiano. / This research is concerned by the use of gestures and daily movements as a link to generate a relationship between the audience and contemporary dance. As an object of study, the work of contemporary dance Quita Pesar was analyzed. Directed by Ana Chung and launched in 2018, the play addresses the use of daily actions with the aim of creating a reflection on the body and communication that the movement might generate in the audience. As main references we consider the choreographer Pina Bausch and the postmodern dance collective Judson Dance Church, both were utilized to investigate the cause of the appearance of the gesture and the daily movement in dance, its history and evolution. As an analysis material, field work was carried out. We studied each performance, opinions of the spectators and interviews with the interpreters, with the aim of demonstrating whether there is a possibility to generate a close relationship between the audience and contemporary dance through the use of gestures and everyday movements.

Esta investigación se centra en el estudio de estrategias de participación observadas en la danza y otras disciplinas artísticas para diseñar UNIR, una puesta escénica de danza contemporánea que busca generar un espacio de participación en el cual el espectador pueda explorar corporalmente. Con este fin se realiza una revisión teórico-práctica del panorama referente a la participación de público. Asimismo, se propone y aplica un diseño para la exploración práctica del tema. Finalmente, se ofrece reflexiones en torno a los hallazgos dados en el proceso creativo y el producto final resultante. / This research’s focal point is the study of participation strategies as observed in dance and other art disciplines in order to create UNIR, a contemporary dance piece that seeks to generate a space in which the spectator can explore their movement. With this in mind, it was necessary to make a theoretical and practical revision of the public’s participation landscape. It was also essential to design and apply a practical investigation of the subject. Finally, it was crucial to reflect on the findings discovered throughout the creative process and the resulting scenic product.

El objetivo de esta investigación ha sido determinar cómo el trabajo con la máscara neutra que desarrolló Jacques Lecoq permite integrar el trabajo de análisis de texto (profundizado por Stanislavski) con el trabajo físico, entendiendo este último como la partitura escénica en la interpretación del actor. Para cumplir con el objetivo propuesto se describe en que consiste el uso de la máscara neutra y se detallan los pasos que se deben realizar para integrar los trabajos mencionados, lo cual se lleva a cabo mediante la aplicación de una metodología de investigación en las artes escénicas basada en la práctica artística. Acorde con lo anterior se propuso y desarrolló un laboratorio teatral con alumnos de la Especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas (FARES) de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP), el cual se dividió en dos módulos: en el primero se realizó un acercamiento al uso de la máscara neutra, mientras que en el segundo se empleó el texto teatral La más fuerte de August Strindberg para integrar el análisis de texto y el trabajo físico. Se escogió esta metodología debido a que el uso de la máscara neutra permite desarrollar la disponibilidad del cuerpo del actor al trabajar la apertura, el equilibrio y la escucha; al conseguirlo, en el proceso de integración este cuerpo disponible se convierte en una plataforma para aplicar el trabajo de análisis de texto que se realiza previamente en busca del trabajo físico, lo cual genera un proceso de retroalimentación constante entre ambos trabajos y permite analizar y registrar el material escénico que se encuentra. Además, se evidencia que la existencia de resistencias físicas en el actor no permite que este integre el trabajo de texto con su cuerpo, por lo que se considera que esta investigación revela la importancia de la consciencia y el manejo corporal del actor, quien, al tener control sobre su cuerpo, logra una mayor libertad para crear y ampliar su registro interpretativo. Así pues, con el desarrollo de este trabajo se busca generar un aporte investigativo sobre la interpretación actoral, y la posibilidad de establecer puntos de encuentro entre diversas teorías y/o técnicas teatrales.

Este trabajo de investigación busca analizar cómo un actor descubre y afronta sus resistencias a través de la práctica de los cuatro segmentos del trabajo previo (el autónomo, la gimnasia emocional, el ritual y el puente) según la técnica interpretativa de Jorge Eines en el proceso de ensayos de una escena. Para ello, se hizo un laboratorio que fue dirigido por quien escribe con el fin de observar, intervenir y registrar las resistencias del actor Luis Demetrio en cada segmento del previo. Este análisis está sustentado en los conceptos teóricos de las investigaciones científicas y los hallazgos técnicos de Eines, Eugenio Barba, Jacques Lecoq y Jerzy Grotowski. Sin embargo, esta investigación está dirigida hacia observar dichos conceptos aplicados en la praxis del actor en el ensayo, es decir, se trata de analizar las resistencias del actor como constataciones de lo que ocurre y no solo como conceptos teóricos.

En la presente investigación, realizada desde la práctica artística, se propuso revisitar los recuerdos de una actriz en los que sentía que no encajaba con mandatos de género durante la adolescencia, a través del juego de su clown. El enfoque de la exploración estuvo guiado por el principio misfit, para la creación escénica de un work in progress virtual. Esta exploración se llevó a cabo por medio de un laboratorio de creación que contó con herramientas diseñadas para su sistematización. Dicho laboratorio, estuvo enfocado en la realización de improvisaciones y juegos diseñados con enfoque en lo misfit, como detonador creativo. El lenguaje escénico, a través del cuerpo, la palabra, el diseño del espacio y los objetos, permitió dimensionar lo sentido en la adolescencia, crear complicidad con el público y cuestionar discursos hegemónicos, para la creación escénica. De esta manera, se planteó una experiencia escénica virtual que reivindicó el sentimiento de no encajar en el consenso de normalidad social, a través del clown, como una posibilidad para crear y para la conciliación entre el presente y la adolescencia.