Cette recherche collaborative porte sur l'enseignement de la vidéo comme forme d'art au cégep. Elle présente le développement d'une intervention pédagogique en milieu collégial qui permet d'initier les élèves à l'art vidéo et au langage qui est propre à ce médium. Compte tenu des limites géographiques, temporelles et conceptuelles de cette recherche, j'ai choisi de développer un seul projet sur quatre semaines, au trimestre d'hiver 2006. Ce projet s'est déroulé dans le cadre du cours Langage visuel II, en collaboration avec Madame Dory Reimer, enseignante au Collège de Bois-de-Boulogne de Montréal. Il se fonde sur mes intérêts et mon expérience préalable en vidéo et sur les besoins identifiés dans le milieu d'enseignement collégial. La séquence de cours a été développée selon la méthodologie de développement de l'objet de Van der Maren et selon l'approche de la recherche collaborative. Puisqu'il s'agit de développer un projet d'initiation à la vidéo pour les élèves, j'ai choisi comme cadre théorique l'approche de la pédagogie du projet parce qu'elle a pour but de susciter la réflexion des élèves autour d'une proposition. De plus, j'ai exploré du côté de la pédagogie de Freinet quant à l'utilisation de la discussion de groupe comme moyen de réflexion critique. Je partirai de l'hypothèse que la combinaison de ces deux approches permet de faire émerger les idées et de raffiner les critiques qui amèneront les élèves à réfléchir sur la vidéo en tant qu'art médiatique et, ainsi, s'approprier le langage vidéographique. Au terme du projet, les objectifs spécifiques qui étaient de permettre aux élèves d'acquérir les notions reliées au langage vidéographique, de produire une vidéo d'art en y intégrant ces notions et de développer leur capacité à analyser ce type d'oeuvre en exprimant clairement leurs réflexions à leurs pairs, ont été atteints par la majorité des élèves. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art vidéo, Pédagogie du projet, Vidéographie, Pédagogie Freinet, Collégial, Développement d'objet, Recherche collaborative.

Ce texte d'accompagnement consiste en une présentation de mon processus créateur, des expérimentations qui en résultent ainsi que des concepts qui soutiennent mes préoccupations actuelles. Dans un langage personnalisé, je m'intéresse au concept d'autoaction comme conducteur de l'autonomie créative. Selon ma définition, je dirais que l'autoaction est une action qui laisse entrevoir la subjectivité d'une personne et qui en ce sens, ouvre peut-être sur une autonomie créative. Celle-ci résulterait donc de l'exploration que fait une personne de sa subjectivité, et ce, au sein d'une action. La présente étude défendra l'idée selon laquelle l'interdépendance conceptuelle entre subjectivité, autoaction et autonomie créative est nécessaire pour ouvrir une réflexion, au sein de ma pratique artistique, sur des thèmes globaux comme celui de l'émancipation, la liberté ou l'intégrité. Il sera principalement question de démontrer que la présence d'une subjectivité affirmée, même dans tous ses états, est plus riche que la potentielle abnégation de celle-ci. Pour ce faire, je me concentrerai sur mes recherches en lien avec la notion de non objectivation de l'être humain développée par le philosophe Alexis Klimov ainsi que sur les mécanismes émancipatoires présents au sein de ma pratique artistique. / This accompanying text consists of a presentation of my creative process, the results of experiments and concepts that support my current preoccupations. In a personalized language, I am interested in the concept of self-action as a driver of creative autonomy. According to my definition, I would say that self-action is an action that suggests a person's subjectivity and that, in this sense, may open up creative autonomy. This would therefore result from the exploration that a person makes of his subjectivity within an action. The present study will support the idea that the conceptual interdependence between subjectivity, self-action and creative autonomy is necessary to open a reflection, within my artistic practice, on global themes such as that of emancipation, freedom or integrity. It will be primarily a question of demonstrating that the presence of an affirmed subjectivity, even in all its states, is richer than the potential abnegation of it. To do this, I will focus primarily on the outcome of my research related to the notion of non-objectification of the human being developed by the philosopher Alexis Klimov as well as on the emancipatory mechanisms present within my artistic practice.

L'œuvre Au-delà du regard constitue le corps de la présente thèse création. Elle explore les enjeux liés à la mémoire et propose une réflexion sur la mort et la survie. Des signes de l'imaginaire féminin appartenant à la fin du XIXe et au début du XXe siècle sont mis en scène dans une installation vidéographique. Celle-ci se compose de projections d'images photographiques animées de visages de femmes, d'un ensemble de quatre cents têtes de poupées disposées au sol, dont certaines sont identifiées par un prénom; des codes d'identification numérique et des noms de famille inscrits sur certains murs de la salle d'exposition. La création de ce lieu de mémoire est une invitation à découvrir ces femmes, à s'interroger sur leur existence et ainsi, à les faire revivre dans notre imaginaire. L'œuvre présente également un questionnement sur les migrations des mémoires de femmes qui, à travers le regard d'aujourd'hui se réactualisent constamment. Ma proposition dépasse la question de la femme et ouvre sur le thème de la finitude de l'humain et de l'installation comme espace de commémoration. Dans le contexte de cette thèse création, une approche descriptive et autopoïétique est privilégiée. Le point de vue adopté est celui de la production et l'accent est mis sur la genèse et le processus de création d'Au-delà du regard. Le texte qui accompagne l'œuvre prend la forme d'un récit de pratique qui décrit et analyse différentes stratégies et opérations artistiques, instaurant une dialectique entre l'effacement et la réactivation de la mémoire des femmes. Autrement dit, l'observation et l'analyse portent sur le travail de collecte d'images dans les archives photographiques brésiliennes et québécoises; sur les différents processus de traitement des images comme la numérisation, le découpage et l'animation; sur le travail sculptural, c'est-à-dire, le processus de reproduction de poupées en argile par le moulage et, finalement, sur la mise en espace de l'œuvre. Plusieurs études philosophiques sur la photographie, l'indice, les archives, la théorie de l'image numérique, la vidéo, le moulage, l'installation et la mémoire m'ont permis d'analyser les opérations sur lesquelles se fonde ma pratique. M'appuyant sur un cadre théorique hybride et hétérogène, harmonisé par l'autopoïétique, j'analyse d'un point de vue d'artiste un corps d'œuvres contemporaines. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : archives, installation, mémoire, mort, opérations artistiques, photographie de femme, survivance, vidéo.

Cette thèse traite de la définition et des prolongements politiques de l’identité, questionnés à travers la manifestation de l’intime dans l’art vidéo des années 1970 à nos jours. L’intime est pensé aussi bien en tant qu’effacement des frontières entre le privé et le public qu’en tant que nature de la relation entre la vidéo et ses spectateurs. Le champ de recherche est géographiquement limité à la France, au Brésil et à la Turquie, de par la particularité de leurs rapports respectifs à l’identité culturelle et nationale : la jeune identité turque née des cendres de l’empire ottoman, entre Occident et Orient ; l’identité brésilienne, fondée sur l’hybridité ; l’identité française à l’épreuve de l’immigration. La première partie, structurée par une approche géographique et chronologique,expose les grands traits de l’histoire de l’art vidéo sur ces trois territoires et certains événements sociaux et/ou politiques marquant les choix esthétiques : les coups d’Etat au Brésil et en Turquie, l’avènement de la modernité turque, le mouvement anthropophagique brésilien, le reflet du mouvement féministe dans l’art français. Les thèmes majeurs qui y sont évoqués, comme le nomadisme, la relation entre le centre et la périphérie, le cinéma comme lieu d’invention des identités, dirigent les deux parties suivantes qui s’articulent autour des déplacements psychiques, géographiques et disciplinaires. Par le biais de l’analyse d’oeuvres vidéographiques de douze artistes - Nil Yalter, Regina Vater, Dias & Riedweg, Kutluğ Ataman, Fikret Atay, Şener Özmen,Thierry Kuntzel, Rebecca Digne, Brice Dellsperger, Wagner Morales, Pierrick Sorin etRafael França – on construit une réflexion sur la détermination de l’identité et la nature politique de l’intime. / This thesis discusses the definition and the political extensions of identity, whichit questions through the expression of the intimate in video art from the 70s till today.The intimate is considered not only as the fading of borders between the private and the public but also as the nature of the relationship between the video and its viewers.The field of this research is geographically limited to France, Brazil and Turkey,because of the particular relation of each of these countries to the notion of cultural and national identity: the young Turkish identity, born from the ashes of the Ottoman Empire, standing between the West and the East; the Brazilian identity, established upon hybridity; the French identity, put to the test of immigration.The first part, which is structured by a geographical and chronological approach,exposes the important traits of video art’s history on these three territories as well assome social and/or political events which have left marks on the aesthetical preferences:the Coups d'état in Brazil and Turkey, the advent of Turkish modernity, the cannibalistic Brazilian movement, the reflections of the feminist movement in Frenchart. The major themes mentioned in the first part, like nomadism, the center-peripheryrelations and the cinema as a space to invent identities, guide the following two partsbased on psychic, geographical and disciplinary displacements. Through the analysis ofthe videographical pieces of twelve artists - Nil Yalter, Regina Vater, Dias & Riedweg,Kutlug Ataman, Fikret Atay, Sener Özmen, Thierry Kuntzel, Rebecca Digne, BriceDellsperger, Wagner Morales, Pierrick Sorin and Rafael França – a thinking on the determination of the identity and the political nature of the intimate is built.

Cette thèse explore comment l’art actuel, plus spécifiquement vidéo, permet d’interroger le rapport entre corps et images. Un lien étroit les unit aujourd’hui ; l’art vidéo, fruit de ce temps postmoderne, paraît assez adapté à son exploration. Tout d’abord, les modalités d’influence de l’image sont déclinées. Quatre sources appuient l’élaboration d’hypothèses : les théories psychanalytiques et phénoménologiques, des faits de société, des productions artistiques (provenant aussi bien d’artistes confirmés que de notre propre pratique) et les théories de l’image (histoire de l’art et esthétique). Une série de conclusions en ont été déduites : l'Homme actuel semble peuplé d’images ; celles-ci participent à la structuration de la perception, concurrencent les souvenirs et concourent à la détermination des formes de l’élaboration mentale. De ce fait, l’image définit significativement le corps postmoderne. Mais plusieurs rapports aux images restent possibles : l’utilisation, l’interaction, l’expérimentation. Ensuite, par le potentiel oscillatoire de l’art vidéo, l’interdépendance corps/image est approfondie. La partie II met en regard corps sensible et corps représenté à travers les traces fluctuantes du référent dans la représentation vidéo – par les couples apparition/disparition, surface/épaisseur, sens/non-sens – afin d’explorer le corps rêvé, vécu et le rapport au corps représenté. La partie III montre le jeu entre la liaison et la déliaison du corps représenté avec le décor – porté par l’incrustation, le remontage et la composition vidéo. Cela permet d’aborder le positionnement et l’articulation, du corps et de sa représentation, aux images. Cette approche désigne également ce qui dans le corps représenté fait corps et ce qui dans son articulation au décor fait obstacle : le corps désirant. / This thesis explores how contemporary art, more specifically video, interrogates the relationship between body and images. A close link binds them together today; video art, native to postmodern time, seems adapted to its exploration. First, influence modalities of the image are developed. The hypotheses are constructed on four sources: psychoanalytical and phenomenological theories, socials realities, artistic productions (both from known artists and from my own practice) and image theories (art history and aesthetic). A succession of conclusions have been deducted from them: today’s human seems to be inhabited by images, these participate to the structuration of perception, compete with recollection and contribute to determine the shapes of mental elaboration. Consequently, the image define significantly the postmodern body. But various relationships to images remain possible: utilization, interaction, experimentation. Then, with the oscillatory potential of video art, the interdependence between body and image is detailed. Part II compares sensible body and depicted body through the fluctuating marks of the referent in video representation – working with the appearing/disappearing, surface/thickness, sense/nonsense pairs – to explore the dreamed, lived body and the relationship to the depicted body. Part III shows the interplay between linking and delinking of the depicted body with the backgrounds – bore by chroma keying, reediting and compositing. This allows to apprehend positioning and articulation, of the body and its depiction, to images. This approach also points out what in the depicted body reveals the sensitive body and what in its articulation to the background resists: the desiring body.

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La profondeur et l'éclatement de l'image - Réflexion critique sur l'image et les technologies accompagne les trois oeuvres réalisées dans le cadre du doctorat : le corpus photographique L'Ombre survivante présentée à Québec au centre VU ; le corpus photographique Personnes présenté à Québec à la galerie Le 36 ; l'installation vidéo Cités présentée à Trois-Rivières à la galerie R3, à Québec à la Galerie des arts visuels et à Santiago (Chili) à la VIII e Bienal de video y nuevos medios. La profondeur et l'éclatement de l'image - Réflexion critique sur l'image et les technologies traite des idées et des notions qui permettent de dégager certaines propriétés générales de l'image que j'aborde par les dimensions imaginaire, conceptuelle et concrète. La problématique de cette recherche est : L'image est-elle en train de perdre son sens pour qu'un sens renouvelé se révèle dans une nouvelle forme d'image, dans une nouvelle expérience imaginaire ? Celle-ci pose simultanément l'image dans sa généralité et dans son actualité et amène à dégager des manières de penser et de construire l'image dans la profondeur et dans l'éclatement, dans les glissements entre ses temporalités et ses spatialités. Aussi, cette recherche vise à visiter le lieu de l'image, à scruter l'action du faire-image, à proposer la mise en place d'une structure métaphorique de l'image, à sonder la production d'une image-lieu comme image fictive et à parcourir le lieu de l'avoir-lieu de l'image. Cela en rapport critique avec les images de masse présentes dans la société moderne et l'influence des nouvelles technologies.

En vivant hors de mon pays d'origine, certains aspects de la vie quotidienne deviennent plus importants que d’autres, car !'éloignement de ma culture mexicaine a transformé ma manière de travailler, de réfléchir et de réaliser ma propre œuvre qui est le reflet de l’essence de mon être. Ce projet se veut un lien entre mon passé révolu et mon présent qui rapidement devient passé et se transforme en souvenir. Le passé est symbolisé par des petits éléments qui proviennent de ma culture d’origine et mon présent, par des paysages environnant mon milieu de vie. Dans les deux cas, je suis là, comme un personnage en mouvement et mes pieds sont la preuve de mon existence. J’ai choisi de travailler avec la photographie et la vidéo car ils laissent des traces de ce temps qui s’écoule. La succession d’instants se confond entre mes souvenirs et mes réalités, créant un mouvement constant qui influence mon identité. Je suis ce que j’étais et aussi ce que je vis à l'instant présent. Dans ce processus, l’espace où je me suis trouvée a aussi été un facteur de changements. Ce projet est composé de deux séries de photographies et d’une œuvre vidéo. Ces trois éléments forment un tout et se complètent, afin de démontrer cette transformation identitaire que j'ai vécue et qui fait déjà partie de mon passé. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2019

Je commence par l'inspiration, lieu intime où je puise mes images ; images vidéos, images objets, mais images ambiguës. Je cherche l'ambiguïté et fait naître l'inquiétante étrangeté. Ma pratique est fondée sur la recherche d'une polyvalence de sens à travers la beauté étrange des images vidéos et des objets. A travers ceux-ci, je suggère des univers ambivalents où se côtoient le temps, l'intuition, l'émotion, la différence, la répétition, l'image et l'absence. Mon mémoire intitulé : Ambiguïté et étrangeté (l'intuition sensible et l'ouverture sur l'ambiguïté), se veut une réflexion sur ma pratique comme un regard neuf posé sur des exercices d'intuition sensible toujours incertains. À travers mes œuvres, je propose des impressions contraires qui, ici, ne se divisent pas, mais s'unissent pour renforcer l'ambiguïté ou, plutôt, l'indétermination du sens. Ma pratique à travers la vidéo, l’installaction et les objets se révèle être un cheminement vers un résultat incertain, mais finalement toujours surprenant. C'est aussi l'occasion de me surprendre et de faire la rencontre avec l'imprévisible par les accidents de parcours et le hasard. Je joue avec l'ambiguïté, guidée par la volonté de faire apparaître une bizarrerie troublante. Je crée donc des atmosphères où transparaissent des images par lesquelles l'ouverture de sens est possible. Et grâce au non-dit, je découvre d'autres images, d'autres formes par leur présence et leur absence. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2014

Comme un chef trouverait ridicule qu'un client qui goûte son plat lui demande de décrire la saveur et pourquoi il le fait, certains artistes ne veulent pas s’asseoir et interpréter leurs œuvres à la place du spectateur. Surtout que les artistes ont d’autres raisons de rester silencieux: peut-être que les œuvres elles-mêmes sont des objets obscurs auxquels les artistes veulent échapper ou que celles-ci répondent à des questions non résolues. Les œuvres seraient des réflexions non avouées. Cependant, une relation s’établit entre les artistes et leurs pratiques. Je la découvre à travers ma démarche de création en maîtrise, accompagnée de tous les questionnements techniques et émotionnels, que je termine avec mon exposition – Rivière absente. Pour décrire mon cheminement, je commence par une interprétation du concept de symbiose. Ce concept s'applique à l'ensemble des installations de mon exposition. Deuxièmement, j'analyse l’influence de l’animation et de la vidéo sur ma production en accordant plus d'importance à l'œuvre finale et son échange avec le spectateur qu'au médium lui-même. À la fin, j’analyse l'ensemble des sentiments et des réflexions sur la notion de nostalgie qui donne naissance à mes scénarios et à ma pratique. En plaçant cette partie à la fin, je tente de mettre en avant-plan les émotions que l'œuvre transmet tout en mettant de côté l'analyse technique.