A partir d’une réflexion plastique, cette recherche vise à étudier les liens entre la répétition et l’art vidéo. La répétition, pensée en termes de processus, s’inscrit dans une double perspective. Elle est d’abord un principe de composition qui génère un certain nombre d’effets. Elle est ensuite un motif capable d’interroger une série de glissements perceptifs susceptibles d’interroger notre travail psychique actuel. Une première partie, consacrée à la mise en boucle de l’image et du son et à la boucle du direct, vise à étudier comment la diversité des processus de répétition à l’oeuvre dans l’art vidéo peut orchestrer de façon singulière la perception des objets temporels. Une seconde partie permettra d’étudier comment les processus de répétition opèrent lorsqu’ils prennent place dans des vidéos qui intègrent une dimension narrative. La circularité des récits, les jeux de dédoublements et de redoublements, les allers-retours entre textes et images agissent comme autant de ritournelles qui décousent l’unité des personnages et de leurs récits pour tenter de cerner un sujet aujourd’hui caractérisé par son indétermination. / Starting with a reflection based on plastic arts, this thesis aims at studying the links between repetition and video art. Repetition, considered as a process, is double. First, it is a composition principle which produces several effects. Secondly, it is a motif capable of interrogating a series of perception shifts likely to question our current psychic work. The aim of the first part, devoted to sound and image in a continuous loop and to feedback processes, is to study how the many processes of repetition at work in video art can orchestrate our perception of temporal objects. The second part will focus on the way these processes of repetition operate when they take place in videos with a narrative dimension. The narratives’ circularity, the processes of doubling and reduplication, the back and forth movement between texts and images act as ritournelles which undo the characters and their stories’ unity to try and comprehend a subject whose profound nature is today indeterminate.

Ce mémoire dégage une réflexion sur le concept de beauté et sur la quête d'un idéal. Trois notions sont développées et dévoilent mes principales préoccupations : Le beau, l'hybridité et l'androgynie. Ce qui m'anime dans cette recherche, ce sont les relations étroites entre ces trois idées. L'étude des genres et de l'identité sexuelle est proposée et engendrée par les caractères opposés qui découlent de ces trois concepts. Du beau il y a l'étrange et le monstrueux, de l'hybridité il y a fusion de deux entités, et de l'androgynie, il y a évidemment les genres masculins et féminins mais aussi le caractère monstrueux de l'hybride puis la pureté (reliée au beau) de l'être asexué. De ce fait, le sujet de l'androgynie est une synthèse qui unit les points d'ancrage de cette recherche. À partir de lectures philosophiques et sociologiques, j'établis un parallèle entre mon travail et les différentes symboliques de ces idées. Tout en puisant dans un univers de références mythiques, l'élaboration de mon oeuvre oscille entre le fictif et le réel, par des rencontres fortuites entre la bande-son et les trois tableaux vidéographiques présentés en triptyque.

L’essentiel de ce texte se veut une réflexion sur la manière de raconter une histoire ou, plutôt, de l’évoquer : un questionnement qui fonde ma pratique de l’image photographique et vidéographique. Afin de mener à bien cette réflexion, plusieurs aspects de mon questionnement par rapport à l’image seront abordés : la notion de véracité historique, l’image photographique, l’image d’archives, la complexité, un « univers de possibles », ainsi que l’analyse de ma méthodologie de travail. Cet approfondissement théorique sera développé de connivence avec ma pratique visuelle qui, dans le cadre de ma maîtrise en arts visuels, s’est principalement déployée sous la forme de l’installation vidéographique. Mots-clés : histoire, archives, évocation, complexité, art vidéographique. / This text is essentially a reflection on how to tell a story, or rather, how to evoke it: a questioning that inhabits my photographic and video practice. To carry out this reflection, several aspects of this inquiry in relation to the image will be discussed, the notions of historical truth, the photographic image, the archive image, complexity, “a universe of possibilities” and also, an analysis of my methodology. This theoretical inquisition will be developed in collusion with my visual practice that has been deployed, during my master’s degree, mainly in the form of video installations.

En soulignant les similitudes entre la révolution virtuelle à celle qui eue lieu au dix-neuvième siècle, avec la mécanisation des transports et de l'image, l'installation vidéo intitulée Transcénique stéréo questionne les impacts des technologies numériques sur notre façon d'être et de se déplacer dans le monde. Le pouvoir libérateur du récit, qui émerge de l'acte de se déplacer et de se représenter ces déplacements, est opposé à la cartographie comme outil de possession et de contrôle. Différentes technologies de l'image analogique sont étudiées afin de comprendre leur mode opératoire et d'en retracer les applications à l'ère du numérique. Finalement, les notions de prise de vue et de montage cinématographique sont analysées afin de comprendre comment ces techniques peuvent être applicable à l'image numérique, et ce, dans l'espoir d'en saisir son « essence ».

Ce mémoire propose de retracer un parcours présenté sous la forme de réflexions sur l’expérience, le quotidien et l’image. Développé en trois parties, il décrit d’abord mes premières influences perceptuelles, puis les différentes étapes qui auront ponctué mes recherches pratiques, au travers de corpus artistiques et de références philosophiques. Attentive au quotidien et à ses instants routiniers, j’explore les différents niveaux de réel et d’imaginaire qui m’habitent. Je m'intéresse à la perception de ces mondes, à leurs cohabitations et à ce qu’ils produisent en moi et en nous. Je traiterais également du médium vidéo et de la valeur de l’image, des esquisses qui matérialisent une certaine temporalité de l’image en mouvement, où l’expérience à vivre est celle de l’instant suspendu.

Mon travail de création à la maîtrise a principalement été de réaliser des vidéos contemplatives et des collages en modifiant des images. À l’aide de différents logiciels ou techniques de montage, j’ai modifié des photographies, des séquences de films, des images tirées de webcam, des reproductions de même que mes propres captations. Ce texte présente mon travail artistique en venant établir des liens entre mes projets de création, des œuvres et des notions théoriques qui touchent à différentes idées de l’image singulière. Ce texte divisé sous cinq thèmes qui se sont dégagés de mes recherches — dévier, appropriation, montage, singularité et temps — permet de rendre compte de mes réflexions sur mon travail de l’image. Plus précisément, je spécifierai en quoi remanier une image est pour moi la manière de la rendre singulière.

La contrainte positive de Barney permet d’'aborder la capacité du dispositif à produire des usages qui, parce que contraints, s'avèrent féconds. Les corps monstrueux sont analysés dans le genre vidéoludique horrifique à partir de cette problématique de la fertilité artistique des dispositifs de contrainte développant une nouvelle approche iconologique tant des enjeux de la relation vidéoludique à l'image que du pouvoir générateur des monstres. Les dispositifs sont conçus comme parcours dont la spatialité est étroitement liée aux idées de clôture et d'obstacle. En écho à Jankélévitch, ces entraves se constituent en organes-obstacles engageant à une pratique où le malgré est paradoxalement le grâce-à. Le recours à l'entrave est souhaité en vue d'un processus génératif ne pouvant prendre corps qu'au risque de l'épreuve d'un déplaisir, d'une «horreur délicieuse» engageant à approfondir l'affinité entre le sublime et la façon dont les dispositifs de contrainte se constituent à travers l'expérience de plaisirs négatifs, d'une disconvenance conduisant selon Schiller à une convenance supérieure. Au-delà de la conjuration de la stupeur horrifiée, par l'artialisation de l' image, l'ouverture iconologique interartiale (picturale, vidéoplastique...) et mythologique permet la mise à jour heuristique de la genèse du monstrueux par un dispositif de contrainte (Tête de Méduse, Rubens) et de la résistance par impossibilité de la capture (Protée) qui conduit à examiner les dispositifs irréductibles à !'enclosure et la question de l'absence de contrainte comme contrainte paradoxale, induisant l' exercice de la mètis qui permet d'éviter l'achoppement dans le clos comme la perte dans l'ouvert. / The notion of positive restraint (Barney) brings to light the apparatuses' ability to produce practices that prove to be fertile, because restrained. Monstrous bodies in horror video games are analyzed from the perspective of the restraint apparatuses' artistic fertility, thus elaborating a new iconological approach to the image issues in videogames and monsters' generating power. Apparatuses are understood as routes whose spatialit is closely linked to the ideas of enclosure and obstacle. Echoing to Jankélévitch, these constraints establish organs-obstacles that set in motion a practice in which despife is paradoxically thanks to. Submitting to constraint engages a generalive process that can only take shape in the presence of a displeasure trial, a "delightful horror" leading us to investigate further the link between sublime and the way restraint apparatuses are grounded in the experience of negative pleasures, of a unsuitability leading, according to Schiller, to a superior suitability. Beyond discharging oneself from horrified stupor by the "artialisation" of the image, the interartial iconological (pictorial, video...) and mythological fields allow us to explore the genesis of monstrosity by restrainl apparatuses (Rubens' Medusa). It also underlines the idea of resistance by the impossibility of capture (Proteus) that leads us to examine the apparatuses without considering them as necessarily linked to closure, and the question of the lack of restraint considered as a paradoxical restraint, which leads to the practice of mètis that enables to avoid stumbling in closed spaces as well as getting lost in wide open spaces.

Cette version de la thèse a été tronquée des éléments de composition originale. Une version plus complète est disponible en ligne pour les membres de la communauté de l’Université de Montréal et peut aussi être consultée dans une des bibliothèques UdeM. / La vidéomusique présente un riche terrain d'expérimentations pour le compositeur. Elle prend la forme d'un réseau où coexistent la musique, les images en mouvement et un langage qui épouse un propos plus poétique que prosaïque. La vidéomusique porte un nouveau regard sur les relations entre le son et l'image et, forte de cette analyse, jette les bases d'une nouvelle expression esthétique. Le présent ouvrage propose une typologie des relations son/image et présente la démarche créative de l'autrice par l'étude de trois vidéomusiques dans le contexte de leur création. Au fil des analyses, notre attention se portera sur trois axes : 1) la typologie des relations son/image comme outil servant à la fois à l'analyse et à la composition; 2) le travail simultané du son et de l'image; 3) la création d'une expérience esthétique sensible et émotive, basée sur le mouvement de matériaux captés dans l'environnement naturel. / Videomusic presents a rich field of experimentation to the composer. It takes the form of a network where music, moving images and a language closer to poetry than prose coexist. It explores the ways in which sound and image can be related and what kind of expression these relationships allow. This work proposes a typology of sound/image relations and presents the author's creative process through the study of three videomusic works and the context in which they were created. In the course of the analyses, our attention will focus on three axes: 1) the typology of sound/image relations as a tool for both analysis and composition; 2) the simultaneous work on sound and image; 3) the creation of an aesthetic experience that evokes emotions and meaning by drawing on the movement of materials captured in the natural environment.

Mon travail s'appuie sur l'expérience duale du corps humain, particulièrement le corps de la femme. Pour exprimer cette expérience corporelle, je me sers de la photographie et de la vidéo où je fais interagir les corps avec des objets sculpturaux que je nomme objets portables, du fait de leur rapport étroit avec le corps. Ces objets sont dérivés de bijoux, de prothèses médicales ou d'ornements et ont une fonction de médiation. Mon travail se nourrit des souvenirs du passé, pour lesquels j'ai recours à la mémoire et au rêve. Dans les images créées pour l'ensemble de mes projets s'établit une ambigüité temporelle, située entre une réactualisation du passé et une résurgence de souvenirs d'enfance.

Ce mémoire de maîtrise porte sur l’animation des images fixes dans le film Me and You and Everyone we Know réalisé en 2005 par Miranda July, et tout particulièrement sur les pratiques artistiques de la protagoniste Christine Jeperson, qui est artiste vidéaste. L’objet de cette étude se fonde sur les matériaux utilisés par l’artiste-protagoniste elle-même, et vise en premier la photographie, puisqu’elle travaille toujours à partir de photos amateur, de clichés, d’images banales, qu’elle tente d’animer par le biais de la vidéo et de leur mise en récit. Ces deux dispositifs d’animation, qui à leur façon redonnent du temps et du mouvement aux images, réalisent un déplacement de valeur en en faisant de l’art et déploient du même coup un espace propre à une certaine expérience esthétique du spectateur, car c’est dans son imaginaire que peut véritablement se produire l’animation de ces images. Ainsi, dans ce mémoire, je tenterai tout à la fois de me concentrer sur ce détail du film que sont les œuvres de Christine, mais en cherchant à les mettre en relation avec d’autres moments du film, avec ce qui semble être les motifs privilégiés de la pratique de Miranda July, de même qu’avec d’autres moments de l’histoire de l’art, afin d’en historiciser la démarche. Ce travail servira donc à éclairer une pratique d’images contemporaine singulière, à la croisée entre photographie, vidéo et film. / This Master’s thesis deals with the animation of still images in Miranda July’s 2005 film, Me and You and Everyone we Know. More specifically, it analyses the artistic practices of Christine Jeperson, a video artist who is the main character of the film. This study focuses on the materials utilized by the artist-protagonist and looks at her particular use of photography: her video works all revolve around amateur photographs, clichés, banal images, that she animates via the remediation of video and "narrativization" ("mise en récit"). These two principles of animation, that give time and motion to the still images she uses, also produce a displacement of value by turning these images into art and, by the same token, open a specific space i.e. the aesthetic experience of the spectator, for it is in his or her imaginary, in the end, that this animation is produced. Thus, in this study, I wish to look at these “details” within the films — the video works of Christine — whilst seeking to show the relations they entertain with other elements of the film, with Miranda July’s body of works, as well as with other moments in art history that relate to this animation apparatus, in order to historicize the practices of Christine / July. This Master’s Thesis wishes to illuminate a specific kind of contemporary visual practice, at the intersection of photography, video and film.